【ピアノ】国際コンクールを語るスレ【大好き】part45

[1 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 08:41:12.81 ID:Cw0c/H7E]

国際コンクールピアノ部門でお気に入りのピアニストを語りましょう
コンクール実況可

前スレ
【ピアノ】国際コンクールを語るスレ【大好き】part44
https://kizuna.5ch.net/test/read.cgi/piano/1747142887/

[2 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 08:41:46.27 ID:Cw0c/H7E]

ベートーヴェン(ウィーン) 5/16~
https://beethoven-comp.at

クライバーン 5/21~
https://cliburn.org/competitions/2025-cliburn-competition

イトゥルビ　6/4~
https://pianoiturbi.dival.es/en/2025-competition/informative-news/

マラガ　6/7~
https://concursopianociudaddemalaga.com/en/

ラフマニノフコンクール　6/14~
https://rachmaninoffcompetition.com/en/

仙台国際　6/14~
https://simc.jp/9th_competition/piano_contestants/

サンタセシリア　6/20~
https://www.scecilia-competition.com/main-competition-2025/

[3 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 08:42:31.22 ID:Cw0c/H7E]

前スレ容量ストッパーかかってて書き込めないので次スレ立てました

[4 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 08:46:13.99 ID:Cw0c/H7E]

カーター先生もクリクリも良かった
カーター先生の右手が心配で初めてKeys view使ってみたよ

[5 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 09:06:46.61 ID:+iccLdKl]

スレ立てありがとう
前スレのコピペ止まってたからラッキーと思ってレスしようとしたら書けなかった
カーター先生後追い中

[6 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 09:24:29.35 ID:+iccLdKl]

これさ、次進めない人予想したほうが早いね
通過できるのは28人中18人

[7 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 09:32:36.51 ID:Cw0c/H7E]

メリーがチャットに登場
…と同時に早速ジュリアンの名前出してサゲ始めた
クライバーンにいないのわかっててわざと名前出してる
本当に性格悪い

[8 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 09:34:51.88 ID:Cw0c/H7E]

>>6
10人進めないってことだよね
今日の前半の人たちが複数当てはまるかも(汗

[9 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 09:43:55.33 ID:+iccLdKl]

今日はポリーナやイレーナまで悪乗りに加担してる最悪
ジュリアン訴えればいいのに

[10 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 09:51:29.10 ID:Cw0c/H7E]

個人的にシャコンヌはピカルディ終止使わない方が好きだな

[11 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 09:56:51.32 ID:Cw0c/H7E]

シャムの演奏
クリクリやカーター先生に比べるとカーテンの向こうで弾いてるような聴こえ方
新曲はリズム感あって面白かった

[12 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 09:58:13.01 ID:+iccLdKl]

シャム小柄だからね

[13 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 10:13:01.53 ID:Cw0c/H7E]

ARDのエントリー発表になってた
https://www.ard-musikwettbewerb.de/en/competitors2025/

ビリー、エリアス、ハンガリーのアダム、ジローetc
日本からは谷くん

[14 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 10:33:00.32 ID:Cw0c/H7E]

エンジェルもう少し弾ける印象だったけど精彩欠くな

[15 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 10:44:20.38 ID:4NGj1LB/]

>>1
スレ立てありがとうございました
いったい前スレどうなってしまったの？
放置するしかないのかしら

[16 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 11:04:32.86 ID:Cw0c/H7E]

えースタオベ？？

[17 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 11:08:21.83 ID:Cw0c/H7E]

リノフの演奏はあまり好きじゃないから後追いでいいや

>>15
DAT落ちするまで放置するしかないと思う
ショパコン終わるまで荒らされ続けると思う

[18 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 11:37:57.13 ID:doRLLP3z]

リノフいい演奏ですね

[19 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 11:41:46.33 ID:7CPDmSez]

カーター先生、クリクリ、リノフは通過
バーバー聴き飽きた感じ

[20 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 11:46:32.57 ID:7CPDmSez]

エンジェルはアメリカ国籍のみで参加？
この人ロシアとの二重国籍だったような

[21 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 11:56:22.65 ID:Cw0c/H7E]

結局リノフ聴いちゃった
玄人受けする演奏だよね
問題なく次に進むでしょう(好きじゃないけど)

[22 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 12:01:55.70 ID:Cw0c/H7E]

>>20
エンジェルはチャイコンの時もアメリカ国籍だったと思うよ

[23 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 12:38:47.42 ID:7CPDmSez]

>>22
そうなんだね
名前もそうだしどこかでロシア系の人と読んだ気がしたので
アメリカ人ということは地元枠の人扱いか

[24 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 12:50:07.36 ID:Cw0c/H7E]

Xiaofu Ju
コンクールでは初めて見かけた気がするけどオリジナリティはあった
時々叩くと音が尖ってるのと音が混ざって濁りがちなのは残念
　

[25 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 13:00:52.01 ID:Cw0c/H7E]

これから仕事でウィーンベートーヴェンのリアタイ出来ないので先にリンク貼っておきます
https://mdw.vhx.tv/livestreams-17-internationaler-beethoven-klavierwettbewerb-wien-2025/season:2/events/bwb-22-mai-2025-1
YouTube
https://www.youtube.com/watch?v=8xgZYDUjBRE

[26 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 14:10:42.26 ID:KgIOEv/G]

ビリー
6/18浜松でソロリサイタル
https://www.kawai.jp/event/detail/2774/

[27 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 14:13:42.06 ID:KgIOEv/G]

6/20大阪も
https://www.kawai.jp/event/detail/2775/

[28 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 14:36:02.91 ID:2sOGqqdT]

>>26、27
これは確実に来日ですね！ありがとうございます

[29 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:03:24.64]

現場をイメージ。深夜のライブで、ミュージシャンが講堂に散らばっており、若い聴衆がビーンバッグに乗って笑いながら、バンドのフロントマンがストーリーを伝えるために音楽を一時停止している間、微笑みながら笑っています。雰囲気は明らかに冷やされています。

それはグラストンベリーの分派のように聞こえるかもしれません。ブティック ロック フェスティバルで上演されるイベントですが、まさにそのようなスペクタクルが来月、壮大なアッシャー ホール、高貴な寺院に登場します エディンバラ 国際 フェスティバル.

これはクラシック音楽であり、私たちが知っているようなものではなく、新しい世代のために再考され、によって提示されました ニコラ ベネデッティ, 、彼女がフェスティバルのディレクターとしての最初の夏に成し遂げた数少ない大胆な革新の1つ。

観客の中で演奏するバンドは、 ブダペスト フェスティバル オーケストラ （BFO）、その指揮者は、 イバン フィッシャー, 、これらの並外れた深夜のライブの先駆者となり、アンサンブルの本拠地である市内や市内のクラシックコンサートに大勢の若者を集めました ベルリン.

BFO によるドヴォルザークによるエディンバラ音楽コンサートは、ベネデッティの “への壮大な計画の 1 つの要素にすぎません。リスニング ” の文化を発展させ、パフォーマンス “の繊維にまったく新しい人口統計をもたらすことを彼女は望んでいます。

この戦略は、オープニング ファンファーレの週末に 2 週間で展開し始めます。土曜日には、約 300 人以上の若いミュージシャンが集まります スコットランド, 、ラッパー、合唱団、ブラスバンド、パイパーを含むが結合します プリンセス ストリート ガーデンズ 共同音楽制作の “象徴的に強力な ” フィナーレを作成すること。

36歳のベネデッティは国際的に有名なヴァイオリニストだが、今年の法案での彼女の唯一の演奏は、別の取り組みである「」の宣伝に役立つだろう ハブ Reimagined, 、パフォーマーと人々の間の障壁を打ち破るために設計された非公式のコンサートシリーズ。

ハブ体験は、アーティストが観客と新しく親密なつながりを築くための場所である it“にしたいものは何でも ” になるだろうと彼女は言います。

これらは、肩を並べて掴むための過激な動きであり、人々をソファから魔法のようなライブパフォーマンスの世界に引き上げるためには、そうしなければならないと彼女は信じています。カルチャーライトの食事をスプーンで与えられている潜在的なパンターに売り込むのは簡単ではありません。彼女は、自分のフェスティバルが主流のポップス would“のような ” カットスルーを楽しめないことを知るほど現実的です。

ただし、彼女は “にも / または ” も提供していませんが、根本的に異なるものを提供しています。“このフェスティバルは豊かな生活の一部であると言いたいのです、” 彼女は言います。新参者は、すべての電話や気を散らすものをオフにする必要がある “を試すよう促されます。そして、あなたは特定の瞬間に完全に存在しているだけであり、より静寂の度合いが高いもの、または repose” です。

Benedetti 氏は次のように付け加えています。“携帯電話、テレビ、アプリ — だけでなく、Glastonbury — のようなあらゆるスペクタクルを見て、それを純粋にアコースティックな音楽や純粋にアコースティックな演劇の親密さに反させてください。

[30 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:04:17.54]

グランド ティトン ミュージック フェスティバル そしてそのゲストは — ソプラノです Julia Bullock と 指揮者 クリスチャン レイフ — は、緑豊かなロマンチックな “Summer Nights” プログラムで今週末のシーズンを祝います ロベルト シューマン の 交響曲 第 1 番 、 サミュエル コールリッジ=テイラーズ “Ballade” および エクトル ベルリオーズの 表現力豊かな連作歌曲のオーケストラ版 “Les nuits d'ete。”

“グランド ティトン音楽祭で初めてこれを演奏できることは私にとって非常に特別です。” は、2021 年の最初の出演以来初めてティトンズに戻り、J の “Five Freedom Songs” を発表したとき、ブロックはこう言いましたエッシー モンゴメリー. 。“それは私をクラシック音楽にひっくり返した作品です。”

ブロックは 1986 年にセントルイスで生まれ、大学で学士号を取得しました イーストマン音楽学校, 、彼女のマスターが入っています バード大学 大学院ボーカルアートプログラム、およびニューヨーク大学のアーティストディプロマ ジュリアード スクール, 、そこで彼女は夫のリーフと出会った。

2014 年の初の全米ツアー以来、アーティスト イン レジデンスを務める メトロポリタン 美術館, 、 の 初演 作品 タニア レオン、コートニー ブライアン、 ジェシー モンゴメリーと アリソン ロギンズ=ハル, 、 に出演しました セントルイスのオペラ劇場’ の生産 テレンス ブランチャードの “Fire Shut Up in My Bones” と the サンフランシスコ オペラ の の 世界初演 John Adams’ “Girls of the Golden West。”

“Doctor Atomic” の彼女の録音 BBC 交響楽団 アダムス自身が率いるこの作品は、2018 年のグラミー賞最優秀オペラ録音賞にノミネートされ、2014 年には “West Side Story” を録音しました サンフランシスコ シンフォニー アンダー マイケル ティルソン トーマス はミュージカル シアター アルバム賞にノミネートされた。

1841 年に書かれたベルリオーズは、友人であり隣人から 6 つの詩を書きました テオフィル ゴーティエ の コレクション “La comedie de la mort” for voice and piano, and later orchestrated them, which the writer said achieved “Shakespearean depth of passion。”

確かに、ゴーティエは夏の — を明確に呼び起こすわけではありません。ベルリオーズが設定した最初の詩は春の — に関するものですが、この曲のサイクルは、愛と喪失、運命と死、月明かりと夢を熟考するのに適した季節の気だるい雰囲気を反映しています。

“Bullock は、音響的にも声的にも美しいことに加えて、この作品について次のように述べています。” には、誰かの襟の上のバラについて考えて、そのバラに声を与えるのと同じくらい無害に見えるものであっても、深く幅広い感情の深さがあります。... 切望と人生、そして愛する人たちとあらゆる瞬間を掴みたいことについて語る、本当に優しくて深い詩です。”

夫の Reif と協力したことについて、彼女は次のように述べています。“私たちはお互いの意見を大切にしています。私は彼を批判的な耳として求めており、彼も同じことをしています。...一緒に演奏できるときはいつでも、楽しい時間を過ごしているという理由だけで、できるときに優先的に演奏しようとします。そして明らかに、一緒に暮らすことで、座って音楽について話し、一緒に素材を準備することができます。”

Bullock が Reif について特に高く評価していることの 1 つは、素材を形作るのにかかる時間が “sacred。” であることです

Reif — サンフランシスコ交響楽団の常駐指揮者および音楽監督 サンフランシスコ交響楽団ユースオーケストラ 2016年から2019年まで、最近首席指揮者に任命されました スウェーデン ゲルヴェ 交響楽団, 、そして2022年からはの音楽監督を務めています レイクスエリア音楽祭 ミネソタ州ブレイナードで、コールリッジ=テイラーの — Ballade“(1895) で GTMF でのデビューを開始します。

コールリッジ=テイラーは1875年8月、イギリス人女性問題でロンドンで婚外子として生まれた アリス ヘア マーティン と シエラレオネ 医学生 ダニエル ピーター ヒューズ テイラー。 母方に数多くの音楽家がいたため、コールリッジ=テイラーはすぐに芸術への適性を示し、15 歳で大学で正式な勉強を始め之有之有之有之有之有冉閔影力ハl丶アアノニ十瓊那莠ヲ見トク克アルコトガ出ディキママミョン.... 涔の l 案件は suzu do owー ケケ トラの no bensou na sensionj 出 su。”

彼の交響曲の冒険は、他ならぬ友人によって初演された交響曲第 1 番変ロ長調で幸先よく始まりました フェリックス メンデルスゾーン, 、そして熱狂的に聴衆に受け入れられました。

[31 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:05:43.44]

ジェームズ ガフィガン, 世界有数のオペラやコンサートハウスで働いてきた彼は、の音楽監督も務めています ヴェルビエ音楽祭ジュニアオーケストラ（VFJO） 2021 年以降。彼は現在、オーケストラとヴァイオリニストとともにレ コンバンに所属しています ニコラ ベネデッティ, 、 結合 する プログラム で リヒャルト シュトラウスのドン ファン そして ウィントン マルサリスのヴァイオリン協奏曲.

ジェームズ・ガフィガン、これらの若者たちはまったく異なる背景を持っており、彼らと仕事をするのに数週間しか時間がありません。VFJO のサウンドをどのように構築しますか？

私にとって最も重要なことは、若者たちにオーケストラにおける自分たちの役割と、彼らがどのように交流しているかを理解してもらうことです。室内楽と同様、交響楽団も他の曲を聴き、それに溶け込む必要があります。魔法の公式は、才能と一緒にプレーしたいという欲求の組み合わせです。音は追加で来ます。確かに、3 つのコンサートをまとめる時間はあまりありませんが、VFJO の若者たちは音楽監督としては非常にエキサイティングな資質を持っています。先入観や習慣を持たずに到着します。彼らには10個もありません シェヘラザード または5つ レイクの進歩 後ろの1人または複数の指揮者の下で演奏されます。彼らはフィードバックを熱望しており、信じられないほど受け入れやすいです。私にとっては爽快です。白紙の紙に絵を描くようなものです。











リムスキー=コルサコフ マルサリスからリヒャルト・シュトラウスへ、私は全員が並外れたオーケストレーターである作曲家を選びました。彼らを通して、若者は多種多様なスタイルを発見します。
シェヘラザード の テクスチャーはきらめき、ソロがたくさんあります。リヒャルトシュトラウス の ドン フアン 扱いにくい雰囲気はあるものの、より複雑な和声言語が導入されています。一方、
マルサリスは若者たちをジャズの世界に連れて行きますが、彼らのほとんどにとってはまったく新しいことです。最後に、 ストラヴィンスキー は間違いなく最も難しい作曲家です。の 得点 ザ レイクの進歩 に近い言語で明確かつ正確です ハイドン または モーツァルト, 、しかし同時に無調、非常に奇妙なハーモニーで。この作品により、ほとんどの若者は複雑さと美しさを増すオペラの
ジャンルを発見します。歌手たちと一緒に、彼らは呼吸と自然なフレージングを発見します。これは、呼吸による演奏の制約がない弦にとって特に決定的です。どの楽器も奏者の声に似ています。呼吸とフレージングは不可欠です。

作品に近づくとき、あなたはどのように彼らと協力しますか？

すべては状況次第です。今年、私たちがドン・ファンに挑戦したとき、オーケストラは最初の朗読会ですべてをまとめることができました。信じられないことでした！しかし、彼らはそれをしました！

一般的に、私は細かく作業し、その後、作業全体に戻ります。非常に正確で幅広いストローク、仕事をしたり手放したり、それが私が彼らと仕事をする方法です。私にとって、これら 2 つの極の間を行ったり来たりすることは、あらゆるミュージシャンの作品のまさに基礎です。

VFJO でのあなたの仕事は、交響楽団のコンサートとオペラに分かれた非常に熱心なキャリアの一部です。この2 つのレパートリーのバランスをどうとっているか？

どちらも私にとってなくてはならないものです。による交響曲なしではやっていけません マーラー または ブルックナー, 、 または モーツァルト の オペラ または ワグナー。ヴェルビエでの経験に関しては、タングルウッド、アスペン、ジュリアード音楽院の若者たちとの仕事の自然な延長です。ヴェルビエ フェスティバルは非常に特別な場所です。若者はそのエコシステムの一部です。自然が太陽、大地、水、種子を必要としているのと同じように、ヴェルビエも未来の発酵物である VFJO を必要としています。

[32 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:08:16.83]

今現在 ニコラ ベネデッティ 病気になることは許されません。彼女は咳き込みながら口を覆い、今週の金曜日の昼休みに犬に疲れていることを認めていますが、“私は天候に恵まれていません、” 彼女は主張します。“今後 3 日間に何が起こっているかを考えると、その可能性はありません。”

起こっていることは今年の始まりです エディンバラ 国際 フェスティバル（EIF）, 、彼女のフェスティバルディレクターとしての最初の、それはオープニングコンサート、仏の情熱で
今夜をキックオフします。

今後 3 週間、世界中から 2,000 人のクラシック音楽家、オペラ歌手、ダンサーが集まる地域のどこかがスコットランドの首都に集まり、フリンジによって提供される炭酸フィズに重みを加えます。今年のゲストには、などが含まれています アルビン エイリー アメリカン ダンス シアター, 、 ザ ベルリーナー アンサンブル そして ロンドン 交響楽団.

通常なら、グラミー賞受賞ヴァイオリニストのベネデッティもその一人だろう。しかし、このフェスティバルで – を 3 回演じる初週末 – の後、彼女は新しい役割に集中しています。それは、ベネデッティがスタッフ、出演者、放送局 – と私と話し合って走り回っていることを意味します。

私たちはトラヴァース劇場のバーに座っていて、そこで彼女は元気を保つために甘いペパーミントティーを飲んでいます。

36歳のベネデッティ氏は、EIFを監督する初の女性であり、初のスコットランド人である。彼女は、これらのことがどちらも重要すぎるかどうか確信が持てない。“私はそこに座って考えているわけではありません, ‘神, 私は最初のスコットランド人と女性なので、私は特にうまくやらなければなりません。’”
それでも、彼女の母国では、昨年のフェスティバルディレクター就任の発表はおおむね承認をもって迎えられた。奇妙な批評家だけが、彼女がオペラ、演劇、ダンスについて十分に知っているのか、それともフェスティバルの運営と並行してパフォーマンスを続けるつもりだと言ったときに眉をひそめたのかを疑問視した。

それは常に交渉の余地のないものでした」と彼女は言います。“バイオリンを弾かないと私ではありません。[プレイしない] がジョブに付随するものになると思ったら、ジョブ。” は採用しません

なぜ彼女はその仕事を引き受けたのか？“英国とスコットランドの文化生活に大きな影響を与えると思われるものは何でも選びたいです。それに貢献できる可能性があると思うなら、それを行いたいと思います。”



彼女は常に、進歩的な力としてのクラシック音楽の重要性を信じており、それが彼女の作品の中心となっています ベネデッティ 財団, 、彼女が2019 年に設立した音楽教育慈善団体。

しかし、世界で最も有名な芸術祭のディレクターであることは、彼女がこれまで取り組んできた何よりも大きな挑戦かもしれません。そして、その規模だけではない。

今年のフェスティバルは、スコットランドと英国全体で芸術が苦戦している時期に到来する。今週初め、 クリスティーナ マッケルヴィー, 、スコットランドの文化大臣は、スコットランド政府の予算に対する圧力が増大するにつれて、エディンバラのフェスティバルはより回復力のある収入源を開発することを提案した。

ベネデッティやエディンバラ・フェスティバル・フリンジ・ソサエティの最高責任者ショナ・マッカーシーが聞きたいようなニュースではない。

今年初め、マッカーシー氏は、コストの上昇により、フリンジ協会の年次フェスティバルの存在に対する “の存続の脅威について警告しました。EIFに関しては、ベネデッティ氏は以前、現在の補助金水準を考えると、フェスティバルが開催されるという事実は奇跡のようなものだと述べた。

“芸術全般について心配する可能性は非常に現実的です、” 彼女は詳しく説明します、“なぜなら、それは形を変え、それが何であるか、そしてその将来がどのようなものであるかを考え出そうとしているだけでなく、誰がそれを望んでいるのか...しかし、それに加えて、英国社会の中で資源が不足し、圧迫されていると感じていない地域はありません。“

“国中のお金の流れに対処せずに、これに対処することはできません。”

しかし、芸術が攻撃を受けているように感じますか？“はい、しかし、そのより大きな文脈がなければ芸術が攻撃を受けているとは言いたくありません。これは、私たちが社会の特定の地域の長期的な豊かさの質を認識していないことの表れです。私たちは物事に対して無関心です。私たちは物事を当然のことと考えています。そして[そこには]貪欲と私利私欲があります...

[33 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:12:56.60 ID:x0wsvfeN]

「開発中」となっている『 Two Souls』は、ポーランド軍団の黒人将軍、ヴワディスワフ・フランチシェク・ヤブロノフスキの知られざる物語を描く。ヤブロノフスキは職業軍人で、ナポレオンからハイチへ赴き、元奴隷の反乱を鎮圧する任務を負った。

アカデミー賞ノミネートの『針を持つ少女』などを手掛けるLava Filmsが制作するこの映画は、ウカス・ロンドゥダが監督を務め、彼の代表作を凌駕することになりそうだ。

ポーランドの聡明で芸術的な才能を持つとされるロンドゥダの過去の作品には、2021年グディニャ映画祭で最優秀作品賞を受賞したドラマ『All Our Fears』

などがある。 詳細は公表されていないが、Lava Filmsは『Two Souls』は「ポーランドのロマンチックな超自然信仰とハイチのブードゥー教の伝統が融合した、アイデンティティ、信仰、自由を求める物語」になると述べている。



ヴワディスワフ・フランチシェク・ヤブロノフスキは1769年10月25日、ダンツィヒ（現グダニスク）で、イギリス貴族のマリア・デアリレイルの娘として生まれた。彼女のポーランド人の夫コンスタンティ・A・ヤブロノフスキは軍の高官で、後に王立造幣局の監察官となった人物だが、明らかに父親ではなかった。

夫婦ともに白人で子供が黒人だったため、この誕生はたちまち人々を驚かせた。

デアリレイルは空想的な想像力を発揮し、タバコ店の外に立っていたパイプを吸うアフリカ人男性の蝋人形によって妊娠したと主張して巧みに質問をかわした。

しかし、この説明は多くの人を騙すことはできず、彼女の子供の父親は略奪的なマネキンではなく黒人執事だったと一般に理解されている。

気まずい状況だったかもしれないが、夫妻は動じなかった。コンスタンティ・A・ヤブロノフスキは、かつて軽率な情事を繰り返していた上に、後継者となる男児を切望していた。こうした事情から、彼はその子を我が子として迎え入れた。

ヴワディスワフ・フランチシェク・ヤブロノフスキは「ムルジネク」というあだ名で呼ばれていた。これは「黒人」または「黒人少年」と大まかに訳される言葉である。今では蔑称とみなされるが、当時は冗談めいた、あるいは愛情のこもった愛称として使われていたかもしれない。

問題は彼が成長してから始まった。父は息子が自分の後を継ぐことを決意し、14歳のヴワディスワフはパリのエリート士官学校、エコール・ミリテールに入学した。


そこで彼は同級生から定期的に嫌がらせを受け、ナポレオンもその一人だったと伝えられている。おそらくは作り話かもしれないが、ヤブロノフスキはかつて若きナポレオンに言い返したとされ、「白人で黒い心を持つより、黒人で白い心を持つ方が良い」と言ったという。

時が経てば分かるように、二人のやり取りはこれが最後ではなかった。

卒業後、ヤブロノフスキはフランスのドイツ語圏の王立アルマン騎兵連隊に中尉として入隊した。1789年にフランス革命が勃発すると、彼は反王党派の反乱軍に加わり、正確な役割は記録されていないものの、数万人が処刑された長期にわたる流血の時代である恐怖政治を生き延びた。

1794年、彼はポーランドに戻り、今度はロシアとプロイセンの影響を排除しようとする軍事作戦であるコシチュシュコ蜂起を支援した。


ヤブロノフスキはシュチェコチニ、マチェヨヴィツェ、ワルシャワ、プラガの戦いで勇敢に戦い、「優れた戦術家であり、有能な組織者」としての名声を築きました。しかし、圧倒的な不利な状況下でポーランドは壊滅し、第三次分割の結果、地図から消滅しました。

ヤブロノフスキは逮捕を免れ、他の亡命愛国者たちと共に分割勢力の打倒を計画しました。この理想主義的な計画が成功する可能性は低く、個人資産が減少する中、ヤブロノフスキは1798年にフランスへの帰国を余儀なくされました。

そこで彼は、ヤン・ヘンリク・ドンブロフスキ将軍率いるポーランド軍団に加わりました。この軍団は、フランス軍に従軍する2万から3万人のポーランド人兵士の集団でした。

報告書によれば、この時期の彼の功績は「非常に際立った」ものであったが、幼少期の宿敵でありフランスの指導者となったナポレオンによって、本格的な昇進は何度も阻まれたが

彼女の音楽は私をある種の熱狂に駆り立てたのです。私は今でもそのときの気持ちを覚えています。
このプレリュードにはすでにすべて、つまりチャイム、表現、他の作曲家のものと混同できないハーモニーが含まれています。
それか

[34 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:14:53.73]

現場をイメージ。深夜のライブで、ミュージシャンが講堂に散らばっており、若い聴衆がビーンバッグに乗って笑いながら、バンドのフロントマンがストーリーを伝えるために音楽を一時停止している間、微笑みながら笑っています。雰囲気は明らかに冷やされています。

それはグラストンベリーの分派のように聞こえるかもしれません。ブティック ロック フェスティバルで上演されるイベントですが、まさにそのようなスペクタクルが来月、壮大なアッシャー ホール、高貴な寺院に登場します エディンバラ 国際 フェスティバル.

これはクラシック音楽であり、私たちが知っているようなものではなく、新しい世代のために再考され、によって提示されました ニコラ ベネデッティ, 、彼女がフェスティバルのディレクターとしての最初の夏に成し遂げた数少ない大胆な革新の1つ。

観客の中で演奏するバンドは、 ブダペスト フェスティバル オーケストラ （BFO）、その指揮者は、 イバン フィッシャー, 、これらの並外れた深夜のライブの先駆者となり、アンサンブルの本拠地である市内や市内のクラシックコンサートに大勢の若者を集めました ベルリン.

BFO によるドヴォルザークによるエディンバラ音楽コンサートは、ベネデッティの “への壮大な計画の 1 つの要素にすぎません。リスニング ” の文化を発展させ、パフォーマンス “の繊維にまったく新しい人口統計をもたらすことを彼女は望んでいます。

この戦略は、オープニング ファンファーレの週末に 2 週間で展開し始めます。土曜日には、約 300 人以上の若いミュージシャンが集まります スコットランド, 、ラッパー、合唱団、ブラスバンド、パイパーを含むが結合します プリンセス ストリート ガーデンズ 共同音楽制作の “象徴的に強力な ” フィナーレを作成すること。

36歳のベネデッティは国際的に有名なヴァイオリニストだが、今年の法案での彼女の唯一の演奏は、別の取り組みである「」の宣伝に役立つだろう ハブ Reimagined, 、パフォーマーと人々の間の障壁を打ち破るために設計された非公式のコンサートシリーズ。

ハブ体験は、アーティストが観客と新しく親密なつながりを築くための場所である it“にしたいものは何でも ” になるだろうと彼女は言います。

これらは、肩を並べて掴むための過激な動きであり、人々をソファから魔法のようなライブパフォーマンスの世界に引き上げるためには、そうしなければならないと彼女は信じています。カルチャーライトの食事をスプーンで与えられている潜在的なパンターに売り込むのは簡単ではありません。彼女は、自分のフェスティバルが主流のポップス would“のような ” カットスルーを楽しめないことを知るほど現実的です。

ただし、彼女は “にも / または ” も提供していませんが、根本的に異なるものを提供しています。“このフェスティバルは豊かな生活の一部であると言いたいのです、” 彼女は言います。新参者は、すべての電話や気を散らすものをオフにする必要がある “を試すよう促されます。そして、あなたは特定の瞬間に完全に存在しているだけであり、より静寂の度合いが高いもの、または repose” です。

Benedetti 氏は次のように付け加えています。“携帯電話、テレビ、アプリ — だけでなく、Glastonbury — のようなあらゆるスペクタクルを見て、それを純粋にアコースティックな音楽や純粋にアコースティックな演劇の親密さに反させてください。

[35 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:15:28.92 ID:6nlttcyJ0]

これじゃ実況できないからしたらばに避難しよう

https://jbbs.shitaraba.net/bbs/read.cgi/music/30360/1747432031/



https://jbbs.shitaraba.net/bbs/read.cgi/music/30360/1747432031/

[36 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:16:20.24]

芸術の場合、それは単純です。芸術は文明的な力であるということです。“これらのことが私たちをより良くします。それらは私たちをより良い人間にし、私たちの知性と創造性だけでなく、善良で健全であり、お互いをよく扱う能力を高めます。”

さらに重要なことは、芸術は若者が大衆文化の他の部分から逃れるために切望されていたはけ口を提供するとベネデッティ氏は信じている。“ソーシャル メディア アプリと若い女の子向けのソーシャル メディア アプリを組み合わせると – 男の子も対象になりますが、特に女の子の – 画像は、多くの若者が自分自身と自分の自己イメージについて偏執的に感じるだけです。”




初めてベネデッティと話したとき、彼女はまだ15歳で、すでに非常に印象的でした。スコットランド系イタリア人の両親の次女 –彼女の父親は自力で億万長者になった実業家 –で、彼女は 9 歳でウェスト キルブライドの家を出て、サリー州のユーディ メニューイン スクールに通いました。彼女の家は現在、“ですが、[まだ] Surrey” のような場所が混在しています。

ベネデッティは私生活のための時間を見つけているのだろうか？“もちろんそうです。家族ととても仲が良い。私の私生活では、絶対的で明白な相互サポートがある状況にあります。”

以前、彼女はチェリストのレナード・エルシェンブロイヒと10年間交際していたが、2017年に別居した。

そうは言っても、今日彼女の指にはかなり重要な指輪があります。彼女は今パートナーですか？“それについてはあまり話しません、” 彼女は答えます。

彼女の名前はジャズ ミュージシャンで作曲家のウィントン マルサリスと関連付けられていますが、押されると彼女は「“そのようなものをどこで読んだでしょうか？”」とだけ言います

“コメントはありませんと言います、” 彼女は微笑みながら付け加えました
フェスティバルディレクターとしての彼女にとっての当面の課題は、伝統主義者を満足させながらクラシック音楽の聴衆を増やすことだ。彼女には前者の計画がある。“アッシャー ホールでの最初の週は、屋台の座席をすべて撤去し、聴衆はオーケストラの間にあるビーンバッグの上に座ります。私たちはあらゆる種類のことを試みています、” と彼女は説明します。

“その多くは ‘と誤解される可能性がありますが、音楽だけでは十分ではありません。全然そんなことないよ。人々の警戒心を緩め、何が起こっているかにただ注意を払うことよりも、自分のエチケットや行動について心配しているという感覚を払拭しようとしています。“

コンサートホールの形式については、素晴らしく、本当に集中して聴くことを奨励している点がいくつかあります。しかし、おそらく意図しない結果をもたらしたいくつかのことがあります; 人々は集中しているよりも怖がっていると感じていること。”

この種の話は、愚かなことについてつぶやく人もいるかもしれません。“クラシック音楽を真剣に受け止めていると、私以上に信じている人はいないでしょう、” ベネデッティは反論します。

“私がやっていることはすべて、その音楽で人々を最も深い体験に導く方法についての 20 年間の研究と考察によるものです。”

[37 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:18:02.90]

“最初に [思い浮かぶ] ことは、私が達成し続けてきたこととまったく関係ありません。性格の発達にもっと関係があります。私はより良い人間、より寛大で理解のある人間になったと思いますか？そして、彼女は私が成し遂げた進歩にかなり満足しているだろうと言うでしょう
専門的には、その進歩は目覚ましいものがあります。16歳でヤング・ミュージシャン・オブ・ザ・イヤーに選ばれて以来、彼女は偉大な現代クラシック・ソリストの一人として国際的に知られるようになりました。そして彼女はそれを自分の意志でやってのけたのです。

彼女が 10 代の頃、2000 年代初頭に新星として台頭したとき、一部の地域では “sex up” クラシック音楽への移行がありました。ベネデッティはそのすべてに抵抗した。彼女はいつも音楽だけを考えていたと彼女は言います。

しかし、ティーンエイジャーは特定の状況でプレッシャーを感じることがありますよね？“I don't like that victim position; that I was pressed into this or that。私たちは皆、プレッシャーにさらされた環境に入ります。誰かに虐待が加えられない限り、私たちは常に自己交渉を続けます。

“私は 15 歳でしたが、16 歳で、どのような写真を撮っているのか、着ている服が何なのかわかりませんでしたか？もちろん。” は知っていました

クラシック音楽の世界は近年、独自の #Metoo の瞬間に直面しています。昨年、独立音楽家協会による調査で、業界内で高レベルのセクハラが発生していることが判明した。最近の映画 タール、ケイト ブランシェットが指揮者として主演 この濁った水に浸かった。

“これは、オーケストラの世界に存在し、存在し得るいじめ環境の描写です。” ベネデッティは映画のメモを述べています。“今ではかなり珍しいと思います。以前は、はるかに普及していました。”彼女自身が体験したのか？“指揮者が最も悪名高かったと思います。ベータ ブロッカーのオーケストラと間違ったことをするのではないかと怖がっています。”

[38 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:20:01.09]

初日のオーディションの午前中のセッションで際立ったのは、23歳の亀井聖矢で、日本を代表しています。彼は私を驚かせるような存在ではないかもしれませんが、その個性は非常に興味深いです。時には少し過剰に、誇張しすぎることもありますが、それでも最もポジティブな意味で驚かせる力があります。音色やアーティキュレーションのセンスがあると、アンドレイ・スウレクは強調しました。この若いアーティストはすでに才能ある音楽家として知られるようになりました。彼はマリア・カナル国際音楽コンクールで第3位を受賞しています。彼は並外れた想像力を持ったピアニストです。彼の演奏全体には多くの解釈のアイデアが聞こえました。私の感じでは、いくつかは良いセンスの境界を越えていると思います。彼は過剰に演奏することがあり、さまざまなメロディを探し出すことがありました。しかし、特にオンラインの聴衆には非常に好評ですと、ローザ・シフィアチンスカは指摘しました。


初日の午前中セッションで際立ったのは、23歳の亀井聖矢で、日本を代表しています。彼は私を驚かせるような存在ではないかもしれません。
その個性は非常に興味深いです。時には少し過剰に、誇張しすぎることもありますが、それでも最もポジティブな意味で驚かせる力があります。音色やアーティキュレーションのセンスがあると、アンドレイ・スウレクは強調しました。この若いアーティストはすでに才能ある音楽家として知られるようになりました。彼はマリア・カナル国際音楽コンクールで第3位を受賞しています。彼は並外れた想像力を持ったピアニストです。彼の演奏全体には多くの解釈のアイデアが聞こえました。私の感じでは、いくつかは良いセンスの境界を越えていると思います。彼は過剰に演奏することがあり、さまざまなメロディを探し出すことがありました。しかし、特にオンラインの聴衆には非常に好評ですと、ローザ・シフィアチンスカは指摘しました。

[39 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:21:33.71]

彼女自身の過去の経験に関しては、“実際、考えてみると、不適切な行為が数回ありました。”

どのような不適切な行為ですか？いじめ？“あらゆる種類のもの。でも、私は自分の考えを持てました。ああ ええ。問題ありません。”

そしてその後？“それらの conductors。” からもっとギグを得ようとしていたわけではありません

今後 3 週間、彼女はフェスティバルのディレクターとして多忙を極め、その後オーストラリアに直行し、シドニー交響楽団 –でデビューを果たします。“しかし、その後は少し時間がかかります、” と彼女は説明します。“月末で演奏するので、ブラームス’ ヴァイオリン協奏曲を準備中です。

”休暇のように聞こえない人たちへ。“

それはオフです。健康を正しく保ち、数日間十分な睡眠をとり、時差ぼけをすべて乗り越えることができれば、それは本当の接地体験となるでしょう
音色やアーティキュレーションのセンスがあると、アンドレイ・スウレクは強調しました。この若いアーティストはすでに才能ある音楽家として知られるようになりました。彼はマリア・カナル国際音楽コンクールで第3位を受賞しています。彼は並外れた想像力を持ったピアニストです。彼の演奏全体には多くの解釈のアイデアが聞こえました。私の感じでは、いくつかは良いセンスの境界を越えていると思います。彼は過剰に演奏することがあり、さまざまなメロディを探し出すことがありました。しかし、特にオンラインの聴衆には非常に好評ですと、ローザ・シフィアチンスカは指摘しました。

[40 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:23:51.34]

楽器店や音楽教室の講師にはなれます。ここまで弾けなくても大丈夫ではないでしょうか。
この方は急速な主部がものすごく上手いですね。ただそのため、ゆっくりした中間部の構成感の表現（嬰ト短調への転調の表現）が少々不十分に感じられます。それがとても惜しいと思いました
。胸がギュッと締め付けられるような痛みが感じられるところなので、締め付けてほしいです（笑）
ただ、桐朋じゃなくてもなれます。

だからプロになれる周りより音楽の仕事がある…なんて事はありません。
あくまで「音大で学んだ」って経験を積んだだけです。具体的な比較は難しいです。
なぜなら、各大学の教育方針やカリキュラム、教員の質などが異なるため、一概に比較することは難しいからです。
また、個々の学生の能力や適性によっても、どの大学が最適かは変わる可能性があります。



こればかりは、審査員の好みもあります。仕方ありません。そもそも、コンクールなんてもののせいで、最近は出てくる人出てくる人皆似たような演奏でおもしろくもなんともありません。
審査する側にいても、「この人の演奏好きだな」と思って良い点をつけたのに、
顔芸演奏の時代は終わりなのよ次のラウンドで蓋を開けてみたら「あれっ、あの人どこ行った？ また聴けると思って楽しみにしてたのに・・・」とか。顔芸演奏の時代は終わりなのよ
今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位顔芸演奏の時代は終わりなのよ


音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。


今回のことも、そのことに早く気付くチャンスがあってラッキー、くらいに考えてみてはどうでしょうか？ コンクールは運だとまでは言いませんが、まずは演奏会や発表会と同じように、
自分自身が納得できる演奏を目指すこと、その上で審査員と気が合えばボーナス（次のラウンドの演奏機会、何かの賞など）があるかも、という感じで気楽に構えているのが良いのかなと思います。
今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位

もちろん、気楽に考えるのは審査結果に関してであって、ステージに立つ＝人に聴いてもらう以上は、今の自分にできるベストの演奏をしっかり提示する、
そして、もし客席（または審査員席）に感性の合わない人がいても、「これはこれでアリかも」と思ってもらえる（少なくともその可能性を上げられる）だけのクオリティを
自分なりの解釈の中で目指す、という、ピアノ弾きとしての気概の部分だけは、コンクールだろうが発表会だろうが、絶対に妥協してはいけません。


まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思い

[41 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:25:36.76]

音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

こればかりは、審査員の好みもあります。仕方ありません。そもそも、コンクールなんてもののせいで、最近は出てくる人出てくる人皆似たような演奏でおもしろくもなんともありません。


上手いから…なんです。社会では、自分ができるものは自分でやる、自分でできないものは他人にお願いする ＝ 判断力・コミュニケーション能力 が高い人が評価もされます
楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。
語る資格はない。そもそもお前もきめんどうしだの自分に対して暴言吐いてきた訳でもない何でもない

それ、全くの嘘でないとしたら、Y山先生かどなたか分からないけど、音大のレッスンであまりに出来が悪いから、
プライベートで補習しましょうか？って意味で言われたのでは？

５人の審査員の平均の点数で順位が決まったのですが、二人ほぼ最低点を付けた方がいて、
講評のところにダメだと書かれていた事がどちらもそういう風に練習したところだったので、
本人はあんなにがんばったのにがんばった所が審査員の逆に行っちゃったのかと顔芸演奏の時代は終わりなのよ

[42 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:27:14.68]

それはグラストンベリーの分派のように聞こえるかもしれません。ブティック ロック フェスティバルで上演されるイベントですが、まさにそのようなスペクタクルが来月、壮大なアッシャー ホール、高貴な寺院に登場します エディンバラ 国際 フェスティバル.

これはクラシック音楽であり、私たちが知っているようなものではなく、新しい世代のために再考され、によって提示されました ニコラ ベネデッティ, 、彼女がフェスティバルのディレクターとしての最初の夏に成し遂げた数少ない大胆な革新の1つ。

観客の中で演奏するバンドは、 ブダペスト フェスティバル オーケストラ （BFO）、その指揮者は、 イバン フィッシャー, 、これらの並外れた深夜のライブの先駆者となり、アンサンブルの本拠地である市内や市内のクラシックコンサートに大勢の若者を集めました ベルリン.

BFO によるドヴォルザークによるエディンバラ音楽コンサートは、ベネデッティの “への壮大な計画の 1 つの要素にすぎません。リスニング ” の文化を発展させ、パフォーマンス “の繊維にまったく新しい人口統計をもたらすことを彼女は望んでいます。

この戦略は、オープニング ファンファーレの週末に 2 週間で展開し始めます。土曜日には、約 300 人以上の若いミュージシャンが集まります スコットランド, 、ラッパー、合唱団、ブラスバンド、パイパーを含むが結合します プリンセス ストリート ガーデンズ 共同音楽制作の “象徴的に強力な ” フィナーレを作成すること。

36歳のベネデッティは国際的に有名なヴァイオリニストだが、今年の法案での彼女の唯一の演奏は、別の取り組みである「」の宣伝に役立つだろう ハブ Reimagined, 、パフォーマーと人々の間の障壁を打ち破るために設計された非公式のコンサートシリーズ。

ハブ体験は、アーティストが観客と新しく親密なつながりを築くための場所である it“にしたいものは何でも ” になるだろうと彼女は言います。

これらは、肩を並べて掴むための過激な動きであり、人々をソファから魔法のようなライブパフォーマンスの世界に引き上げるためには、そうしなければならないと彼女は信じています。カルチャーライトの食事をスプーンで与えられている潜在的なパンターに売り込むのは簡単ではありません。彼女は、自分のフェスティバルが主流のポップス would“のような ” カットスルーを楽しめないことを知るほど現実的です。

ただし、彼女は “にも / または ” も提供していませんが、根本的に異なるものを提供しています。“このフェスティバルは豊かな生活の一部であると言いたいのです、” 彼女は言います。新参者は、すべての電話や気を散らすものをオフにする必要がある “を試すよう促されます。そして、あなたは特定の瞬間に完全に存在しているだけであり、より静寂の度合いが高いもの、または repose” です。

[43 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:30:34.12 ID:ETSa6wUK]

したらば国際コンクール実況スレ避難所

https://jbbs.shitaraba.net/bbs/read.cgi/music/30360/1747432031/

[44 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:30:44.33]

演奏を聴きたいのが一番で結果は次の日の朝に分かれば良いやという感じなら、ホールに居られる時間を１９時半くらいまで確保できていれば、高確率で全員の演奏が聴けると思います。
協奏曲の演奏時間は２０分かからないものから４０分を超えるものまで幅があり、曲目のチョイスはセミファイナルを突破したコンテスタント次第なので、
「演奏会」として見るなら終演時間が読みにくいことこの上ないです(笑)。ちなみに、コンクールの全国入賞という一過性の結果だけで実力を推し量ることはできません。

教え方が悪すぎると、生徒だって苦しむ訳だしね。
まず、ピアノが楽しめなくなるし、苦痛になるでしょう。
だから練習しなくなるし、理解してないから進まない。

審査員長のお弟子さんもいましたが、演奏は平凡以下でタッチミスもかなり多くてなんでだろうという感じではありましたよ

演奏もさぞかしすげーのかな？国際コンだって、それを受け入れて出るものじゃないの？買うとしたら、
証拠ないもんではないし演奏もさぞかしすげーのかな？国際コンだって、それを受け入れて出るものじゃないの？

自分なりの解釈の中で目指す、という、ピアノ弾きとしての気概の部分だけは、コンクールだろうが発表会だろうが、絶対に妥協してはいけません
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。
点数をつけること自体に無理があるんですよね。
学コンレベルなら予選、本選でもアウトでしょ。レベルは天と地の差だが有名国際コンクールみたいにちゃんとした審査制度にしないと通用しないと思う。
審査員長のお弟子さんもいましたが、演奏は平凡以下でタッチミスもかなり多くてなんでだろうという感じではありましたよ

演奏にそういうの滲み出てきちゃいますからもう気づいていますし、演奏にそういうの滲み出てきちゃいますから、そうゆうのってw正々堂々としないといけない
基本的にファイナリスト４人×ピアノ協奏曲各自１曲なので、演奏時間だけなら一人平均３０分として約２時間。そこに休憩と、出入り・拍手・オーケストラ


音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。
学コンレベルなら予選、本選でもアウトでしょ。レベルは天と地の差だが有名国際コンクールみたいにちゃんとした審査制度にしないと通用しないと思う。

審査員長のお弟子さんもいましたが、演奏は平凡以下でタッチミスもかなり多くてなんでだろうという感じではありましたよ

演奏にそういうの滲み出てきちゃいますからもう気づいていますし、演奏にそういうの滲み出てきちゃいますから、そうゆうのってw正々堂々としないといけない
基本的にファイナリスト４人×ピアノ協奏曲各自１曲なので、演奏時間だけなら一人平均３０分として約２時間。そこに休憩と、出入り・拍手・オーケストラの

[45 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:31:38.72]

中流ピアノアカウントの発言グセ
「◯◯するよりも、△△した方がいい」
「◯◯ではなく、△△」
「◯◯は△△しがち」
「◯◯な弾き方は△△できていない」 ←名前は出さないが◯◯をしがちな人を暗に批評したがる中流ピアノアカウント

中流ピアノアカウントは自分の演奏(会)情報よりも演奏美学やノウハウ論を並べて素人にマウントを取ろうとする

一部の若手トップレベルのピアニスト及び人気ピアノYouTuberを除いてトゲのある発言を繰り返す中流ピアノアカウントに侵食される日本ピアノSNS界隈

中流ピアノアカウントの発言グセ
「◯◯するよりも、△△した方がいい」
「◯◯ではなく、△△」
「◯◯は△△しがち」 A ～ D の通りである。
「◯◯な弾き方は△△できていない」 ←名前は出さないが◯◯をしがちな人を暗に批評したがる中流ピアノアカウント

中流ピアノアカウントは自分の演奏(会)情報よりも演奏美学やノウハウ論を並べて素人にマウントを取ろうとする

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「◯◯ではなく、△△」 A ～ D の通りである
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「◯◯な弾き方は△△できていない」 ←名前は出さないが◯◯をしがちな人を暗に批評したがる中流ピアノアカウント

中流ピアノアカウントは自分の演奏(会)情報よりも演奏美学やノウハウ論を並べて素人にマウントを取ろうとするまた，「音の高さ」については，五線紙を参照することにより，どの学生も
それなりに理解できている模様であるが、

一部の若手トップレベルのピアニスト及び人気ピアノYouTuberを除いてトゲのある発言を繰り返す中流ピアノアカウントに侵食される日本ピアノSNS界隈ww

中流ピアノアカウントの発言グセ
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「◯◯な弾き方は△△できていない」 ←名前は出さないが◯◯をしがちな人を暗に批評したがる中流ピアノアカウント一部の若手トップレベルのピアニスト及び人気ピアノYouTuberを除いてトゲのある発言を繰り返す中流ピアノアカウントに侵食される日本ピアノSNS界隈

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[46 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:33:04.13]

個人的には反田さんのような個性ある演奏のほうが好きですね。
前回のコンクールだと、反田さんの他にガルシアガルシアさんとか。
リウさんの演奏は凄いな～！とは思うけれど、心掴まれるとはちょっと違うというか。
だからコンサートもあまり行きたいと思いません。

95点をたくさんもらえたほうが、100点2つと70点4つより点数が高くなるという事だと思います。

コンクールだから順位をつけるんですが、そもそも芸術を点数で測ろうとすること自体がナンセンスなので。だからイマイチ腑に落ちないことになるんでしょうね。

近年の藤田真央さんもリウと同じ傾向です。ただ藤田さんはリウより閃き重視で一貫性に乏しいところがるあるように思えるのに自分はあまり好きではありません。

（音が出た瞬間は素晴らしいのに、前後の関係が繋がっていないように聞こえがち、ということ）

私はあまり沢山の方の演奏を聞いてきた訳ではありませんが、初めて反田さんの月の光を聞いた時は鳥肌が経ちました。ピアノの演奏でそんなふうになったのは初めてです。

その他の演奏も聞きましたが、私が一番好きなのは献呈でしたね

1番盛り上がるところのアルペジオ？と歌うメロディの弾き分けが素晴らしいと思いました。

反田さんの手元をずっと見ていると、この人ほど、鍵盤の上で指が前後する、撫でるように前後する人はいない。

ためるところも絶妙なタイミングと長さでびっくりしました！！

空手でも柔道でも、「脱力して体を重力に任せて落ちる」というときに、もっとも速く動ける、
強い力が出せる、そういう身体操作が反田氏のピアノを弾く姿にはあります。からだをやわらかく使える系の天才肌柔道家のようだなあ、と反田さんのピアノを弾く姿を見ていると思います

今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位顔芸演奏の時代は終わりなのよ
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じ罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じ。国選弁護人は元非常勤裁判官で心強いのですチョップ奏法
罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じバラシを画策中です

とか言ったら、また本人だ！って言う単純な人も出てきそうだけどさチョップ奏法それ
空手でも柔道でも、「脱力して体を重力に任せて落ちる」というときに、もっとも速く動ける
界隈をフォローなんてみんなしてるw俺もしてるわww何度も言われてるけど、提起内容云々よりも最初のプレゼンに失敗してるんだよ。アンチや暴言でもない

まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います
結果の評価を知りませんが、９．５点を叩き出して入賞できませんでした。年長者に厳しいこのコンクールで本選までいけることはかなり稀です。

あそこから申し込みにつながるケースってあるんだろうかソコかを抜けた三島有名な病院情報からの人がいそうで細かい波乱から練習雪風強度見るアイスタストップ安あるんすか

演奏にそういうの滲み出てきちゃいますからもう気づいていますし、演奏にそういうの滲み出てきちゃいますから、そうゆうのってw正々堂々としないといけない顔芸演奏の時代は終わりなのよ
顔芸演奏の時代は終わりなのよ卒業後は国内外で活躍するピアニスト

[47 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:33:48.55]

意外と「クラシック音楽」＝高尚、難解、取っ付きにくい、などといったイメージが、一般的には根強くあることに驚かされます。
クラシックもポップスもロックも、基本的には西洋音楽の調性や機能和声のシステムによる同根のものですが、クラシックの作品は長かったり、
楽器や編成による音色が多様であったり、強弱の幅が大きいものがあったりと、非常に情報量の多い音楽です。
さらには宗教、文化、風習といったコンテクストを色濃くまとった作品であれば（たとえば交響曲第○番というようなタイトルのない絶対音楽や、
タイトルがあっても「ミサ・ソレムニス」「レンミンカイネン組曲」という言葉が付いていたりすると）、なおさら“敷居”を感じ、
「私にはわからない」という見えないシャッターが下ろされるのも無理はありません。

しかし実際には、現代を生きる私たちは、ほぼ生まれたときから「ドレミ」の鳴り響く環境に育ち、学校の授業でも音楽作品に出会ってきました。ただし、
それが当たり前の環境となったのは、ほんのここ100年以内のことでしょう。 近代化とともに西洋音楽を取り入れた日本。それまで三味線や太鼓や尺八の音楽文化を生きていた人々にとって、
西洋音楽はまさに異文化との接触だったことは言うまでもありません。しばしば「音楽は世界の共通語」などと言われますが、それは少し乱暴な言い方で、
やはり音楽にも言語の文法に似たある種のシステムがあります。ドレミファソラシドという『音階』も、それに基づくハ長調やト短調といった『調性』も、
開国以前の日本の音楽にはなかったシステムです。それらに歩み寄るには、先人たちによる長年の研究や努力や工夫のプロセスを要しました。
1879年に音楽取調掛という、今の東京藝術大学の前身にあたる音楽教育機関が創設され、西洋音楽の文法を解きほぐしながら普及がなされていったのです。


彼ら17~19世紀の作曲家たちの音楽は、上述のような音階や調整や機能和声に基づくものです。そのシステムに則れば、音階固有音や、
それによって形成される三和音の一つ一つに「意味」や「機能」が見出されます。たとえば、あえてそのイメージを言葉にすれば、「ドは安定感、レで問題提起、ミで確認、ファで広がり、
ソで毅然とした態度、ラで揺らぎ、シで願望を抱いて、
ドに戻って解決し再び安定」といった役割があると捉えられるかもしれません。三和音にすると、耳で感覚的にわかるもの、感じ取れるものもあるでしょう。
作曲家たちは、漫然と音を手繰って曲を書いていたわけではなく、そうした音の役割や、ある種の文法を把握・意識しながら、充実した内容の作品を作り上げているわけです。
よって音楽作品とは、才気溢れる人々が発した、濃密な文化的メッセージです。作曲家たちが、知性と感性とを総動員させながら練り上げた芸術であり、
彼ら個人のメッセージや時代の空気感にも満ち溢れた創作物です。

[48 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:36:08.58]

作曲家たちは、漫然と音を手繰って曲を書いていたわけではなく、そうした音の役割や、ある種の文法を把握・意識しながら、充実した内容の作品を作り上げているわけです。
よって音楽作品とは、才気溢れる人々が発した、濃密な文化的メッセージです。作曲家たちが、知性と感性とを総動員させながら練り上げた芸術であり、
彼ら個人のメッセージや時代の空気感にも満ち溢れた創作物です。

現代の世界が抱える様々な問題、社会が取り組まねばならない課題に向き合うには、互いへの共感力、他者理解への努力、多様性を認め合う想像力が求められています。
大げさと思われるかもしれませんが、音楽芸術に向き合い、心震わせ、想像性・創造性に共感することは、私たちが今を生きる力を鍛えることにつながると思うのです。
かつて、大変興味深いエピソードを伺いました。来日中のあるピアニストが、自爆テロのニュースに接したとき、
『彼（テロリスト）には音楽が足りていないんだね』とさらりと一言おっしゃったというのです。おそらく、他者に共感する能力の不足がこうした惨事を招いてしまった、誤解されてしまった
という意味ではないかと思います。
人が音楽に出会い、楽譜に込められた作曲者の意図を解釈することも、演奏を通じてそれを表現することも、あるいは人と合奏することも、
他者の気持ちを汲み取り理解するコミュニケーションに他なりません。それこそが音楽を「学ぶ」こと、深め続けることの大きな意義と魅力ではないでしょうか　

[49 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:40:45.56]

ショパコンレベルの審査員や講師の中にもそのやり方をやらせる人がいるということでしょう。
音階や半音階を左右交互に打鍵するのはリスト風の奏法です。ショパンのスケルツォ１番のラストとかでこういうことをやらせる先生が日本にもいます。でもこういう裏技はプロもしくはオタクの間にだけ許されると思うべきですねえ。
ショパンコンクールが「（見た目の）弾き方」を審査項目に入れているのであれば、その該当フレーズでの両手を使った弾き方は「無し」だと思いますが、ブラインドテスト的な評価しかしていなければ、それは別に「アリ」だと思います。演奏に違和感がなければ。
■審査員は私のような一般聴衆と違い、曲がりなり(？)にもプロの演奏者である
■本番(??)では審査員や聴衆の面前で演奏する
↑
ってのが大前提なのは最低限の共通認識であろうと思ったんで端折たんですよ。

まぁ動画の時間をなるべく短くしようとした ←　って理由もありますけどね。

まあなかなかとか言ったら、また本人だ！って言う単純な人も出てきそうだけどさチョップ奏法それ
界隈をフォローなんてみんなしてるw俺もしてるわww何度も言われてるけど、提起内容云々よりも最初のプレゼンに失敗してるんだよ。アンチや暴言でもない

まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います




結果の評価を知りませんが、９．５点を叩き出して入賞できませんでした。年長者に厳しいこのコンクールで本選までいけることはかなり稀です。
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。

演奏もさぞかしすげーのかな？国際コンだって、それを受け入れて出るものじゃないの？買うとしたら、証拠ないもんではないし演奏もさぞかしすげーのかな？国際コンだって、それを受け入れて出るものじゃないの？今から買うとしたら、証拠ないもんではないし黙って待って

[50 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 15:54:24.54]

ピアノ音とヴァイオリン音を聴く場合、ピアノの訓練を積むと、ピアノの音を聴いたときの方が、ヴァイオリンの音を聴いたときよりも、音を感じ取る脳細胞は強く活動するようになります。
一方で、ヴァイオリンの訓練を積むと、その逆で、ピアノの音よりもヴァイオリンの音によく強く反応するようになります。訓練によって、良く聴く音の表情を微細に感じられるように、
脳が変化するのです。

これは言いかえると、必ずしも音楽家ではない聴衆の方の耳には、わずかな音色の違いは感じ取りにくい可能性があることを意味します。
では、膨大な練習時間を費やしてわずかな音色を変化させることは、音色の差を感じられる、ごく限られた聴衆のためだけのものなのでしょうか？

キーを打鍵することによって、指の力が鍵盤に伝わります。この力が機構上ハンマーに伝わり慣性力を得たハンマーの頭部が弦を瞬間的に打ち、弦が発音し、
これによる音波が音として人の耳に聞こえるわけです。
　これだけを考えると、打鍵から聴き手の耳に音が到達するまでのプロセスは至って単純であり、“ピアノのタッチは音に影響ないのだ”と主張する人がいるかも知れません。しかし、現実にはピアノで苦労した人はおわかりのように、タッチ（タッチの仕方を含めて）は音に微妙に、ときには大きく、影響します。
　これは、聴く人の耳に音が到達するまでに、さまざまに音（音質、音量）を左右する因子があり、それらが変化することによって聞こえる音が変わるからで、
これらの支配因子の存在を排除するわけにはい
加えて、これら以外に重要な事柄は、ピアノの音の物理的な大きさは、打鍵の加速度によって決まるということです。
これはごく短い時間を考えれば、音の大きさは打鍵速度に支配されると言って良いでしょう。鍵盤の上下の可動距離は1cm位と短いので打鍵時間（この場合鍵盤に指が触れて鍵盤の底に至るまでの時間）はごく短いと考えられますので、ピアノの音量は事実上、近似的に指による打鍵速度で決まることになります。他方、音の長さは、強音ペダル（右）を使用しない場合は、
指が鍵盤を下に押して持続している時間（持続時間）によって決まります。
本来ならばばらばらになっている音を人間が識別できない位の短時間の間に、いかにして同時に発音された複数の音にまとめて出すかがポイントです。（無論ピアノの音にはタッチのほか、ペダルの使い方が重要な影響を与えることは、周知のことです
音・和音が微妙に違って聞える原因のひとつもこの辺りにあると思います。このさらなる原因はタッチの仕方です。重音・和音はタッチの仕方によって大きく音がかわります。
減衰音ですので、強音の和音を出したい場合は、できるだけ同時に指をそろえて弾く必要があります。
ばらばらになると原理上強い音は得難いものです。加えてこの結果音色も違ったものになります。
短い音も残響の影響で裾を曳きますので普通に楽譜どおり弾かずに若干短めに弾くべきでしょう。

[51 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 16:16:20.74]

単純には押すことにより鍵盤の速さが遅くなる、と言う意味と考えて良いと思います。

ただ、押しても、ゆっくり指を立てて降ろしても、鍵盤を押すスピードが同じであれば、同じ音になります。逆もありますが

ここが「そんなことはない、押せば違う音色になる」と考えるから話がおかしくなるのです。

このあたり、よく科学的に考えてください。

もしも「押すタッチでしか音色は変化できない」という講師があったら、100％疑って間違い無いです。

たとえそれがどこぞの一部のロシアor重量（重力）奏法指導者によるとしてでも、です。

どちらが正しいかは、現在は科学が進歩した21世紀なので、ご自身でよく考えればわかることです。

ただ、実際は鍵盤を押す、と言う動作はゆっくりならば小さい音が出ますが、やや強く押すと、ものすごく鋭い音になります。

結局は、奏法如何で音色が決定されるわけではなく、単純に押すだけでも様々な音色の音が出てしまいます。
鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました

タッチを変えるとピアノの音色は変わるでしょうか？読者の皆さんはピアノを弾かれる方ですから、もちろん音色は変わるとお考えだと思います。一方で、音響学者の中には、「ピアノの構造を考えると、ピアノの音色を変えることはできない」とおっしゃる方もいらっしゃいます。
打鍵ノイズがあるピアノの音から、ノイズだけを取り除く特殊な処理を施した音を用意します。そして、元々ノイズの入っていない音との音色の違いを、様々な人に聴いてもらいます。すると、今度は２つの音色の違いを聞き分けることができませんでした。

これらの結果から、どうやら指先が鍵盤を叩くときに生まれるノイズが、ピアノの音色の知覚に影響を及ぼしていると言えます

ピアノというのは、鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

[52 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 16:40:00.34]

ピアノというのは、鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました。音色とピアノの音色が本当に変わるとすると、何がピアノの音色を決めるのでしょうか？これについては、いくつか研究があるのですが、その中で近年注目を集めている「打鍵時に生じるノイズ（雑音）」との関連についてご紹介します。

鍵盤を叩くと、机を叩くときと同様、「バン」といった雑音（ノイズ）が鳴ります。これはピアノを弾いているときには、通常それだけで聴こえにくいものです。「バン」と叩くノイズのわずか0.1秒かそれ以下の時間の後に、実際のピアノの音が鳴るので、耳は2つの音を分離して聴かずに、「混ざった一つの音」として認識します。
世界四大ピアノと呼ばれるかは分かりませんが、評価的にはスタインウェイと並んでいますよ
ベーゼンドルファーやブリュートナーもスタインウェイに負けない品質を感じます。ただブリュートナーは大きい音を出す部分には力を入れてないのでコンサートホールではあまり見ないかも（分からんけど）。
スタインウェイは鉄骨を鳴らすのででかい音なのは聴いていましたが、ベーゼンドルファーはひたすらに木を鳴らすのにめちゃくちゃでかい音が出るので驚きましたね

自分はこれ結構楽しんじゃいましたけどね。音楽って独りよがりでいい！って派なので。
コンクールの方も出はかなり抑えめ。直前のラルゴのイメージを引きずってのことだと思うけど、これは大正解で、英雄ポロネーズが俄然新鮮に立ち上がってきましたからね。

その後はまあ普通の演奏の英雄だったけど、プラスラルゴとなると全然普通ではなくなって、かなり感動的なものになっていた。作戦勝ち！

ただコンクールを通じでは、随分自分を抑え込んじゃったなア！が正直な感想。この人もっと雑、よく言うと自由な演奏をする人ですよ。

まあコンクールの為にポーランドに移り、ポーランドの先生に付き、コンクール仕様に作り替えて臨みましたからね。結果オーライでしょう。

確かに実況CDを聴くと、ひどくノーブルで感動的ですから。彼としてはいい勉強をしたわけで、今後に生かせればいいですな。

指揮に夢中になってるけど、ピアノもちゃんと練習してほしい

審査員が非常に才能のあるピアニストに高得点を与えても、この理由でファイナルに行くことを却下されたので、かつて審査員が最後まで審査せずに、辞退して帰った事例があります。ロシア人の優秀なピアニストが長らくブーニンまで優勝できなかったのは、そういう事情があると思います。

ピアニストもそれを知っていて、ショパンコンクール用の演奏をして

[53 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 16:48:29.96 ID:9Su/FIIi]

グラズノフがセルゲイ・タネーエフを訪ね、新しく書いた交響曲を持ってきたという有名な話があります。
タネーエフは客にそれを演奏するよう説得した。この時点で、オーナーはすべてのドアに鍵をかけ、グラズノフに作業を開始するよう指示しました。

一体となって演奏していたという事実は変わりません。この演奏には両方の要素が不可欠ですが、
ヒンドヤン率いるオーケストラが絶えず魔法をかけ続けなければ、これほどまでに目がくらむような衝撃は得られなかったでしょう。

だが、決勝進出者の非常に異なる功績を総括する前に、なぜブラッドフォードなのか。それは、リーズのタウンホールが現在改修工事中だからである（以前のラウンドは忠実なパートナーであるそこの大学で行われた）。
セントジョージホール（下の写真）は、私が書いた、街の建築の最高と最低に関する優れたガイドブック、ジョージ・シーランの『ブラッドフォード 50
ビルディング』によれば、1850 年当時の雰囲気を高めた最初の民衆娯楽施設であり、「工場、鋳物工場、醸造所、ビアハウス、酒類販売店、そして粗末な住宅が密集した不健全な混在」だった。
1851 年から 1853 年にかけてロックウッド & モーソンによってイタリア風パラディオ様式で建設されたこのホールは、シーランの本が 2017 年に出版された時点では「空っぽで荒廃した」
状態であった。それ以来、全面的な改装が行われ、広々とした玄関エリアと明るい色彩の講堂が設けられました。

ブラッドフォードで、かつての壮麗さを取り戻した他の建物には、同じ建築家による、後期のベネチアン ゴシック スタイルのウール取引所があり、
現在は英国で最も目立つ場所にあるウォーターストーンズ (下の写真) が入っています。そして、これが悪くない書店だと思うなら、市から 4 マイル離れたモデル村ソルテアにあるメインの工場の驚くべき改装の一部に、別の書店があり、
その横にはブラッドフォード出身のデイヴィッド ホックニーの作品を部分的に展示する巨大な展示スペースがあり、彼の財政的支援が奇跡を起こすのに貢献しました (入場無料)。ブラッドフォード自体には最良と最悪の両方があり、リーズが多くの資金とナイトライフを吸い上げてしまいました。2025 年に英国文化都市になっても、十分には変わらないでしょう (
まだ EU 内にいたら何が達成できたか想像してみてください)。その多くがま
中心街があります。ホームレスが目立ち、パキスタンのイスラム教徒コミュニティだけが健全そうに見える（素晴らしくてお得なレストランの中には、セルフサービスの Karachi と、土曜日の午後 5 時には混雑する派手な International がある）。

金曜日と土曜日のセントジョージホールでは、繁栄が目の前に広がっていた。ヒンドヤンのスタイリッシュな指揮
を考えると、華やかさも感じられた。バルビローリがこのホールをヨーロッパ最高と評したのは誇張だったかもしれない。ややドライではあるものの、ヒンドヤン
はロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団から滑らかで雰囲気のあるピアニシムを引き出していた。初日の夜は、部外者（予備リスト）のイギリス人ピアニスト、ジュリアン・トレヴェリアンが、バルトークのノスタルジックな白鳥の歌、ピアノ協奏曲第3番を華麗に選曲したことで始まった。第1楽章の扱いはメゾフォルティスト過ぎてニュアンスが足りなかったが、緩徐楽章のアメリカン・カントリー
・アイドルではオーケストラとの魔法のような一体感が生まれ、フィナーレの早変わりするダンスもすべてうまくまとまっていた。 (下の写真はファイナリスト5名:トレヴェリアン、カン・ニー・
ルオン、ジェイデン・イジク=ズルコ、ジュンヤン・チェン、カイ=ミン・チャン)。

しかしベトナムのカン・ニー・ルオン同様、トレヴェリアンも鍵盤から十分な音の魔法を引き出せなかった。ルオンのおかげでプロコフィエフのピアノ
協奏曲第3番のすべての要素が完璧に整ったが、作品には作曲家に匹敵する、活気があり、時折思索的な個性が必要だ。この2人に続くピアニストはすぐにさらなる可能性を示した。台湾系中国人の

カイ=ミン・チャンは詩人で、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第4番の静かな冒頭の和音の前に完全な静寂をもたらしている。この作品は私に新鮮な衝撃を与えた。よくあることだが、素晴らしいが決まりきったことであり、それはヒンドヤンとRLPOの功績でもあり、最初のオーケストラのトゥッティはとても自然に響いた。

[54 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 16:51:31.65 ID:cqbX7yUB]

タネーエフは「ああ、ドアは全部鍵をかけたけど、誰か来たかもしれない…」と言った。彼は出て行き、しばらくして連れて戻ってきて、
彼を紹介して「彼もちょうど交響曲を作曲したばかりです」と言った。
ピアノの前に座り、グラズノフの交響曲を演奏しました。彼はショックを受けた。
「これは私の交響曲です…誰にも見せていないのに、どこで知ったのですか？」ここでタネーエフは、
寝室に座って、初めて聞いた時からすべてを覚えていたという秘密を明かした。

ショパンもリストもなし！）。その活気は際立っていましたが、ソリスト、指揮者、オーケストラの共同作業による最大の成果は、適切な色彩と表現力の強さによって、軽妙なが深く心を奪われる演奏になり得ることを私たちに納得させたことです。
テーマ的には陳腐に聞こえることが多いのですが、その強迫的なメランコリーは、まさに古き良きラフマニノフの演奏のようでした。

それは二夜連続の大きなサプライズでした。今年の音楽祭が男女平等を強調する方向へ向かっていることを考えると、陳が首位を獲得してもおかしく
なかったでしょう。しかし最終的に、審査員長のイモージェン・クーパー氏、芸術監督のアダム・ゲートハウス氏、エレノア・アルベルガ氏（彼女のピアノ協奏曲は2021年の受賞者アリム・ベイシンバエフ氏によるもので、最近ヒンドヤンとRLPOによって初演されました）、マリアム・バタシュヴィリ氏、アドリアン・ブレンデル氏、サ・ティル・フェルナー氏、イングリッド・そしてパベル・コレスニコフ氏という錚々たる面々がイジク＝ズルコ氏を選び、陳氏（下の写真）が2位を獲得しました。トレヴェリアン氏は5位、チャン氏は4位、ルオン氏は3位でした。最後の2つの順番は逆にしたかったのですが、以前の予選には参加しておらず、ソロ・レパートリー（現代音楽も豊富で、これも重要なポイントです）とカレイドスコープ
・チェンバー・コレクティブの著名なメンバーによる室内楽が競い合う準決勝を観戦して、追いつくのにかなりの時間が必要でした。他の賞も素晴らしいコンクールのウェブサイトに掲載されており、

見どころはたくさんあります。最高レベルのコンサートプログラムとして、見事に機能した2夜に感謝の意を表するしかありません。

[55 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 17:17:27.93 ID:15qI373h]

>>13
ありがとう
ペ君いる！
ジョナサンやグオちゃんやヘリム姐もい
るね
尾崎さん平間さん

[56 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 17:53:00.92 ID:NmwfWpPT]

したらば誘導も荒らしを挟んでの単発IDと　_φ(･_･めも

[57 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 17:59:52.73 ID:w533v92+]

わずか1か月ほど前、英国議会の女性・平等委員会が、音楽界における女性蔑視に関する痛烈な報告書を発表しました。
報告書には、クラシック音楽界に依然として不平等が蔓延しているだけでなく、女性たちが容認できないレベルの性的虐待やハラスメントに苦しめられ、
権力者を守るために秘密保持契約によってしばしば沈黙させられているという、個人的な体験談も含まれていました。



多くの同僚と同じように、私も当初は、私たちの愛する職業がこのような状況にあるとは思っていませんでした。結局のところ、この職業は十分に困難な時期を経験しているのですから。しかし最近、私たち自身の研究を発表した後、ある面接官から「これは明らかに性差別です。他にどう呼べばいいのでしょうか？」と問われました。そして、問題の規模の大きさを目の当たりにすると、他に説明を見つけるのは難しいのです。

女性が設立した音楽コンクールの女性CEOとして、ジェンダー不平等の響きは、特に違和感を覚えます。私たちの旅は、2国際ピアノコンクールで、ファイナリスト5名全員が男性だったという痛ましい瞬間から始まりました。
コンクールの幕が下りると、私たちはこの現実に向き合わざるを得ませんでした。私たちの歴史を振り返ると、20回のコンクールで優勝した女性のうち、
わずか2名しかいません。ピアノコンクール全体に、同じ傾向が見られます。


直近40の主要なピアノコンクールでは、82%が男性で優勝し、そのうち3分の1以上で決勝に男性のみが出場しました。
一方、ヴァイオリンの世界では対照的な結果となり、優勝者の75%が女性です。この事実を例に挙げて、
クラシック音楽に内在する性差別という概念を払拭したくなります。しかし、それでも疑問が残ります。
なぜピアノは異なる音色を奏でるのでしょうか？そして、より重要なのは、より公平な未来を築くために私たち

状況は複雑です。ピアニストの教育課程における軌跡は、最初のレッスンから音楽院卒業まで、男女ともに平等です。
しかし、そこから先はパイプラインが途切れ、女性ピアニストが主要な賞を受賞したり、キャリア開発プログラムに参加したりする可能性ははるかに低くなります。好き嫌いは別として、コンクールは新進アーティストにとってこれまで以上に重要です。才能を称え、
コンサートの機会や賞金を提供し、命綱となり得るからです。さらには、新進気鋭の若手アーティストを世界的な舞台に押し上げ、キャリアを支援するシステムを提供することで、人生を変えるほどの影響力を持つこともあります。


は、キャリアをスタートさせるチャンスは限られています。そして、最初は小さな機会の差に思えるかもしれませんが、それがキャリア全体に大きな影響を与える可能性があります。
こうした初期の機会を公平に分配できていないとしたら、キャリアを積むピアニストのうち女性が23%未満しかいないこと、そしてコンサート、フェスティバル、レコードレーベルにおける女性の参加率が低いことの理由を説明できるかもしれません。



なぜこんなにひどい曲を弾くのですか？ブラームスを弾かなきゃいけないのに…」
今では誰もそんなことは言いません。彼らはすでにいくつかのことを理解しているのです。
つまり、進歩しているということです。それは良いことです。
まずは外側上から無理

[58 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 17:59:57.57 ID:Zxy6H2vf]

なんでどんぐり入れないの
バカやん

[59 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 18:02:24.41 ID:VYZ1/kqu]

頭の中では成功した女性ピアニストの名前をすらすらと並べ立てているでしょう。しかし例外があるという事実は、
規則の証明にはなりません。多くのAI画像アプリは今や、「コンサートバイオリニスト」は女性で、「コンサートピアニスト」は男性であると学習しています。
だからこそ、リーズピアノコンクールでは、データ主導のアプローチを採用したのです。私たち自身で調査を収集するだけでなく、自身のキャリアへの影響を恐れて自らは公表しないことを選択した音楽家たちが収集した膨大なデータにもアクセスできました。


その理由は理解できます。成功を個人の能力主義（才能と努力）に帰する職業では、一部の人々を制限している構造的な障壁があることを認めるよりも、誰かを劣った音楽家だと非難したり、他人の成功を嫉妬したりする方が簡単だからです。

ピアノコンクールのCEO、フィオナ・シンクレア氏。
国際ピアノコンクールCEO、フィオナ・シンクレア氏。写真：ジョニー・ビーン
この証拠をクラシック音楽界やコンクール界のリーダーたちに持ち込んだところ、どの会話も「本当？」という戸惑いの表情で始まりました。
それから、始まりました。回復力、粘り強さ、リスクテイクの度合いの違いから、社会的な期待、手の大きさ、体格、そしてもちろん、家族を持ちたいという願望まで、多岐にわたります。
世界の一部の地域では、徴兵を避けるためピアノコンクールで優秀な成績を収める男性や、結婚準備のためのフィニッシングスクールとしてヨーロッパ

ギャップのような欠陥は、往々にして意図的なものではありません。しかし、それらは時間とともに進化し、根深くなり、
少数派の人々にとって乗り越えられない構造的な障壁を作り出します。


ヴィック・ベインの優れた著書『音楽業界を数える：ジェンダーギャップ』は、個人の能力主義、偏見、そして多様なロールモデルの不在が、平等を目指す私たちの道のりに暗い影を落としていることを示しています。　さらに、強い個性や意見が溢れる競争的な状況では、偏見が蔓延します。オーケストラが数十年前に気づいたように、これは意図的な集団的行動を必要とする分野です。
ヴィンテージの映像と現代の映像を比較すれば、男性首席奏者が依然として多数派を占めているとしても、
ブラインドオーディションが

幅広いアプローチを採用しています。ブラインド・プレセレクション、全ラウンドにおける経歴情報の最小化、審査員への無意識の偏見に関する研修、
そしてピアニスト志望者への的を絞ったキャリア支援といった取り組みを通じて、より公平な舞台の実現に尽力しています。また、コンクールに適用される法律はないものの、弁護士と協議の上、
投票プロセスの見直しも行いました。これまでのところ、審査員からのフィードバックは励みになっています。全員が、ピアニストに対する特権と権力を理解しています。推薦状、奨学金、
他のコンクールでの受賞歴などを知ると、偏見が生じるリスクが高まるため、ブラインド・リスニングは大きなメリットとなっています。さらに、
レパートリー、賞、コンサートのを促進しています。例えば、クララ・シューマンの協奏曲を本選の選択肢として提供する初のコンクールとして、また、作曲家による最優秀演奏にコンサートの機会を提供する新しい賞を創設しました。この賞は、
公平性の擁護者であるピアニスト、アレクサンドラ・ダリエスク氏の協賛によるものです。私たちの目的は、ピアニストたちに、必ずしも不利な状況にあるわけではないことを示すことです。

シューベルト幻想曲に密接に関連しているように見えるかもしれません

[60 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 18:12:07.61 ID:KgIOEv/G]

ウィーンベートーヴェンのファイナルのページ開いて愕然とした
この人数からファイナリスト3人しか選ばれないのか

[61 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 18:17:36.81 ID:KiNNU7av0]

指揮の世界では、男女格差を縮めるための意図的なアプローチが急速に進展しており、私たちは勇気づけられます。私たちも同じように行動しなければなりません。そうでなければ、独創的で個性的な声は失われ続け、ピアノ界における芸術的表現の可能性は制限されてしまうでしょう。

フィオナ・シンクレアは国際ピアノコンクールのCEOです。 の第1ラウンドは4月に世界6か所で開催されます。決勝は9月11日から21日までとブラッドフォードで開催されます

目的意識、厳格さ、そして決意を持って独立したジャーナリズムを追求してきました。しかし今、
2025年を迎え、私たちはかつてはほとんど想像もできなかったような新たな課題に直面しています。
ニュース業界の経済的基盤は、強力なテクノロジープラットフォームによって崩壊しました。過去20年間で、世界中で数千もの新聞が廃刊、あるいは跡形もなく縮小しました。その代わりに、ソーシャルメディアネットワークが公共の言説を偽情報で溢れかえらせています。
同時に、ジャーナリストはますます強まる政治的圧力にさらされています。排除や検閲、嫌がらせや暴力に至るまで、
権力に責任を負わせようとする人々は沈黙させられています。
権威主義的で反民主主義的な指導者たちは、報道の自由を弱め、情報空間を支配しようと躍起になっています。
これは遠い脅威ではありません。今まさに起こっています。そして、真実、説明責任、そして民主主義の核心を揺るがすものです。
今こそ、自由で独立した報道機関の必要性がかつてないほど高まっています。

非常に傑出しており、記憶力も完璧で、同時代の人々を驚かせました。
ある日グラズノフがセルゲイ・タネーエフを訪ね、新しく書いた交響曲を持ってきたという有名な話があります。
タネーエフは客にそれを演奏するよう説得した。この時点で、オーナーはすべてのドアに鍵をかけ、グラズノフに作業を開始するよう指示しました。
グラズノフが演奏し、その後会話と議論が始まりました。
30分後、タネーエフは「ああ、ドアは全部鍵をかけたけど、誰か来たかもしれない…」と言った。彼は出て行き、しばらくして連れて戻ってきて、
彼を紹介して「彼もちょうど交響曲を作曲したばかりです」と言った。
ピアノの前に座り、グラズノフの交響曲を演奏しました。彼はショックを受けた。
「これは私の交響曲です…誰にも見せていないのに、どこで知ったのですか？」ここでタネーエフは、
寝室に座って、初めて聞いた時からすべてを覚えていたという秘密を明かした。

[62 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 18:26:57.88 ID:2/xAmvgk0]

Estefan Vergara Iatcekiwって3年前のラフマニノフコンクールのファイナリストだった
リアタイしてたのにこの人は全く記憶に残ってなかった

指揮の世界では、格差を縮私たちは勇気づけられます。私たちも同じように行動しなければなりません。そうでなければ、独創的で個性的な声は失われ続け、ピアノ界における芸術的表現の可能性は制限されてしまうでしょう。

フィオナ・シンクレアは国際ピアノコンクールのCEOです。 の第1ラウンドは4月に世界6か所で開催されます。決勝は9月11日から21日までとブラッドフォードで開催されます

目的意識、厳格さ、そして決意を持って独立したジャーナリズムを追求してきました。しかし今、
2025年を迎え、私たちはかつてはほとんど想像もできなかったような新たな課題に直面しています。
ニュース業界の経済的基盤は、強力なテクノロジープラットフォームによって崩壊しました。過去20年間で、世界中で数千もの新聞が廃刊、あるいは跡形もなく縮小しました。その代わりに、ソーシャルメディアネットワークが公共の言説を偽情報で溢れかえらせています。
同時に、ジャーナリストはますます強まる政治的圧力にさらされています。排除や検閲、嫌がらせや暴力に至るまで、
権力に責任を負わせようとする人々は沈黙させられています。
権威主義的で反民主主義的な指導者たちは、報道の自由を弱め、情報空間を支配しようと躍起になっています。
これは遠い脅威ではありません。今まさに起こっています。そして、真実、説明責任、そして民主主義の核心を揺るがすものです。
今こそ、自由で独立した報道機関の必要性がかつてないほど高まっています。

[63 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 18:32:10.84 ID:ZUQaDYUM]

アンジェラ・ヒューイット、故アンジェリッチといったアーティストのキャリアを飛躍させたことを誇りとしています。しかしながら、輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、このコンクールが現状に甘んじる雰囲気は全くありません。周年を迎えるにあたり、コンクールは主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、
変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

大会にはピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた46名は、これまでとはかなり
異なるコンクールを経験することになる。「私たちは、各ピアニストを一人のアーティストとして見たいのです」と、コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語る。彼はバッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に演奏するという
考え方を捨て、出場者に「自分自身の個性と、ピアノの未来像を表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「彼らの芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

直近行われたコンクールでは、第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり演奏されていない作曲家の作品を選択することが求められ、
審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受けます。「聴衆とどのように関わり、ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の作品を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は述べています。
次以降ラウンドに進むピアニストは、クラシックピアノの未来は個々のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるアーティスト育成プログラムの恩恵を受けることができます。


8月に開催されますが、もう一つ大きく異なる点があります。それは、ロンドンだけでなくパリでも開催されることです。1998年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し、第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォーレス大学音楽院、またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーのいずれかで演奏します。この2つの会場で開催することで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツを再び意識したものになります。

今夏、クリーブランドで開催されるコンクールの最終ラウンドに招待される準々決勝進出者16名は、クラシックピアノコンクールの常識をはるかに超え、アーティストとして自らを表現することが求められます。彼らは、開会式でのポップミュージックデュオ演奏、少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏、そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場や設定での演奏が求められます。

これまでのラウンドと同様に、出場者は、あまり知られていない、あるいはあまり知られていない作曲家の作品を演奏し、
その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められます。コールバーグは、出場者が審査員に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているか」
を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一部です。



結果は3位までに他のロシア人ファイナリスト＋中国マオちゃんが並ぶ中、4位、5位なしの6位だった
ひどい順位の付け方だなぁと思ったけど、Vigoもぶっ叩いてるだけの大味なラフソナだったのでラフマニノフの順位にも納得

[64 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 18:50:15.05 ID:XJ7pI2iD]

日本の場合、ピアノ演奏家の主力が名古屋に偏ってるのが良くない。
これがトランプ関税でトヨタと共に沈んでいく運命だ。

特徴があまり演奏は審査員の支持を得にくい？
今演奏している人もそんな演奏に思えてしまう


キャリアを築くには、賞金以上のものが不可欠です。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでの
リサイタル出演が保証され、さらに米国有数のアーティストマネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。

クリーブランドへの出場権と準々決勝進出は、それ自体が大きな賞となります。コンクールのアーティスト育成プログラムでは、出場者がレジデンス、
メンターシップの機会、ブランディングとマーケティングに関する講座、マスタークラス、そしてジョナサン・ビス、アンジェラ・ヒューイット、
ジュ・ヒョンギといったピアニストから直接フィードバックやアドバイスを受けることができます。

コールバーグ氏は、2024年クリーブランド国際ピアノコンクールが、第1ラウンドに出場した55名のピアニストたちから
並外れた才能を披露してくれる
と確信している。大統領は、彼ら全員が「幅広く奥深い技術と個性を示しており、
このコンクールが正しい方向へ進んでいることを証明している」と述べた。
彼のコンクールは、これまでの期待を根本的に塗り替えた。優勝者は、おそらくさらに大きな成果を挙げるだろう。

ピアノコンクールの審査員、つまりジャッジは、執筆活動と並んで私のお気に入りの仕事です。過去15年間、
世界中のあらゆるレベルや能力のコンクールやフェスティバルで審査員を務めてきました。その仕事は魅力的で、常に変化に富んでいます。
ピアノコンクールには良い面と悪い面があります。ピアノ演奏は主観的なものであり、演奏者同士を比較することはできないと考えて、コンクールという
概念を嫌う人も多くいます。確かにその通りかもしれませんが、にそう言ってみてください！ 概して生徒たちはこうしたイベントに参加する
のが大好きで、私は結果があまり重要ではないことを彼らに理解させています。参加することが何よりも重要な要素です。なぜなら、コンクールが大きなメリットをもたらす要素があるとすれば、それ
はの成長だからです。特定のレパートリーを学び、一定の時間内に綿密に準備することは、生徒の成長を劇的に変える力を持っています。若い演奏者向け
の8分または10分のプログラムでも、上級者向けの20分から30分のプログラムでも、私の生徒たちは例外なく全員上達します。
「でも、試験やコンサートに向けて努力すれば上達できないの？」確かにその通りですが、コンサート、試験、コンクールに何度も生徒を参加させてきた私に
は、コンクールへの参加が何よりも重要視されているように感じます。コンクールは、より刺激的で「危険な」選択肢と捉えられているため、特定のタイプの生徒に魅力的に映るのかもしれません。年上の生徒は、コンクールならではの「
エッジの利いた」雰囲気を好むようです。私の生徒の一人は、2022年のBBCヤング・ミュージシャン・コンテストの2次予選に進出しました。彼女はカーディフにあるロイヤル・ウェールズ音楽演劇大学で、他の25人の出場者と共に演奏し、大学の大コンサートホールで3人の
審査員の前で12分間のプログラムを演奏しました。「どんな気持ちでしたか？」
と尋ねると、彼女は「怖かったです」と答えました。「でも、すべての瞬間が楽しかったです。刺激的で、本当に『緊張感』があり、爽快でした」



しかし、私はコインの「裏側」にもいます。審査員であることは特権であり、同時に責任でもあります。審査員団と仕事をすることが多く、それは概してより慎重な判断に基づいた結果につながると期待されます。受賞者全員の意見に同意する時もあれば、そうでない時もあります

[65 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 18:56:35.15 ID:Alkv7X9K0]

西洋人がこんな演奏をしていてはみんな中国と中国系、韓国と韓国系、それと戦争が収まったらロシアだけの国際ピアノコンクールになりそうだ
日本はどんどんどんどん貧乏になっているのでピアノを習える子がごくごく小数になりそう…(韓国は経済的に厳しいと言っても社会主義国と一緒で国威発揚で国家バックアップしていそう）

「幅広く奥深い技術と個性を示しており、
このコンクールが正しい方向へ進んでいることを証明している」と述べた。
彼のコンクールは、これまでの期待を根本的に塗り替えた。優勝者は、おそらくさらに大きな成果を挙げるだろう。

ピアノコンクールの審査員、つまりジャッジは、執筆活動と並んで私のお気に入りの仕事です。過去15年間、
世界中のあらゆるレベルや能力のコンクールやフェスティバルで審査員を務めてきました。その仕事は魅力的で、常に変化に富んでいます。
ピアノコンクールには良い面と悪い面があります。ピアノ演奏は主観的なものであり、演奏者同士を比較することはできないと考えて、コンクールという
概念を嫌う人も多くいます。確かにその通りかもしれませんが、にそう言ってみてください！ 概して生徒たちはこうしたイベントに参加する
のが大好きで、私は結果があまり重要ではないことを彼らに理解させています。参加することが何よりも重要な要素です。なぜなら、コンクールが大きなメリットをもたらす要素があるとすれば、それ
はの成長だからです。特定のレパートリーを学び、一定の時間内に綿密に準備することは、生徒の成長を劇的に変える力を持っています。若い演奏者向け
の8分または10分のプログラムでも、分のプログラムでも、私の生徒たちは人前で、演奏会のような形でピアノを弾いている人がいたときに、そのピアノを弾いている人のこと」
という意味です。
この場合は、お金を頂くかどうかということは全く関係がなく、上手いか下手かも関係がありません。
仮に素人（市井のピアノ教師、中学・高校の音楽の先生、音楽大学の学生、ピアノを習っている子ども、……など）であっても、人前でピアノ演奏を披露していれば、その人






これは、英国の小規模生産者の輸出負担を軽減することを目指した、書類手続きの簡素化です。

この合意では、限定的な青少年流動性制度の枠組みや、英国のエラスムス・プラス学生交換プログラムへの参加に関する新たな協議も概説されています。

[66 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 19:01:58.61 ID:HOqW2/K2]

避難所
貼り荒らしは居ないが自演も荒らしと同じなんだよな

[67 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 19:03:02.60 ID:HOqW2/K2]

昨日も書いたけど私はここでいいわ

[68 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 19:04:13.17 ID:i/OzE18n]

そのピアノを教えていて、年に１回〜複数回程度演奏会に出演する人）なども含みます。
素人の場合は「出演料」は支払われませんから（大学のピアノサークルなどの発表会で、会場代などの経費を埋めるために料金を取るような場合はありますが）、素人のピアノ奏者はここには含まれません。


単純には押すことにより鍵盤の速さが遅くなる、と言う意味と考えて良いと思います。

ただ、押しても、ゆっくり指を立てて降ろしても、鍵盤を押すスピードが同じであれば、同じ音になります。

ここが「そんなことはない、押せば違う音色になる」と考えるから話がおかしくなるのです。

このあたり、よく科学的に考えてください。

もしも「押すタッチでしか音色は変化できない」という講師があったら、100％疑って間違い無いです。

たとえそれがどこぞの一部のロシアor重量（重力）奏法指導者によるとしてでも、です。

どちらが正しいかは、現在は科学が進歩した21世紀なので、ご自身でよく考えればわかることです。

ただ、実際は鍵盤を押す、と言う動作はゆっくりならば小さい音が出ますが、やや強く押すと、ものすごく鋭い音になります。

結局は、奏法如何で音色が決定されるわけではなく、単純に押すだけでも様々な音色の音が出てしまいます。
鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました

タッチを変えるとピアノの音色は変わるでしょうか？読者の皆さんはピアノを弾かれる方ですから、もちろん音色は変わるとお考えだと思います。一方で、音響学者の中には、「ピアノの構造を考えると、ピアノの音色を変えることはできない」とおっしゃる方もいらっしゃいます。
打鍵ノイズがあるピアノの音から、ノイズだけを取り除く特殊な処理を施した音を用意します。そして、元々ノイズの入っていない音との音色の違いを、様々な人に聴いてもらいます。すると、今度は２つの音色の違いを聞き分けることができませんでした。

これらの結果から、どうやら指先が鍵盤を叩くときに生まれるノイズが、ピアノの音色の知覚に影響を及ぼしていると言えます

ピアノというのは、鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました。音色とピアノの音色が本当に変わるとすると、何がピアノの音色を決めるのでしょうか？これについては、いくつか研究があるのですが、その中で近年注目を集めている「打鍵時に生じるノイズ（雑音）」との関連についてご紹介します。

鍵盤を叩くと、机を叩くときと同様、「バン」といった雑音（ノイズ）が鳴ります。これはピアノを弾いているときには、通常それだけで聴こえにくいものです。「バン」と叩くノイズのわずか0.1秒かそれ以下の時間の後に、実際のピアノの音が鳴るので、耳は2つの音を分離して聴かずに、「混ざった一つの音」として認識します。

[69 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 19:11:30.80 ID:Jy1lNMGd]

自身と彼の音楽の影響は大きく、芸術の境界を超えています。
もし学校で祖国をることを学ばなかたら、音楽がそれを補ってくれるでしょう。ところで、西洋の演奏家にとって真に発見するのは非常に困難です。
人は彼の音楽を違った形で、より深く体験する。
たぶん、私たちの気持ちが大きいからでしょう。あるいは、広大なオープンスペースと関連して

誰も予想していなかったが、極右派のグジェゴシュ・ブラウン氏がポーランド大統領選挙の第1回投票で得票率6.34%で4位に終わったことで、彼は極右派のアウトサイダーから第2回投票で真の影響力を持つ人物へと躍進した。



記録的な投票率と極右勢力の躍進を受け、ポーランドは決選投票へ
ブラウン氏の結果は世論調査では予想されておらず、対立候補も彼を真剣に受け止めていなかった。しかし、120万票を獲得したブラウン氏の躍進は、これまでの選挙戦における最大の構造的ショックだ。与党市民連合の支持を受けるリベラル中道派のラファウ・トラスコフスキ氏と、野党「法と正義」（PiS）の支持を受ける保守派のカロル・ナヴロツキ氏は、いずれもブラウン氏が獲得した有権者の票を正す必要がある。

極右カトリック教徒の候補者として出馬し、その論調は公然と反ユダヤ主義、反ウクライナ主義、そして君主主義（イエスが正式にポーランド国王に即位することを望んでいる）を掲げていた。彼は、体外受精を「地獄から来たもの」と示唆し、ポーランドのEU離脱を要求し、第2バチカン公会議後のカトリックの正当性を否定し、所得税の廃止を要求するなど、ほとんどの候補者にとって政治的に自殺行為となるようなテーマを掲げて選挙活動を展開した。

彼の政策には、銃器の広範な携帯の合法化、ワクチンを推進する公衆衛生機関の閉鎖、そして中絶の全面禁止が含まれていた。

ブラウン氏はロシアによるウクライナ侵攻を公式に非難しているが、親クレムリン的な言説を繰り返し、ポーランドを非難している。

[70 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 19:15:54.60 ID:Isqc94tr]

テレビではボリショイ劇場で彼がこの交響曲を演奏する様子が放送されました。彼の解釈にはただただ驚かされた。
1か月後、彼はサンクトペテルブルク・フィルハーモニー管弦楽団を訪れ、私は彼の演奏を生で聴き

意外と「クラシック音楽」＝高尚、難解、取っ付きにくい、などといったイメージが、一般的には根強くあることに驚かされます。
クラシックもポップスもロックも、基本的には西洋音楽の調性や機能和声のシステムによる同根のものですが、クラシックの作品は長かったり、
楽器や編成による音色が多様であったり、強弱の幅が大きいものがあったりと、非常に情報量の多い音楽です。
さらには宗教、文化、風習といったコンテクストを色濃くまとった作品であれば（たとえば交響曲第○番というようなタイトルのない絶対音楽や、
タイトルがあっても「ミサ・ソレムニス」「レンミンカイネン組曲」という言葉が付いていたりすると）、なおさら“敷居”を感じ、
「私にはわからない」という見えないシャッターが下ろされるのも無理はありません。


しかし実際には、現代を生きる私たちは、ほぼ生まれたときから「ドレミ」の鳴り響く環境に育ち、学校の授業でも音楽作品に出会ってきました。ただし、
それが当たり前の環境となったのは、ほんのここ100年以内のことでしょう。 近代化とともに西洋音楽を取り入れた日本。それまで三味線や太鼓や尺八の音楽文化を生きていた人々にとって、
西洋音楽はまさに異文化との接触だったことは言うまでもありません。しばしば「音楽は世界の共通語」などと言われますが、それは少し乱暴な言い方で、
やはり音楽にも言語の文法に似たある種のシステムがあります。ドレミファソラシドという『音階』も、それに基づくハ長調やト短調といった『調性』も、
開国以前の日本の音楽にはなかったシステムです。それらに歩み寄るには、先人たちによる長年の研究や努力や工夫のプロセスを要しました。


1879年に音楽取調掛という、今大学の前身にあたる音楽教育機関が創設され、西洋音楽の文法を解きほぐしながら普及がなされていったのです。


彼ら17~19世紀の作曲家たちの音楽は、上述のような音階や調整や機能和声に基づくものです。そのシステムに則れば、音階固有音や、
それによって形成される三和音の一つ一つに「意味」や「機能」が見出されます。たとえば、あえてそのイメージを言葉にすれば、「ドは安定感、レで問題提起、ミで確認、ファで広がり、
ソで毅然とした態度、ラで揺らぎ、シで願望を抱いて、
ドに戻って解決し再び安定」といった役割があると捉えられるかもしれません。三和音にすると、耳で感覚的にわかるもの、感じ取れるものもあるでしょう。
作曲家たちは、漫然と音を手繰って曲を書いていたわけではなく、そうした音の役割や、ある種の文法を把握・意識しながら、充実した内容の作品を作り上げているわけです。
よって音楽作品とは、才気溢れる人々が発した、濃密な文化的メッセージです。作曲家たちが、知性と感性とを総動員させながら練り上げた芸術であり、
彼ら個人のメッセージや時代の空気感にも満ち溢れた創作物です。

現代の世界が抱える様々な問題、社会が取り組まねばならない課題に向き合うには、互いへの共感力、他者理解への努力、多様性を認め合う想像力が求められています。
大げさと思われるかもしれませんが、音楽芸術に向き合い、心震わせ、想像性・創造性に共感することは、私たちが今を生きる力を鍛えることにつながると思うのです。
かつて、大変興味深いエピソードを伺いました。来日中のあるピアニストが、自爆テロのニュースに接したとき、
『彼（テロリスト）には音楽が足りていないんだね』とさらりと一言おっしゃったというのです。おそらく、他者に共感する能力の不足がこうした惨事を招いてしまった、誤解されてしまった
という意味ではないかと思います。
人が音楽に出会い、楽譜に込められた作曲者の意図を解釈することも、演奏を通じてそれを表現することも、あるいは人と合奏することも、
他者の気持ちを汲み取り理解するコミュニケーションに他なりません。それこそが音楽を「学ぶ」こと、深め続けることの大きな意義と魅力ではないでしょうか

[71 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 19:44:50.60 ID:z64jdKVk]

ベオグラード交響楽団と共演し、ラフマニノフのプログラムを演奏しました。
ニコライ・ルガンスキーが第3交響曲のソリストを務め、その後、再び第2交響曲を演奏しました。
そしてラフマニノフが私と一緒にいたとき、私のキャリアの中で多くの重要な出来事が起こりました。私は指揮をするのが大好きで、多くの楽譜を暗記して演奏します。

キャリアを築くには、賞金以上のものが不可欠です。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでの
リサイタル出演が保証され、さらに米国有数のアーティストマネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。

クリーブランドへのそしてジョナサン・ビス、アンジェラ・ヒューイット、
ジュ・ヒョンギといったピアニストから直接フィードバックやアドバイスを受けることができます。

コールバーグ氏は、2024年クリー
並外れた才能を披露してくれる
と確信している。大統領は、彼ら全員が「幅広く奥深い技術と個性を示しており、
このコンクールが正しい方向へ進んでいることを証明している」と述べた。
彼のコンクールは、これまでの期待を根本的に塗り替えた。優勝者は、おそらくさらに大きな成果を挙げるだろう。

ピアノコンクールの審査員、つまりジャッジは、執筆活動と並んで私のお気に入りの仕事です。過去15年間、
世界中のあらゆるレベルや能力のコンクールやフェスティバルで審査員を務めてきました。その仕事は魅力的で、常に変化に富んでいます。
ピアノコンクールには良い面と悪い面があります。ピアノ演奏は主観的なものであり、演奏者同士を比較することはできないと考えて、コンクールという
概念を嫌う人も多くいます。確かにその通りかもしれませんが、にそう言ってみてください！ 概して生徒たちはこうしたイベントに参加する
のが大好きで、私は結果があまり重要ではないことを彼らに理解させています。参加することが何よりも重要な要素です。なぜなら、コンクールが大きなメリットをもたらす要素があるとすれば、それ
はの成長だからです。特定のレパートリーを学び、一定の時間内に綿密に準備することは、生徒の成長を劇的に変える力を持っています。若い演奏者向け
の8分または10分のプログラムでも、上級者向けの20分から30分のプログラムでも、私の生徒たちは例外なく全員上達します。
「でも、試験やコンサートに向けて努力すれば上達できないの？」確かにその通りですが、コンサート、試験、コンクールに何度も生徒を参加させてきた私に
は、コンクールへの参加が何よりも重要視されているように感じます。コンクールは、より刺激的で「危険な」選択肢と捉えられているため、特定のタイプの生徒に魅力的に映るのかもしれません。年上の生徒は、コンクールならではの「
エッジの利いた」雰囲気を好むようです。私の生徒の一人は、2022年のBBCヤング・ミュージシャン・コンテストの2次予選に進出しました。彼女はカーディフにあるロイヤル・ウェールズ音楽演劇大学で、他の25人の出場者と共に演奏し、大学の大コンサートホールで3人の
審査員の前で12分間のプログラムを演奏しました。「どんな気持ちでしたか？」
と尋ねると、彼女は「怖かったです」と答えました。「でも、すべての瞬間が楽しかったです。刺激的で、本当に『緊張感』があり、爽快でした」



しかし、私はコインの「裏側」にもいます。審査員であることは特権であり、同時に責任でもあります。審査員団と仕事をすることが多く、それは概してより慎重な判断に基づいた結果につながると期待されます。受賞者全員の意見に同意する時もあれば、そうでない時もあります

[72 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 19:54:35.46 ID:Jt1nMeRZ]

ギリギリ石田さんに間に合ったー
キュービンどうだったのかな

[73 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 19:57:31.98 ID:lfpni24L]

ペプシコ・リサイタルホールのステージに初めて立った時は、少し緊張して寒さを感じたそうですが、すぐに慣れたそうです。

リストの曲を2曲も難なく弾きこなし、演奏後には自分の能力の90%を発揮できたと語っています。

全員に送られてきた楽譜の中から数名の「ファイナリスト」を選出した後、数時間にわたって直接会い、
それぞれの作品を互いに演奏し合い、優勝者を決めました。今年は初めて、希望した出場者には書面によるフィードバックを提供しました。
フィードバックは忘れられがちな「プラス要素」の一つです。学生が特定のコンクールで優勝できなかった理由を知りたがる時代において、審査員の意見は歓迎され、そして願わくば建設的な意見がほとんどであることを願っています。


コンクールの中には、課題曲が決まっているところもあります。ヘンレ・コンクールは毎年1人の作曲家に焦点を当て、特定の作品集から年齢に応じた課題曲が選ばれます。
他のコンクールでは完全に自由な選択が認められており、私の生徒たちはそちらを好んでいます。こうすることで、新しく学んだコンサートスタディを、
より確実な課題曲と並行して「試奏」することができます。コンクールへの参加は、生徒たちが常にレパートリーを広げ、発展させていくことを促します。

最近、バンコクで開催されたタイ青少年舞台芸術フェスティバルで、ピアノ教室の審査員を務めました。タイは近隣諸国と同様に、若者をコンクールに向けて徹底的に育成しています。このイベントでは、
演奏レベルは様々でしたが、生徒たちは皆、暗譜で演奏し、自信に満ちた演奏を披露していました。
音楽学校のオーディションを受ける予定の人は、できるだけ早くピアノ演奏の「実績」（または経歴）を
積む必要があります。私が生徒を指導する際、この過酷な課題は一種のコンクールでもあり、
入学希望者は自分がその資格にふさわしいことを証明しなければなりません。
コンクールでの優勝、コンサートでの演奏、そして様々なコースやマスタークラスへの参加はすべて、彼らのプロフィールを構築し、出願書類を有利に進めるのに役立ちます。

ショパンの国では再び個人主義が支配するようになりました。そして、第18回ショパン・ピアノ・コンクールでは、型破りな才能を持つアーティストたちが揃って優勝を飾りました。

金メダルを獲得したブルース（シャオユウ）・リウが、古き良き魅力を漂わせ、ソロパートで内声を大胆に響かせたのが素晴らしかったのですが、
審査員が頭脳熱にかかってしまうのではないかと心配していました。どうやらそうではなかったようです！今晩のリウの、自然で気取らない、それでいて比較的分かりやすいショパンのホ短調協奏曲


もしかしたら、コンテストはエリート主義的で貴重な時間とエネルギーの無駄だと考えている人たちに、考え直すきっかけを与えられたかもしれません。

力強く型破りな個性と独創的な声、そしてそれほど主張は強くないものの、
想像力豊かで一貫性のあるの才能を無視することはできなかった。刺激的な音楽家たちが銀メダルを分け合ったという事実は、多くのことを物語っている。審査員がマルテのような、
常にチャンスを掴む才能を持つ人物に銅メダルを授与したこともまた、多くのことを物語っている。もっとも、彼が協奏曲の最終審査で控えめな演技をしたことは、
むしろ彼にとってプラスに働いたと言えるだろう（そして、同じことは劉にも当てはまるかもしれない）。


向きなショパンのホ短調協奏曲は、小林の緻密な演奏と緊張感あふれる指使いを重視したピアニズムを完全に凌駕していたと言わざるを得ません。

レオノーラ・アルメリーニは、極めて自然なピアニズムと、相手に伝わる素早い表現力で第5位を獲得しました。
準決勝と決勝では、
ラウンドで期待されたほどの演奏はできなかったのかもしれません。アルメリーニの他のレパートリーも聴いてみたいですね。
長年の経験を持つプロのピアニストの同僚は、JJジュンを応援していました。私としては、この17歳のピアニストは指使いは間違いなく優れていると思いますが、音楽的にはまだまだ未熟です。

特別賞について：最優秀マズルカ演奏賞はヤクブ・クシュリクが受賞しました。当然の受賞でした。このコンクールではホ短調協奏曲が賞賛される傾向

[74 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:03:47.86 ID:pz0bjqFj]

ソナタの驚異的な演奏で、ソナタ最優秀演奏賞にふさわしいクリスティアン・ツィメルマン賞を受賞しました。
審査員は最優秀ポロネーズ演奏賞にフレデリック・ショパン協会特別賞を授与しませんでしたが、これは当然のことでした。

世界中の読者や視聴者が結果に意見を述べることは間違いありません。しかし、最終的には審査員が決定権を持つとはいえ、
私個人としては「ディヌ・リパッティ／ウィリアム・カペル ロ短調ソナタ最優秀演奏賞」をヤクブ・クシュリクに授与したいと思います。

プレッシャーは高かったものの、紛れもなく刺激的なこの数週間の緊張を解きほぐす中で、アンジェイ・ボレイコとワルシャワ・フィルハーモニー管弦楽団に特別な賞を贈りたい。
彼らは同じ2つの協奏曲を何度も繰り返し演奏し、ソリストが誰であろうと、
ショパンの悪評高いオーケストレーションを毎回変わらぬ活力で響かせた。亡き母が言うように、これは決して軽んじられた演奏ではない

この時代を「醜悪」で不正義な時代と呼び、これを非難している。ニューヨーク・タイムズ紙のインタビューで、シフは政権の移民政策に特に苦悩し、ホロコースト（大虐殺）の際に家族が国外追放された歴史に言及した。

ドイツのヴァイオリニスト、クリスティアン・テツラフ氏やピアニストのシャガイェグ・ノスラティ氏など、
トランプ大統領のリーダーシップに公然と反対する姿勢を示すクラシック音楽家のグループに加わった。公開書簡の中で、フ氏は「芸術と政治は切り離せない」と述べ、根本的な価値観が脅かされていると感じる国で「
良心の呵責を感じずに演奏を続けることはできない」と述べた。アメリカの音楽界と深い繋がりを持つにもかかわらず、2025-2026シーズンのすべての公演から撤退した。

ヴィクトル・スキオラーの軌跡を考察し、ケネス・ハミルトンはリストの弟子アウグスト・ストラダルのコレクションで発見されたリスト作品について報告します。また、今号の「両極化するピアニスト」コラムでは、ブライス・モリソンがアメリカのピアニスト、ジョセフ・ヴィラの演奏を振り返ります。

ジアヤン・サンはブリッジ・レコードからの最新アルバム『ブゾーニと彼のミューズ』を紹介。イタリアの作曲家ブゾーニの作品と、彼に影響を与えた音楽を紹介しています。マレー・マクラクラ

自身の決断の難しさを認めつつも、将来の変化に希望を持ち続け、アーティストたちに不正に対して声を上げるよう呼びかけている。

術分野を横断する華やかなプログラムを携えて、今年10月にキングス・プレイスに戻ってきます。
ピアニストであり共同芸術監督でもあるカティア・アペキシェヴァとチャールズ・オーウェンがキュレーションを手掛ける20フェスティバルでは、著名な作曲家シェリル・フランシス＝ホード、
スティーブン・ハフ、エレナ・ランガーによる3つの世界初演に加え、クラシックとジャズ界の幅広いアーティストが出演


委員会は記念碑が建立される前に解散したものの、多くの成果を上げました。

1908年に優勝作品を決めるコンペを開催し、66件の応募がありました。そのうちの一つ、57番はヴァツワフ・シマノフスキの作品でした。

シマノフスキは実際には5年前に設計を完成させており、そのため委員会のいくつかの基準、例えばサイズに関する基準を満たしていませんでした。

[75 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:09:31.47 ID:HOqW2/K2]

>>72
ながら聴きで申し訳ないが無難に弾いてたと思う
いつも通り若干線が細い感じではあった
他にちゃんと聴いてた人いるといいんだけど過疎ってて…

[76 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:17:13.44 ID:7dAQIqsN0]

第57番のデザインは、その極めてシンプルさ、印象的な記念碑性、そして非常に明るい発想によって際立っている」と、審査員は受賞理由を述べた。「ショパンの姿、その姿勢、体と頭の動きは、聴くことと心情を統一的に表現している」と彼らは付け加えた。

コンクールはマスコミに大きく取り上げられ、シマノフスキの受賞は広範な議論を巻き起こした。批評家のアントニ・シギエチンスキのように、近代的表現主義の美学に憤慨した者もいた。

「この記念碑には詩情、芸術性、そして記念碑芸術の真剣さが欠けている。まるで石膏で無造作に作られた感傷的な中編小説のようだ」と彼は書いた。

獲得したブルース（シャオユウ）・リウが、古き良き魅力を漂わせ、ソロパートで内声を大胆に響かせたのが素晴らしかったのですが、
審査員が頭脳熱にかかってしまうのではないかと心配していました。どうやらそうではなかったようです！今晩のリウの、自然で気取らない、それでいて比較的分かりやすいショパンのホ短調協奏曲


もしかしたら、コンテストはエリート主義的で貴重な時間とエネルギーの無駄だと考えている人たちに、考え直すきっかけを与えられたかもしれません。

力強く型破りな個性と独創的な声、そしてそれほど主張は強くないものの、
想像力豊かで一貫性のあるの才能を無視することはできなかった。刺激的な音楽家たちが銀メダルを分け合ったという事実は、多くのことを物語っている。審査員がマルテのような、
常にチャンスを掴む才能を持つ人物に銅メダルを授与したこともまた、多くのことを物語っている。もっとも、彼が協奏曲の最終審査で控えめな演技をしたことは、
むしろ彼にとってプラスに働いたと言えるだろう（そして、同じことは劉にも当てはまるかもしれない）。


向きなショパンのホ短調協奏曲は、小林の緻密な演奏と緊張感あふれる指使いを重視したピアニズムを完全に凌駕していたと言わざるを得ません。

レオノーラ・アルメリーニは、極めて自然なピアニズムと、相手に伝わる素早い表現力で第5位を獲得しました。
準決勝と決勝では、
ラウンドで期待されたほどの演奏はできなかったのかもしれません。アルメリーニの他のレパートリーも聴いてみたいですね。
長年の経験を持つプロのピアニストの同僚は、JJジュンを応援していました。私としては、この17歳のピアニストは指使いは間違いなく優れていると思いますが、音楽的にはまだまだ未熟です。

[77 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:27:48.96 ID:ETFsPcJl0]

それぞれの作品を互いに演奏し合い、優勝者を決めました。今年は初めて、希望した出場者には書面によるフィードバックを提供しました。
フィードバックは忘れられがちな「プラス要素」の一つです。学生が特定のコンクールで優勝できなかった理由を知りたがる時代において、審査員の意見は歓迎され、そして願わくば建設的な意見がほとんどであることを願っています。


コンクールの中には、課題曲が決まっているところもあります。ヘンレ・コンクールは毎年1人の作曲家に焦点を当て、特定の作品集から年齢に応じた課題曲が選ばれます。
他のコンクールでは完全に自由な選択が認められており、私の生徒たちはそちらを好んでいます。こうすることで、新しく学んだコンサートスタディを、
より確実な課題曲と並行して「試奏」することができます。コンクールへの参加は、生徒たちが常にレパートリーを広げ、発展させていくことを促します。

最近、バンコクで開催されたタイ青少年舞台芸術フェスティバルで、ピアノ教室の審査員を務めました。タイは近隣諸国と同様に、若者をコンクールに向けて徹底的に育成しています。このイベントでは、
演奏レベルは様々でしたが、生徒たちは皆、暗譜で演奏し、自信に満ちた演奏を披露していました。
音楽学校のオーディションを受ける予定の人は、できるだけ早くピアノ演奏の「実績」（または経歴）を
積む必要があります。私が生徒を指導する際、この過酷な課題は一種のコンクールでもあり、
入学希望者は自分がその資格にふさわしいことを証明しなければなりません。
コンクールでの優勝、コンサートでの演奏、そして様々なコースやマスタークラスへの参加はすべて、彼らのプロフィールを構築し、出願書類を有利に進めるのに役立ちます。

ショパンの国では再び個人主義が支配するようになりました。そして、第18回ショパン・ピアノ・コンクールでは、型破りな才能を持つアーティストたちが揃って優勝を飾りました。




6件の応募がありました。そのうちの一つ、57番はヴァツワフ・シマノフスキの作品でした。

シマノフスキは実際には5年前に設計を完成させており、そのため委員会のいくつかの基準、例えばサイズに関する基準を満たしていませんでした。

しかし、ザヴェリー・ドゥニコフスキといった著名な彫刻家との熾烈な競争があったにもかかわらず、1909年に行われた審査員による秘密投票で、シマノフスキのデザインが満場一致で優勝作品とされました。

「第57番のデザインは、その極めてシンプルさ、印象的な記念碑性、そして非常に明るい発想によって際立っている」と、審査員は受賞理由を述べた

[78 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:30:37.78 ID:YGgMYXUB0]

作曲家、指揮者 - 小。神聖なる神。彼の才能はモーツァルトに匹敵します。
彼の純粋に音楽的な才能は非常に傑出しており、記憶力も完璧で、同時代の人々を驚かせました。
ある日グラズノフがセルゲイ・タネーエフを訪ね、新しく書いた交響曲を持ってきたという有名な話があります。
タネーエフは客にそれを演奏するよう説得した。この時点で、オーナーはすべてのドアに鍵をかけ、グラズノフに作業を開始するよう指示しました。
グラズノフが演奏し、その後会話と議論が始まりました。
30分後、タネーエフは「ああ、ドアは全部鍵をかけたけど、誰か来たかもしれない…」と言った。彼は出て行き、しばらくして連れて戻ってきて、
彼を紹介して「彼もちょうど交響曲を作曲したばかりです」と言った。
ピアノの前に座り、グラズノフの交響曲を演奏しました。彼はショックを受けた。
「これは私の交響曲です…誰にも見せていないのに、どこで知ったのですか？」ここでタネーエフは、
寝室に座って、初めて聞いた時からすべてを覚えていたという秘密を明かした。

理想的には、オーケストラはピアノのように聞こえるはずです。結局、テクスチャがいかに複雑であってもある要素が鳴り、他のすべてが取り除かれるような方法で演奏します。
意味のない音符はひとつもありません。ハシスの音にはそのような平凡さはない。何かが聞こえますが、それについて推測することしかできません...
彼が演奏するすべての音符は他の誰とも異なり、彼の演奏からは文化と歴史、チェーホフ、トルストイ、ツルゲーネフが聞こえます。そしてライフスタイルや人々も。

以前と比べて、世界的な名声は高まっています。私の先生、フライアーがベルリンでピアノ協奏曲を演奏した時、
皆が彼にこう言いました。「あなたは素晴らしいピアニストですが、なぜこんなにひどい曲を弾くのですか？ブラームスを弾かなきゃいけないのに…」
今では誰もそんなことは言いません。彼らはすでにいくつかのことを理解しているのです。
つまり、進歩しているということです。それは良いことです。

私にとって関連する物語や思い出。かつて、私がニューヨークでオーケストラにいた時、主催者に頼んで、街から約60キロ離れたラフマニノフの墓に行く機会を与えてもらいました。
オルガ・イワノヴナ（ドブロホトワ、巨匠の妻、注）と私がそこに到着したとき、何の標識も見当たりませんでした。墓地は広いので、探して歩かなければなりませんでした。私たちは絶望しかけていたのですが、突然ライラックの香りがしたので、そこへ向かいました。
そして墓に着きました…まるで海外にいるかのようでしたが、この片隅には的なもの、土着的なものがありました…

審査員が頭脳熱にかかってしまうのではないかと心配していました。どうやらそうではなかったようです！今晩のリウの、自然で気取らない、それでいて比較的分かりやすいショパンのホ短調協奏曲


もしかしたら、コンテストはエリート主義的で貴重な時間とエネルギーの無駄だと考えている人たちに、考え直すきっかけを与えられたかもしれません。

力強く型破りな個性と独創的な声、そしてそれほど主張は強くないものの、
想像力豊かで一貫性のあるの才能を無視することはできなかった。刺激的な音楽家たちが銀メダルを分け合ったという事実は、多くのことを物語っている。審査員がマルテのような、
常にチャンスを掴む才能を持つ人物に銅メダルを授与したこともまた、多くのことを物語っている。もっとも、彼が協奏曲の最終審査で控えめな演技をしたことは、
むしろ彼にとってプラスに働いたと言えるだろう（そして、同じことは劉にも当てはまるかもしれない）。

[79 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:36:08.93 ID:3ARe0wUp0]

かつて、末期に、私は党の会合で、は私自身の作曲家だと言いました。
彼らは私に反対しました。「何を言っているんだ？移民は親戚にはなれない」何か説明しようとしたけど、
無駄だった。そして叱責を受けた。ありがたいことに、あれは人生で唯一の叱責だった。
二度とこんなことはなかった。でも、この叱責はきっと誇りに思えるものだと思う。

自身と彼の音楽の影響は大きく、芸術の境界を超えています。
もし学校で祖国をることを学ばなかたら、音楽がそれを補ってくれるでしょう。ところで、西洋の演奏家にとって真に発見するのは非常に困難です。
人は彼の音楽を違った形で、より深く体験する。
たぶん、私たちの気持ちが大きいからでしょう。あるいは、広大なオープンスペースと関連して。
しかし、彼の音楽には、人には違った感じ方をする謎が秘められている。
言葉では説明できません。魂が震え、歌い、悲しみ、泣くとき。


私たちに時代を超えた衝動を送ります。彼の魂は音楽を通して「働き」、偉大な使命を果たします。

懐古趣味の作曲家であり、時代を逃した作曲家の一人。
時代を先取りしていたのではなく、逆に非常に遅れていた。
当時、そのような人は何人かいました。リヒャルト・シュトラウス、シベリウスなどです。
彼らは皆、音楽界でさまざまな影響力を持ち、全員が傑作、絶対的な「ヒット」、あるいは逆に絶対的な失敗と認識される作品を生み出しました。



彼らは歴史を創造しながらも、20世紀に生きながらえ、前世紀の子供であり続けた。新しい時代の先駆者ではなく、
過ぎ去った時代の吟遊詩人だったのだ。もちろん、彼らはそれぞれ独自の方法で革新性を示し、
特にシベリウスはそうであったが、彼が用いた手段は19世紀のものだった。

ヨーロッパ音楽におけるあらゆる時代のピアニスト芸術の発展の頂点の一つとなり、
作曲家としてシューマン、ショパン、リストがかつて切り開いた道を継承しました。後にこの路線
チャイコフスキー、ブラームス、アントン・ルービンシュタインといった当時のピアノ作曲家たち
（リスト自身のように必ずしも名手だったわけではない）。
しかし、ピアニスト作曲家としての価値の観点から見ると、これは純粋に 20 世紀に属する音楽の波 (ストラヴィンスキー、プロコフィエフ、バルトーク) の前の、
過去と未来の世紀の変わり目における、ヴィルトゥオーゾ ピアニズムの最後の頂点です。ドビュッシー、ラヴェルとともにфортепиа

準決勝と決勝では、
ラウンドで期待されたほどの演奏はできなかったのかもしれません。アルメリーニの他のレパートリーも聴いてみたいですね。
長年の経験を持つプロのピアニストの同僚は、JJジュンを応援していました。私としては、この17歳のピアニストは指使いは間違いなく優れていると思いますが、音楽的にはまだまだ未熟です。

特別賞について：最優秀マズルカ演奏賞はヤクブ・クシュリクが受賞しました。当然の受賞でした。このコンクールではホ短調協奏曲が賞賛される傾向

[80 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:38:40.54 ID:Jt1nMeRZ]

>>75
ありがとう！
ファイナリスト決まる前に後追い全部出来ないかもしれないけどまずキュービン聴くね

[81 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:42:05.35 ID:Jt1nMeRZ]

石田さんファイナルはちょっと厳しい気もするけどスタオベ
ベートーヴェンに聞こえない時がある
たおやかで素敵な演奏なんだけどね

[82 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:44:51.30 ID:plywU/NQ]

彼の晩年の音楽における二重性。彼は郷愁に音楽的な声を与え、祖国への憧れに音を与え、
文学におけるブーニンのように、それを独特かつ力強く実現した。しかし、移民は地域的な現象であり、
移民文学は主にこの文化圏に属する人々にとって価値がある。ある種の文化的な「プリズム」を通して見られることが多いものの、国内でのみ愛されているわけではない。
彼に対する態度は、ポピュラーコンサートの作曲家としてだけでなく、その時代のあらゆる大変動が反映された「時代の現象」としてでもなく、
単に作曲家、音楽の創造者としての彼に対する態度は曖昧である。専門家の中にも、
作曲家としてのを無条件に愛する人々はほとんどいない。ピアノ協奏曲の前奏曲や嬰ハ短調の前奏曲は、
モーツァルトのトルコ行進曲やベートーベンの月光ソナタと並んで、
今でもヒットリストのトップに君臨していますが、これは作曲家への直接的な賛辞ではなく、
むしろアマチュアの飾らない趣味の証拠です。愛好家にとって音楽の主な価値は、後期の管弦楽曲、徹夜祈祷、ロマンス、練習曲、ピアノソナタにあります。
これらすべてを知覚するのはそれほど簡単な音楽ではありません。


私自身は、専門家の間でも「万人向けではない」難解な作品であるピアノ協奏曲第4番の大ファンだと思っています。
これは、ロマン派音楽の後期傑作の一つである交響曲第3番のように、聴く者を決して入れない密閉された音楽です。マーラー以降、ロマン派交響曲そのものは存在しなくなった。ツェムリンスキーの抒情交響曲を思い出すことができますが、これはすでに亜種です（特に声があるため）。
ショスタコーヴィチの交響曲はいくつかあるが、もはやロマン派とは言えない。しかし、交響曲は、私にとって、本質的に不可能だった時代に音楽を書いたユニークな例です。
しかし、それにもかかわらず、この作品は、このジャンルのすべての法則を満たし、非常によく書かれていました。そして続きとして

コンサート。商業録音が終わった後も、はそれを「耕し」、「水をやり」、「肥料を与え」続け、最後の変更は死の直前に彼自身によって行われました。それを演奏する勇気のあるピアニストがいるときは、私はいつも第 4 協奏曲をプログラムに組み込むようにしています。
この作品には前作も後継作もありませんが、
第 3 版の歴史は第 1 協奏曲の改訂版と同じです。これもまた、不思議な運命を辿った作品です。初期の音楽院作品として演奏された後、
消失し、に大幅に改訂されました。は、この曲から実質的に別の作品を作曲しました。第4でも同様の状況が発生しました。

私は十代の頃からに対して非常に敬虔な態度をとってきましたが、これはおそらく私の家族の歴史から来ているのでしょう。私の祖父は作曲家で、とても好んでいました。

刺激的な音楽家たちが銀メダルを分け合ったという事実は、多くのことを物語っている。審査員がマルテのような、
常にチャンスを掴む才能を持つ人物に銅メダルを授与したこともまた、多くのことを物語っている。もっとも、彼が協奏曲の最終審査で控えめな演技をしたことは、
むしろ彼にとってプラスに働いたと言えるだろう（そして、同じことは劉にも当てはまるかもしれない）。

[83 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:51:19.45 ID:xODk/fWK]

リハーサル – 彼のピアノ協奏曲を作曲された年代順に一通り演奏した後、私はこの結論に達しました。
この点で彼は他の作曲家とは比べものにならない。彼の音楽の神秘は、それがコンサートのステージ上で生まれるということだ。
演劇がどれだけ人気があっても、上演される瞬間には新鮮さ、計画性なさ、インスピレーションが生まれます。

ソリストがオーケストラや指揮者とどのように交渉したとしても、コンサートのリハーサルからは仲間意識しか感じられない。
その他はすべて純粋な即興です。そして彼の音楽の魔法は、毎回新しいということだ。
私は協奏曲を300回以上演奏してきましたが、
その解釈を繰り返したことがないことを指摘したいと思います。

5つのコンサートを連続して開催することが私の夢でしたが、
昨年の11月に実現しました。それらを別々に演奏するのと、あたかもその期間中に作者の人生全体を生きるかのようにひとつのプログラムで演奏するのとでは、大きな違いがあります。
それらはまったく異なって聞こえ、特に第 4
に近づくと、ある時点で、自分自身ではないことに気づきます。すると、異世界の力が働き始めます。
ハーモニー、リズム、言語の面で第3とは根本的に異なります。
私がこの音楽を好きになったのは、これが彼の一番好きなピアノ協奏曲であるヴァレリー・ゲルギエフのおかげです。

私の地位が高く、キャリアを築くコンサートはすべて名前と結びついています。私はこれらの曲を、ヴァレリー・ゲルギエフ、ユーリ・テミルカーノフ、ロリン・マゼール、クルト・マズア、ズービン・メータらと演奏しました。
メータとは、ウラディミール・ホロヴィッツが第3協奏曲の最も有名な演奏のひとつを披露しました。
メータ氏は私に合同リハーサルのことを話してくれました。
そしてホロヴィッツ氏は彼について話しました。ホロヴィッツ氏は彼を知っており、尊敬しており、
二人は友好的な絆で結ばれていました。ホロヴィッツに旗印を渡したので、ホロヴィッツは演奏スタイル、音、静かなクライマックスなどを受け継いでいます。

ユーリ・テミルカーノフとのパリでの思い出深いコンサートについては、
何度も話してきましたが、そのとき孫で、ユニークな人物であるアレクサンドル・ボリソヴィチが私の楽屋に来て、セルゲイ・ヴァシリエヴィチの生徒の作品2曲、
フーガと組曲を持ってきたのです。私はセナールにあるピアノで録音しました。テンポやニュアンス、ストロークのない原文に従って作業しなければならなかったので、
その過程では共犯者のような立場でした。非常に成功し、多くの賞を受賞したこの録音の後、
製造元から特別に贈られた

[84 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 20:57:53.07 ID:+T/noUS10]

ヘンレ・コンクールは毎年1人の作曲家に焦点を当て、特定の作品集から年齢に応じた課題曲が選ばれます。
他のコンクールでは完全に自由な選択が認められており、私の生徒たちはそちらを好んでいます。こうすることで、新しく学んだコンサートスタディを、
より確実な課題曲と並行して「試奏」することができます。コンクールへの参加は、生徒たちが常にレパートリーを広げ、発展させていくことを促します。




最近、バンコクで開催されたタイ青少年舞台芸術フェスティバルで、ピアノ教室の審査員を務めました。タイは近隣諸国と同様に、若者をコンクールに向けて徹底的に育成しています。このイベントでは、
演奏レベルは様々でしたが、生徒たちは皆、暗譜で演奏し、自信に満ちた演奏を披露していました。
音楽学校のオーディションを受ける予定の人は、できるだけ早くピアノ演奏の「実績」（または経歴）を
積む必要があります。私が生徒を指導する際、この過酷な課題は一種のコンクールでもあり、
入学希望者は自分がその資格にふさわしいことを証明しなければなりません。
コンクールでの優勝、コンサートでの演奏、そして様々なコースやマスタークラスへの参加はすべて、彼らのプロフィールを構築し、出願書類を有利に進めるのに役立ちます。

ショパンの国では再び個人主義が支配するようになりました。そして、ショパン・ピアノ・コンクールでは、型破りな才能を持つアーティストたちが揃って優勝を飾りました。





特に第 4
に近づくと、ある時点で、自分自身ではないことに気づきます。すると、異世界の力が働き始めます。
ハーモニー、リズム、言語の面で第3とは根本的に異なります。
私がこの音楽を好きになったのは、これが彼の一番好きなピアノ協奏曲であるヴァレリー・ゲルギエフのおかげです。

私の地位が高く、キャリアを築くコンサートはすべて名前と結びついています。私はこれらの曲を、ヴァレリー・ゲルギエフ、ユーリ・テミルカーノフ

[85 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 21:04:17.13 ID:SEYLL+nT0]

この方向では、リズムはイントネーションの完全性を生み出し、音の機能的なつながりを整理し、音楽のイメージを作り出す独自の能力を持っています。
すると、音楽プロセスの発展の劇的な機能である音楽の波が、動機、フレーズ、テクスチャのセルといったイントネーション構文の個々の単位になるのは驚くことではありません。
音楽の波動において、モノフォニックな表現のダイナミクスが 1 つの感情の発展に左右される場合、
ピアニストの注意を個々の表現の細部に切り替えると、流れは瞬間と気分のリズミカルな変化、感情のさまざまなニュアンスに例えられます。


音楽プロセスの特殊性はピアニストの影響によって表現され、
ピアニストは音の関係の特性（旋律、メトロポリスリズムの構成、和声の充填、旋律、ダイナミックパターン、テンポの特徴、発展のダイナミックプロファイル、アゴギクス、ダイナミクス、アーティキュレーション、作曲の構造）を改善し、
イントネーションとテクスチャの発展のプロフォームに従って修正および一般化できるようにします。
疑いなく、あらゆる演奏行為は、作曲の研究、必要な演奏技術の向上、音楽的記憶、注意、アイデア、感覚の活性化と結びついてのみ可能となります。
これらに、演奏者の視覚と聴覚の経験を加えることができます。
結局のところ、音楽作品に取り組むとき、ピアニストは、特定の目標や目的に関連して、特定のシフトが意識的に実行されるときに、音楽作品の行為（音符ありと音符なし）をゆっくりと解きほぐすタイプを含むさまざまな方法を使用します。
個々の断片に取り組むことで、音楽作品の「文法」規範を拡大、増加、減速、加速で表現できるようになり、新たな情報内容と表現力の幅が広がります。
そして、自動主義に至った、知覚における過剰な音の実現形態により、芸術家の具体化の個々の方法、作曲内容の具体化の特殊性を音のつながりの階層に記録することが可能になった。音楽素材を提示するプロセスにおいて、想像力は生きたチャネルとして、楽曲のイメージを再現します。

想像力は、さまざまな分析者の神経細胞が接続する大脳皮質の連合領域にあることが知られています。
再生産的想像力の結果として、特に感情的・比喩的表現を特定の組織形式に自発的に翻訳するプロセスが決定されます。図式的に言えば、このプロセスは次のように実装できます。

それは重要だと思います。音は強い音が連続して鳴り、音色が変化します。
どれが欲しいですか？ためらいも曖昧さもありません。
つまり。
もし彼が第2で失敗したとしたら、問題は彼の選曲にあったのかもしれない。
この技法は、シューマンの他の作品、例えば交響曲でさえも、
おそらく練習曲のような曲（トッカータなど）の方が適切でしょう。
ぜひ聞いてみたいです。
ベートーヴェンの最後の作品はワルトシュタイン・ソナタ作品53でした。まさにその通り

ポテンシャルは高いと感じます。最終楽章のコーダにおけるオクターブグリッサンド
予想通り、彼は正しく演奏しました（グリッサンド）（ppと真ん中です
一度止まらないといけないので難しいです。それにもかかわらず、打撃の鋭さは
「鋼鉄の感触」、あるいはベートーヴェンの最後のソナタ

[86 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 21:10:41.57 ID:9WTyKYrq0]

想像力は、さまざまな分析者の神経細胞が接続する大脳皮質の連合領域にあることが知られています。
再生産的想像力の結果として、特に感情的・比喩的表現を特定の組織形式に自発的に翻訳するプロセスが決定されます。図式的に言えば、このプロセスは次のように実装できます。

ビジュアルアナライザー（音楽テキスト）。
想像力（絵画的表現）。
モーターアナライザー（音楽テキストを音で表現したもの）。
複数回の繰り返しの結果、チャネル内に強力な接続が形成されます。
その能動的な形態は、反射形成によって、耳で知覚される音楽テキストの形で、また、運動動作表現、手、指、目、足、体の動きなどの空間的・時間的な物理的・音響的知覚における音楽テキストの再現を含む音響的比喩的想像力の形で作成されます。

ホログラフィックプレートと同様に、物体のイメージは人間の記憶に固定されているわけではなく、異なる周波数と位相（インパルスの開始時間）を持つ神経細胞の電気インパルスの追加（干渉）の結果です。
スピンアップのプロセス中に、異なる参照周波数の画像がメモリ内で結合されます。
したがって、そこに記録されたアイデアや画像は、特にステージ上の音楽プロセスにおけるオブジェクトの連続的かつ正確な配置によって、参照周波数に応じて一連の画像に分解できるかのようです。

# しかし、シューマンの偉大な作品の後のベートーベンは...
# (これは私の偏見かもしれませんが) これは少し奇妙だと思いました。
第1楽章の和音の急速な上昇はあまり良くなかったが、ゆっくりとしたテンポは
実際、今回の演奏は、この曲のこれまでの 2 回の演奏よりも感情が込められています。
次は「炎の中で」作品番号4です。スクリャービンの72。この歌は有名です
でも、よく分からないんです。しかし、この曲は最初から最後までクレッシの曲です。

味のない音符はひとつもありません。ハシスの音にはそのような平凡さはない。何かが聞こえますが、それについて推測することしかできません...
彼が演奏するすべての音符は他の誰とも異なり、彼の演奏からは文化と歴史、チェーホフ、トルストイ、ツルゲーネフが聞こえます

[87 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 21:59:11.80 ID:xN76hRuy0]

懐古趣味の作曲家であり、時代を逃した作曲家の一人。
時代を先取りしていたのではなく、逆に非常に遅れていた。
当時、そのような人は何人かいました。リヒャルト・シュトラウス、シベリウスなどです。
彼らは皆、音楽界でさまざまな影響力を持ち、全員が傑作、絶対的な「ヒット」、あるいは逆に絶対的な失敗と認識される作品を生み出しました。



彼らは歴史を創造しながらも、20世紀に生きながらえ、前世紀の子供であり続けた。新しい時代の先駆者ではなく、
過ぎ去った時代の吟遊詩人だったのだ。もちろん、彼らはそれぞれ独自の方法で革新性を示し、
特にシベリウスはそうであったが、彼が用いた手段は19世紀のものだった。

ヨーロッパ音楽におけるあらゆる時代のピアニスト芸術の発展の頂点の一つとなり、
作曲家としてシューマン、ショパン、リストがかつて切り開いた道を継承しました。後にこの路線
チャイコフスキー、ブラームス、アントン・ルービンシュタインといった当時のピアノ作曲家たち
（リスト自身のように必ずしも名手だったわけではない）。
しかし、ピアニスト作曲家としての価値の観点から見ると、これは純粋に 20 世紀に属する音楽の波 (ストラヴィンスキー、プロコフィエフ、バルトーク) の前の、
過去と未来の世紀の変わり目における、ヴィルトゥオーゾ ピアニズムの最後の頂点です。

これはエンドツーエンドの問題だと聞いたことがありますが（間違っているかもしれません）、
聞こえなかった。
最後の曲はが含まれていないのは少し残念です（この作品はかなり技術的です）。
これにより、さらにパワーが増します。ちょっと雑然とした感じがします。この曲についてはコメントはありません。
割れやすいガラスのような美しさと繊細な音色。
私はポーランド語を探しています（そういう意味では日本人女性にもっと適しているかもしれません

[88 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:01:47.26 ID:Uldicfl+0]

ソナタの驚異的な演奏で、ソナタ最優秀演奏賞にふさわしいクリスティアン・ツィメルマン賞を受賞しました。
審査員は最優秀ポロネーズ演奏賞にフレデリック・ショパン協会特別賞を授与しませんでしたが、これは当然のことでした。

世界中の読者や視聴者が結果に意見を述べることは間違いありません。しかし、最終的には審査員が決定権を持つとはいえ、
私個人としては「ディヌ・リパッティ／ウィリアム・カペル ロ短調ソナタ最優秀演奏賞」をヤクブ・クシュリクに授与したいと思います。

プレッシャーは高かったものの、紛れもなく刺激的なこの数週間の緊張を解きほぐす中で、アンジェイ・ボレイコとワルシャワ・フィルハーモニー管弦楽団に特別な賞を贈りたい。
彼らは同じ2つの協奏曲を何度も繰り返し演奏し、ソリストが誰であろうと、
ショパンの悪評高いオーケストレーションを毎回変わらぬ活力で響かせた。亡き母が言うように、これは決して軽んじられた演奏ではない

この時代を「醜悪」で不正義な時代と呼び、これを非難している。ニューヨーク・タイムズ紙のインタビューで、シフは政権の移民政策に特に苦悩し、ホロコースト（大虐殺）の際に家族が国外追放された歴史に言及した。

ドイツのヴァイオリニスト、クリスティアン・テツラフ氏やピアニストのシャガイェグ・ノスラティ氏など、
トランプ大統領のリーダーシップに公然と反対する姿勢を示すクラシック音楽家のグループに加わった。公開書簡の中で、フ氏は「芸術と政治は切り離せない」と述べ、根本的な価値観が脅かされていると感じる国で「
良心の呵責を感じずに演奏を続けることはできない」と述べた。アメリカの音楽界と深い繋がりを持つにもかかわらず、2025-2026シーズンのすべての公演から撤退した。

ヴィクトル・スキオラーの軌跡を考察し、ケネス・ハミルトンはリストの弟子アウグスト・ストラダルのコレクションで発見されたリスト作品について報告します。また、今号の「両極化するピアニスト」コラムでは、ブライス・モリソンがアメリカのピアニスト、ジョセフ・ヴィラの演奏を振り返ります。

ジアヤン・サンはブリッジ・レコードからの最新アルバム『ブゾーニと彼のミューズ』を紹介。イタリアの作曲家ブゾーニの作品と、彼に影響を与えた音楽を紹介しています。マレー・マクラクラ

自身の決断の難しさを認めつつも、将来の変化に希望を持ち続け、アーティストたちに不正に対して声を上げるよう呼びかけている。

術分野を横断する華やかなプログラムを携えて、今年10月にキングス・プレイスに戻ってきます。
ピアニストであり共同芸術監督でもあるカティア・アペキシェヴァとチャールズ・オーウェンがキュレーションを手掛ける20フェスティバルでは、著名な作曲家シェリル・フランシス＝ホード、
スティーブン・ハフ、エレナ・ランガーによる3つの世界初演に加え、クラシックとジャズ界の幅広いアーティストが出演



前世紀の子供であり続けた。新しい時代の先駆者ではなく、
過ぎ去った時代の吟遊詩人だったのだ。もちろん、彼らはそれぞれ独自の方法で革新性を示し、
特にシベリウスはそうであったが、彼が用いた手段は19世紀のものだった

第1楽章の和音の急速な上昇はあまり良くなかったが、ゆっくりとしたテンポは
実際、今回の演奏は、この曲のこれまでの 2 回の演奏よりも感情が込められています。

[89 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:11:20.57 ID:rkuYPEwK0]

彼の晩年の音楽における二重性。彼は郷愁に音楽的な声を与え、祖国への憧れに音を与え、
文学におけるブーニンのように、それを独特かつ力強く実現した。しかし、移民は地域的な現象であり、
移民文学は主にこの文化圏に属する人々にとって価値がある。ある種の文化的な「プリズム」を通して見られることが多いものの、国内でのみ愛されているわけではない。
彼に対する態度は、ポピュラーコンサートの作曲家としてだけでなく、その時代のあらゆる大変動が反映された「時代の現象」としてでもなく、
単に作曲家、音楽の創造者としての彼に対する態度は曖昧である。専門家の中にも、
作曲家としてのを無条件に愛する人々はほとんどいない。ピアノ協奏曲の前奏曲や嬰ハ短調の前奏曲は、
モーツァルトのトルコ行進曲やベートーベンの月光ソナタと並んで、
今でもヒットリストのトップに君臨していますが、これは作曲家への直接的な賛辞ではなく、
むしろアマチュアの飾らない趣味の証拠です。愛好家にとって音楽の主な価値は、後期の管弦楽曲、徹夜祈祷、ロマンス、練習曲、ピアノソナタにあります。
これらすべてを知覚するのはそれほど簡単な音楽ではありません。

私自身は、専門家の間でも「万人向けではない」難解な作品であるピアノ協奏曲第4番の大ファンだと思っています。
これは、ロマン派音楽の後期傑作の一つである交響曲第3番のように、聴く者を決して入れない密閉された音楽です。マーラー以降、ロマン派交響曲そのものは存在しなくなった。ツェムリンスキーの抒情交響曲を思い出すことができますが、これはすでに亜種です（特に声があるため）。
ショスタコーヴィチの交響曲はいくつかあるが、もはやロマン派とは言えない。しかし、交響曲は、私にとって、本質的に不可能だった時代に音楽を書いたユニークな例です。
しかし、それにもかかわらず、この作品は、このジャンルのすべての法則を満たし、非常によく書かれていました。そして続きとして

コンサート。商業録音が終わった後も、はそれを「耕し」、「水をやり」、「肥料を与え」続け、最後の変更は死の直前に彼自身によって行われました。それを演奏する勇気のあるピアニストがいるときは、私はいつも第 4 協奏曲をプログラムに組み込むようにしています。
この作品には前作も後継作もありませんが、
第 3 版の歴史は第 1 協奏曲の改訂版と同じです。これもまた、不思議な運命を辿った作品です。初期の音楽院作品として演奏された後、
消失し、に大幅に改訂されました。は、この曲から実質的に別の作品を作曲しました。第4でも同様の状況が発生しました。

私は十代の頃からに対して非常に敬虔な態度をとってきましたが、これはおそらく私の家族の歴史から来ているのでしょう。私の祖父は作曲家で、とても好んでいました。



エンドツーエンドの問題だと聞いたことがありますが（間違っているかもしれません）、
聞こえなかった。
最後の曲はが含まれていないのは少し残念です（この作品はかなり技術的です）。
これにより、さらにパワーが増します。ちょっと雑然とした感じがします。この曲についてはコメントはありません。
割れやすいガラスのような美しさと繊細な音色。
私はポーランド語を探しています

まるでポリーニを思い出させます。
より内省的な作品では少し疑問を感じますが、彼は準決勝で再びこのテクニックを披露しました

[90 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:13:52.42 ID:DnO6oNv2]

国際指揮者コンクールの第1回大会で、
私は第2番を指揮しました。

そしてその少し前に、エフゲニー・フョードロヴィチ・スヴェトラーノフが誕生日を迎え、
テレビではボリショイ劇場で彼がこの交響曲を演奏する様子が放送されました。彼の解釈にはただただ驚かされた。
1か月後、彼はサンクトペテルブルク・フィルハーモニー管弦楽団を訪れ、私は彼の演奏を生で聴きました。それは、一生忘れられない私の33歳の誕生日でした。私はバルコニーに立ってスヴェトラーノフの指揮を聴き、彼がいかに力強く作品の劇作術を構築し、音楽がいかに鋭く響くかに驚嘆した。こうした印象が私の中で大きくなり、その後、コンクールでラフマニノフが私に目立つ機会を与え、最終的に勝利を収めることができました。

初めての海外ツアーでは、ベオグラード交響楽団と共演し、ラフマニノフのプログラムを演奏しました。
ニコライ・ルガンスキーが第3交響曲のソリストを務め、その後、再び第2交響曲を演奏しました。
そしてラフマニノフが私と一緒にいたとき、私のキャリアの中で多くの重要な出来事が起こりました。私は指揮をするのが大好きで、多くの楽譜を暗記して演奏します。

もちろん、生涯親交のあった芸術家、シャリアピンの街、カザンに到着したとき、私はこう思いました。「なんて不公平なんだろう。シャリアピンの音楽祭はあるのに、音楽祭はないなんて。」そして彼はホワイトライラックフェスティバルを創設しました。


スティーブン・ハフ、イングリッド・フリター、ロナン・オホラ、ミシュカ・ラシュディ・モメンを含む8名のピアニストが集結し、モーツァルト、ブラームス、スメタナ、プーランクなどの作品を多手協奏で演奏します。プログラムには、ジョセフ・ハヴラット作曲の「 64 Geese」の英国初演と、ハフ作曲の「キングス・クロス行進曲」 の世界初演 も含まれています。

フェスティバルの10年間を振り返り、アペキシェバとオーウェンは
次のようにコメントしました。「ピアノ・フェスティバルを開こうと初めて思いついたとき、ロンドンの音楽シーンの空白を埋めたいと思っていました。10年経った今も、フェスティバルの拠点であるキングス・プレイスで世界クラスのパフォーマンス

[91 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:17:59.51 ID:avI2HqdC0]

シューマンの他の作品、例えば交響曲でさえも、
おそらく練習曲のような曲（トッカータなど）の方が適切でしょう。
ぜひ聞いてみたいです。
ベートーヴェンの最後の作品はワルトシュタイン・ソナタ作品53でした。まさにその通り
彼によく似合う曲だ。テンポが速く、要点が明確で、指が動いているなど。
は素晴らしいです。いくつか間違いはありますが、怖い作品ではありません。
ポテンシャルは高いと感じます。最終楽章のコーダにおけるオクターブグリッサンド
予想通り、彼は正しく演奏しました（グリッサンド）（ppと真ん中です
一度止まらないといけないので難しいです。それにもかかわらず、打撃の鋭さは
「鋼鉄の感触」、あるいはベートーヴェンの最後のソナタの録音中
まるでポリーニを思い出させます。
より内省的な作品では少し疑問を感じますが、彼は準決勝で再びこのテクニックを披露しました。
ぜひ見てみたいです。

# しかし、シューマンの偉大な作品の後のベートーベンは...
# (これは私の偏見かもしれませんが) これは少し奇妙だと思いました。
第1楽章の和音の急速な上昇はあまり良くなかったが、ゆっくりとしたテンポは
実際、今回の演奏は、この曲のこれまでの 2 回の演奏よりも感情が込められています。
次は「炎の中で」作品番号4です。スクリャービンの72。この歌は有名です
でも、よく分からないんです。しかし、この曲は最初から最後までクレッシの曲です。
これはエンドツーエンドの問題だと聞いたことがありますが（間違っているかもしれません）、
聞こえなかった。
最後の曲はが含まれていないのは少し残念です（この作品はかなり技術的です）。
これにより、さらにパワーが増します。ちょっと雑然とした感じがします。この曲についてはコメントはありません。



もちろん、新しい環境でレッスンを受けることが一番楽しいのですが、言語や文化の違い、音楽創作の根底にある感情や世界観などを直接体験できるこのような生活は、私にとって豊かなものだと思います。
ヨーロッパに住むことで、今接しているクラシック音楽とはまた違った世界を発見できるといいなと思っています。たくさんのコンサートに出席し、
作曲家の日常生活を体験し、彼が見た風景や話した言語、さらには彼の料理を味わうことができたら素晴らしいと思います。
もっと詳しく知りたい作曲家としては、もちろんベートーベンを勉強したいのですが、
特にブラームスを勉強したいと思っています。私はピアノ協奏曲というジャンルが大好きなので、まずは落ち着いて偉大な作曲家たちを勉強したいと思っています。




彼は私たちのフェスティバルの名誉会長になることに同意し、フェスティバルを祝福してくれました。
私は幸運にも、孫に受け継がれたセナール邸を建て、長年そこに住んでいたセルゲイ・ヴァシリエヴィチ氏に、たった一度の握手を通じて親しくなれた。
アレクサンダー・ボリソヴィチは、私物、家具、文書、そして伝説的なピアノを救いました。

[92 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:26:25.42 ID:Jt1nMeRZ]

ウィーンベートーヴェン
ファイナリストをインスタライブで発表してた
Martin NÖBAUER
Jonas STARK
Derek HARTMAN
間違ってたらごめんなさい
あとでHPに上がったら再確認します

[93 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:27:05.70 ID:R0aD9LFA0]

あまりにも慣れすぎて自分のものにしてしまったのかもしれません。しかし
何故か感情はない。この歌の普通の解釈ではもう感動できない。
自分に何か問題があるのかもしれないと考え始めたとき、その理由は
少しだけ理解できるようになってきました。ペースは速く、パフォーマンスは激しい。
これをやるのは疲れます。もう少し時間をかけて、少し息抜きさせてあげたいです。
それは重要だと思います。音は強い音が連続して鳴り、音色が変化します。
どれが欲しいですか？ためらいも曖昧さもありません。
つまり。
もし彼が第2ラウンドで失敗したとしたら、問題は彼の選曲にあったのかもしれない。
この技法は、シューマンの他の作品、例えば交響曲でさえも、
おそらく練習曲のような曲（トッカータなど）の方が適切でしょう。
ぜひ聞いてみたいです。
ベートーヴェンの最後の作品はワルトシュタイン・ソナタ作品53でした。まさにその通り
彼によく似合う曲だ。テンポが速く、要点が明確で、指が動いているなど。
は素晴らしいです。いくつか間違いはありますが、怖い作品ではありません。
ポテンシャルは高いと感じます。最終楽章のコーダにおけるオクターブグリッサンド
予想通り、彼は正しく演奏しました（グリッサンド）（ppと真ん中です
一度止まらないといけないので難しいです。それにもかかわらず、打撃の鋭さは
「鋼鉄の感触」、あるいはベートーヴェンの最後のソナタの録音中
まるでポリーニを思い出させます。
より内省的な作品では少し疑問を感じますが、彼は準決勝で再びこのテクニックを披露しました。
ぜひ見てみたいです。

# しかし、シューマンの偉大な作品の後のベートーベンは...
# (これは私の偏見かもしれませんが) これは少し奇妙だと思いました。
第1楽章の和音の急速な上昇はあまり良くなかったが、ゆっくりとしたテンポは
実際、今回の演奏は、この曲のこれまでの 2 回の演奏よりも感情が込められています。


ニコライ・ルガンスキーが第3交響曲のソリストを務め、その後、再び第2交響曲を演奏しました。
そしてラフマニノフが私と一緒にいたとき、私のキャリアの中で多くの重要な出来事が起こりました。私は指揮をするのが大好きで、多くの楽譜を暗記して演奏します。

[94 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:33:34.79 ID:n1RxcB5o0]

。スティーブン・ハフ、イングリッド・フリター、ロナン・オホラ、ミシュカ・ラシュディ・モメンを含む8名のピアニストが集結し、モーツァルト、ブラームス、スメタナ、プーランクなどの作品を多手協奏で演奏します。プログラムには、ジョセフ・ハヴラット作曲の「 64 Geese」の英国初演と、ハフ作曲の「キングス・クロス行進曲」 の世界初演 も含まれています。

フェスティバルの10年間を振り返り、アペキシェバとオーウェンは
次のようにコメントしました。「ピアノ・フェスティバルを開こうと初めて思いついたとき、ロンドンの音楽シーンの空白を埋めたいと思っていました。10年経った今も、フェスティバルの拠点であるキングス・プレイスで世界クラスのパフォーマンス

ブライス・モリソンがアメリカのピアニスト、ジョセフ・ヴィラの演奏を振り返ります。

ジアヤン・サンはブリッジ・レコードからの最新アルバム『ブゾーニと彼のミューズ』を紹介。イタリアの作曲家ブゾーニの作品と、彼に影響を与えた音楽を紹介しています。

ハーモニック、東京フィルハーモニー交響楽団、パリ管弦楽団、カーネギーホール、ケネディ・センター、ウィグモア・ホール、コンセルトヘボウ、ソウル・アーツ・センター（最も早く完売）など、世界有数のキャリアを彩る会場やオーケストラのほとんどでコンサートに出演しました。彼の演奏動画は現在、ラフマニノフのピアノ協奏曲第3番、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第3番、リストの12の超絶技巧練習曲、モーツァルトのピアノ協奏曲第22番 K.482など、クラシックピアノの最も人気のある作品の演奏において、オンラインで最も多く視聴されています。


ブリティッシュコロンビア州生まれのピアニストが、クラシック音楽界で最も権威のある賞の一つである英国リーズ国際ピアノコンクールで優勝した。

ジェイデン・イジク＝ズルコさんは土曜日、ロンドンの北西約325キロにあるブラッドフォードのセントジョージホールで最後の公演を行い、最高賞と賞金約5万4000ドルを持ち帰った。

バンクーバーの北東約460キロに位置するサーモンアーム出身のイジク＝ズルコさんは、首席指揮者ドミンゴ・ヒンドヤン氏の指揮の下、ロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団と共演したブラームスのピアノ協奏曲第2番で、他の4人の決勝進出者

45の国と地域を代表する340人のピアニストの応募者の中から、29人が2025年5月21日から6月7日までの競争に招待されました。
フォートワースの温かい観客、オンラインで視聴している世界中のファン、そしてポール・ルイスが委員長を務める優れた審査員の前で、彼らは4ラウンドにわたって演奏します。決勝進出者にとっては、1人あたり4時間以上の音楽を意味します。






「Mastering the Chopin Etudes」という本の中にあります。この本は実際にはアビー・ホワイトサイドの生徒によって書かれたものです

彼女が一冊の本を割いて説明した内容を、私は一言で説明しようとはしません。しかし、この本を読み続けて 18 年の間に私が学んだ最も重要なテーマの概略を述べてみたいと思います。

まず第一に、ピアノのための最も偉大な「速い」作品はどれも、ゆっくり演奏することによって習得したり演奏したりしたことがないと私は確信しています。
作曲家は、ペンが紙に触れる前に、自分が作ろうとしている「タイプの」作品を明確に理解しており、したがって、特定のメロディーに色を付けるために必要な一般的なリズムのピアノ技術も理解していました。

[95 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:39:48.65 ID:zIW0epF40]

ココナッツ2個をパチパチと音を立てて叩く以前から、カトリックの宗教性とアーサー王伝説を巧みに融合させたワーグ​​ナーの『パルジファル』を舞台にするのは容易ではありませんでした。グラインドボーン劇場で
初上演されるこのオペラは、ジェツケ・ミンセン演出によるもので、宗教的な神秘主義をほとんど無視した厳粛なアプローチを取り、物語の残りの部分をチェーホフ風

ベン・バウアーの陰鬱な舞台装置とギデオン・デイヴィーのボタンを留めた衣装は、私たちを1882年のオペラ初演当時のカトリック共同体へと誘う。
オーケストラの前奏曲の間に投影されるカインとアベルの物語からの引用が雰囲気を盛り上げる。ミンセンは、アンフォルタスとクリングゾルを、以前は牧歌的な子供時代を過ごしていたが、クンドリーの愛情と兄への敬意に対する十代の嫉妬のあまり、
クリングゾルがナイフを振りかざして襲いかかったことで引き離された、生き別れの兄弟として描いている。
私たちは、登場人物の幼少期の姿でこの役を演じ、グルネマンツが第1幕の長大なナレーションでその背景を語る。バスのジョン・レリヤによるベルベットのような声の力作である。






騎士たちは下級司祭のようで、聖餐を受けるために聖衣をまとい、部外者であるパルジファルを殴り倒す。クンドリーは荒々しい精霊というよりは、むしろ栄光ある女中といったところか。聖槍は彫刻刀、聖杯はありふれた聖杯。そして、脇腹に空いた穴と同じくらい、
アンフォルタスと兄の確執こそが、癒えることのない真の傷なのだ。パルジファルがクンドリーに呼び起こされた亡き母の幻影に助けられ、徐々にこの全てを理解していく過程こそが、この物語における英雄的行為と言える。

何時間もかけてじっくりと鑑賞し
た甲斐があったという点だ。指揮者のロビン・ティチアーティは、ロンドン・フィルハーモニックから、素晴らしいキャストを引き立てる、きらびやかで流れるようなオーケストラ演奏を引き出している。
そして、この親密な劇場で彼らの演奏を聴くのは格別だ。レリヤの疲れを知らないグルネマンツは傑出した演技だが、アウドゥン・イヴェルセンのアンフォルタスも深く心に響く。
クリスティーナ・スタネックの豊かでしなやかな声のクンドリー、ライアン・スピード・グリーンのエネルギーに満ちたクリングゾル、ダニエル・ヨハンソンの純真でありながら鋭いパルジファルも素晴らしい

、





この作品には信仰心も魔法もほとんどなく、クリングゾルの花の乙女たちを不吉なクンドリーの群れとして描くという巧妙なタッチを除けば、
それはほとんど存在しない。もはや贖罪という壮大で抽象的な概念ではなく、和解を描いたオペラであり、
ワーグナーが4時間にも及ぶ音楽を書いた物語よりも、どういうわけかより簡潔な物語となっている。

[96 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:45:08.12 ID:HhAsxT3D]

カルテットは、現在の構成で演奏活動を続けることを発表しました。ヴィオラ奏者のジュリアン・リーは、この夏、ボストン交響楽団に第2ヴァイオリン副首席奏者として復帰します。

「今回の変更により、カルテットの将来について考え、私たちの特別な個人的かつ芸術的な絆を振り返る機会を得ました」とカルテットは語った。
「正直に言うと、一緒に音楽を作らないなんて想像もできません。今日、ジョエル、ブライアン、ジュリアン、そしてカムデンの現在の構成で、これからも一緒にいることをとても嬉しく発表します！」
「私たちは妥協することなく、最高レベルの室内楽演奏に全力を尽くします」と彼らは付け加えた。「ステージに立つたびに、情熱、活気、興奮、そして（願わくば！）音楽の卓越性を皆さんと共有し続けられるよう、全力を尽くします。
ツアー期間中は、個々の活動とのバランスを取りながら、ドーバー・カルテットとして最高の芸術性で演奏を続けられるよう、演奏活動に注力していきます。この内省の期間を経て、共に創り出す魔法への感謝の気持ちがさらに深まったことを誇りに思います。ツアーで皆さんにお会いできるのが待ちきれません。
そして、私たちの旅路を共に歩んでくださったすべての方々に心から感謝しています。」




ソリストおよび室内楽奏者として活躍するリンクは、ヨハンセン国際コンクールやユーディ・メニューイン国際ヴァイオリンコンクールなど、数々のコンクールで最高賞を受賞しています。

リンクはドーバー四重奏団の一員として、2013年のバンフ国際弦楽四重奏コンクールで第1位とすべての特別賞を獲得し、2010年のフィッシュオフ全国室内楽コンクールでは金メダルとグランプリを獲得しました。

彼らの録音は最優秀室内楽/小編成アンサンブル演奏部門でグラミー賞に2回ノミネートされており、カルテットはエイブリー・フィッシャー・キャリア・グラント、チェンバー・ミュージック・アメリカのクリーブランド・カルテット賞、リンカーン・センターのハント・ファミリー賞など





ゆっくりとしたテンポは
実際、今回の演奏は、この曲のこれまでの 2 回の演奏よりも感情が込められています。
次は「炎の中で」作品番号4です。スクリャービンの72。この歌は有名です
でも、よく分からないんです。しかし、この曲は最初から最後までクレッシの曲です。
これはエンドツーエンドの問題だと聞いたことがありますが（間違っているかもしれません）、
聞こえなかった。
最後の曲はが含まれていないのは少し残念です（この作品はかなり技術的です）。
これにより、さらにパワーが増します。ちょっと雑然とした感じがします

[97 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:48:50.96]

The エディンバラ 国際 フェスティバル が始まった。このフェスティバルは、エディンバラ フリンジ フェスティバルと同時に 4–27 年 8 月に開催されます。どちらのフェスティバルもスコットランドの毎年恒例の伝統です。国際フェスティバルは 1947 年に設立され、フリンジも国際フェスティバルの分派として同年に設立されました。今年の国際プログラムには、クラシック音楽、オペラ、ダンス、演劇が混在しています。

また、がプログラムした最初のフェスティバルでもある ニコラ ベネデッティ, 、 有名 ヴァイオリニスト。ベネデッティは、その任命によって多くの根拠を打ち破っている。彼女はフェスティバルのリーダーとなる初の女性であり、スコットランド人としても初のリーダーである（フェスティバル自体はスコットランドに拠点を置いているが、実際にはオーストリアのオペラ監督によって設立された） ルドルフ ビング卿) を。ベネデッティの最初のプログラムには、48 か国のアーティストをフィーチャーした 295 の個別のイベントが含まれています。

ベネデッティは、どのようにしてこれほど多様なアーティストをプログラムすることができたのかと尋ねると、「一緒に仕事をしている人たちを信頼しなければならない」と答え、フェスティバルにはプログラミング部門全体があり、さまざまな責任者がその仕事を範囲に広げることだと述べた。彼らの専門分野での仕事。ベネデッティは彼らの勧告に耳を傾け、現場で聞いている話題に耳を傾け、彼らの意見を歓迎します。「私は、『特定のものに対する私の見方が見解だ』というような絶対的な興行主には少し懐疑的です」と彼女は説明する。「年間 400 回の公演を観ない限り、私たちは皆、ある程度の推奨を受ける立場にあります。」

ベネデッティはまだヴァイオリニストとして活動しているため、年間 400 回の公演を見ていません。—she はクラシック音楽での功績により英国王室から 2 つの栄誉を受賞しており、グラミー賞受賞者でもあります。そして8月6日にはベネデッティがプレーする 特別 コンサート the と BBCスコットランド交響楽団 クラシック音楽の未来を探るため。

国際フェスティバルのチームは、さまざまな作品をプログラムしてきました。今年のフェスティバルのハイライト（劇場部門とオペラ部門）には以下が含まれます:

ニューヨーク独自の 2 つの新しいダンス作品 アルビン エイリー アメリカン ダンス シアター, 、アメリカのカンパニーと一緒にスコットランドのダンサーをフィーチャーした1 つの作品を含む。

の 制作 三文オペラ ドイツ の から ベルリナー アンサンブル, 、 によって設立された ベルトルト ブレヒト 自身、オーストラリアの監督と バリー コスキー.

の オペラ 夕暮れ, 、 ブラジル 映画 演劇 監督 から クリスティアーネ ジャタヒー, 、 基づい ラース フォン トリアー’s ドッグビル.

の 新演出 ピナ バウシュ’s の絶賛された振り付け ストラヴィンスキー’s 春の儀式, 、アフリカ14 カ国から30 人以上のダンサーのキャストで。

2 つの没入型体験。The Lost Lending Library は、Punchdrunk Enrichment の 6 歳から 11 歳までの若い視聴者を対象とした没入型ショーです。そして ジェフ ソベルの 食品, 、観客がディナーパーティーのために集まる場所（ソベルは以前はフリンジ、その後国際フェスティバルの両方に参加していました）。

投げ, 、 グラスゴー 拠点 作家 新劇 ナット マクリアリー, 、スコットランドのバックホールドレスリングの伝統であるハイランドゲームズについて。フリンジの会場でもあるトラバースでプログラムされており、2つのイベントの間に起こる他家受粉を示している。


代表国に関するこの多様性は、今年のフェスティバルのテーマ「Where Do We Go From Here？」を選んだベネデッティにとって特に重要でした？それは、によるスピーチとその後の本に触発されました マーティン ルーサー キング ジュニア。 そしてベネデッティは、今年のフェスティバルのテントポールとしてキング牧師の作品から 3 つの主要な糸を引き出しました。それは、混乱を乗り越えたコミュニティ、逆境に直面した希望、そして自分自身の視点ではありません。

、「私が興味を持っているのは、内部で何が変わるかということだ」とベネデッティ氏は説明する。「その本全体は、彼がこれまでに書いた最後の本であり、まさにそれを扱っていました。」 これを許されないと言われたら、実際に何が可能になるのでしょうか？それとも、それを許されるのですか？あなたの中にあるもの、立法することがほとんど不可能な部分において、その点で何を変えることができるのでしょうか？」

[98 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 22:52:23.01]

変化というより大きなテーマとその作り方について、ベネデッティは何の答えも持っていない—。彼女は芸術資金の削減と、若者が芸術をより利用しやすくする必要性について公に声を上げてきた。しかし、変化の必要性があり、それはベネデッティが主導する機関だけでなく、すべての芸術機関に与えている使命です。「私たちは常に自分自身を見つめ、見なければなりません。何ができるでしょうか。それは違います」？そして、よりポジティブな影響を与えるために何ができるでしょうか？」
この優れた名簿により、ミネソタ州中部の湖沼地域が 1 か月間音楽の本拠地となり、室内楽、オーケストラ、opera– が演奏されるほか、さまざまな地域社会への支援活動が行われ、
その影響力が地域社会全体に広がります。

今シーズンのテーマである BEL CANTO（イタリア語で “beautiful singing”) は、人間の声の美しさ —long レガート ライン、美しいメロディー、そしてまばゆいばかりのアクロバット —is が前面と中央にある特定の音楽スタイルを指します。フェスティバルの2023 年のオペラ、 ドン パスクアーレ, 、はそのジャンルの完璧な例です。

2023年シーズンは開幕します Julia Bullock, 、2 つの見事なプログラムで、一度に1 曲ずつクラシック音楽の顔を変えている国際的なスーパースター。このフェスティバルのオーケストラ音楽や室内楽は、次のような作曲家に焦点を当てています モーツァルト, ドビュッシー そして キャロライン ショー, 、そのボーカルライティングの熟練は、彼らのインストゥルメンタル作品を色付けします。フェ道化師のドン・パスクアーレは、はるかに若いノリーナと結婚することを決意している。しかし、彼女の機知と数人の友人の助けにより、彼女はなんとかパスカーレに教訓を教え、真実の
愛を見つけることができました。まばゆいばかりの曲と陽気な冗談に満ちたドニゼッティの傑作は、喜ばれることを約束します。
スティバルのフィナーレが登場します ショスタコーヴィチ の 15日 そして多くのオペラの音楽を引用した最後の交響曲。
最後にもう一度交響曲の声を表現しようと努めながら、多くの前任者や音楽的英雄の声を再訪しました ワグナー, ロッシーニ そして マーラー, 、この不可解で感動的な交響曲全体を通してそれらを引用することによって。クリスチャン・リーフとLAMFオーケストラに参加して、魂の奥深くまで届き、湖地域のマイルストーン達成を祝うシーズンフィナーレ
全国の作曲家とオーケストラの関係を構築するための全国初の体系的なプログラムとしての役割を果たします。ASCAP は、冒険的なプログラミングに対して ACO に年間賞を 35 回授与しており、ACO を米国で新しいアメリカ音楽に最も貢献したオーケストラである “として挙げています





epresent Classical)、the アメリカン コンポーザーズ オーケストラ (アコ)は野心的な2023/2024シーズンを発表。での年間公演に加えて カーネギー ホール そしてニューヨーク市の真
新しい店でのデビュー ペレルマン パフォーミング アーツ センター, 、ACOは、その国の作曲家開発プログラムを通じて、オーケストラ音楽における新しい声のための重要なパイプ役として機能し続けています イヤーショット:多様な才能を促進し、新進作曲家のキャリアを育成し、全国の作曲家とオーケストラの関係を構築するための全国初の体系的なプログラムとしての役割を果たします。ASCAP は、冒険的なプログラミングに対して ACO に年間賞を 35 回授与しており、ACO を米国で新しいアメリカ音楽に最も貢献したオーケストラである “として挙げています
2023/2024 シーズン中、ACO は 2 つのパフォーマンスを披露します ザンケル ホール カーネギーホールでは、どちらも存命のアメリカ人作曲家の作品の世界初演に焦点を当てています。2023年11月9 日午後7時30 分、ACOが出演 ザ クエスト:壮大な旅, 、 、 と Vimbayi Kaziboni 指し ん。こ の 歩み LHOZLULA ム 出 の 4 勺 の 勺 の 牛 ち 、 阿漕 我 出だし 升 ま
す ニーナ C ヤング’s その子宮から氷が生まれました, 、 、 ACO と kaーーるーるー ru ちょう ちょうりょく ちょう しゃく。まーた、ACO のんのうのんのうの 受難く かつる ー ゙る ゙ー ゙ー ゙ー ゙ー ゙ー ゙
ジョージ ルイス, ジャック ヒューズ （earshot ka Ra noru co Mi ko Schi NESHOID） アンダーウッド リーディングス)、克以 し

[99 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:07:44.34]

若い時期のピアノ協奏曲２番は特に見事ですが、2010年以降でも質が高い演奏をしていたので室内楽を含めもっとブラームスを演奏してほしかったと思います。

ヴァイオリン・ソナタやチェロ・ソナタの伴奏もすごく合っていそうなのに、弦楽器ソリストの伴奏をやっていないのが残念です。
現代音楽もしばしば演奏していましたが、思想的なところで作曲家に共感しただけではないかという気がしました。

共感していることは伝わってくるんですけど、その共感はズレてるんじゃないかな？という演奏が多々あるような気がします。

音を整然と並べる「ミスターパーフェクト」、こういうタイプは、ミケランジェリがやや近いかもしれま
せんが、それまでいなかった。
加えて若い頃のポリーニには、ある種の活力、エネルギー、ある種のエロスもあったと思う。
ただ同時に、秩序だった構築された世界を求めるようなところ、というと語弊はあるが、いわゆる「遊び心の効いた曲」は避けてきたようなところもあり、
気が付くと、レパートリーは、ベートーヴェンを中心にかたよっていったのだな、と思う。録音が多いショパンでも遊び心の効いた「ワルツ集」は全曲録音を残さなかったし。残された数曲も正直面白くはない。

仰る通り、そういう音楽観、レパートリーはエリート意識の高い当時のクラシックファンに受けるものだったとは言えるでしょう。

気が付くとヴィルトゥオーゾタイプではなくなっていったのかな。むしろそういうのは不潔だと思う人に支持されるようになったような。独墺系＋ショパンがレパートリーになっていったし。あとはドビュッシーか。それが悪いわけではないのだけれども。




ブレハッチもブーニンもリウもアルゲリッチも、みんなストレートな演奏で、不思議です。
反田さんなんかは、ちょっと穿った演奏をする方ですが、その演奏には芯がありました。しかし、リウさんはすごくど真ん中に正直な演奏をされるので、芯があるのかないのかようわからんといった具合です。
やはり私個人の意見では反田さん推しですが、ストレートな表現は、ショパンそのものを滲ませるなとも思えます。

なんでショパコンってああいうタイプが優勝し易いのでしょうか？
偉大な演奏家を生むという意味では、直球な演奏をした方を優勝させることは、その芯があるのかないのか良くわからないために、大変リスクのある選択だと思います。
反田さんのほうが普通にショパンらしい演奏だとは思います。特にマズルカなど小品の演奏はかつての名ピアニストに匹敵するレベルの極めて高い完成度があります。 でも反田さんの解釈は古いんです。かつての名ピアニストに匹敵するというのは、すなわち古いという意味でもあると感じます。 リウのようなピアニズムがこれから主流になっていくのではないでしょうか。近年の藤田真央さんもリウと同じ傾向です。ただ藤田さんはリウより閃き重視で一貫性に乏しいところがるあるように思えるのに自分はあまり好きではありません。（音が出た瞬間は素晴らしいのに、前後の関係が繋がっていないように聞こえがち、ということ）

特に最終章のエンディング部分のあの速さでの技術は他にはなくしかもアイディア満載であった。
三次予選最後に演奏した作品2の独奏版はおそらく一番の名演なのでは。

アラウのオケ付きの演奏も素晴らしいが独奏版でこんな凄い演奏は聴いたことなかった。
あと感じるのはファツィオリをあそこまで響かせた演奏は彼の技術力だと思う。ファツィオリの音の素晴らしい響きの見本を彼が作ってくれていたと言ってもいいだろう。
二人のショパコン1番、全く真逆の演奏。優劣なんて決められるはずはない。今回は審査員たちがリウの方が好みだったんでしょう。
確かに面白いですから。彼は独特のリズムを体内に持ってるらしく、聴いていてはっとすることがある。ただ慣れると飽きる。自分は今これを聴いてもさっぱり面白くなくなっている

[100 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:17:09.02 ID:QozCPzwN]

最初の曲はベートーヴェンの「熱情」ソナタ、作品10です。 57. ベーゼンドルファー
このホルンの重厚で時代楽器らしい音色はベートーベンによく合います。
第一楽章のトリルは質が足りないようです。もう少し礼儀正しくして欲しい。
原子炉。第2楽章の音はあまり明瞭ではありません。第3楽章では、ベース部のハーモニーを伴うコーダが特徴です。
両方の音を強く鳴らしたときの音は豊かです。全体的な影響は良好です。
しかし、あまり完成度が高くない気がします。音の出し方が雑（控えめに言っても、ぎくしゃくしている）
品質が悪いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲 第1巻 作品13」です。 14. 35-I.それは
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブを含むコードの響きが迫力あります。
（この歌は彼のために歌われました）。最後の第14変奏とコーダにいくつか注目すべき誤りがありました。
お気の毒に。
次はバラード第1番、作品10です。 1 ショパン作曲。 23. あまり良くないです。技術だけ
目立ちすぎて曲のインパクトが薄れたように感じました。間違いもかなりあります。 （
ちなみに、最初の2曲が終わった後には拍手がありました（コンテストではよくあることですが、
(拍手は禁止)、ただしこの曲の後はダメです。 ）
委嘱作品「ピアノのための心象風景」でした。簡単に言えば
よく分からない曲です（もちろん今日初めて聞きました）。アバンギャルド（すでに前衛）
形がなく、技術的な強みも欠けていたのに、審査員の基準は何だったのでしょうか?
彼らはそれを評価すると思います。スコアでプレイするかどうかはチェックしません。

（審査員はそれを聞いてスコアを見ます。）それでは、私の感想を述べさせていただきます。
しかし、ベーゼンドルファーの高音はあまり美しくなく、現代音楽には適していません。
私にはこの仕事は向いていないと感じました。パフォーマンスについては、どう考えたらいいのかよく分かりません。
全体的な印象は1回目と同じです。





私はこの曲はあまり得意ではない（ポロ
最高峰と考えられているにもかかわらず、パフォーマンスは劣っているように見えました。技術的な明確さ
それほど素晴らしいものでもありません。
最後の曲はロ短調幻想曲、作品10です。 28. かなり良かったと思います。
（スクリャービンについてはあまりよく知りません。）
全体的には、まだ少し「良くない」です。

技術不足のように見えたが、第2ラウンドではうまく勝ち上がった。
しかし、その疑問を払拭することはできませんでした。技術的には少し心配です。もう少し安定
その感覚を味わいたい。第一楽章の強みは、右手の速いスタッカート和音にあります。
上昇傾向はむしろ安定していたが…（ここはプロでも曖昧になることがある）
（何よりも）。自分を表現したいという欲求もあります。
リズムも与えられます。強いて言えばマイナーになる部分の左側の部分ですね。
私はオクターブをもっと激しく演奏することを好む（ワイセンベルク、
qのように)。
全体的には悪くないようです。ただし、あまりお勧めはしません。

原子炉。 2番目の部分の音声はあまり明瞭ではありません。 3 番目の部分は、ベース セクションのハーモニーによるコーダです。
両方の音を大きく演奏すると、音が豊かになります。全体的な印象は良いです。
しかし、あまり完成していないようです。音は荒々しい（控えめに言っても唐突）
品質が低いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲」第1巻、作品13. 14. 35-Iです。これ
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブも含めたコードの響きが力強いです。
（この歌は彼のために演奏されました）。最終バージョン 14 とコードには、いくつかの顕著なバグかいがありましたが

[101 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:21:28.03 ID:+oD4b33m]

ボルスカはワルシャワにショパンの記念碑を建てるよう要請したと伝えられている。皇帝はいくつかの条件を付けつつも同意した。

記念碑の建設資金として個人が寄付できる上限は10万ルーブルとされた。また、ボルスカの夫が委員長を務めていたショパン記念碑建設委員会は、愛国的なデモを引き起こす恐れがあるため、募金活動の宣伝を禁じられた。

こうしたハンディキャップを考えると、委員会が1923年に解散したのも不思議ではない。
進出が進む

委員会は記念碑が建立される前に解散したものの、多くの成果を上げました。

1908年に優勝作品を決めるコンペを開催し、66件の応募がありました。そのうちの一つ、57番はヴァツワフ・シマノフスキの作品でした。

シマノフスキは実際には5年前に設計を完成させており、そのため委員会のいくつかの基準、例えばサイズに関する基準を満たしていませんでした。



しかし、ザヴェリー・ドゥニコフスキといった著名な彫刻家との熾烈な競争があったにもかかわらず、1909年に行われた審査員による秘密投票で、シマノフスキのデザインが満場一致で優勝作品とされました。

「第57番のデザインは、その極めてシンプルさ、印象的な記念碑性、そして非常に明るい発想によって際立っている」と、審査員は受賞理由を述べた。「ショパンの姿、その姿勢、体と頭の動きは、聴くことと心情を統一的に表現している」と彼らは付け加えた。

コンクールはマスコミに大きく取り上げられ、シマノフスキの受賞は広範な議論を巻き起こした。批評家のアントニ・シギエチンスキのように、近代的表現主義の美学に憤慨した者もいた。

「この記念碑には詩情、芸術性、そして記念碑芸術の真剣さが欠けている。まるで石膏で無造作に作られた感傷的な中編小説のようだ」と彼は書いた。

しかし、ポーランド人の大多数はシマノフスキの受賞を歓迎したようだった。それほど熱心ではなかったのはロシア人だった。

サンクトペテルブルクの帝国美術アカデミーに提出された際に行き詰まりました。アカ デミーは意見書の中で、「彫刻の中の木は不適切であり、むしろ不必要である」と記しました。

その後も調整と異議申し立てが行われ、1911年8月21日になってようやく皇帝自ら記念碑の制作を承認しました

、フランクフルト・アム・マイン近代美術館での羊の遠足パフォーマンス「Divine Hunt」など、数々の芸術イベントを実施。 2003年に彼女は国際的なフェスティバルを立ち上げました…
詳しくはこちら
I. E. レーピンは、観客の質問に「笑っちゃうよ」「残酷だ」と答えることができるだろうか？そしてA. A. エクスターは「分からない」「暑い」と言うのでしょうか？ -それがすべてを物語っています！
長所: 珍しいテーマ、高品質の紙、ハードカバー、本のデザインが優れている。 （この点では私は2つ星を付けます）。
短所: 本はフィルムで包まれておらず、ステッカーが表紙に直接貼られています。まあ、内容は期待していたものとは違いました。
アレクサンダー・ズルビンの見解
アクラシック、またはロマンティック・クラシック協奏曲プロジェクトは完成に一歩も近づかず、次の難関はシマノフスキの制作でした。シマノフスキは彫刻をフランスで鋳造することを主張しましたが、委員会はおそらくその費用の膨大

[102 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:23:49.43 ID:+oD4b33m]

イモン・ラトルとロンドン交響楽団の共演によるヤナーチェクのオペラの概説では、すでに最もよく知られている3作品（人生と愛についての壮大な
考えを呼び起こす、
大きくてやりがいのある作品）を取り上げており、今度はもう少し厄介なもの、「ブロウチェク氏の遠足」にたどり着く。
1920年に初演され、スヴァトプルク・チェフの風刺小説に
基づいたこのオペラは、2つの酔った人の夢から成り、それらを結びつけるのは、ビールとソーセージと常に正しいこと以外にはほとんど関心のないうぬぼれた夢想家と、
主役を演じる歌手たちだけである。上演されるだけでも十分に風変わりなのに、コンサート会場では、歌詞を翻訳する字幕や、15世紀チェコの歴史の詳細をウィキペディアで調べる休憩時間があっても、不可解だ


ブロチェクは月明かりに照らされた溝から、彼が軽蔑する芸術家気取りの菜食主義者たちが住む月へとテレポートする。二つ目の夢では、
1420年に包囲されたプラハへと飛ばされ、フス派の軍勢と共に戦うことを求められていることに愕然とする。ここでの音楽は、ブロチェクの威勢のよさとは相容れない高貴さを帯び、
群衆の場面では葦のようなバグパイプが中世の色合いを添えている。テネブラエは熱狂的に合唱団を歌っているが、　観客に向かってではなく舞台を横切って歌っているため、その迫力はやや鈍くなっている。

プラハ国立劇場版がリリースされて以来、ロンドン交響楽団による2回の公演を収録した録音は、もはや市場で大きな需要の空白はありません。

しかし、その録音は一級品となるでしょう。オペラの登場人物たちの脆さの裏には、儚い美しさに満ちた音楽が息づいており、ラトルとロンドン交響楽団による温かみのある演奏によって、その美しさが存分に表現されています。


ラトルはテンポを保ち、ワルツやマズルカの間を滑らかに舞いながら音楽を踊らせ、軍隊劇のエピソードでは、
曲が硬直しすぎないよう力強く展開していく。ピーター・ホーアほど説得力のあるタイトルロールを演じられる歌手はほとんどいないだろう。彼は歌いながら、
時折ラガーの瓶をがぶ飲みし、完璧な判断力で歌い上げる。彼が出会う3人の主要女性（1人は実在、2人は夢の中の女性）はルーシー・クロウが演じ、
彼女のソプラノは特に月のエピソードの銀色の音世界で輝いている。対応する男性役は、現在このレパートリーでは比類のない、明晰なチェコのテノール歌手、アレシュ・ブリシェインが歌う。




ジークリンデ役デビューは傑出している）にとって、このエルダ（イローナ・リントウェイト演じる）が魅惑的であると言うことは何ら損なわれない。
彼女はどの場面にも登場する。ジークムントとジークリンデの近親相姦的な結びつきを祝福し、ボッティチェリの「春」の登場人物のように花を撒く。
そして、毛皮のコートをまとい、怒りに満ちたフリッカがヴィンテージカーで登場するとき、彼女の運転手は誰だと思いますか？まるでコスキー監督はエルダの存在を、
ワーグナーが登場人物や思想を表現するために用いた音楽テーマのネットワークに付け加えているかのようです。





私は目を閉じて、たった100年前（これは歴史上非常に短い期間ですが）に偉大な作曲家自身がまさにこの場所でピアノの前に座っていたことを想像しました。そして、おそらく長年にわたり多くの改修工事が行われ、椅子、聖歌隊席、床、ピアノが交換され、新しい楽屋が建設され、新しい機材

[103 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:25:06.40 ID:Jt1nMeRZ]

クライバーン
1日一回聴衆賞の投票出来ます
https://cliburn.org/competitions/2025-cliburn-competition/audience-award-vote
承認のために毎回メールアドレスの入力必要です
昨日と今日でもう2票投票しちゃったw

[104 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:26:30.40 ID:xlizExtH]

運命が投げつけた醜い試練にもめげず、シマノフスキはプロジェクトのために奮闘し続けた。彼の強い要望により、1923年には新たな記念碑委員会が結成され、彼らは資金集めに着手した。

ポーランドはロシアの覇権から解放され、新たな独立の勢いに乗っていた。今回は資金調達に問題はなかった。政府からの寄付と募金コンサートが資金を調達し、1926年6月に記念碑は完成した。
この記念碑は1926年11月14日に公式に公開され、広く称賛を浴びました。



しかし、鋳造所が作業を開始する前に、シマノフスキは彫刻の原型を1/1スケールで石膏像に分割し、それぞれのブロックを西フランスへ送る必要がありました。しかし、残りの積荷をパリへ送り出す前に、ヨーロッパは戦争に突入しました。

シマノフスキの原型の半分は、フランスが開戦したまさにその日にパリに到着し、その後数年間は何とか持ちこたえました。

しかし、シマノフスキにとって不運なことに、ブロンズ像の鋳造を依頼された鋳造所は、平和が宣言される頃には既に廃業していました。さらに、像の建設のために集められたルーブルの価値は暴落していました。



まるで開拓者のネクタイを締めているような若い少年が、完全に大人の、円熟したピアニストのように演奏したのです。
プログラムは複雑で、バッハ、モーツァルト、ショパン、プロコフィエフだったと思います。すべては覚えていませんが、素晴らしい響きでした...コンサートの後、私は舞台裏に行き、アンナ・パブロヴナ・カントル、彼の先生、ジェーニャの家族に会い、彼ら全員に敬意を表しました。

そして、ここでは「genius loci」という言葉がまさに適切です。

シマノフスキが抱える問題をさらに悪化させるように、人々の嗜好も変化し、アール・ヌーヴォー様式はアール・デコ様式に取って代わられていました。像の未来は危うい状況でした。
やっと進歩しました…

運命が投げつけた醜い試練にもめげず、シマノフスキはプロジェクトのために奮闘し続けた。彼の強い要望により、1923年には新たな記念碑委員会が結成され、彼らは資金集めに着手した。

ポーランドはロシアの覇権から解放され、新たな独立の勢いに乗っていた。今回は資金調達に問題はなかった。政府からの寄付と募金コンサートが資金を調達し、1926年6月に記念碑は完成した。

その除幕式は記念すべき日となりました。2時間にわたる式典にはイグナツィ・モシツキ大統領も出席しました。1926年11月14日正午に公式に公開されたこのピアノは、広く称賛を浴び、クーリエ・ワルシャワ紙は「ショパンの天才を称える、この上なく美しく、永遠の記念碑」と評しました。

イタリアの独裁者ベニート・ムッソリーニでさえも感動し、祝辞を送りました。「歌の国を代表して、不滅のポーランド音楽家に敬意と感動を込めて敬意を表します」と、ムッソリーニは電報で記しました。

次の章

他のファシストたちはそうは思わなかった。ポーランド第二共和国の短い存続期間中に最初に除幕された記念碑が、ナチスによって首都で最初に解体された像となったのだ。

愛国的価値があると選ばれたこの記念碑は、1940年5月31日に爆破され、その破壊には、占領下のポーランド総督として統治するよう任命された、教養のあるナチスとされていたハンス・フランクが自ら承認した。記念碑の残骸はその後、弾薬を作るために精錬されるために梱包された。


今回はパリはなかった。その代わりに、高さ6.4メートルの記念碑はワルシャワのホジャ通りでブロンズ鋳造され、116個のパーツに分割されてワジェンキ公園の台座へと運ばれた。



組み立てには数週間を要したが、ついに1958年5月11日、18年ぶりにショパンを再びお披露目する厳粛な式典が行われた。

[105 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:31:18.04 ID:HOqW2/K2]

>>103
ありがとうございます！
早速投票します(今回クリクリ推し)

[106 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:36:18.59]

サン=サーンスやフォーレやラヴェルみたいな”チャラチャラしたフランスもの”とか、チャイコフスキーやラフマニノフやスクリャービンみたいな”甘ったるいロシアもの”とか、北欧や東欧やスペインものとかも一部例外を除きスルーしており（本人曰く『好きだけどほとんど演奏しなかった作曲家』としてラヴェルなどを挙げてるみたいですけど）、基本的にはショパンを除いて独欧系の作曲家の曲がレパートリーの中心のようで、
その独欧系にしても(⁇)、たとえばシューマンの1番と3番ソナタは録音しても最もポピュラーであろう2番は録音していなかったり、リストの作品もロ短調ソナタと後期作品のみで練習曲系や
編曲・パラフレーズ系はガン無視状態(←ロ短調ソナタと後期作品のカップリングを流行らせたのはポリーニだとか言う話もあるようですし)、ブラームスに関しては協奏曲と室内楽のみで独奏曲はスルーのようですし、バッハも”平均律”の第一巻のみと、けっこう選り好みと言うか偏っているような気がするモノの、何と言うか、「レコ芸でお馴染みのヒョーロンカ先生が喜びそうなレパートリー」っぽい感じもして”王道路線”と言えばそんな感じもする気がしますし、(当時の)近・現代音楽もちょくちょく録音している点も”ポリーニらしさ”と言える気もしますし。



世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から
最晩年の時期とも重なる訳ですし、”鉄のカーテン”の向こうのピアニストとかグールドなどの全盛期付近(？)ともカブるわけで、おそらく大きな歴史の転換点に登場した新世代のピアニストだったんだろうなぁ ←と思うわけでアリマス。
世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から最晩年の時期とも重なる訳ですし、”鉄のカーテン”の向こうのピアニストとかグールドなどの全盛期付近(？)ともカブるわけで、おそらく大きな歴史の転換点に登場した
新世代のピアニストだったんだろうなぁ ←と思うわけでアリマス。

演奏に関しては、どの時期の演奏でも乱暴な打鍵やペダリングが耳障りではありますけど(←少し誇張)、壮年期以降の(ハズレの)演奏・録音を聴いても一聴して分かるようなミスタッチとか譜読みミスはかなり少ない方で、相当に几帳面な仕事をする奏者だと思っていますし、
クラシックのピアニストの中ではリズム・拍節の表現が相当にキッチリとしており（←というか、他の連中がリズムや拍節にルーズ過ぎるだけって話かも知れませんけど）、これが「機械的」などと称される要因の一つではないかと思ったりします。

ただ聴いているだけでは音楽の本質を見極めることは不可能。本当に音楽が好きならば自分で演奏したいと思うのが普通。それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないで欲しい。
技術が無いのにやってる先生沢山いる
指練習と作曲と本来の曲、このうち作曲はどうしても時間が延びます。その時は、全曲弾くと時間が足らないので「今日は全部できないのでここから見てください」と頼みます。色々持ち込んでいるうちに今はこれで定着しています。
30分で先生のフル回転利用しようとしたらとても時間が足りませんよね
それに加えて音価に無頓着で離鍵のタイミングがルーズなので全体的に締まりの無い演奏をするという印象が強い人です。

離鍵のタイミングに無頓着なのは名盤と呼ばれる「ペトルーシュカからの３章」の録音ですら感じられます。
また休符の表現が甘すぎます。ペダルを上げるタイミングも遅いです。

指導が悪すぎると、生徒だって苦しむ訳だしね。

まず、ピアノが楽しめなくなるし、苦痛になるでしょう。

だから練習しなくなるし、理解してないから進まない。

近年のショパンコンクールの出場者は国別でいうと昔と

かなり違ってきていて一次の出場者の半数をアジア勢で
占めています。

[107 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:42:29.49]

「この人が凄い」って言うと「この人の方が」「あの人なんて」みたいな話になりかねない
プロとして活動出来る時点で皆凄いし、曲目や作曲家によって得意不得意もあるし、最終的には好みだと思う
だから芸術系のトピで「誰が凄い」「この人は何位(具体的な賞歴では無く)」みたいな質問は無意味だと思ってる
最近はチケットが取るのが難しくなって直には聞いてないなぁ‥時々テレビで拝見するくらい

楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。
語る資格はない。
ただ聴いているだけでは音楽の本質を見極めることは不可能。

それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。
ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないで欲しい。
技術が無いのにやってる先生沢山いるよね。
元幼稚園教諭や保育士なども趣味レベルな演奏だし、
下手すればソナチネくらいまでしか弾けない先生いるだろうね

彼は実力もそうだけど、運もあってトークでも誰かの代理で急に出ることになって、すごい盛り上がったみたいなエピソード多いよね
恒存の時代から所謂右派の主張は現実に対しての素朴な疑問の投げかけだったが、左翼は現実逃避と言える程の夢想と空想が織りなす絵に描いた餅だった
それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。
ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないで欲しい。
技術が無いのにやってる先生沢山いるよね。元幼稚園教諭や保育士なども趣味レベルな演奏だし、下手すればソナチネくらいまでしか弾けない先生いるだろうね。
音符やリズムが読めないから、先生の模範演奏を当てにして練習する子がいる。そんな子は、特に進まなかったりするよ。
かんじんなのは教え方じゃないのかね、だっていくら自分で弾けても、その技術を教えるのが講師の役目だからこの際音大出てなくても相応の勉強をして
いるなら問題ないと思いますけど。ちゃんとというと漠然としてますが、グレード４きゅ
うレベルなら音大卒レベルらしいし、音大出ても勉強してないとグレードとれない人もいるらしいし、けっこうむずかしいらしいですから。確かに…演奏が上手くても教え方がアレだったり、演奏は大したことないのに教え方が上手い人っているね。
今なら世界的なグレードとかも



あるし、それの上位を取得できれば相当なものじゃないかな…楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。

音符やリズムが読めないから、先生の模範演奏を当てにして練習する子がいる。そんな子は、特に進まなかったりするよ。
かんじんなのは教え方じゃないのかね、だっていくら自分で弾けても、その技術を教えるのが講師の役目だからこの際音大出てなくても相応の勉強をして
いるなら問題ないと思いますけど。ちゃんとというと漠然としてますが、グレード４きゅ
うレベルなら音大卒レベルらしいし、音大出ても勉強してないとグレードとれない人もいるらしいし、けっこうむずかしいらしいですから。確かに…演奏が上手くても教え方がアレだったり、演奏は大したことないのに教え方が上手い人っているね。
今なら世界的なグレードとかもあるし、それの上位を取得できれば相当なものじゃないかな…楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。
大というのは、音楽を一生の趣味にするための基礎を学ぶ学校なのですよ。
そのキッカケってとっても大切な事だと思います。その子の一生のピアノ人生にかかわるし、誰かに影響されてか、将来音大行きたいと言う子もいるでしょう。そのくらい責任ある仕事だと思うよ。たとえば、楽典あたりをレッスンに入れないで適に教えて、楽譜が読めない子なんか沢山いるわけで

[108 ギコ踏んじゃった 2025/05/22(木) 23:51:19.57 ID:9OEHRS8d]

コンクールはマスコミに大きく取り上げられ、シマノフスキの受賞は広範な議論を巻き起こした。批評家のアントニ・シギエチンスキのように、近代的表現主義の美学に憤慨した者もいた。



「この記念碑には詩情、芸術性、そして記念碑芸術の真剣さが欠けている。まるで石膏で無造作に作られた感傷的な中編小説のようだ」と彼は書いた。

しかし、ポーランド人の大多数はシマノフスキの受賞を歓迎したようだった。それほど熱心ではなかったのはロシア人だった。




アメリカで最も権威のある器楽コンクールの一つであるクリーブランド国際ピアノコンクールは、アンジェラ・ヒューイット、ジャン＝イヴ・ティボーデ、故ニコラ・アンジェリッチといったアーティストのキャリアを飛躍させたことを誇りとしています。しかし、輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、クリーブランドでは、
このコンクールが現状に甘んじているという意識は全くありません。50周年を迎えるにあたり、コンクールは主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

2024年大会には265名のピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた55名は、これまでとは全く異なるコンクールを経験することになります。 「私たちは、ピアニスト一人ひとりを一人の完成されたアーティストとして見たいのです」と、コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語る。コールバーグ氏は、バッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に選曲するという考えを捨て、出場者に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているかを表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり知られていない作曲家の作品を選び、審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受ける
。
「聴衆とどのように関わり、ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の芸術を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は語る。
後期ラウンドに進むピアニストは、アーティスト育成プログラムの恩恵を受けることになる。
これは、クラシックピアノの未来は個々のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるものだ。





開催されるコンクールの第1ラウンドは、もう一つ大きく異なる点があります。
それは、クリーブランドだけでなくパリでも開催されることです。1995年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォレス大学音楽院、
またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーで演奏しますこの2つの会場で行われることで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツとの繋がりを改めて示すことになります。

今夏、最終ラウンドのためにクリーブランドに招待される準々決勝進出者16名はクラシックピアノコンクールに求められる一般的な期待をはるかに超え、アーティストとして自らを表現することが求められます開会式でのポップミュージックデュオ演奏、
少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場やセッティングでの演奏が求められます。

これまでのラウンドと同様に、出場者は、あまり注目されていない、あるいはあまり知られていない
作曲家の作品を演奏し、その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められますコールバーグ氏は、出場者が審査員に「自分自身と、
ピアノの未来をどのように見ているか」を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一環です。


出場者は高額な賞金を期待できます。クリーブランド・コンクールの伝統の一つは、7万5000ドルのミクソン賞をはじめとする、50年にわたる高額賞金の評判です。しかし、キャリアを築くには
賞金以上のものが求められます。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、
カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでのリサイタル出演が保証され、さらに米国有数のアーティスト・マネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。

[109 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:25:49.67 ID:CmrzndTz]

ヨナスは優等生の演奏だなぁ
次は舟歌だけどこのプログラムどこかで面白味出てくるのだろうか
並びの意図がよくわからない

[110 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:28:35.22 ID:hKXBgtCP]

デジタル アルバムには、“Revolutionary” エチュード（作品 10)、最初の即興曲（作品 29)、および 2 番目の夜想曲（作品 9 no。2) が含まれています。
威厳とさらなる妙技の花火でそれらを実行しますが、これらはわずかにバラバラに感じられ、
最も音楽的に説得力のある一連の作品ではありません。シェルツィと協奏曲の両方のこのような特徴的な演奏の後、これらは不快な気分になります。

まともな録音品質で、ロンドンのLSOのセント・ルーク（協奏曲）とハンブルクのフリードリヒ・エーベルト・ハレ（ソロ作品）に録音されていますが、
私は協奏曲のピアノからもう少し距離を置くことを切望していました。主に4つのシェルツィと協奏曲のフィナーレをお勧めします。
最近はどんなものにもタイトルが必要らしいです。表面的には ‘Wanderer’ は、
リサイタルでのリストとベルクのソナタよりも、むしろシューベルト幻想曲に密接に関連しているように見えるかもしれません。しかし実際には、
小冊子のインタビューで明らかにされているように、これはむしろ wanderer‘としての哲学的な ’ アーティストを指します。
そして、この 3 つの作品は驚くほど優れた仲間となり、ベルク作品 1 の冒頭はシューベルトと同じ言語を話します。

演奏の成熟度は非常に高く、彼がまだ 25 歳であることを忘れがちです。私がドビュッシーのリサイタル (1/18) で賞賛した彼のピアニズムの繊細さは、ここでも十分に証明されています。
彼の手には 放浪者 ファンタジー’s より非ピアニスティックな要素はよく磨かれており、
最大のクライマックスさえも美しくコントロールされています。この作品の壮大さは冒頭部分から明らかだが、
ポール・ルイスのアカウントでは、流出の相応はあるものの深い人間性も兼ね備えたスリリングなライブアカウントでスヴャトスラフ・リヒテルにも当てはまるように、それが最上位の原動力となっている。チョー氏はあまり極端ではなく、特に説得力があると考えている アダージョ, 華麗な響きの主題から細やかな効果まで変奏が展開されます。私はそのことに疑問を感じていました プレスト 籬3 瀹ハレ
この文脈ではベルクは驚くほど新しく聞こえると思うかもしれませんが、興味深いことに、洗練さと慎重にバランスの取れたテクスチャーに満ちた読書では、実際には比較的伝統的に聞こえます
しかし、それに欠けているのは、内田が見事に明らかにする探求心です。彼女はソナタにほとんど風変わりな遊び心を吹き込み、より現代的な雰囲気を与えています。

リストは、編曲を終えた直後にロ短調ソナタを作曲しました 放浪者 ファンタジー ピアノとオーケストラ、そしてこのソナタの構造に対するシューベルトの作品の影響については、多くのことが書かれています。は、完璧への扉を開くという難しい問題を判断し、
強調する必要もなくドラマを生き続けています。彼のペースは全体として細かく評価されており、妙技は常に音楽に役立っています。極度の静寂の瞬間も非常によく練られています。– サンプルは 3'07 のフィリグリーです（トラック 7、) Cantando espressivo)まぁんはl丶、 れ丶上ニ、 ェノノリチァティーゥーマス（トラッ ゥー ー ー ー ー ーし かし、多九之亟王下爾乙亥意事能格可可可我饒、涔は、我多九之本爾丙戌音高密尼、全弐壬戌音高密尼、全弐壬戌音高密尼、非感傷魔陵、– 莠ャ驛ス出アレ
ワルシャワでの大勝利から10年が経ち、30歳の韓国人ピアニストは第一級の音楽家としての地位を確立した。彼のテクニックは予想通り完璧です。それに、彼は色、形、フレージング、発声に関する事柄に対して強い感情をもたらします。

また、ダイナミクス。チョーは楽器のコマンドが非常に高いため、物事をダイヤルダウンすると、リスナーに身を乗り出して細心の注意を払うように強制します。

ピアニストはこの特技を日曜日に何度かうまく活用した。の広々とした “epilogue” の間に ヴァルセス貴族とセンチメンタル, たとえば、以前に聞いたテーマの回想は、強烈で感動的な哀愁を帯びて伝わってきました。同様に、チョーの詩的な説明 パヴァーヌ プール ウネ インファンテ デフンテ 瀹ナ rhatrahaissa、明来意音記号、繝レアル ノム サウナ メ レ モィィィーの方向性皮質と繝内向性起義をアウシンミ合 Gableitaresma シタ。

すべての斬新なリズムと正確なフィリグリーのために、 セレナード グロテスク’s の自然な辛さは少し和らげられたように聞こえました。嬰ヘ短調ソナチネ―のフィナーレも同様でしたが、ピアニストの上品な光沢により、楽章の中間部に魅力的な質感がいくつか生まれました。





あらゆる演奏行為は

[111 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:31:32.89 ID:PgTxH35k]

ある人は彼を「黄金の声を持つ男」と呼び、またある人は「第二のエンリコ・カルーソー」あるいは「テノールの王」と呼んだが、何よりもヤン・キエプラは人民の擁護者であり、ポーランドの擁護者だった。

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歴史
20世紀初頭から中期にかけての偉大なオペラ歌手の一人とみなされるキエプラ氏の誕生日は、今週の金曜日で123回目となる。

キエプラが今もなお存在感を持ち、ポーランド人の心の中に彼がずっと存在していることを浮き彫りにするために、昨日、ワルシャワのホテル ブリストルの角のバルコニーの下に熱狂的な群衆が集まり、キエプラの最もよく知られた曲のいくつかを演奏した。


ブリストル・ホテルのバルコニーからキエプラが披露したパフォーマンスは、街の伝説として深く刻まれている。しかし、この愛すべきスターが無料コンサートを開催したのはブリストル・ホテルだけではない。

ポーランド南部では、鉱山の坑道の前で1万人の労働者の前で演奏しました。グディニャでは、同じことを街の港で行いました。

一方、彼はブロードウェイのきらびやかな照明の下でも、ミラノのスカラ座、ロンドンのコヴェント・ガーデン、ニューヨークのメトロポリタン歌劇場といったオペラ界の最高峰の舞台でも、同じように演奏をこなしていた。世界は彼の思いのままだった。

「彼は強さと忍耐力の模範でした」と作曲家のヤツェク・シガン氏はTVPワールドに語った。「強さ、勇気、そして意志だけを頼りに、彼は世界的に有名な芸術家になったのです。」

ほんの一瞬、時間の針が逆戻りした。数十年前、ここでキエプラは下の通りに集まった4万人以上のファンに歌を披露し、ワルシャワの伝説にその地位を確固たるものにしていたのだ。

「父は人々のために歌いたかったんです。お金がもらえるかどうかなんて気にしていなかったんです」と、息子のマージャン・キエプラさんはTVPワールドに語った。「劇場に行かない人たちのために歌いたかったんです」

キエプラは若い頃、熱心なスカウトであり、優れたサッカー選手でもあり、熱心なボクサーでもありました。しかし、歌にはあまり興味がなく、いくつかの伝説によると、彼は合唱の授業を頻繁に欠席していたそうです。

第一次世界大戦後、キエプラはシレジア蜂起に参加することで愛国心を示した。当初はポーランドの準軍事組織で機関銃の組み立てに従事し、後にビトム第一ライフル連隊に入隊した。

この冒険の後、安定が訪れました。

父親は息子に法律家としての道を歩ませたいと考えていたが、キエプラがワルシャワ大学に通っていた頃、彼は遅ればせながら歌声に目覚めた。勉強どころか、キエプラは歌のレッスンに通い、パリの香水を売ってその費用を稼いだ。

父親はそれを知り激怒し、キエプラとの縁を切った。しかし、息子はひるむことなく、新たな情熱に身を投じ、精力的に活動した。


主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

[112 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:36:08.35 ID:hJdapXA6]

もちろん、新しい環境でレッスンを受けることが一番楽しいのですが、言語や文化の違い、音楽創作の根底にある感情や世界観などを直接体験できるこのような生活は、私にとって豊かなものだと思います。
ヨーロッパに住むことで、今接しているクラシック音楽とはまた違った世界を発見できるといいなと思っています。たくさんのコンサートに出席し、
作曲家の日常生活を体験し、彼が見た風景や話した言語、さらには彼の料理を味わうことができたら素晴らしいと思います。
もっと詳しく知りたい作曲家としては、もちろんベートーベンを勉強したいのですが、
特にブラームスを勉強したいと思っています。私はピアノ協奏曲というジャンルが大好きなので、まずは落ち着いて偉大な作曲家たちを勉強したいと思っています。音そのものの洗練された感じや響きを重視したフランスの曲が好きですし、
ショパンやロシア音楽も好きなので、視野をあまり狭めずに先生と相談しながら色々な音楽を勉強していきたいです。

作曲もしているので、演奏と作曲の分野をうまく組み合わせて、演奏と作曲の両方に自分の色をもっと出していきたいです。
ゆくゆくは自分の作品も含めたプログラムを作ったり、ピアノ協奏曲を作曲して演奏したりしたいと思っています。そんな幅広い活動を目指していきたいと思っています。演奏活動の傍ら、
作曲も少しずつ続けていきたいと思っています。過去の素晴らしい音楽を再現するだけでなく、「次」を創造できるような音楽家になりたいというのが今の私の希望です。




拡大、増加、減速、加速で表現できるようになり、新たな情報内容と表現力の幅が広がります。
そして、自動主義に至った、知覚における過剰な音の実現形態により、芸術家の具体化の個々の方法、作曲内容の具体化の特殊性を音のつながりの階層に記録することが可能になった。音楽素材を提示するプロセスにおいて、想像力は生きたチャネルとして、楽曲のイメージを再現します。


際には、現代を生きる私たちは、ほぼ生まれたときから「ドレミ」の鳴り響く環境に育ち、学校の授業でも音楽作品に出会ってきました。ただし、
それが当たり前の環境となったのは、ほんのここ100年以内のことでしょう。 近代化とともに西洋音楽を取り入れた日本。それまで三味線や太鼓や尺八の音楽文化を生きていた人々にとって、
西洋音楽はまさに異文化との接触だったことは言うまでもありません。しばしば「音楽は世界の共通語」などと言われますが、それは少し乱暴な言い方で、
やはり音楽にも言語の文法に似たある種のシステムがあります

[113 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:37:30.89]

グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄
音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う
それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う
こういうトップクラスの国際コンクールに入選する子は元から飛び抜けた才能持ってるんだから、そういう才能を拾って演奏の機会を与えるような環境になってほしい。
日本国内の発表会は大抵門下生同士で身内のより合いみたいになってる。
ポーランドは親日家が多い印象
もちろん日本も含めどこの国民族にも差別主義者はいるし、異国で学ぶ努力は凄いと思います
お二人共完成度高いけど、私はユンディの音色がセンスあって好きだったなー‥
あのちょっとした素人感というか危うい感じがかえっていいのよ
日本の相撲界みたいなものなのかな？
海外出身の力士でも真剣に相撲に取り組んでいただければ素晴らしいなと相撲に関してはそう思うけど。
より指が本当によく自在に動いていたなと思います、だけどもクリアな音で攻めの大胆さがあったように感じましたこの微妙なところで１位と差がついたのかなと思います
グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄、音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う、それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う
一昔前だと出来が良くても県外進学できず、地元の大学出て教員の道へ行く方って多かった。なので教育熱心でないのに学校の先生のお子さんで東大出って結構多いです。
母親がずっと好きで地元に来た時いつも演奏見に行ってる
数年前からなんか爆増してチケットが取りづらくなったみたいだね
前、林修先生の番組？に出てて　失礼ながら初めは一般とは懸け離れた感覚の人なのかな？と思ったけど気さくな人っぽくて好感持てた

昔から応援してるお年寄りファンか何かが可愛かったのに喫煙者になっちゃって残念どうの書いてて、アイドルでもないのに大変だねーて思った
世界中のオケから呼ばれてて今どこの国にいるんだろう？って程のピアニスト。天才だけでなくあの音色を出すためにものすごい努力と練習をされている。
言動から天才肌なのは伝わった。だからこそ理解できない部分もあった。態度とか。本当に凄い人ってそんなもんなんだろうけど。

この人の著作読んでるんだけど自分で書いて（語って）るのこれ？
文章が、音楽に知識のある中年女性みたいなんだけど


知識ないのに茶化したコメントするやつって本当に邪魔
実社会でもつまらない人程度が低い人扱いされてるんだろう

あくまで「音大で学んだ」って経験を積んだだけです。具体的な比較は難しいです。
なぜなら、各大学の教育方針やカリキュラム、教員の質などが異なるため、一概に比較することは難しいからです。
また、個々の学生の能力や適性によっても、どの大学が最適かは変わる可能性があります。




こればかりは、審査員の好みもあります。仕方ありません。そもそも、コンクールなんてもののせいで、最近は出てくる人出てくる人皆似たような演奏でおもしろくもなんともありません。
審査する側にいても、「この人の演奏好きだな」と思って良い点をつけたのに、
顔芸演奏の時代は終わりなのよ次のラウンドで蓋を開けてみたら「あれっ、あの人どこ行った？ また聴けると思って楽しみにしてたのに・・・」とか。顔芸演奏の時代は終わりなのよ
今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位顔芸演奏の時代は終わりなのよ

[114 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:39:31.84 ID:CmrzndTz]

シューマンのプレストはええやん！

[115 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:40:45.34]

もっと体感しやすい方法は、例えば録音機、もしくはビデオカメラで、演奏を撮った時に、自分が思っていたのと違って、やけに乱暴に聞こえたり、スピードが速く感じた場合、それは間違いなく、自分の音を聴いていません。

実は、人間というものは、何かに没頭している時には、その一つにしか神経が行かない動物なのです。

これは当然の事で野生動物のように、回りに天敵がいないかを警戒しながら、えさを食べるという動作には慣れていないからかもしれません。

結果、他人の演奏には集中して聴く事が出来るのに、自分が演奏している時には、ピアノを弾く事に神経が行ってしまうので、もはや、自分の音を聴くという事に神経が行かないのです。

正直いうと、私も１０年前は聴いていなかったと判断出来ますし、自分の生徒も実に９割は自分の音を聴いていない、もしくは聴いていない時があるのです。

ではどうすれば良いか？

自分の音を聞く一番良い方法は、とにかくゆっくり弾く事です。
そして弾いている時に、自分の音だけに集中する事です。
不思議な事に、実は自分の音を聴けているときというのは，絶対的に自分の演奏は下手聞こえます（？）
チョー優秀な講師陣が活躍するピアノ教室ナリ⭐
腕試しに受験してみてオヌヌメとりあえず取り急ぎ。
　前半最後は、同じくショパンの「葬送ソナタ」として有名な、《ピアノ・ソナタ第2番Op.35》です。第1楽章は、重厚で深みのある低音のオクターヴで始まりました。激しい感情が感じられる楽章ですが、フォルティッシモなども決して暴力的な強さになることなく、スケールの大きな表現が印象的でした。決然とした雰囲気のまま始まる第2楽章では、その中間部での対照的にあたたかい響きが、とても美しかったです。葬送行進曲の第3楽章は、重々しさと共に洗練さが込められた音楽作りが印象的でした。第4楽章は、一気に駆け巡るといった様子で、作品全体が締めくくられました。

　休憩後の後半は、シマノフスキの作品。まずは、《マズルカOp. 50より第1巻（No.1～4）が演奏されました。同じ「マズルカ」と言っても、
前半に聴いたショパンのものとは、だいぶ雰囲気も異なり、二人の作曲家の民族性、そして和声感の違いなどがはっきりと感じられ、興味深いものでした。たとえば第4曲での躍動感は、彼の音楽性をよく伝えるものだったと思います。
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います
暗譜しきってないコンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。



気楽に考えるのは審査結果に関してであって、ステージに立つ＝人に聴いてもらう以上は、今の自分にできるベストの演奏をしっかり提示する、
そして、もし客席（または審査員席）に感性の合わない人がいても、「これはこれでアリかも」と思ってもらえる（少なくともその可能性を上げられる）だけのクオリティを
自分なりの解釈の中で目指す、という、ピアノ弾きとしての気概の部分だけは、コンクールだろうが発表会だろうが、絶対に妥協してはいけません。


まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います

まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います

[116 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:41:51.97 ID:l+nefZII0]

>>43

で実況中ですよ

[117 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:42:59.22]

コンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。
より指が本当によく自在に動いていたなと思いますがね。
だけどもクリアな音で攻めの大胆さがあったように感じました
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います

日本の相撲界みたいなものなのかな？
海外出身の力士でも真剣に相撲に取り組んでいただければ素晴らしいなと相撲に関してはそう思うけど。
クラシックはまた違うかな。
いいところのお坊ちゃんみたいな気品のある風貌で今は知らないけど、若い頃はイケメン扱いされてたのに。
事実なのだろうか。
何かの間違いであってほしい
選定のため工場見学させて頂いたときに、シゲルカワイはヨーロッパで高く評価されているとカワイの方にお聞きしました。
教え方が悪すぎると、生徒だって苦しむ訳だしね。昔、音大を落ちたとボヤく大人のアマチュアの皆様、はい、当然落ちます。だが安心下さい。自分が上級者と勘違いする輩の9割は音大は合格しません。音大は入学者に相応しい『訓練された』テンポ感や音程感、音楽性が無い者は30回受けても100回落とします。それ以上であっても、それ以下では無いのですよ
まず、ピアノが楽しめなくなるし、苦痛になるでしょ

音楽を自由に楽しく受け狙いでサービス精神で演奏するのもアリだけど
古典音楽の世界はそれでは聴衆はうならないからな
やっぱり作曲家、先駆者、聴衆、一緒に演奏をする人たちに
にたいしてどれだけ謙虚な気持ちをもって深く音楽を理解し音を大事にして演奏するか
これはジャズの世界でも言えることだけど
プロの演奏家はそれが重要だもんね

つっても過去の優勝者
細かったけどなあ
細かったけど、皆年齢とともに
恰幅よくなるって感じかと思ってたわ
反田さんの場合は日本人だとどうしても小柄だから
オーディエンスに印象を強く残すために見た目にもこだわったのかと思ったけど
確かに指や全体的な骨格の強さとか演奏家にとっては重要かもな
素人にはどこまで影響するのかわからないんだけども

グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄
音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う
それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う









いいところのお坊ちゃんみたいな気品のある風貌で今は知らないけど、若い頃はイケメン扱いされてたのに。
事実なのだろうか。
何かの間違いであってほしい
選定のため工場見学させて頂いたときに、シゲルカワイはヨーロッパで高く評価されているとカワイの方にお聞きしました。
教え方が悪すぎると、生徒だって苦しむ訳だしね。昔、音大を落ちたとボヤく大人のアマチュアの皆様、はい、当然落ちます。だが安心下さい。自分が上級者と勘違いする輩の9割は音大は合格しません。音大は入学者に相応しい『訓練された』テンポ感や音程感、音楽性が無い者は30回受けても100回落とします。それ以上であっても、それ以下では無いのですよ
まず、ピアノが楽しめなくなるし、苦痛になるでしょ
前半最後は、同じくショパンの「葬送ソナタ」として有名な、《ピアノ・ソナタ第2番Op.35》です。第1楽章は、重厚で深みのある低音のオクターヴで始まりました。激しい感情が感じられる楽章ですが、フォルティッシモなども決して暴力的な強さになることなく、スケールの大きな表現が印象的でした。決然とした雰囲気のまま始まる第2楽章では、その中間部での対照的にあたたかい響きが、とても美しかったです。葬送行進曲の第3楽章は、重々しさと共に洗練さが込められた音楽作りが印象的でした。第4楽章は、一気に駆け巡るといった様子で、作品全体が締めくくられました。

[118 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:45:16.63]

若手だからというだけで聴かないとかは意味わからないかな
好みが古いというより、まあそれもあるかもしれないけど、自分の耳で評価ができないんだろうね
まだあまり知られていない人でも好きとかおすすめとかあったら発信するといい気がするよ

若手だからというだけで聴かないとかは意味わからないかな
仙人的な自己満足の修行したいなら、それは勝手だけど
5ch入り浸ってるし、顕示欲はいっばしにありそうだよ？
認められたいなら地道にリアル活動実績を作ることをお薦め。
まずはきちんと他人との関わり方を学ばないと何もできないよ。
自分の演奏を聴いて「ボクの考えるさいこうのじゅうじつ！」って人もいるのかもね。
自分は他の人の演奏で感動するほうが自分の成長につながるように感じるし、自分の演奏は人に届けたい。

考え方の違いだけどさ、主語大きいままで「最も」とか「たったひとつ」とか「音楽家という生き物のとか独自論を書いたら顰蹙かうのはそろそろ学びなよ。

なんども言われているように、音大出ましたってだけで、さしたる経歴も実績もないのは自覚してるでしょ？

いきなり言論弾圧みたいな、撤回しろ！体制への批判は許さん的なアマも反発されて当然だったけど、相手の言い方が悪いので添削～とか本筋ではないとこ突っ込んだりで(プロが～)何だかなだった

いつもの身内に甘々な援護射撃のつもりなのかもだけど
相変わらずだった若くて大活躍の亀井くんに嫉妬しているのは誰かのふぁんというより、うだつの上がらないピアノ弾きだと思う
ファンスレにまできてネチネチと亀井くんの文句を言わないといられないなんて可哀想
亀井くんは明るくさわやかに大躍進
賞ももらって気持ちがいいわ
華麗・煌びやかさ・爽やかさ、溢れる青春のエネルギー。
女性を悩殺させる色気。
亀井＝ピティナ王子なんだから
ピティナ会長確実の亀井君がピティナを捨てる
理由が分からんｗ

既存の畏まったクラシックファンじゃなくて
全然普段クラシックを聴かないし興味ない
人をも魅了したんだから
亀井君は才能があると思うよ。

仲道先生がお手上げを止めるように言われた後、
手をめちゃくちゃ高く上げて、ジャンプまでした
茶目っ気さも魅力的。

さらに、文化庁長官賞、岐阜県知事賞、愛知県知事賞を
受賞されて行政からも高く評価されたお人ですょ

しかも、最近仲道先生がお取りになった
出光音楽賞をエリザベートの阪田先生と共に
ご受章。
素晴らしい俊英。自撮りいつもちょっと下手だよねw
ボケたり見切れたり
素朴で可愛いわユンチャン、リスト雑じゃん。パッと聴くと情熱的だけど
亀井くんと聴き比べると亀井君は細部まで丁寧に完璧に弾いてちゃんと曲を歌っている。
それから亀井君の方が曲・しぐさに大人として
男の色気に溢れている。

現生の東洋のリストは亀井くんよ。
とても誠実でまじめだけど、たまにちょっと皮肉が入るところがかわいい。若手だからというだけで聴かないとかは意味わからないかな
好みが古いというより、まあそれもあるかもしれないけど、自分の耳で評価ができないんだろうね
まだあまり知られていない人でも好きとかおすすめとかあったら発信するといい気がするよ

[119 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:48:15.09]

超ハイレベルピアニストにとってツェルニーの練習曲はショパンエチュードの前の段階の練習曲でもなければショパンエチュードより簡単な練習曲なのですｗ
超ハイレベルピアニストはバックハウスのような歴史的なピアニストなのですｗ
超ハイレベルピアニストの批評ばかりで演奏が伴わない雑魚の言葉がペラッペラの紙みたいに薄くなって重みがないのですｗ

超ハイレベルピアニストのように基礎がないのに基礎が必要な難曲に無謀な挑戦をして挫折する超ハイレベルピアニストと基礎がないのに超ハイレベルピアニストピアノ講師に無理やりマウントを取ろうとして無知を晒す雑魚は両者の本質は同じなのですｗ
超ハイレベルピアニストは毎回思うがピアノのメンテナンス当日のレッスンって超贅沢なのですｗ
超ハイレベルピアニストは20世紀初頭のパリ音楽院に留学した気分でショパンの作品についての講義ができるのですｗ
超ハイレベルピアニストの場合「超ハイレベルピアニスト程度の演奏では対価を払ってまで聴く価値はないｗ」と雑魚は思うので無料でSNSに載せているのですｗ
超ハイレベルピアニストがアルバムを出す場合は有料になるでしょうがそれも価格設定は3000円ポッキリなのですｗ
超ハイレベルピアニストレッスンとは「魚を与えるのではなく釣り方を教えよｗ」という老子の言葉を実践するものなのですｗ



超ハイレベルピアニスト塾の先生のリプ欄に「超ハイレベルピアニストの先生すごいんですｗ」アピールをしにいく雑魚の心理がよくわかるのですｗ
超ハイレベルピアニストについて“こいつは、ただの白熊であって、先生ではないｗ”このようにお考えの雑魚もいるのですｗ
超ハイレベルピアニストがボロカスに言われると「絶好の宣伝の機会！」と超ハイレベルピアニストは内心めちゃくちゃ嬉しいのですｗ
超ハイレベルピアニスト自身が上手くない限り超ハイレベルピアニスト自身は全く凄くないということなのですｗ
「超ハイレベルピアニストは、まるで中学校の先生みたいに、SNSでも生徒指導がしたいんだなｗ本当に学校の先生かもしれないけれど、職務だけじゃ飽き足らず、SNSでも似たようなことするなんて、熱心なことだなｗ」と感心してしまうのですｗ
超ハイレベルピアニストを嫌いな雑魚はたくさんいるので超ハイレベルピアニストを批判したポストを超ハイレベルピアニストが引用で紹介すれば目的が果たせるのですｗ

超ハイレベルピアニストにとってツェルニーの練習曲はショパンエチュードの前の段階の練習曲でもなければショパンエチュードより簡単な練習曲なのですｗ
超ハイレベルピアニストはバックハウスのような歴史的なピアニストなのですｗ
超ハイレベルピアニストの批評ばかりで演奏が伴わない雑魚の言葉がペラッペラの紙みたいに薄くなって重みがないのですｗ





超ハイレベルピアニストのように基礎がないのに基礎が必要な難曲に無謀な挑戦をして挫折する超ハイレベルピアニストと基礎がないのに超ハイレベルピアニストピアノ講師に無理やりマウントを取ろうとして無知を晒す雑魚は両者の本質は同じなのですｗ
超ハイレベルピアニストは毎回思うがピアノのメンテナンス当日のレッスンって超贅沢なのですｗ
超ハイレベルピアニストは20世紀初頭のパリ音楽院に留学した気分でショパンの作品についての講義ができるのですｗ
超ハイレベルピアニストの場合「超ハイレベルピアニスト程度の演奏では対価を払ってまで聴く価値はないｗ」と雑魚は思うので無料でSNSに載せているのですｗ
超ハイレベルピアニストがアルバムを出す場合は有料になるでしょうがそれも価格設定は3000円ポッキリなのですｗ
超ハイレベルピアニストレッスンとは「魚を与えるのではなく釣り方を教えよｗ」という老子の言葉を実践するものなのですｗ



超ハイレベルピアニスト塾の先生のリプ欄に「超ハイレベルピアニストの先生すごいんですｗ」アピールをしにいく雑魚の心理がよくわかるのですｗ
超ハイレベルピアニストについて“こいつは、ただの白熊であって、先生ではないｗ”このようにお考えの雑魚もいるのですｗ
超ハイレベルピアニストがボロカスに言われると「絶好の宣伝の機会！」と超ハイレベルピアニストは内心めちゃくちゃ嬉しいのですｗ
超ハイレベルピアニスト自身が上手くない限り超ハイレベルピアニスト自身は全く凄くないということなのですｗ
「超ハイレベルピアニストは、まるで中学校の先生みたいに、SNSでも生徒指導がしたいんだなｗ本当に学校の先生かもしれないけれど、職務だけじゃ飽き足らず、SNSでも似たようなことするなんて、熱心なことだなｗ」と感心してしまうのです

[120 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 00:53:35.59 ID:CmrzndTz]

ホーちゃん頑張れ
どうか彼女らしい演奏が出来ますように

[121 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:00:55.59 ID:CmrzndTz]

一昨日スイスの音楽祭から移動してきたはず
時差ボケもあると思うのでむしろ朝早い時間は好都合だったかもしれない

[122 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:02:31.74]

私も個人的にはさんのような個性ある演奏のほうが好きですね。
前回のコンクールだと、反田さんの他にガルシアガルシアさんとか。
リウさんの演奏は凄いな！とは思うけれど、心掴まれるとはちょっと違うというか。
だからコンサートもあまり行きたいと思いません。でもきた

95点をたくさんもらえたほうが、100点2つと70点4つより点数が高くなるという事だと思います。

コンクールだから順位をつけるんですが、そもそも芸術を点数で測ろうとすること自体がナンセンスなので。だからイマイチ腑に落ちないことになるんでしょうね。

近年の藤田真央さんもリウと同じ傾向です。ただ藤田さんはリウより閃き重視で一貫性に乏しいところがるあるように思えるのに自分はあまり好きではありません。

（音が出た瞬間は素晴らしいのに、前後の関係が繋がっていないように聞こえがち、ということ）

私はあまり沢山の方の演奏を聞いてきた訳ではありませんが、初めて反田さんの月の光を聞いた時は鳥肌が経ちました。ピアノの演奏でそんなふうになったのは初めてです。

その他の演奏も聞きましたが、私が一番好きなのは献呈でしたよ

1番盛り上がるところのアルペジオ？と歌うメロディの弾き分けが素晴らしいと思いました。

反田さんの手元をずっと見ていると、この人ほど、鍵盤の上で指が前後する、撫でるように前後する人はいない。

ためるところも絶妙なタイミングと長さでびっくりしました！！

空手でも柔道でも、「脱力して体を重力に任せて落ちる」というときに、もっとも速く動ける、
強い力が出せる、そういう身体操作が反田氏のピアノを弾く姿にはあります。からだをやわらかく使える系の天才肌柔道家のようだなあ、と反田さんのピアノを弾く姿を見ていると思います

今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位顔芸演奏の時代は終わりなのよ
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じ罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じ。国選弁護人は元非常勤裁判官で心強いのですチョップ奏法
罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じバラシを画策中です

とか言ったら、また本人だ！って言う単純な人も出てきそうだけどさチョップ奏法それ
空手でも柔道でも、「脱力して体を重力に任せて落ちる」というときに、もっとも速く動ける
界隈をフォローなんてみんなしてるw俺もしてるわww何度も言われてるけど、提起内容云々よりも最初のプレゼンに失敗してるんだよ。アンチや暴言でもない

まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います
結果の評価を知りませんが、９．５点を叩き出して入賞できませんでした。年長者に厳しいこのコンクールで本選までいけることはかなり稀です。

あそこから申し込みにつながるケースってあるんだろうかソコかを抜けた三島有名な病院情報からの人がいそうで細かい波乱から練習雪風強度見るアイスタストップ安あるんすか

演奏にそういうの滲み出てきちゃいますからもう気づいていますし、演奏にそういうの滲み出てきちゃいますから、そうゆうのってw正々堂々としないといけない顔芸演奏の時代は終わりなのよ
顔芸演奏の時代は終わりなのよ卒業後は国内外で活躍するピアニスト

他のコンクールではまさかの予選。審査員構成で結果の違いが如実に出る、露骨。今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位にしてるね、呆れるわ
演奏もさぞかしすげーのかな？国際コンだって、それを受け入れて出るものじゃないの？今から買うとしたら、証拠ないもんではないし黙って待ってろ

学習能力無しですねー　
これでしか勝てないのでしょうね
審査員長も本人の経歴が乏しいですよね

[123 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:03:53.36]

聴くたびに大人っぽいというか、かっこよくなっていると感じる。もちろん、ルックス主義的な視点もあることは否定しないが、弾き方もクールで大人っぽいし、音色も深みがあり、艶があり、華やかでドラマティックで素晴らしい。


エチュードOP,25-11は、木枯らしというより嵐のようなダイナミックさ。バラードやスケルツォもよかったが、楽しみにしていた期待を裏切らない素晴らしい演奏だった。
そしてアンコール。まずは華やかでダイナミックな激しい曲。そして鳴り止まないアンコールで登場し、亀井さんが「1」のようなジェスチャーをしてもう1曲。ラ・カンパネラ」で始まるや否や、客席からどよめきとどよめきが起こった。

この曲が大好きなので、その気持ちを演奏で伝えたいと思いました。フランスの作曲家なので、フランス人には特別な思い入れがあるかもしれませんが、私はそんなことは気にせず、ただ、まだ知られていないこの曲の良さを伝えたいと思いました。「まだ知られていないこの曲の良さを伝えたい」という気持ちで演奏しました。結果は気にしませんでした。「結果はどうでもいいから、このステージを楽しもう」という気持ちで、純粋に音楽に打ち込めたと思います。フランスの審査員の方々にフランスの作品を褒めていただき、とても嬉しかったです。

コンクール後、環境や心境はどのように
コンクール後、大きく変わったとは思いませんが、一つステージが上がったという実感はあります。コンサートもたくさんできるようになり、海外でも少しずつコンサートをさせていただけるようになったので、次のステージに向けて新たなスタートを切れたと感じています。

この曲が大好きなので、その気持ちを演奏で伝えたいと思いました。フランスの作曲家なので、フランス人には特別な思い入れがあるかもしれませんが、私はそんなことは気にせず、ただ、まだ知られていないこの曲の良さを伝えたいと思いました。「まだ知られていないこの曲の良さを伝えたい」という気持ちで演奏しました。結果は気にしませんでした。「結果はどうでもいいから、このステージを楽しもう」という気持ちで、純粋に音楽に打ち込めたと思います。フランスの審査員の方々にフランスの作品を褒めていただき、とても嬉しかったです。


コンクール後、自分自身が大きく変わったとは思いませんが、一つステージが上がったという実感はあります。コンサートもたくさんできるようになり、海外でも少しずつコンサートをさせていただけるようになったので、次のステージに向けて新たなスタートを切れたと感じています。




もちろん、気楽に考えるのは審査結果に関してであって、ステージに立つ＝人に聴いてもらう以上は、今の自分にできるベストの演奏をしっかり提示する、
そして、もし客席（または審査員席）に感性の合わない人がいても、「これはこれでアリかも」と思ってもらえる（少なくともその可能性を上げられる）だけのクオリティを
自分なりの解釈の中で目指す、という、ピアノ弾きとしての気概の部分だけは、コンクールだろうが発表会だろうが、絶対に妥協してはいけません。


まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います




こればかりは、審査員の好みもあります。仕方ありません。そもそも、コンクールなんてもののせいで、最近は出てくる人出てくる人皆似たような演奏でおもしろくもなんともありません。


上手いから…なんです。社会では、自分ができるものは自分でやる、自分でできないものは他人にお願いする ＝ 判断力・コミュニケーション能力 が高い人が評価もされます
楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。
語る資格はない。そもそもお前もきめんどうしだの自分に対して暴言吐いてきた訳でもない何でもない

それ、全くの嘘でないとしたら、Y山先生かどなたか分からないけど、音大のレッスンであまりに出来が悪いから、
プライベートで補習しましょうか？って意味で言われたのでは？

５人の審査員の平均の点数で順位が決まったのですが、二人ほぼ最低点を付けた方がいて、
講評のところにダメだと書かれていた事がどちらもそういう風に練習したところだったので、
本人はあんなにがんばったのにがんばった所が審査員の逆に行っちゃったのかと顔芸演奏の時代は終わりなのよ

[124 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:05:05.05]

その他の演奏も聞きましたが、私が一番好きなのは献呈でした。

1番盛り上がるところのアルペジオ？と歌うメロディの弾き分けが素晴らしいと思いました。

反田さんの手元をずっと見ていると、この人ほど、鍵盤の上で指が前後する、撫でるように前後する人はいない。

ためるところも絶妙なタイミングと長さでびっくりしました！！

空手でも柔道でも、「脱力して体を重力に任せて落ちる」というときに、もっとも速く動ける、
強い力が出せる、そういう身体操作が反田氏のピアノを弾く姿にはあります。からだをやわらかく使える系の天才肌柔道家のようだなあ、と反田さんのピアノを弾く姿を見ていると思います

今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位顔芸演奏の時代は終わりなのよ
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じ罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じ。国選弁護人は元非常勤裁判官で心強いのですチョップ奏法
罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じバラシを画策中です

とか言ったら、また本人だ！って言う単純な人も出てきそうだけどさチョップ奏法それ
空手でも柔道でも、「脱力して体を重力に任せて落ちる」というときに、もっとも速く動ける
界隈をフォローなんてみんなしてるw俺もしてるわww何度も言われてるけど、提起内容云々よりも最初のプレゼンに失敗してるんだよ。アンチや暴言でもない

まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います
結果の評価を知りませんが、９．５点を叩き出して入賞できませんでした。年長者に厳しいこのコンクールで本選までいけることはかなり稀です。

あそこから申し込みにつながるケースってあるんだろうかソコかを抜けた三島有名な病院情報からの人がいそうで細かい波乱から練習雪風強度見るアイスタストップ安あるんすか

演奏にそういうの滲み出てきちゃいますからもう気づいていますし、演奏にそういうの滲み出てきちゃいますから、そうゆうのってw正々堂々としないといけない顔芸演奏の時代は終わりなのよ
顔芸演奏の時代は終わりなのよ卒業後は国内外で活躍するピアニスト

他のコンクールではまさかの予選。審査員構成で結果の違いが如実に出る、露骨。今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位にしてるね、呆れるわ
演奏もさぞかしすげーのかな？国際コンだって、それを受け入れて出るものじゃないの？今から買うとしたら、証拠ないもんではないし黙って待ってろ

学習能力無しですねー　
これでしか勝てないのでしょうね
審査員長も本人の経歴が乏しいですよ


講評のところにダメだと書かれていた事がどちらもそういう風に練習したところだったので、
本人はあんなにがんばったのにがんばった所が審査員の逆に行っちゃったのかと顔芸演奏の時代は終わりなのよ

音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。


楽器店や音楽教室の講師にはなれます。ここまで弾けなくても大丈夫ではないでしょうか。
この方は急速な主部がものすごく上手いですね。ただそのため、ゆっくりした中間部の構成感の表現（嬰ト短調への転調の表現）が少々不十分に感じられます。それがとても惜しいと思いました
。胸がギュッと締め付けられるような痛みが感じられるところなので、締め付けてほしいです（笑）
ただ、桐朋じゃなくてもなれます。

だからプロになれる周りより音楽の仕事がある…なんて事はありません。
あくまで「音大で学んだ」って経験を積んだだけです。具体的な比較は難しいです。
なぜなら、各大学の教育方針やカリキュラム、教員の質などが異なるため、一概に比較することは難しいからです。
また、個々の学生の能力や適性によっても、どの大学が最適かは変わる可能性があり

[125 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:07:13.43 ID:MRg++4Lh]

↓で実況中です

https://jbbs.shitaraba.net/bbs/read.cgi/music/30360/1747432031/

[126 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:07:45.92]

幻想曲作品17に続き。速くて良いペースです。
それとも、あまりにも慣れすぎて自分のものにしてしまったのかもしれません。しかし
何故か感情はない。この歌の普通の解釈ではもう感動できない。
自分に何か問題があるのかもしれないと考え始めたとき、その理由は
少しだけ理解できるようになってきました。ペースは速く、パフォーマンスは激しい。
これをやるのは疲れます。もう少し時間をかけて、少し息抜きさせてあげたいです。
それは重要だと思います。音は強い音が連続して鳴り、音色が変化します。
どれが欲しいですか？ためらいも曖昧さもありません。
つまり。
もし彼が第2ラウンドで失敗したとしたら、問題は彼の選曲にあったのかもしれない。
この技法は、シューマンの他の作品、例えば交響曲でさえも、
おそらく練習曲のような曲（トッカータなど）の方が適切でしょう。
ぜひ聞いてみたいです。
ベートーヴェンの最後の作品はワルトシュタイン・ソナタ作品53でした。まさにその通り
彼によく似合う曲だ。テンポが速く、要点が明確で、指が動いているなど。
は素晴らしいです。いくつか間違いはありますが、怖い作品ではありません。
ポテンシャルは高いと感じます。最終楽におけるオクターブグリッサンド
予想通り、彼は正しく演奏しました（グリッサンド）（ppと真ん中です
一度止まらないといけないので難しいです。それにもかかわらず、打撃の鋭さは
「鋼鉄の感触」、あるいはベートーヴェンの最後のソナタの録音中
まるでポリーニを思い出させます。
より内省的な作品では少し疑問を感じますが、彼は準決勝で再びこのテクニックを披露しました。
ぜひ見てみたいです。

# しかし、シューマンの偉大な作品の後のベートーベンは...
# (これは私の偏見かもしれませんが) これは少し奇妙だと思いました。
第1楽章の和音の急速な上昇はあまり良くなかったが、ゆっくりとしたテンポは
実際、今回の演奏は、この曲のこれまでの 2 回の演奏よりも感情が込められています。
次は「炎の中で」作品番号4です。スクリャービンの72。この歌は有名です
でも、よく分からないんです。しかし、この曲は最初から最後までクレッシの曲です。
これはエンドツーエンドの問題だと聞いたことがありますが（間違っているかもしれません）、
聞こえなかった。
最後の曲はが含まれていないのは少し残念です（この作品はかなり技術的です）。
これにより、さらにパワーが増します。ちょっと雑然とした感じがします。この曲についてはコメントはありません。
割れやすいガラスのような美しさと繊細な音色。
私はポーランド語を探しています（そういう意味では日本人女性にもっと適しているかもしれません）ので
これは厳しいビジョンのように思えるかもしれないが、



オーケストラも味方につけて爽やかなサン＝サーンスを演奏した亀井さん、プロコフィエフで自分だけの音楽を貫いたイ・ヒョクさん。二人の優勝者を生み出した今回の審査結果について、審査員のレナ・シェレシェフスカヤさん（アレクサンドル・カントロフはじめ、近年活躍する数々の若いピアニストを育てている名教育者です）は、こう話してくださいました。

「ひとりを選ぶ必要があるといわれていましたが、二人を選ぶチャンスが与えられてとても嬉しく思います。審査員は、完全に分断されていたんです。ある人たちはプロコフィエフの2番を絶賛し、ある人たちはサン＝サーンスを絶賛した。最終的に、私たち審査員の今後の関係が壊れてしまわないように（笑）、両方を1位にすることにしたのです。
　私自身も二人とも大好きでした。審査員みんなもそうだったと思います。でもそれぞれに、少しどちらかに偏ってこちらが好きだという感覚はあったでしょう。私自身は、カメイのほうに気持ちがむいていましたね」

[127 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:13:37.72 ID:CmrzndTz]

ホーちゃんは曲に対して限りなく無心なのがとても良い

[128 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:13:48.38]

作品番号110。おそらく普通のパフォーマンスだと思うが、ツェン以降は難しいパフォーマンスだった。少しスタイルが欠けていて、だらしなく見えます（残念です）。自然で健康的
それは真実であると言うこともできます。しかし、それは標準以上だと思います。
次はシューマンのクライスレリアーナ作品16です。最初の曲では、高音部分よりも低音部分のほうが重要です。音は良くなり、少し違ったが、悪くはなかった。速いテンポのライト
1 曲 (5 曲目だったと思います) で音符が抜けるなどのミスがいくつかありましたが、全体的には良い演奏でした。それは起こります。彼は気楽にプレーするので、見ていて楽しいです。第二楽章では、フォルテの和音をもう少し強く（シャープに）する必要があり、
解釈の違いがあるかも知れません。第3楽章では、各音符が丁寧に演奏され、ピアニッシモは
美しい。 2番目のフーガもとても美しいと思いましたが、フーガの途中で彼は途中で止まった。少し前にまたプレイしましたが、痛いです。審査員は誰ですか？
彼らは彼をそのように判断するでしょうか？申し訳ないのですが、これは崇高な雰囲気ではないと思います。
私が少し落ち込んでいたことは否定できません。
# ちなみに第3楽章のフーガは数年前の日本音楽コンクールで選ばれた曲です。# 課題曲（抽選）になった時に、立ち止まったり、戸惑ったりする人が複数いました。
# うんざりした気分になりました。ここに悪魔が隠れているのでしょうか？ （それとも音楽でしょうか？）# そうなるのかなぁ^^)。これからこの曲をライブで聴くときは必ず
# ストーカー行為をしなくてはならないかもしれない。

次はフランクの「前奏曲、合唱とフーガ」です。前奏曲は良いですね。かすかな声が続く
美しいですね（作詞家っぽいですね）。コラールでは左手が持続します。
100mほど先に交差点があるのですが、左側に間違いがいくつかありました（これは
出てくる）。フーガ以降のテクニカルな部分は速くなり、音が少し明瞭になります。
最高の曲ではなかったかもしれませんが、私はその曲についてあまり知らないので、確かなことは言えません。
何が起こったのかは言えません。
全体的に柔らかな音の美しさと感情の伝わり方に感動しました。セミファイ
NARUでもっと聴きたいアーティストの一人です。
チャレンジャーだね
審査員が彼女向きの方を選んでくれていたというのはわかった
優芽花ちゃんはセミファイナルはレパートリー選びに一考の余地あり

中川さんのシューマン、間延びしてるように聴こえる
玄人なら音色がいいとか思うかもしれないが
桑原さんの圧倒的テクニックと圧と比べたら
物足りない

ブラボーって演奏内容に関係なくやりたい人は毎回やるから当てにならない
ショパコンのブラボーおじさんが典型的な例
特にライブだと自分の声を入れたいって理由でわざとフライングブラボーやる人もいるくらいだから

桑原さん圧が凄すぎて中川さん
弱々しく聴こえてしまったかなあー
表情豊かで音色は中川さんの方が好み

ど素人から聴いたら、遊びがなくて面白くない
物凄くオーソドックスでいいピアニストだとは思ったが予備予選と今回のエリコンを聴いてここまで凄いピアニストとは予想だにしてなかった
聴く耳を自分は持っていなかったかあ…

ブルノンはカンドーイの後に同じのをやったのが気の毒だった。
ノーマルなモーツァルトで上品。陰影少な目。
３楽章はカンドーイにちょっと挑発されたような感じだった
残念ながら、テクニック的に好き放題には弾けてないんだわ。

前スレにかけなかったけどダブリンのカーター先生の曲目ありがとうございます
クライバーンもう一回見てきてやっぱりあまりの独自性に笑ってしまった
ファイナルまで行ってラヴェルの左手是非とも聴きたいｗ

ヒョンロクさんが日本でやってたはずだとググってみたら2022年に九州でやっているのが本人のHPに音声だけ上がっていた
左手を傷める人もいるくらいだから挑戦するのは勇気がいるよね

音量だけは出てるのでオケも遠慮なく弾いてる感じ
上手なモツコン特有のクリスタルみたいな美しさは皆無
テンポがずっと食い気味で自然じゃないんだよね
これじゃオケもタイミングとりづらいと思う

今日の二人ともオケとの調和感がイマイチ
コンチェルトは調和感重視ではなく丁々発止するやり方もあるが丁々発止してるという演奏でもないようだし

[129 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:14:44.95]

“私たちは、私たちが提示する多くのものが実際にどのように作成されたかについて、まったく異なる経験を持つ聴衆に広さと深さを伝える方法について、あらゆる種類の方法を考え出す必要があります。”

それが私たちを導きます マエストロ フィッシャー。彼はブダペストでのアプローチを、私たちが私たちの街の人々に奉仕しているという信念に集中させています“とベネデッティ氏は言います。

“絶対に必要な要素は、可能な限り最高レベルの音楽性です。なぜなら、それ自体には常に独自の力があるからです。しかし、最初から彼の使命は、人々を共有体験、共有リスニング、グループとして一緒に何かを体験させることでした。”

フィッシャーの論理は、ベネデッティが言うように、聴衆が本質的にオーケストラ“の一部となるように、コンサートホールの物理的空間を新しい方法で使用する必要があることを意味します。“私たちは彼らに座席を奪うように頼みました アッシャー ホール, 、Edinburgh。” にとって非常に新しいもの


このフェスティバルを主導した初のスコットランド人であり初の女性であるベネデッティ氏は、自分が行った法案に嘆かわしい変更が加えられたことを認識している。

毎年恒例のオープニングイベントに高価な花火が導入されました ファーガス リネハン, 、彼女の前任者は、40 年間のフェスティバルの備品であるクロージング花火コンサートとともに、捨てられています。驚くべきことに、ロックコンサートはありません リース シアター 莠思当meteihinsa teardai の 鴎羅la は ア limayownrant。

“この問題を回避しないために、リース劇場は私たちにとって非常に難しい決断でした、” 彼女は言います。“すべてのフェスティバルや文化団体の場合と同様、財務上の決定を下すのは困難です。”

Leith と grand opera “の両方が存在しないことは、プログラムの 2 つの極端な側面であり、膨大な量のリソースを必要とするため、私たちはそれを要求する必要がありました。” しかし、彼女は、“は私たちが行っているすべてのことを見てください、と彼女は促します。私たちは、忘れられないであろういくつかのオペラのレパートリーの親密な、室内プレゼンテーションを持っています; そして間 プレイハウス, フェスティバルシアター そして クイーンズ ホール, 、同じ現代音楽 strand。” です

シーズン中、ACO は 2 つのパフォーマンスを披露します ザンケル ホール カーネギーホールでは、どちらも存命のアメリカ人作曲家の作品の世界初演に焦点を当てています。2023年11月9 日午後7時30 分、ACOが出演 ザ クエスト:壮大な旅, 、 、 と Vimbayi Kaziboni 指し ん。こ の 歩み LHOZLULA ム 出 の 4 勺 の 勺 の 牛 ち 、 阿漕 我 出だし 升 ま す ニーナ C ヤング’s その子宮から氷が生まれました, 、 、 ACO と kaーーるーるー ru ちょう ちょうりょく ちょう しゃく。まーた、ACO のんのうのんのうの 受難く かつる ー ゙る ゙ー ゙ー ゙ー ゙ー ゙ー ゙ ジョージ ルイス, ジャック ヒューズ （earshot ka Ra noru co Mi ko Schi NESHOID） アンダーウッド リーディングス)、克以 し ゚ ギジェルモ クライン（an）ousho detuen 用 し detiur イヤーショット コラボラトリー コ ミ？？シ ニイハエ）。の 洽 オーガスタ Read Thomas’s サン ダンス—追悼 オリバー クヌッセン 瀹ールヨールールーニーナイナーウーオービー行ウーナー。

2024年3月12日火曜日、ACOは再びカーネギーホールのザンケルホールでパフォーマンスを行います ワイマールのアメリカ:限界について, 、 が主導する番組 保戸田玲 第二次世界大戦前のワイマール時代 ’ に対する United States– の影響と、今日の私たちの文化に反映されているその社会の要素を調査します。このパフォーマンスでは、の世界初演が行われます トニア コー’s 息, 飼いならされていない, 、メゾソプラノ、アコーディオン、オーケストラのための新作と同様に ジョン グローバー と 台本作家 ケリー ローク, 、 フィーチャリング クリスタル E ウィリアムズ そして フェリペ ホスティンス アメリカン・コンポーザーズ・オーケストラの委嘱によりソリストとして出演。さらに、受賞歴のあるチカソーの作曲家 ジェロード インピッチャー チャラチャアハ’ テイト 自身のリ オーケストレーションでナレーターを務める 氏族, 、彼のより大きな構成からの楽章 Lowak Shoppala’.

マンハッタンに新しくオープンしたペレルマン パフォーミング アーツ センター（PAC NYC）のニューヨーク初演でデビューする ある アメリカ 兵, 、 PAC NYC と ACO 共同 制作 オペラ と ボス実話に基づいています。ダニー・チェン。アフガニスタンでの勤務中に敵の砲撃ではなく

[130 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:16:12.91]

第2回年次総会のために故郷のニューヨークで開催されます ガラ賞とクリエイティブ カタリスト賞. 。フォゴ デ シャン (40 W 53rd Street）で開催され、今年のガラはグラミー賞を受賞した作曲家とサックス奏者を讃えます パキート ドリヴェラ;プロデューサー、教育者、アーティスト、学者 博士。インディラ エトワロー, 、 アップル の スティーブ ジョブズ シアター;そして エドワード イム, 、 の 最高 コンテンツ 責任者 および 上級 副社長 WQXR; ACO の核となる価値観の例として、芸術性、創造性、コミュニティ、公平性があります。プログラムには、による音楽演奏が含まれます ドリヴェラ

イヤーショット 3 つの主要なプログラムを紹介します。新しい作曲の才能を指導し、促進するための全国のオーケストラとの Earshot Readings です バージニア B トゥールミン財団管弦楽団 11 の主要オーケストラとのコミッション プログラム イヤーショット コラボラトリー による新作を依頼し、ワークショップするプログラム ギジェルモ クライン そして ジョン グローバー 先住民作曲家による4 つの新作と同様に: ローラ オルトマン, カイト, マイケル ビゲイ, 、 と 2022 ピューリッツァー 賞 受賞 レイヴン チャコン.

アメリカン・コンポーザーズ・オーケストラは今年、独自の演奏スケジュールを超えて、複数の世界クラスのアンサンブルと連携し、新進気鋭の才能にチャンスを開いています。現在進行中の国家の一環として イヤーショット と提携して組織された作曲家昇進イニシアチブ アメリカ 作曲家 フォーラム, ニューミュージック USA, 、 と の リーグ オブ アメリカン オーケストラ, 、ACOは今シーズン5 都市で作曲家の朗読会を開催:


10 月 3 日と 10 月 4 日、ACO は朗読会を主催します シンシナティ交響楽団, 、新進の作曲家や作品を以下のようにフィーチャーしている: Leyou Wang (天遷からの感想) 、 マルティン ヘーベル (ラディアント ピラーズ) 、 ジュゼッペ ガッロ=バルマ (ロス ウエソス デ ヤヤエル, 、 および ジョセフ ソーワ (夏には万の星があります) を。4 人の作曲家はピューリッツァー賞受賞作曲家で ACO 理事の指導を受ける メリンダ ワグナー; ACO芸術監督 カーティス スチュワート;多作ですテクス キム; CSO音楽監督 ルイ ラングレ 美学や構成上の問題に関するフィードバックセッションやディスカッション。作曲家には、CSOの音楽家、副指揮者、セクションの校長らとプライベートセッションで交流する機会も与えられる。CSO副指揮者率いるシンシナティ交響楽団 サミュエル リー そして ダニエル ワイリー, 、での公開コンサートで新作を演奏する シンシナティ ミュージック ホール オハイ




デビッド ゲフィン ホール 通行人を出迎えてくれました ニーナ シャネル アブニー’s インストール “San Juan Heal”。 カラーブロックされた大胆なイラストは、道を空けるために取り壊された黒人とプエルトリコ人が大多数を占める地区に敬意を表しています リンカーン センター 20 世紀半ばには。

“San Juan Heal” は、このパフォーミング アーツ キャンパスの原罪を認める方法でした。とき に と発表された, ヘンリー ティムズ, 、センターの社長と最高経営責任者は、言った、 “私たちは、さまざまな声、さまざまな聴衆、より多くの人々がリンカーンセンター。” で自分自身を見ることについて考えることについて非常に意図的でした





しかし、月日が経つにつれて、私は疑問に思い始めました。建物の中よりも建物に有色人種の方が多いのでしょうか？インストールが過去へのうなずきであり、未来への希望であるならば、リンカーンセンターはそこに到達するために何をしています


モーストリー モーツァルト フェスティバル オーケストラ, リンカーンセンターの「サマー・フォー・ザ・シティ」プログラムの一環としてゲフィン・ホールに2週間半滞在してきた同センターには、その面で多くのアイデアがある。コンサートが非常に少ないため、聴衆の関心を集める時間はほとんどありませんが、概念的に機敏になる余地も広がっています。

7月末近く、アンサンブルのコンサートが始まりました イラク系アメリカ人の作曲家による初演 アミール エルサファー, 、 をフィーチャー トゥー リバーズ ensemble、そして が主導するプログラムを継続しました トマス ウィルキンス, ジェマ ニュー し ジョナサン ヘイワード 出は

[131 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:17:07.55 ID:AlLR48G+]

ドイツピアノアワードの時は周りが自滅して棚ぼた優勝かなとか思ってたけど違うね
この人の演奏は人を惹きつける不思議な力がある

[132 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:18:10.27]

このオーケストラの名前にもかかわらず、モーツァルトは最近の 3 つのプログラムに 1 回だけ出演しました。そのとき、ニューは、同時期に書いたオペラの傑作の紛れもない断片と織り交ぜられた、彼の成熟したスタイルの素晴らしい例である “プラハ” 交響曲を指揮しました。Le Nozze di Figaro“および ” Don Giovanni。“

ニューは色とボリュームの優れたコアを育成し、そこからグラデーションで変化しましたが、必ずしもアンダンテの内省やプレストのドラマを掘り起こしたわけではありませんでした。彼女はメンデルスゾーンのピアノ協奏曲第1番も指揮しました サラ ギブソン’s “warp & weft,” いわゆる女性の作品を工芸から美術に昇華させるために戦った1970年代のフェミニストアート運動への、神秘的で寛大な、時には渋い賛辞

指揮者 ジェマ ニュー を率いました ほとんど モーツァルト フェスティバル オーケストラ “Prague” Symphony では、約 80% 純粋な魔法と、時折羽ばたかなければならないサーマルの上で舞い上がる鳥のような、優れた堅実な音楽作りが特徴です。

番組は、のニューヨークプレミアで始まりました サラ ギブソン’s ワープ&よこ糸. 。タイトルは、通常、ハイアートの文脈では見られない女性の芸術として、織りの芸術を指します。ギブソンはこの作品を紹介し、繰り返されるコード進行は縦糸を表し、進行中のメロディーは横糸を表していると述べた。これは役に立たなかったです。まず、平行なトライアドで構成されるコード進行は、おそらく重要でない限り、散発的にのみメロディックである、その間に来るほとんどのものよりもアクセスしやすいメロディックな側面を持っています クラングファルベンメロディー。作品の中央に向かって、それさえも蒸発しているように見え、率直に言って蛇行し始め、最終的には糸を取り戻し（申し訳ありませんが）、奇妙な底なしのクライマックスに向けて構築され始めます。

ワープ&よこ糸 ただし、音響的にもオーケストラ的にも独創的であり、構造的に曖昧であるにもかかわらず、興味深いリスニング体験を実現しています。New は、落ち着いたピアノの弦のヌードリング、金管からの攻撃的なクワック、シューシューというシンバル、そして反抗的に繰り返される弦の刺し傷を強調し、全体を通して鋭い明瞭なテクスチャーを実現しました。

スチュワート グッドイヤー メンデルスゾーンのソリストとしてすべてのベースをカバーしました ピアノ協奏曲第1 番 ト短調, 、雷鳴のようなオクターブと精密なフィリグリーから絶妙な叙情的な演奏まで。彼とニューのテンポは妙技的に速かったが、恐ろしくそうではなかった。この協奏曲は、崖に沿った疾走ではなく、快適な技術の展示として印象づけられた。私はソリストとオーケストラの間の調整にいくつかの困難を感じました。そしてニューは、第2楽章のメインチューンのステートメントで低弦からそのような甘美な音色を説得し、グッドイヤーから焦点を盗みました。しかし、ピアニストと指揮者はダブルバーへのクルーズの前に緊張感を高めるためにうまく協力しました。グッドイヤーのアンコール、彼自身のアンコール パノラマ, 、ト リニ ドゥンヅル人 と の ミールヅルノニニイハニッ リリィ シ ネソニ ウソンウタコノシ 品ハ、 ヅルナリ ヂヅルヅル イ ヂヅル 出シァンリ ト ガ ア ヲ ショウイアンタトゥン




ゆっくりとした導入部の冒頭の音で、ニューはモーツァルトの “プラハ” 交響曲をユニークに生き生きと読むことになると発表しました。ノートはジェスチャーになり、ジェスチャーはドラマになり、音楽は呼吸し、曲がりました。とき the アレグロ まず、弦楽器の演奏には角が裂けるような力があり、その熱狂的な盛り上がりは、純粋な喜びを求めて走る強力な動物のイメージを呼び起こしました。しかし、 アンダンテ まさにその啓示でした。古典的な交響曲のゆっくりとした楽章は、フィナーレに到達するために座らなければならないだけで、しばしば歓迎されすぎますが、ニューはこの交響曲を魅力的な冒険にしました。どういうわけか、彼女とオーケストラは、地に足の着いた身体性と浮遊性を同時に与えました。どのフレーズの意図も非常に明確で、悲痛なほど効果的でした。

しかし、私が新しい行為を聴くのはこれが初めてで、私はファンです（a “Newbie”, perhaps？)。すぐに、そして頻繁にニューヨークで彼女の話を再び聞くことができる

[133 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:19:27.46]

SANTA CRUZ — 毎年夏には、オーケストラ奏者や音楽愛好家が集まります カブリロ現代音楽フェスティバル 2 週間 ’ 相当の新規および最近のサービスが最高レベルでプレイされました。

しかし、8月4-5日の金曜と土曜のフェスティバル開幕週末の最初の2回のコンサートから浮かび上がったテーマが1つある サンタクルーズ シビック オーディトリアム, 、パフォーマンス自体がしばしば — であるように強力なのは、Cabrillo を特別なものにする最も目に見える要素にすぎないということでした。

8月13日の日曜日まで続くフェスティバルの期間中、新しい音楽だけでなく、ミュージシャンと聴衆を同様に包み込む友情と共通の冒険心にも捧げられた小宇宙全体が進行中に湧き出ます。私が何年もそうしてきたように、さらに北から稲妻のような訪問をするリスナーでさえ、フェスティバルの歓迎的な温かさがホールの枠を超えてどのように溢れ出ているかを感じることができます。


ニュージャージーを拠点とする作曲家 サラ カークランド スナイダー, 、金曜日の夜のコンサートのオープニングは、彼女の優しく熱狂的な音詩 “ に先立ってコメントを添えて行われます光の中へ進みます,” は、芸術的事業のためのこのような天国を見つけることに初めて訪問し、不意を突かれたようです。土曜日は首席クラリネット奏者 バーラト チャンドラ, 、 で遊ぶ人 サラソータ管弦楽団 イン フロリダ州 そして 北欧 交響楽団 イン タリン, エストニア, 、それに関係するすべての人が同様の感情を持っていたことを認める前に、フェスティバルについての彼の専有感情を感動的に語った。

過去 30 年以上にわたり、その精神の多くは、によって育まれてきました エレン プリマック, 、 フー 降りる 今年のフェスティバルの終わりにエグゼクティブディレクターとして。どちらのコンサートにも、プリマックの音楽への取り組み、物事を成し遂げる機知、そしてサンタクルーズコミュニティとの深く根付いたつながりに対する感謝の言葉が散りばめられていた。




来週末のコンサートには、英国の作曲家から彼女に敬意を表して委嘱された作品が含まれる予定だ アンナ クライン, 、およびフェスティバルの共同創設者による2 つの作品 ロバート ヒューズ, 、 フー 昨年死去 — は、この文化的ランドマークの長く多様な歴史を見事に祝うものです。

しかし、まずは、Music Director クリスティアン マセラール 親しみやすくやりがいのある音楽が満載の 2 つのプログラムでオーケストラを率いました。このオーケストラは、毎年集まる全国の音楽家の集合体であり、常設アンサンブルのありそうもない全会一致と力で演奏し、マセラルのプログラミングは曲間に狡猾なつながりを見つけました。

これらのつながりの一部は、当然のことながら、かなり明白でした。アメリカの作曲家による 2 つの大きな打楽器協奏曲 ジェニファー ヒグドン そして タン ドゥン, 、時には口先だけれどもエキサイティングな運動性の爆発的なディスプレイで2 つの夜をアンカーしました。

Higdon's “デュオデュエル,” パーカッショニストをフィーチャーしたフェスティバルの共同委員会 スヴェト ストヤノフ, 、 の 創立 メンバー パーカッション コレクティブ, 、 および マシュー ストラウス の ヒューストン シンフォニー, 、タップ伝説の後期バージョンのように、マリンバとビブラフォンのキーボードを上下に2 人のソリストが互いに競い合っているのを見つけました ニコラス ブラザーズ. 。イン タン ドゥン’s concerto “自然の涙,” the Chinese virtuoso Beibei Wang より伝統的な装置に加えて、岩やステージの床を含む打楽器の武器庫で保管されました。

しかし、さまざまな作曲家が並行する思考の流れに近づいているように見える他の方法もありました。2 人の韓国系アメリカ人の作曲家、 ボラ ユン そして ピーター シン, 、彼らの文化遺産 — 軍事行進と K-POP からの音楽的遺物をユンの “ の場合に調査しました二朝鮮の風,” と Shin の無愛想で魅力的な “ の場合の童謡再発.

[134 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:21:38.14]

カルロス シモン’s 4 楽章 “Tales — A Folklore Symphony” は、彼が育ったアフリカ系アメリカ人の教会の音楽と物語の比喩を参考にしました。これらには、奴隷制になるまでアフリカ人は — を飛ぶ能力を持っていたという神話が含まれており、この物語は手袋の羽ばたきの音と精神的な “ によって魔法のように呼び起こされました奪い取る, ” と “ の真鍮のような神託的な再想像Go Down モーゼス. 。”

そこから、“ のおとぎ話のような絵画主義への短いステップでした水は火を歌う,” アメリカの作曲家による素晴らしく暗く、感動的な作品 アンドレア ラインケマイヤー. 。この作品はイスラエル系アメリカ人の作家による短編小説に基づいています Leigh Bardugo それは海の魔女ウラの起源の物語を提案します ハンス クリスチャン アンデルセン’s tale “リトル マーメイド”（ディズニー愛好家には Ursula として知られています）。ここで、ラインケマイヤーの著作は、オーケストラの低音楽器に重点を置き、リスナーを水の深みに突き落とします。


少なくとも一部のコンサート来場者にとって、ベートーベンの音楽は私たちの子供時代の物語と同じくらい中心的です セバスチャン カリアー’s “トラック 8” — 作曲家の交響曲第 8 番 — に関する機知に富んだ独創的な光沢は、その親しみやすさを利用しています。ベートーヴェンと双子の 4 つの楽章にわたって、カリアーはよく知られた系統と現代的な感性を融合させ、両方の静脈に完全な遊びを与える音楽のハイブリッドを生み出します。



マセラルは、指揮するすべての作品への芸術的投資についていくつかの発言をしましたが、パフォーマンスは彼以上に雄弁に語りました。それぞれの作品は、明晰さ、厳密さ、繊細さを組み合わせて輝きを放ち、その結果はカブリロに独特の個性を与える内なる輝きに満ちているように見えました
細部がちょっと雑である。
私もそう感じました（特に第２楽章）。委嘱作品を経て、最後の作品はラヴェルの「クープラ」です。
Nさんのお墓。それは精度や正確さの欠如、あるいは音の洗練性の欠如だったのかもしれません。
シャープネスも少し欠けています。最後のトッカータでは、明らかに体調が悪く、少し痛みがあるようでした。
彼も同じような気持ちだったのかもしれない（最後にお辞儀をした時の表情から判断すると）。
この歌は恥ずかしい






初めて聴きました。第一楽章はオクターブ、第二楽章は16音符です。
速い動きが特徴的な曲という印象です。演奏は迫力がありました（特に1曲目）。
（楽章のオクターブ）悪くないと思いました。
次は4つの小品、作品番号4です。 119. ブラームスの後期のピアノ曲はあまり人気がありません。
聞いていないので確かなことは言えないが、音色にはあまり変化がない。
演奏は、あまり「聴いていて面白い」ものではないと感じました。それにもかかわらず、それは技術的なハイライトでした。
それを備えた4番はかなり良かったです。
最後の曲はプロコフィエフの「皮肉」作品17でした。それは良いです。打撃はきれいで正確です。
なれ。プロコフィエフにぴったり合う音です。彼はほとんどエラーなくプレーした。
それはシャンであることが判明しました。
全体的には悪くない。プロコフィエフらは私たちに未来への希望を与えてくれます。

全然やらなかったので少し違和感がありましたが、それがルールなのでしょう。
うがい。演奏は速いテンポで進みました（私はグールドの奇妙な演奏に慣れ始めていましたが）。
（私がそう感じただけかもしれませんが）彼らは活発です。第二楽章も同様です。
テンポが速く、繰り返しもないので、あっという間に終わってしまう感じです。この運動の始まり
最初の部分（両手がアルペジオで上がる部分）ではペダルをたくさん使います。
私はもっ​​と奇妙なものが好きです（バレンボイムのように）。
彼のは軽いです。第４楽章は猛スピードです。こんなに早くプレイしたのは初めてです。
初めて聴きました。ミスもなかったし、結果はかなり良かったと思います。ベートーヴ
ソナタ、特に初期と中期のソナタを演奏すると本当に感動します。
彼女のようにミスが少ない人には向いていると思います。
いくつかの委嘱作品の後、プログラムは24の前奏曲、作品10で終わります。ショパン作曲の14番。 28. テンポが速い
この曲の明瞭さは信じられないほどです。しかし、スローな曲で感情を表現する方法は従来通りであり、
「私は手で演奏しますが、伝えるものは何もないのです。」という言葉を思い出しました。

[135 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:22:28.81]

指動きは良かったが、彼の音楽性に疑問を抱いていた。
なれ。最初の曲はベートーヴェンの「熱情」ソナタ、作品10です。 57. ベーゼンドルファー
このホルンの重厚で時代楽器らしい音色はベートーベンによく合います。
第一楽章のトリルは質が足りないようです。もう少し礼儀正しくして欲しい。
原子炉。第2楽章の音はあまり明瞭ではありません。第3楽章では、ベース部のハーモニーを伴うコーダが特徴です。
両方の音を強く鳴らしたときの音は豊かです。全体的な影響は良好です。
しかし、あまり完成度が高くない気がします。音の出し方が雑（控えめに言っても、ぎくしゃくしている）
品質が悪いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲 第1巻 作品13」です。 14. 35-I.それは
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブを含むコードの響きが迫力あります。
（この歌は彼のために歌われました）。最後の第14変奏とコーダにいくつか注目すべき誤りがありました。
お気の毒に。
次はバラード第1番、作品10です。 1 ショパン作曲。 23. あまり良くないです。技術だけ
目立ちすぎて曲のインパクトが薄れたように感じました。間違いもかなりあります。 （
ちなみに、最初の2曲が終わった後には拍手がありました（コンテストではよくあることですが、
(拍手は禁止)、ただしこの曲の後はダメです。 ）
最後は一柳澄さんの委嘱作品「ピアノのための心象風景」でした。簡単に言えば
よく分からない曲です（もちろん今日初めて聞きました）。アバンギャルド（すでに前衛）
形がなく、技術的な強みも欠けていたのに、審査員の基準は何だったのでしょうか?
彼らはそれを評価すると思います。スコアでプレイするかどうかはチェックしません。
（審査員はそれを聞いてスコアを見ます。）それでは、私の感想を述べさせていただきます。
しかし、ベーゼンドルファーの高音はあまり美しくなく、現代音楽には適していません。
私にはこの仕事は向いていないと感じました。パフォーマンスについては、どう考えたらいいのかよく分かりません。
全体的な印象は1回目と同じです。

私はこの曲はあまり得意ではない（ポロ
最高峰と考えられているにもかかわらず、パフォーマンスは劣っているように見えました。技術的な明確さ
それほど素晴らしいものでもありません。
最後の曲はロ短調幻想曲、作品10です。 28. かなり良かったと思います。
（スクリャービンについてはあまりよく知りません。）
全体的には、まだ少し「良くない」です。

技術不足のように見えたが、第2ラウンドではうまく勝ち上がった。
しかし、その疑問を払拭することはできませんでした。技術的には少し心配です。もう少し安定
その感覚を味わいたい。第一楽章の強みは、右手の速いスタッカート和音にあります。
上昇傾向はむしろ安定していたが…（ここはプロでも曖昧になることがある）
（何よりも）。自分を表現したいという欲求もあります。
リズムも与えられます。強いて言えばマイナーになる部分の左側の部分ですね。
私はオクターブをもっと激しく演奏することを好む（ワイセンベルク、
qのように)。
全体的には悪くないようです。ただし、あまりお勧めはしません。




原子炉。 2番目の部分の音声はあまり明瞭ではありません。 3 番目の部分は、ベース セクションのハーモニーによるコーダです。
両方の音を大きく演奏すると、音が豊かになります。全体的な印象は良いです。
しかし、あまり完成していないようです。音は荒々しい（控えめに言っても唐突）
品質が低いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲」第1巻、作品13. 14. 35-Iです。これ
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブも含めたコードの響きが力強いです。
（この歌は彼のために演奏されました）。最終バージョン 14 とコードには、いくつかの顕著なバグrいがありました。
ピーター シン, 、彼らの文化遺産 — 軍事行進と K-POP からの音楽的遺物をユンの “ の場合に調査しました二朝鮮の風,” と Shin の無愛想で魅力的な “ の場合の童謡再発.

[136 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:22:44.64 ID:CmrzndTz]

フランクすごく良かったー！！

[137 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:24:46.40 ID:L6knBIlZ]

ポーランド軍団の黒人将軍、ヴワディスワフ・フランチシェク・ヤブロノフスキの知られざる物語を描く。ヤブロノフスキは職業軍人で、ナポレオンからハイチへ赴き、元奴隷の反乱を鎮圧する任務を負った。

アカデミー賞ノミネートの『針を持つ少女』などを手掛けるLava Filmsが制作するこの映画は、ウカス・ロンドゥダが監督を務め、彼の代表作を凌駕することになりそうだ。

ポーランドの聡明で芸術的な才能を持つとされるロンドゥダの過去の作品には、2021年グディニャ映画祭で最優秀作品賞を受賞したドラマ『All Our Fears』

などがある。 詳細は公表されていないが、Lava Filmsは『Two Souls』は「ポーランドのロマンチックな超自然信仰とハイチのブードゥー教の伝統が融合した、アイデンティティ、信仰、自由を求める物語」になると述べている。



ヴワディスワフ・フランチシェク・ヤブロノフスキは1769年10月25日、ダンツィヒ（現グダニスク）で、イギリス貴族のマリア・デアリレイルの娘として生まれた。彼女のポーランド人の夫コンスタンティ・A・ヤブロノフスキは軍の高官で、後に王立造幣局の監察官となった人物だが、明らかに父親ではなかった。

夫婦ともに白人で子供が黒人だったため、この誕生はたちまち人々を驚かせた。

デアリレイルは空想的な想像力を発揮し、タバコ店の外に立っていたパイプを吸うアフリカ人男性の蝋人形によって妊娠したと主張して巧みに質問をかわした。

しかし、この説明は多くの人を騙すことはできず、彼女の子供の父親は略奪的なマネキンではなく黒人執事だったと一般に理解されている。

気まずい状況だったかもしれないが、夫妻は動じなかった。コンスタンティ・A・ヤブロノフスキは、かつて軽率な情事を繰り返していた上に、後継者となる男児を切望していた。こうした事情から、彼はその子を我が子として迎え入れた。

ヴワディスワフ・フランチシェク・ヤブロノフスキは「ムルジネク」というあだ名で呼ばれていた。これは「黒人」または「黒人少年」と大まかに訳される言葉である。今では蔑称とみなされるが、当時は冗談めいた、あるいは愛情のこもった愛称として使われていたかもしれない。

問題は彼が成長してから始まった。父は息子が自分の後を継ぐことを決意し、14歳のヴワディスワフはパリのエリート士官学校、エコール・ミリテールに入学した。


そこで彼は同級生から定期的に嫌がらせを受け、ナポレオンもその一人だったと伝えられている。おそらくは作り話かもしれないが、ヤブロノフスキはかつて若きナポレオンに言い返したとされ、「白人で黒い心を持つより、黒人で白い心を持つ方が良い」と言ったという。

時が経てば分かるように、二人のやり取りはこれが最後ではなかった。

卒業後、ヤブロノフスキはフランスのドイツ語圏の王立アルマン騎兵連隊に中尉として入隊した。1789年にフランス革命が勃発すると、彼は反王党派の反乱軍に加わり、正確な役割は記録されていないものの、数万人が処刑された長期にわたる流血の時代である恐怖政治を生き延びた。

1794年、彼はポーランドに戻り、今度はロシアとプロイセンの影響を排除しようとする軍事作戦であるコシチュシュコ蜂起を支援した。


ヤブロノフスキはシュチェコチニ、マチェヨヴィツェ、ワルシャワ、プラガの戦いで勇敢に戦い、「優れた戦術家であり、有能な組織者」としての名声を築きました。しかし、圧倒的な不利な状況下でポーランドは壊滅し、第三次分割の結果、地図から消滅しました。

ヤブロノフスキは逮捕を免れ、他の亡命愛国者たちと共に分割勢力の打倒を計画しました。この理想主義的な計画が成功する可能性は低く、個人資産が減少する中、ヤブロノフスキは1798年にフランスへの帰国を余儀なくされました。

そこで彼は、ヤン・ヘンリク・ドンブロフスキ将軍率いるポーランド軍団に加わりました。この軍団は、フランス軍に従軍する2万から3万人のポーランド人兵士の集団でした。

報告書によれば、この時期の彼の功績は「非常に際立った」ものであったが、幼少期の宿敵でありフランスの指導者となったナポレオンによって、本格的な昇進は何度も阻まれた。



結局のところ、音楽作品に取り組むとき、ピアニストは、特定の目標や目的に関連して、特定のシフトが意識的に実行されるときに、音楽作品の行為（音符ありと音符なし）をゆっくりと解きほぐすタイプを含むさまざまな方法を使用します。
個々の断片に取り組むことで、音楽作品の「文法」規範を拡大、増加、減速、加速で表現できるようになり、新たな情報内容と表現力の幅が広がります。

[138 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:26:12.84]

原子炉。 2番目の部分の音声はあまり明瞭ではありません。 3 番目の部分は、ベース セクションのハーモニーによるコーダです。
両方の音を大きく演奏すると、音が豊かになります。全体的な印象は良いです。
しかし、あまり完成していないようです。音は荒々しい（控えめに言っても唐突）
品質が低いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲」第1巻、作品13. 14. 35-Iです。これ
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブも含めたコードの響きが力強いです。
（この歌は彼のために演奏されました）。最終バージョン 14 とコードには、いくつかの顕著なバグrいがありました。


このホールの音響と内装の両方に非常に満足していました。ちなみに、当時は単に「ミュージックホール」と呼ばれていました。開館からわずか8年後にカーネギーホールとなりました。

しかし、もう一人のロシアの巨匠、セルゲイ・ヴァシリエヴィチ・ラフマニノフは、カーネギーホールの歴史にさらに大きな貢献をしました。
彼は指揮者、ピアニスト、そして多くの室内アンサンブルのメンバーとして、さまざまな編成でカーネギーホールで 92 回演奏しました。

したがってがコンサートの第 2 部全体をラフマニノフの音楽に捧げたのは正しい判断だったと言えます。
特に今年はラフマニノフ生誕150周年の記念すべき年です。エフゲニーがこのラフマニノフのプログラムをアメリカやヨーロッパの多くの都市で演奏することは明らかです。
そしてすでに多くの国で演奏されています。




しかし、カーネギーホールでは特別な音が響きます。

私は目を閉じて、たった100年前（これは歴史上非常に短い期間ですが）に偉大な作曲家自身がまさに
この場所でピアノの前に座っていたことを想像しました。そして、おそらく長年にわたり多くの改修工事が行われ、椅子、聖歌隊席、床、ピアノが交換され、
新しい楽屋が建設され、新しい機材、マイク、ビデオカメラ、エアコンが設置されたとしても、それは問題ではありません。

しかし、場所はそのままです。
いいですか、私は生涯ずっと音楽を勉強してきましたし、私の周りには常に数人の天才たちがいました。しかし、どういうわけか彼らは皆、
落ちぶれて、中退し、まったく普通の演奏家や教師になったり、音楽を完全に諦めたりしました...私はこれらの神童を信じていません！

- しかし、これは別のケースです。おいで、と友人は言った。

そして私は来ました。

そして、私はそれを後悔しませんでした。

このコンサートで、私は突然、本当の奇跡を目にしました。まるで開拓者のネクタイを締めているような若い少年が、完全に大人の、円熟したピアニストのように演奏したのです。
プログラムは複雑で、バッハ、モーツァルト、ショパン、プロコフィエフだったと思います。すべては覚えていませんが、素晴らしいヒョードル響きでした...
コンサートの後、私は舞台裏に行き、アンナ・パブロヴナ・カントル、彼の先生、ジェーニャの家族に会い、彼ら全員に敬意を表しました。

そして、ここでは「genius loci」という言葉がまさに適切です。
こればかりは、審査員の好みもあります。仕方ありません。そもそも、コンクールなんてもののせいで、最近は出てくる人出てくる人皆似たような演奏でおもしろくもなんともありません。
審査する側にいても、「この人の演奏好きだな」と思って良い点をつけたのに、
顔芸演奏の時代は終わりなのよ次のラウンドで蓋を開けてみたら「あれっ、あの人どこ行った？ また聴けると思って楽しみにしてたのに・・・

[139 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:26:57.03]

ワンダ・トスカニーニ（1907年 - 1998年）、指揮者アルトゥーロ・トスカニーニの娘。
娘のソニア1934年 - 1975年）は自殺しないことを決意した。
ヤコフ兄弟（1895-1915）[27]は1915年秋に前線で亡くなりました。もう一人の兄弟、グリゴリー（ジョルジュ、1901-1946）[28]は反革命活動の罪で3年の刑を宣告されました。 1945 年、P.I. ヴロヴァヤ音楽学校のヴァイオリニストが、 1945年。グリゴリー・ホロヴィッツは、1923年にL.ヴィレンスキーとともにキエフ国立フィルハーモニー管弦楽団を設立したメンバーの一人でした。
音楽院と才能ある子供たちのための音楽学校に通うシスター・レジーナ（経済学者エフセイ・リーバーマンの妻、ゲンヤ）。
音楽家の父、サミュエル・イオアチモビッチ・ホロヴィッツ（1871-1940）は、キエフの聖ウラジーミル大学の物理学と数学部、およびリエージュの電気技術大学（1896）に勤務し、
1912年から1926年までキエフ電力会社に勤務し、1926年には人民食品工業委員会（モスクワ）の砂糖工場設計のための国立機関「ギプロサカール」に勤務した。
1918年にデニーキンの防諜によって殺害され、1920年、1921年、1937年にも殺害され、1940年に死亡。

ワンダ・トスカニーニ（1907年 - 1998年）、指揮者アルトゥーロ・トスカニーニの娘。
娘のソニア1934年 - 1975年）は自殺しないことを決意した。
ヤコフ兄弟（1895-1915）[27]は1915年秋に前線で亡くなりました。もう一人の兄弟、グリゴリー（ジョルジュ、1901-1946）[28]は反革命活動の罪で3年の刑を宣告されました。 1945 年、
P.I. ヴロヴァヤ音楽学校のヴァイオリニストが、 1945年。グリゴリー・ホロヴィッツは、1923年にL.ヴィレンスキーとともにキエフ国立フィルハーモニー管弦楽団を設立したメンバーの一人でした。
音楽院と才能ある子供たちのための音楽学校に通うシスター・レジーナ（経済学者エフセイ・リーバーマンの妻、ゲンヤ）。
音楽家の父、サミュエル・イオアチモビ（1871-1940）は、キエフの聖ウラジーミル大学の物理学と数学部、およびリエージュの電気技術大学（1896）に勤務し、
1912年から1926年までキエフ電力会社に勤務し、
1926年には人民食品工業委員会（モスクワ）の砂糖工場設計のための国立機関「ギプロサカール」に勤務した。
1918年にデニーキンの防諜によって殺害され、1920年、1921年、1937年にも殺害され、1940年に死亡。
スカルラッティ、ハイドンのソナタ、ショパン、ブラームスの作品を驚くほど素晴らしく演奏します。多くの人は反対するだろうが、私は彼のモーツァルトが本当に好きです。

彼は、私の意見では、20世紀で最もカリスマ性と魅力にあふれたピアニストです。

ちなみに、この素​​晴らしいピアニストはキエフ生まれです。彼は17歳ですでに音楽院を卒業していた。

彼は25歳からアメリカに住んでいました。ウッツとソビエト政府との関係は、控えめに言っても、うまくいっていなかった。

彼は（25歳から）ずっとアメリカで暮らしました！そして、高齢（83歳！）にもかかわらず、彼はロシアで数回コンサートを開催し、大きなセンセーションを巻き起こしました。

モスクワでの有名なコンサートは でご覧いただけます。 83歳のは、多くの若い名ピアニストよりも指の動きが速い。
音については何が言えるでしょうか?目撃者によると、そのピアノの音は他の誰のピアノとも似ていなかったという。

彼は（25歳から）ずっとアメリカで暮らしました！そして、高齢（83歳！）にもかかわらず、彼はロシアで数回コンサートを開催し、大きなセンセーションを巻き起こしました。

モスクワでの有名なコンサートは でご覧いただけます。 83歳のは、多くの若い名ピアニストよりも指の動きが速い。
音については何が言えるでしょうか?目撃者によると、そのピアノの音は他の誰のピアノとも似ていなかったという。

[140 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:28:14.76]

目標を達成するためにあらゆる種類のピアノ技術を活用した。彼は、指の動きには、自分の方へ向かう方向、自分から離れる方向、右へ向かう方向、左へ向かう方向の 4 つの方向があると信じていました。

しかし、ノイハウスは「自分に向かって」指を動かすことだけを認めた。

それにもかかわらず、ノイハウスはこの技術的な焦点を「許した」。結局のところ、
ハインリヒ・グスタヴォヴィッチ・ノイハウス自身が、才能が大きければ大きいほど、技術も優れているはずだと書いて言っています。

しかし、フマリには才能に不足はなかった。

これを確認するには、彼の録音のいずれかをオンにするだけです。この解釈に対して議論したり、強く反対したりする人もいるでしょう。
しかし、彼が並外れた音楽的才能に恵まれた人物であったという事実は、彼の演奏をほんの数秒聴いただけで明らかになります。


ちなみに、ゲンリフとはデュエットでコンサートを開き、それはその後何年もの間、同世代の人々に喜びとともに思い出されました。ノイハウスのピアノへの愛情について感嘆しながら語りました。

結局のところ、にはピアノを見るとすぐに楽器に飛びつき、さまざまな曲の最も印象的な瞬間を演奏し始めたのです。

ノイハウスは、常に特定の方法で、聴衆だけを念頭に置いて構成されたコンサートプログラムに対するのアプローチを共有していなかった。

長い曲をあまり演奏しないようにした。そして、明るく華やかなアンコールにさらに重点を置きました。

しかし、それにもかかわらず、ノイハウスは演奏家としてのについて非常に敬意を持って語った。
子供の頃、には音楽以外のことにはほとんど興味がなかった。

彼はレッスンに「出席」しているときはいつも、特定の音楽の断片を独りで歌っていました。クラスメイトたちは彼を愛情を込めて「クレイジーピアニスト」と呼んだ。

彼は常に非常に感情的で、断定的なパフォーマンスで際立っていました。同時に、彼は自分の感情をすべて音に込めました。ピアノを弾いているときの彼の顔には「芝居がかった表情」はなかった。彼自身が老年になってこう言った。ちなみに、現代のピアニストとは違って…

彼はコンサートに素晴らしいピアノを持って行きました。このピアノはキーアクション（ダブルリピート）がとても軽いと言われています。
グッドイヤーから焦点を盗みました。しかし、ピアニストと指揮者はダブルバーへのクルーズの前に緊張感を高めるためにうまく協力しました。グッドイヤーのアンコール、彼自身のアンコール パノラマ, 、ト リニ ドゥンヅル人 と の ミールヅルノニニイハニッ リリィ シ ネソニ ウソンウタコノシ 品ハ、 ヅルナリ ヂヅルヅル イ ヂヅル 出シァンリ ト ガ ア ヲ ショウイアンタトゥン


ゆっくりとした導入部の冒頭の音で、ニューはモーツァルトの “プラハ” 交響曲をユニークに生き生きと読むことになると発表しました。ノートはジェスチャーになり、ジェスチャーはドラマになり、音楽は呼吸し、曲がりました。とき the アレグロ まず、弦楽器の演奏には角が裂けるような力があり、その熱狂的な盛り上がりは、純粋な喜びを求めて走る強力な動物のイメージを呼び起こしました。しかし、 アンダンテ まさにその啓示でした。古典的な交響曲のゆっくりとした楽章は、フィナーレに到達するために座らなければならないだけで、しばしば歓迎されすぎますが、ニューはこの交響曲を魅力的な冒険にしました。どういうわけか、彼女とオーケストラは、地に足の着いた身体性と浮遊性を同時に与えました。どのフレーズの意図も非常に明確で、悲痛なほど効果的でした。

[141 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:29:16.67]

音楽、作曲家と作曲、演奏家と演奏、そして彼自身について、また聴衆と批評家について、そして世界の構造と彼自身、
ツのこの世界における位置について、彼の鮮やかで独創的な考えを思い出してみませんか。

1年4月、ペレストロイカ時代のモスクワの大ホールで満員となったの歴史的なコンサートを思い出してみよう。
「すべてのピアニストに共通することが一つあります。それは不確実性です。」
「もちろん、もし私が優れたピアニストじゃなかったら、作曲を始めていたと思う。でも、この忌々しい革命が来たら、誰もが自分にできることをやるだろう。」

モーツァルトは最高のピアノ作曲家の一人です。彼の演奏はすべてピアニスティックです。
すべてが澄み切っていて美しい。そして、他の多くの作曲家と同様に、最後の楽章は決して弱々しくありません。
アルトゥール・ルービンシュタインは晩年、モーツァルトの協奏曲を数多く演奏しました。
彼は私にこう言いました。「今になって初めて、
この曲を弾けるようになったんだ」彼は私のような年寄りのために曲を書いたのです。
「私の意見では、モーツァルトをとても上手に演奏できる人、
真のモーツァルティストは誰か知っていますか？それはスイス出身のピアニスト、
エドウィン・フィッシャーです。」 （以下はデイヴィッド・デュバル



静かに演奏する。結核のせいで体重が90ポンドもあったが、音楽の世界では獅子のような存在だった。
ショパンの音楽は甘ったるく痛ましいものではなく、勇敢なものである。
彼はマザコンじゃない。ショパンの最近のロンドンの写真をご存知ですか
それは、死にゆく、家もなく、一文もない、この世でもっとも悲しい男を描いている。
彼はダンディではない。この写真には、非常に強い力を持った男が写っています。」

モーツァルト、ショパン、シューマン、バッハ、ハイドンは、
現代の私たちと同じ血、静脈、脈、心臓、脳を持っていました。環境は変化したかもしれませんが、人間の本質は変わりません。鳥のさえずりを聞いた瞬間から、人々は音楽を愛していました。何も変わりません。
なぜ現代人は、音楽で自分の感情を表現することをこれほど恐れるのでしょうか？
モーツァルトは私たちと同じくらい罪深い人でした。彼は酒の飲み過ぎで亡くなりましたが、
音楽の中では最高の境地に達しました。まるで鳥のように歌いました。偉大な作曲家たちは人間でした。そして私は彼らを人間として愛しています。



れが私たちを導きます マエストロ フィッシャー。彼はブダペストでのアプローチを、私たちが私たちの街の人々に奉仕しているという信念に集中させています“とベネデッティ氏は言います。

“絶対に必要な要素は、可能な限り最高レベルの音楽性です。なぜなら、それ自体には常に独自の力があるからです。しかし、最初から彼の使命は、人々を共有体験、共有リスニング、グループとして一緒に何かを体験させることでした。”

フィッシャーの論理は、ベネデッティが言うように、聴衆が本質的にオーケストラ“の一部となるように、コンサートホールの物理的空間を新しい方法で使用する必要があることを意味します。“私たちは彼らに座席を奪うように頼みました アッシャー ホール, 、Edinburgh。” にとって非常に新しいもの


このフェスティバルを主導した初のスコットランド人であり初の女性であるベネデッティ氏は、自分が行った法案に嘆かわしい変更が加えられたことを認識している。

毎年恒例のオープニングイベントに高価な花火が導入されました ファーガス リネハン, 、彼女の前任者は、40 年間のフェスティバルの備品であるクロージング花火コンサートとともに、捨てられています。驚くべきことに、ロックコンサートはありません

[142 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:34:03.01 ID:inM0UW1A]

アメリカで最も権威のある器楽コンクールの一つであるクリーブランド国際ピアノコンクールは、アンジェラ・ヒューイット、ジャン＝イヴ・ティボーデ、故ニコラ・アンジェリッチといったアーティストのキャリアを飛躍させたことを誇りとしています。しかし、輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、クリーブランドでは、
このコンクールが現状に甘んじているという意識は全くありません。50周年を迎えるにあたり、コンクールは主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

2024年大会には265名のピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた55名は、これまでとは全く異なるコンクールを経験することになります。 「私たちは、ピアニスト一人ひとりを一人の完成されたアーティストとして見たいのです」と、コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語る。コールバーグ氏は、バッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に選曲するという考えを捨て、出場者に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているかを表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり知られていない作曲家の作品を選び、審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受ける
。
「聴衆とどのように関わり、ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の芸術を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は語る。
後期ラウンドに進むピアニストは、アーティスト育成プログラムの恩恵を受けることになる。
これは、クラシックピアノの未来は個々のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるものだ。



開催されるコンクールの第1ラウンドは、もう一つ大きく異なる点があります。
それは、クリーブランドだけでなくパリでも開催されることです。1995年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォレス大学音楽院、
またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーで演奏しますこの2つの会場で行われることで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツとの繋がりを改めて示すことになります。

今夏、最終ラウンドのためにクリーブランドに招待される準々決勝進出者16名はクラシックピアノコンクールに求められる一般的な期待をはるかに超え、アーティストとして自らを表現することが求められます開会式でのポップミュージックデュオ演奏、
少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場やセッティングでの演奏が求められます。

これまでのラウンドと同様に、出場者は、あまり注目されていない、あるいはあまり知られていない
作曲家の作品を演奏し、その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められますコールバーグ氏は、出場者が審査員に「自分自身と、
ピアノの未来をどのように見ているか」を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一環です。

出場者は高額な賞金を期待できます。クリーブランド・コンクールの伝統の一つは、7万5000ドルのミクソン賞をはじめとする、50年にわたる高額賞金の評判です。しかし、キャリアを築くには
賞金以上のものが求められます。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、
カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでのリサイタル出演が保証され、さらに米国有数のアーティスト・マネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。

音楽プロセスの特殊性はピアニストの影響によって表現され、
ピアニストは音の関係の特性（旋律、メトロポリスリズムの構成、和声の充填、旋律、ダイナミックパターン、テンポの特徴、発展のダイナミックプロファイル、アゴギクス、ダイナミクス、アーティキュレーション、作曲の構造）を改善し、
イントネーションとテクスチャの発展のプロフォームに従って修正および一般化できるようにします。

[143 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:36:19.70 ID:iQu2fQ6w]

欧州で2番目に防衛費を支出している英国は、EUが提案している1500億ユーロの防衛基金に参加することになり、BAEシステムズやロールスロイスなどの英国の兵器企業が共同調達契約に入札する新たな機会が開かれる。

この協定は、ロンドンとブリュッセル間の長年の緊張を引き起こした2020年のブレグジット以来、英国とEUの安全保障および貿易関係における最も重要なリセットとなる。ロシアのウクライナ戦争が長期化し

、第二次世界大戦 以来果たしてきた大陸の主要な安全保障保証国としての立場を維持するというワシントンの公約に疑念が高まる中、欧州では不安が高まって いる時期にこの協定は成立した。 ドナルド・トランプ米大統領は、NATOの欧州加盟国に対し、軍事費を増額し、自国の防衛にもっと責任を持つよう繰り返し圧力をかけてきた。 日曜遅くに最終決定された英国とEUの協定は、月曜、ロンドンで行われた首脳会議で正式に提出され、欧州委員会のフォンデアライエン委員長と欧州理事会のアントニオ・コスタ議長が出席した。

「危険な新時代」

月曜日の首脳会議で演説したキア・スターマー 英首相は、 この協定が英国とEUの関係における「新時代」の幕開けとなると称賛し、双方にとって「win-win」となると述べた。

「私たちは…協力と安全保障を強化するための新たな防衛・安全保障パートナーシップを締結しました。これは、この危険な新時代に不可欠なものです。このパートナーシップは、EUの新たな防衛基金との連携への道を開き、英国の防衛産業に新たな機会を提供し、英国の雇用と生活を支えます」とスターマー氏は述べた。

さらに、「英国は世界舞台に復帰しました。パートナーと協力し、経済成長につながる協定を締結し、働く人々の懐により多くのお金をもたらすのです」と付け加えた。

この防衛協定には、ハイブリッド戦、サイバーセキュリティ、インフラの強靭性、海上安全といった分野における協力が含まれている。

フォン・デア・ライエン氏は、「世界が不安定な時代を迎え、大陸が数世代ぶりの最大の脅威に直面している今、私たちヨーロッパは団結して立ち向かう」と述べた。

この協定には、防衛以外にも、貿易と移動の円滑化を目的とした一連の措置が含まれている。英国の食品・農産物輸出における煩雑な手続きの簡素化、エネルギー協力の強化、そして2040年までに英国経済への約106億9000万ユーロの押し上げ効果が見込まれる。

英国は、国境検査の簡素化と書類手続きの軽減と引き換えに、EU漁船に12年間にわたり英国領海へのアクセスを継続的に認めることに合意した。これは、英国の小規模生産者の輸出負担を軽減することを目指した取り組みである。

この協定はまた、限定的な青少年移動制度の枠組みを概説し、英国のエラスムス・プラス学生交換プログラムへの参加に関する協議を再開した。

これは、インドおよび米国との貿易協定に続き





巨匠、セルゲイ・ヴァシリエヴィチ・ラフマニノフは、カーネギーホールの歴史にさらに大きな貢献をしました。彼は指揮者、ピアニスト、そして多くの室内アンサンブルのメンバーとして、さまざまな編成でカーネギーホールで 92 回演奏しました。

したがってがコンサートの第 2 部全体をラフマニノフの音楽に捧げたのは正しい判断だったと言えます。

作曲の研究、必要な演奏技術の向上、音楽的記憶、注意、アイデア、感覚の活性化と結びついてのみ可能となります。
これらに、演奏者の視覚と聴覚の経験を加えることができます。
結局のところ、音楽作品に取り組むとき、ピアニストは、特定の目標や目的に関連して、特定のシフトが意識的に実行されるときに、音楽作品の行為（音符ありと音符なし）をゆっくりと解きほぐすタイプを含むさまざまな方法を使用します。

[144 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:38:37.24 ID:LYNVbaz2]

まあなかなかとか言ったら、また本人だ！って言う単純な人も出てきそうだけどさチョップ奏法それ
界隈をフォローなんてみんなしてるw




ピアノ音とヴァイオリン音を聴く場合、ピアノの訓練を積むと、ピアノの音を聴いたときの方が、ヴァイオリンの音を聴いたときよりも、音を感じ取る脳細胞は強く活動するようになります。
一方で、ヴァイオリンの訓練を積むと、その逆で、ピアノの音よりもヴァイオリンの音によく強く反応するようになります。訓練によって、良く聴く音の表情を微細に感じられるように、
脳が変化するのです。

これは言いかえると、必ずしも音楽家ではない聴衆の方の耳には、わずかな音色の違いは感じ取りにくい可能性があることを意味します。
では、膨大な練習時間を費やしてわずかな音色を変化させることは、音色の差を感じられる、ごく限られた聴衆のためだけのものなのでしょうか？

キーを打鍵することによって、指の力が鍵盤に伝わります。この力が機構上ハンマーに伝わり慣性力を得たハンマーの頭部が弦を瞬間的に打ち、弦が発音し、
これによる音波が音として人の耳に聞こえるわけです。
　これだけを考えると、打鍵から聴き手の耳に音が到達するまでのプロセスは至って単純であり、“ピアノのタッチは音に影響ないのだ”と主張する人がいるかも知れません。しかし、現実にはピアノで苦労した人はおわかりのように、タッチ（タッチの仕方を含めて）は音に微妙に、ときには大きく、影響します。





　これは、聴く人の耳に音が到達するまでに、さまざまに音（音質、音量）を左右する因子があり、それらが変化することによって聞こえる音が変わるからで、
これらの支配因子の存在を排除するわけにはい
加えて、これら以外に重要な事柄は、ピアノの音の物理的な大きさは、打鍵の加速度によって決まるということです。
これはごく短い時間を考えれば、音の大きさは打鍵速度に支配されると言って良いでしょう。鍵盤の上下の可動距離は1cm位と短いので打鍵時間（この場合鍵盤に指が触れて鍵盤の底に至るまでの時間）はごく短いと考えられますので、ピアノの音量は事実上、近似的に指による打鍵速度で決まることになります。他方、音の長さは、強音ペダル（右）を使用しない場合は、
指が鍵盤を下に押して持続している時間（持続時間）によって決まります。
本来ならばばらばらになっている音を人間が識別できない位の短時間の間に、いかにして同時に発音された複数の音にまとめて出すかがポイントです。（無論ピアノの音にはタッチのほか、ペダルの使い方が重要な影響を与えることは、周知のことです
音・和音が微妙に違って聞える原因のひとつもこの辺りにあると思います。このさらなる原因はタッチの仕方です。重音・和音はタッチの仕方によって大きく音がかわります。
減衰音ですので、強音の和音を出したい場合は、できるだけ同時に指をそろえて弾く必要があります。
ばらばらになると原理上強い音は得難いものです。加えてこの結果音色も違ったものになります。
短い音も残響の影響で裾を曳きますので普通に楽譜どおり弾かずに若干短めに弾くべきでしょう。
つまりタッチの仕方を調整することによって聴き手に聞える音楽そのものを作っています
音楽を聴く上で人間はひとつのタッチによる音だけを聴いているのではなく、
心理的には音のつながりとして自然に比較しながら聴いていると考えられますので、その意味では、ひとつのタッチによって生じた音は一連の音のつながりによってコントロールされると云えます
上記からわかるように、ピアノのタッチだけでコントロールできるのは、単音の場合は打鍵速度と持続時間だけです。
しかし重音・和音になりますと、複数の指で“同時に”打鍵しますので、普通に考えると、復数の音が同時に出るように思われがちですが、実際は人間が打鍵する限りは、時間スケールを細かくして分析的に見ますとばらばらになります（これはピアノの音が減衰音であることも一因）。これをいかに短時間に“ひとつの音のように”まとめるかがピアノの技術のひとつです。

[145 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:38:50.58 ID:CmrzndTz]

ホーちゃん
安定の寝癖可愛かったw

[146 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:40:06.09 ID:CmrzndTz]

パッイー・トーの話ばっかりしてたね
アレクセーエフは無し笑

[147 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:42:48.85 ID:CmrzndTz]

ツが抜けた
パッツィー・トーね

[148 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:43:05.12 ID:C5IWGQ8p]

ポーランドも同様の圧力に直面しており、ラトビアとエストニアも同様である。

リトアニアのリマンタス・モクス法務大臣は、この訴訟は国連の最高司法機関における同国初の国家間訴訟であり、2021〜2022年のEU東部国境での移民危機におけるベラルーシの役割について法的責任を問う「歴史的な一歩」だ

と述べた。リトアニア政府は、独裁的なアレクサンドル・ルカシェンコ大統領の指導の下、ベラルーシがリトアニアと他の近隣諸国を不安定化させるキャンペーンの一環として、中東とアフリカからEU国境への大規模な移民移動を組織し、促進したと主張している。

この事件は、国境を越えた不法な人々の移動を防止し、撲滅することを目的とした国連の「陸路、海路、空路による移民の密入国の防止に関する議定書」への違反容疑が特に関係している。

「リトアニアは、断固たる行動を通じて国際法上の権利を主張し、法的リーダーシップを発揮する用意がある」と、モックス氏は法務省が発表した声明で述べた。



、イラクやシリアなどの国々から数千人の移民が、リトアニア、ポーランド、ラトビアとの国境にあるベラルーシに到着し始めた。EU首脳は、2020年の大統領選挙をめぐる論争を受けてベラルーシが反対派の抗議活動を暴力的に弾圧したことを受けて課された欧州の制裁への報復として、ミンスク大統領が移民流入を画策した

と非難した。多くの移民が凍えるような寒さの中、国境沿いの森林に取り残された。人権団体は、食料、水、医療支援へのアクセスが制限されるなど、彼らの扱いについて懸念を表明した。

「リトアニアの評判は守られなければならない。ベラルーシ政権は、不法移民の波とそれに伴う人権侵害を画策したことで法的責任を問われなければならない」とモックス氏は述べ、この法的措置は

、他国政府が政治的利益のために脆弱な立場にある人々を搾取することを抑止することを目的としていると付け加えた。リトアニア政府も、ベラルーシの行動が国境警備、人道支援、制度的混乱に関連する多大な費用をもたらしたとして、金銭的賠償を求めている。損害賠償額は裁判手続き中に算定され、提示される

自動主義に至った、知覚における過剰な音の実現形態により、芸術家の具体化の個々の方法、作曲内容の具体化の特殊性を音のつながりの階層に記録することが可能になった。音楽素材を提示するプロセスにおいて、想像力は生きたチャネルとして、楽曲のイメージを再現します。

[149 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:45:32.38 ID:+7kmmnqH]

「この人が凄い」って言うと「この人の方が」「あの人なんて」みたいな話になりかねない
プロとして活動出来る時点で皆凄いし、曲目や作曲家によって得意不得意もあるし、最終的には好みだと思う
だから芸術系のトピで「誰が凄い」「この人は何位(具体的な賞歴では無く)」みたいな質問は無意味だと思ってる
最近はチケットが取るのが難しくなって直には聞いてないなぁ‥時々テレビで拝見するくらい

楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。
語る資格はない。
ただ聴いているだけでは音楽の本質を見極めることは不可能。

それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。
ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないで欲しい。
技術が無いのにやってる先生沢山いるよね。
元幼稚園教諭や保育士なども趣味レベルな演奏だし、
下手すればソナチネくらいまでしか弾けない先生いるだろうね

彼は実力もそうだけど、運もあってトークでも誰かの代理で急に出ることになって、すごい盛り上がったみたいなエピソード多いよね
恒存の時代から所謂右派の主張は現実に対しての素朴な疑問の投げかけだったが、左翼は現実逃避と言える程の夢想と空想が織りなす絵に描いた餅だった
それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。
ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないで欲しい。
技術が無いのにやってる先生沢山いるよね。元幼稚園教諭や保育士なども趣味レベルな演奏だし、下手すればソナチネくらいまでしか弾けない先生いるだろうね。
音符やリズムが読めないから、先生の模範演奏を当てにして練習する子がいる。そんな子は、特に進まなかったりするよ。
かんじんなのは教え方じゃないのかね、だっていくら自分で弾けても、その技術を教えるのが講師の役目だからこの際音大出てなくても相応の勉強をして
いるなら問題ないと思いますけど。ちゃんとというと漠然としてますが、グレード４きゅ
うレベルなら音大卒レベルらしいし、音大出ても勉強してないとグレードとれない人もいるらしいし、けっこうむずかしいらしいですから。確かに…演奏が上手くても教え方がアレだったり、演奏は大したことないのに教え方が上手い人っているね。
今なら世界的なグレードとかもあるし、それの上位を取得できれば相当なものじゃないかな…楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。

音符やリズムが読めないから、先生の模範演奏を当てにして練習する子がいる。そんな子は、特に進まなかったりするよ。
かんじんなのは教え方じゃないのかね、だっていくら自分で弾けても、その技術を教えるのが講師の役目だからこの際音大出てなくても相応の勉強をして
いるなら問題ないと思いますけど。ちゃんとというと漠然としてますが、グレード４きゅ
うレベルなら音大卒レベルらしいし、音大出ても勉強してないとグレードとれない人もいるらしいし、けっこうむずかしいらしいですから。確かに…演奏が上手くても教え方がアレだったり、演奏は大したことないのに教え方が上手い人っているね。
今なら世界的なグレードとかもあるし、それの上位を取得できれば相当なものじゃないかな…楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。
大というのは、音楽を一生の趣味にするための基礎を学ぶ学校なのですよ。
そのキッカケってとっても大切な事だと思います。その子の一生のピアノ人生にかかわるし、誰かに影響されてか、将来音大行きたいと言う子もいるでしょう。そのくらい責任ある仕事だと思うよ。たとえば、楽典あたりをレッスンに入れないで適に教えて、楽譜が読めない子なんか沢山いるわけで




求めている。損害賠償額は裁判手続き中に算定され、提示される。

モックス氏は、ベラルーシの作戦をリトアニアの主権に対する「ハイブリッド攻撃」と表現し、この訴訟は「我が国の国境の安全と完全性」を守るための措置であると述べた

[150 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:49:12.48 ID:49/1mxkO]

グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄
音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う
それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う
こういうトップクラスの国際コンクールに入選する子は元から飛び抜けた才能持ってるんだから、そういう才能を拾って演奏の機会を与えるような環境になってほしい。
日本国内の発表会は大抵門下生同士で身内のより合いみたいになってる。
ポーランドは親日家が多い印象
もちろん日本も含めどこの国民族にも差別主義者はいるし、異国で学ぶ努力は凄いと思います
お二人共完成度高いけど、私はユンディの音色がセンスあって好きだったなー‥
あのちょっとした素人感というか危うい感じがかえっていいのよ
日本の相撲界みたいなものなのかな？
海外出身の力士でも真剣に相撲に取り組んでいただければ素晴らしいなと相撲に関してはそう思うけど。
より指が本当によく自在に動いていたなと思います、だけどもクリアな音で攻めの大胆さがあったように感じましたこの微妙なところで１位と差がついたのかなと思います
グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄、音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う、それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う
一昔前だと出来が良くても県外進学できず、地元の大学出て教員の道へ行く方って多かった。なので教育熱心でないのに学校の先生のお子さんで東大出って結構多いです。
母親がずっと好きで地元に来た時いつも演奏見に行ってる
数年前からなんか爆増してチケットが取りづらくなったみたいだね
前、林修先生の番組？に出てて　失礼ながら初めは一般とは懸け離れた感覚の人なのかな？と思ったけど気さくな人っぽくて好感持てた

昔から応援してるお年寄りファンか何かが可愛かったのに喫煙者になっちゃって残念どうの書いてて、アイドルでもないのに大変だねーて思った
世界中のオケから呼ばれてて今どこの国にいるんだろう？って程のピアニスト。天才だけでなくあの音色を出すためにものすごい努力と練習をされている。
言動から天才肌なのは伝わった。だからこそ理解できない部分もあった。態度とか。本当に凄い人ってそんなもんなんだろうけど。

この人の著作読んでるんだけど自分で書いて（語って）るのこれ？
文章が、音楽に知識のある中年女性みたいなんだけど


知識ないのに茶化したコメントするやつって本当に邪魔
実社会でもつまらない人程度が低い人扱いされてるんだろう


年、イラクやシリアなどの国々から数千人の移民が、リトアニア、ポーランド、ラトビアとの国境にあるベラルーシに到着し始めた。EU首脳は、2020年の大統領選挙をめぐる論争を受けてベラルーシが反対派の抗議活動を暴力的に弾圧したことを受けて課された欧州の制裁への報復として、ミンスク大統領が移民流入を画策した

と非難した。多くの移民が凍えるような寒さの中、国境沿いの森林に取り残された。人権団体は、食料、水、医療支援へのアクセスが制限されるなど、彼らの扱いについて懸念を表明した。

音楽的思考は常に歴史的に協和音から不協和音へ、そしてさらに大きな不協和音へと発展してきたと哲学的にまとめています。
私の意見では、非常に正しく指摘されています。これは弦の倍音の構造に似ています。

「リトアニアの評判は守られなければならない。ベラルーシ政権は、不法移民の波とそれに伴う人権侵害を画策したことで法的責任を問われなければならない」とモックス氏は述べ、この法的措置

[151 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:51:21.02 ID:Vy9adeNr]

サン=サーンスやフォーレやラヴェルみたいな”チャラチャラしたフランスもの”とか、チャイコフスキーやラフマニノフやスクリャービンみたいな”甘ったるいロシアもの”とか、北欧や東欧やスペインものとかも一部例外を除きスルーしており（本人曰く『好きだけどほとんど演奏しなかった作曲家』としてラヴェルなどを挙げてるみたいですけど）、基本的にはショパンを除いて独欧系の作曲家の曲がレパートリーの中心のようで、
その独欧系にしても(⁇)、たとえばシューマンの1番と3番ソナタは録音しても最もポピュラーであろう2番は録音していなかったり、リストの作品もロ短調ソナタと後期作品のみで練習曲系や編曲・パラフレーズ系はガン無視状態(←ロ短調ソナタと後期作品のカップリングを流行らせたのはポリーニだとか言う話もあるようですし)、ブラームスに関しては協奏曲と室内楽のみで独奏曲はスルーのようですし、バッハも”平均律”の第一巻のみと、けっこう選り好みと言うか偏っているような気がするモノの、何と言うか、「レコ芸でお馴染みのヒョーロンカ先生が喜びそうなレパートリー」っぽい感じもして”王道路線”と言えばそんな感じもする気がしますし、(当時の)近・現代音楽もちょくちょく録音している点も”ポリーニらしさ”と言える気もしますし。

世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から最晩年の時期とも重なる訳ですし、”鉄のカーテン”の向こうのピアニストとかグールドなどの全盛期付近(？)ともカブるわけで、おそらく大きな歴史の転換点に登場した新世代のピアニストだったんだろうなぁ ←と思うわけでアリマス。
世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から最晩年の時期とも重なる訳ですし、”鉄のカーテン”の向こうのピアニストとかグールドなどの全盛期付近(？)ともカブるわけで、おそらく大きな歴史の転換点に登場した新世代のピアニストだったんだろうなぁ ←と思うわけでアリマス。

演奏に関しては、どの時期の演奏でも乱暴な打鍵やペダリングが耳障りではありますけど(←少し誇張)、壮年期以降の(ハズレの)演奏・録音を聴いても一聴して分かるようなミスタッチとか譜読みミスはかなり少ない方で、相当に几帳面な仕事をする奏者だと思っていますし、
クラシックのピアニストの中ではリズム・拍節の表現が相当にキッチリとしており（←というか、他の連中がリズムや拍節にルーズ過ぎるだけって話かも知れませんけど）、これが「機械的」などと称される要因の一つではないかと思ったりします。

ただ聴いているだけでは音楽の本質を見極めることは不可能。本当に音楽が好きならば自分で演奏したいと思うのが普通。それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないでほしいわ聴き専いらんて
技術が無いのにやってる先生沢山いる
指練習と作曲と本来の曲、このうち作曲はどうしても時間が延びます。その時は、全曲弾くと時間が足らないので「今日は全部できないのでここから見てください」と頼みます。色々持ち込んでいるうちに今はこれで定着しています。
30分で先生のフル回転利用しようとしたらとても時間が足りませんよね




それに加えて音価に無頓着で離鍵のタイミングがルーズなので全体的に締まりの無い演奏をするという印象が強い人です。

離鍵のタイミングに無頓着なのは名盤と呼ばれる「ペトルーシュカからの３章」の録音ですら感じられます。
また休符の表現が甘すぎます。ペダルを上げるタイミングも遅いです。

[152 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:51:57.01]

「私にとって、ホールの静寂は既に成功です。ピンが落ちる音さえ聞こえるくらいにしたいのです。咳をしてはいけません。咳をする前に死んでしまえ！」



「良いピアニストがいっぱいの部屋で演奏したい。少なくとも彼らは良い演奏とは何かを理解している。意図と実行の間には、ほとんどの場合大きな隔たり、深い溝がある。この隔たりが多くの苦しみを生み出す。
協奏曲を批評する批評家は、意図は達成できなかったものの、クレッシェンドを最後まで奏でるためにどれほどの努力をしたか、全く理解していない。」

ご存知の通り、世界は偏見と憎しみに満ちています。
しかし、だからこそ私は、アイデアとその実現の間のギャップを埋めるために仕事をしているのです。美を創造し、
感情を表現し、少しでも完璧に近づくことができれば、無知が蔓延するギャップを埋める手助けができると感じています。

「両国間の扉を開く最初のアーティストとして、私は戻ってくる。悪くない役目じゃないか？でも、これは彼らにとってよくあること。私は存在しているようで、
いないように見える。どうなるか見てみよう…もしかしたら、誰も私の到着に気づかないかもしれない。」

モスクワで聴衆は魅了されたは彼らの心を奪ったのだ。
コンサートはショパンの壮大なイ長調ポロネーズで幕を閉じ、その後も彼は幾度となくこの曲に挑戦した。最後には表情豊かにピアノを叩き、聴衆に微笑みかけた。
彼の目には涙が浮かび、感動のあまり涙が溢れていた。彼は拍手を止めるために手を挙げ、
最初のアンコールとしてシューマンの「子供の情景」より甘美な「夢」を演奏した。

この曲が流れる中、カメラは伝説のモスクワ音楽院の壁越しに外を眺めるアントン・ルービンシュタイン、ショパン、シューマンのポートレートを捉え続けた。<…> ソ連の官僚は誰もいなかった。マエストロの真のファンだけが集まっていた。
彼は絶好調で、最初の演奏からホールには特別な雰囲気が漂っていたの演奏は、聴衆の肩から重荷を軽く降ろすかのようだった。まさに、この出来事の新たな時代を開いたのだった。

音楽院に改組された音楽学校で、V. V. プハルスキー、S. V. タルノフスキー、F. M. ブルーメンフェルドにしました。
卒業した際、V.はギムナジウムの修了証書を持っていなかったため、卒業証書を受け取ることはありませんでした。


彼はハリコフでソロコンサートを行った（ただし、記録に残るその後、彼はオデッサ出身の若いバイオリニスト、ナタン・ミルシテインとともにさまざまな都市でコンサートを行ったが、


国の厳しい経済状況のため、その報酬は現金よりもパンで受け取ることが多かった。
年以降、ロシア、ウクライナ、ジョージア、アルメニアの各地の都市でコンサートを開催し、
膨大なレパートリーを蓄積していった。例えば、彼は3か月間（1にわたって、20回のコンサー成される有名な「レニンシリーズ」で

150曲以上の作品を演奏しました（Yu. Zilbermanによる調査を参
ピアニストとして早くから成功を収めたにもかかわらず、は作曲家になりたかったと主張したが、1革命で全財産を失った家族を支えるためにピアニストとしての道を選んだ。
「革命の子供たち」（ルナチャルスキーが彼の記事の一つで彼らをそう呼んだ）の成功は驚くべきものだった。多くの都市で、
こうした若いミュージシャンのファンのクラブが誕生
この問題を回避しないために、リース劇場は私たちにとって非常に難しい決断でした、” 彼女は言います。“すべてのフェスティバルや文化団体の場合と同様、財務上の決定を下すのは困難です。”

Leith と grand opera “の両方が存在しないことは、プログラムの 2 つの極端な側面であり、膨大な量のリソースを必要とするため、私たちはそれを要求する必要がありました。” しかし、彼女は、“は私たちが行っているすべてのことを見てください、と彼女は促します。私たちは、忘れられないであろういくつかのオペラのレパートリーの親密な、室内プレゼンテーションを持っています; そして間 プレイハウス, フェスティバルシアター そして クイーンズ ホール, 、同じ現代音楽 strand。” です

シーズン中、ACO は 2 つのパフォーマンスを披露します ザンケル ホール カーネギーホールでは、どちらも存命のアメリカ人作曲家の作品の世界初演に焦点を当てています

[153 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:53:00.92]

よく耳にしたノヴゴロドの聖ソフィア大聖堂のシンボルによって呼び起こされる、その時代特有の音符と結びついています...
4 つの音が、何度も繰り返されるテーマを形成し、4 つの銀色の泣きそうな音が、常に私の伴奏に囲まれていました。

「コンサートは私の心の喜びです」と彼は医師たちに公演回数を減らすようアドバイスした。プレイするとき。ステージ上での式典よりもいいです。


祖国への愛国心から、米国からの市民権取得の申し出を拒否した。「祖国を捨てることは不可能だと考えています。

私たちは最初から、「何事にも時がある」という事実に慣れていました。レッスンの詳細なスケジュールに加えて、ピアノの演奏、散歩、読書には厳密に決められた時間が割り当てられており、特別な状況のみがこの厳格なルーチンを中断させることができました。ちなみに、私はそれ以来これらのルールを学び、採用した毎日のルーチンをしっかりと守っており、この習慣がますます価値あるものになっていると感じています。

私にとって音楽を書くことは話すことと同じくらい自然なことであり、私の手は音楽的な思考の流れにほとんど追いつかないことがよくありました。

チャイコフスキーは私に才能があると信じ、あらゆる方法で私を励まし、
私の成長を助けてくれました。私の最初のオペラ『アレコ』の初演のとき、
彼は彼の一幕オペラ『イオランタ』を私の最初のオペラ体験と一緒に上演してほしいという希望を表明しました。
<...> 私は文字通り喜びに酔いしれました。このような偉大なミュージシャンの後援は私のキャリアを助けました。

私たちは最初から、「何事にも時がある」という事実に慣れていました。
レッスンの詳細なスケジュールに加えて、ピアノの演奏、散歩、読書には厳密に決められた時間が割り当てられており、
特別な状況のみがこの厳格なルーチンを中断させることができました。ちなみに、私はそれ以来これらのルールを学び、
採用した毎日のルーチンをしっかりと守っており、この習慣がますます価値あるものになっていると感じています。

私にとって音楽を書くことは話すことと同じくらい自然なことであり、私の手は音楽的な思考の流れにほとんど追いつかないことがよくありました。

チャイコフスキーは私に才能があると信じ、あらゆる方法で私を励まし、私の成長を助けてくれました。私の最初のオペラ『アレコ』の初演のとき、彼は彼の一幕オペラ『イオランタ』を私の最初のオペラ体験と一緒に上演してほしいという希望を表明しました。
<...> 私は文字通り喜びに酔いしれました。このような偉大なミュージシャンの後援は私のキャリアを助けました

静かに演奏する。結核のせいで体重が90ポンドもあったが、音楽の世界では獅子のような存在だった。
ショパンの音楽は甘ったるく痛ましいものではなく、勇敢なものである。
彼はマザコンじゃない。ショパンの最近のロンドンの写真をご存知ですか
それは、死にゆく、家もなく、一文もない、この世でもっとも悲しい男を描いている。
彼はダンディではない。この写真には、非常に強い力を持った男が写っています。」

モーツァルト、ショパン、シューマン、バッハ、ハイドンは、
現代の私たちと同じ血、静脈、脈、心臓、脳を持っていました。環境は変化したかもしれませんが、人間の本質は変わりません。鳥のさえずりを聞いた瞬間から、人々は音楽を愛していました。何も変わりません。
なぜ現代人は、音楽で自分の感情を表現することをこれほど恐れるのでしょうか？
モーツァルトは私たちと同じくらい罪深い人でした。彼は酒の飲み過ぎで亡くなりましたが、
音楽の中では最高の境地に達しました。まるで鳥のように歌いました。偉大な作曲家たちは人間でした。そして私は彼らを人間として愛しています。

[154 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:54:33.49]

パラマルチュク ヴァレンチナ
の魂..の広大な広がり...おそらくこれも存在する -
作曲家はなぜ世界中の人々はこの音楽を愛し、それを聴いて私たちと同じように涙を流すのでしょうか?
私は音楽家ではないし、年寄りだし、は私の好きな作曲家ではないのですが、第2の第2部を聴くと泣いてしまいます。
2
リャホヴスカヤ・カチャ
世界への愛、私は真の悲しみから生まれた本物の美しさを感じます…
アレクサンダー
交響曲第1には、聴く人を東洋の国々に連れて行くような箇所があると言ったら間違いだろうか？

チェルパノヴァ エカテリナ
私は…和解を感じます。
最高の意味で。起こったことはすべて無駄ではなかったということ。悲しみの中にさえ、
より高い意味がある可能性があるということ。
私は何年も前の私と同じだということ...取り返しのつかないものがどこかで生きていて、
息をしているということ。これは復活の予感です。
何があっても。不死の予感。私にとって、このエネルギーは教会芸術より音楽に多く感じられます。

ポトゥラエフ・ドミトリイ- 現代最高のです!!!

タラソヴァ マリナ
電線のように、最も激しい感情を反映しています。
オヴシャッニーコフ・ドミトリイ
周りにあるのはそれだけです。
聴くたびに新しい感覚が生まれ、新しい形で世界が広がります。
しかし、これはソウルフルで多面的な素晴らしいパフォーマンスに過ぎません。
時々、キーを叩いている小さな演奏者を殺したくなることがありますまさに天才です）祖国への真の聞くと平和…調和についての思いが湧き上がります



私は特に2回目と3回目のコンサートが大好きです
チャニシェヴァ・ドゥナイ・エリア
神々しい！！！なんて広い空間！！！そして私は最初の音からオアレコ」に夢中になりました！


オヴシャッニーコフ・ドミトリイ
最初は閉じている花のようなものです。
しかし、その後、それは豊かな花を咲かせ、周囲のすべてを飾ります。
初めてこの幻想劇（若者の作曲）を聞いたとき、私はあまり注意を払いませんでした。


彼女に教え始めてから、私は彼女を好きになり始めました。ある日、
私はこれが素晴らしいであり、感情が込められていることに気づきました。それでの音楽が私のお気に入りになりました。

彼の作品を演奏できないのは残念です。
私には技術がないからです。
自分自身が納得できる演奏を目指すこと、その上で審査員と気が合えばボーナス（次のラウンドの演奏機会、何かの賞など）があるかも、という感じで気楽に構えているのが良いのかなと思います。
今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位
私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います


結果の評価を知りませんが、９．５点を叩き出して入賞できませんでした。年長者に厳しいこのコンクールで本選までいけることはかなり稀です。
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

[155 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:54:56.17 ID:CmrzndTz]

ローマンも上手いなぁ
なぜ浜松の時突然失速したんだろう
ファイナリストになるべき人だったのに

[156 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:56:21.72]

ベロヴァ-シミドット ヴェロニカ
たとえば、グリン、ムソルグスキー、リムスキー＝コルサコフのような、非常に作曲家であるとは呼びません。
彼は時間と空間を超えているように私には思える。
あるいは、もっと正確に言えば、素晴らしい時間と素晴らしい空間の中で。

彼の音楽は、調和への渇望と混沌の魅力の両方を内に秘めているすべての人々の魂です。
そこには、銀の時代のあらゆる憂鬱、知識人や考え、感じる人々のあらゆる苦悩が含まれています。
私にとって、彼の音楽はドストエフスキーの作品と密接に結びついています。

ドストエフスキーもまた素晴らしい時代と素晴らしい空間の中にいます。


ヴェロニカ
正直に言うと、例えばの曲によく見られる「怒り」のテーマにはが含まれているというのは正しいです...

でも残念ながら、私が彼の曲（どれでも）を聴くと、
もちろんこの曲が作曲家によって書かれたものだと分かります!!!
なんでそうなるのか分からないけど、こういう書き方をするのが才能っていうのかな…ふーん。



ベロヴァ-シミドット ヴェロニカ
おっしゃる通りです。それは才能と呼ばれるものです...
それに、彼が作曲家だということはご存知ですよね。
そして、もし放棄したら...それはおそらく難しいでしょうが...
それでも、才能は大きな時間と大きな空間にあります。
ちなみにも、私の意見では「作曲家とは言えない」のです... まあ、それに、
私たちは彼について、彼の人生や投球について知っていますが...
しかし、私にとって彼は間違いなく「銀の時代」と結びついています... まさに白
一般的に、連想の問題は非常に興味深いものです。
たとえば、こちらはラヴェルのボレロ…ダンスです。
私にとって、この音楽は象の行列を連想させます。


ソルダテンコフ アレクセイ
連邦は、初頭からすでに私たちの国籍を剥奪しており、米国と同様に「国籍」の欄を削除しています。) 私たちはアメリカ人です!やったー！


ベロヴァ-シミドット ヴェロニカ
これと何の関係があるんですか！私は永遠のことについて話しているのに、
あなたはそれを政治に持ち込んでいます...ロシア人、ドイツ人、イギリス人の作曲家...
私は国籍についてはまったく話していません。素晴らしい人々について話しているんです...
そして彼らは素晴らしい時間と素晴らしい空間にいるんです...

ドスジァノヴァ・ディナ
喜び、楽しみ、混乱、痛み、涙 - すべてがこの音楽の中にあります。
私にとって、これは非常に的な作曲家ですがあらゆるものと同様に、東洋的な趣があります。


私は無限の広がり、その広大さと力をほとんど常に感じています。そして音楽はすべて私の中に心と祖国への愛を呼び起こします。
国際的に評価の高い専門家のチームが率いる今年のゲストアーティストには以下が含まれます スティーブン ディバイン （キーボード）; トーマス ダンフォードとエリザベス ケニー （リュート）; マーガレット フォルトレス そして アリーナ イブラギモワ （ヴァイオリン）と デイヴィッド ワトキン （チェロ）の。

セッションは参加可能です あらゆる年齢や段階の参加者 そして、次の2 つの部分

発表者 クリエイティブラーニング 部長 、 ルーシー ドレバー, 、私たちのバロックゲストアーティストは、爽快な議論とバロック音楽の世界を深く探求する週末をリードします。参加者は好きなだけセッションに参加でき、すべてのセッションは録画され、3 か月以内に視聴できるようになります。

週末の最終スケジュールは9月上旬に発表される予定

[157 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:56:48.65]

アンドレエヴァ エカテリナ
真実、感情の葛藤、何かとの関係を感じます。
海は荒れ狂い、荒れ狂い、穏やかで、限りなく、暖かく、そして涼しい。


音楽はまず第一にれなければなりません。 「
心から出て、心に訴えかけるものでなければならない」 - この言葉は、の音楽に極めて正確に当てはまります。
実際、作品はすべて信じられないほどの誠実さの表現です。
そしてI・ホフマンは正しかった。「鋼と金でできていた。彼のには鋼、彼の心には金があった。」
偉大な周年にあたります。文化界全体が一連のコンサート、
講演、科学会議でこの出来事に応えました。最も興味深く意義深いイベントの一つは、
4月18日から20日まで開催された国際科学実践会議「21世紀。過去と現在」でした。




シャトマノフ・アスカル
純粋で無垢な史上最高
ガニエヴァ・アリョナ
私はAskarに完全に同意します..
国に起こる大変動の予感、憂鬱と苦痛、キリスト教の慈悲と許し、高い精神性、
そしてこれらすべては、非常に複雑で独創的で洗練されたパレットを持つ芸術家によって描かれた絵のようです。

たとえば、コルサコフのような、非常に作曲家であるとは呼びません。
彼は時間と空間を超えているように私には思える。あるいは、もっと正確に言えば、素晴らしい時間と素晴らしい空間の中で。
彼の音楽は、調和への渇望と混沌の魅力の両方を内に秘めているすべての人々の魂です。
そこには中等知識層と、考え、感じるすべての人々の憧れが詰まっています。
私にとって、彼の音楽は作品と密接に結びついていてまた素晴らしい時代と素晴らしい空間の中にいます。

正直に言うと、例えばが含まれているというのは正しいです...でも残念ながら、
私が彼の曲（どれでも）を聴くと、もちろんこの曲がロシアの作曲家によって書かれたものだと分かります!!!なんでそうなるのか分からないけど、
こういう書き方をするのが才能っていうのかな…ふーん。
ベロヴァ-シミドット ヴェロニカ
それに、彼作曲家だということはご存知ですよね。
そして、もし放棄したら...それはおそらく難しいでしょうが...
それでも、才能は大きな時間と大きな空間にあります。
ちなみに私の意見では「作曲家とは言えない」のです... まあ、それに、私たちは彼について、
彼の人生や投球について知っていますが...
しかし、私にとって彼は間違いなく「銀の時代」と結びついています... まさに白一般的に、連想の問題は非常に興味深いものです。
たとえば、こちらはです。私にとって、この音楽を連想させます。

ソルダテンコフを剥奪

ベロヴァ-シミドット ヴェロニカ
これと何の関係がある私は永遠のことについて話している私は国籍についてはまったく話していません。素晴らしい人々について話しているんです...
そして彼らは素晴らしい時間と素晴らしい空間にいるんです...

ドスジァノヴァ・ディナ
喜び、楽しみ、混乱、痛み、涙 - すべてがこの音楽の中にあります。私にとって、これは非常にロシア的な作曲家ですが、趣があります。


私は無限の広がり、その広大さと力をほとんど常に感じています。そしてすべて私の中に祖国へのを呼び起こします

[158 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:57:30.72]

スケジュールは細かく決められており演奏、散歩、読書には厳密に決められた時間が割り当てられており、
特別な状況のみがこの明確なルーチンを乱すことができました。
ちなみに、私はそれ以来これらのルールを学び、採用した毎日のルーチンをしっかりと守っており、この習慣がますます価値あるものになっていると感じています。

私にとって音楽を書くことは話すことと同じくらい自然なことであり、私の手は音楽的な思考の流れにほとんど追いつかないことがよくありました。

私に才能があると信じ、あらゆる方法で私を励まし、私の成長を助けてくれました。私の最初初演のとき、彼は彼の一幕オペラ『イオランタ』を私の最初のオペラ体験と一緒に上演してほしいという希望を表明しました。
私は文字通り喜びに酔いしれました。このような偉大なミュージシャンの後援は私のキャリアを助けました。

指揮のテクニックについては何も知らなかったが、指揮はできると感じていた。

私自身は、調性や和声の法則に完全に反する現代的なスタイルで作曲しようとは決して思いません。 あまりに現代的な音楽は、まったくの詐欺です。その理由は、それを作曲する人が、
自分で音楽の法則を研究することなく、音楽の法則を根本的に破ってしまうからです。

音楽は、一度再生が止まると存在しなくなります。

美しいもちろん、永遠のインスピレーションの源です。しかし、あなたは彼女から逃げて孤独を求めなければなりません。そうしないと、何も作曲できず、何も実現できません。

フィルハーモニー管弦楽団は、聴衆がコンサートのプログラムを自主的に選ぶプロジェクト「ママ、私は音楽愛好家です」を立ち上げた。
最初の投票の結果に私は驚きました。聴衆の評価がチャイコフスキーではなくがトップだったのです。


ピョートル・イリイチが第一の作曲家であるという評判は革命以前から確立されており、
それが制度化され、永遠に定着したかのようだった。時代後期にはは国内の音楽界のアレオパゴスで暗黙のうちに第2位を占めていた。暗黙彼の勝利を統計上の誤りとして片付けることもできるが、次の投票で彼は再び若い頃のアイドルに勝利した。

もちろん、国民の愛の強さという点においてさえも、二人の天才を測ることに意味はありません。

しかし、これらの結果は、私の心の中に何度も何らかの形で浮かんできた疑問に答えようと試みるきっかけとなりました。
この質問は、非常に単純な形で記事のタイトルに盛り込まれています。

最も簡単に始められるのは、社会的少数派から始めることです。ピアニストが崇拝するのは、
彼がピアニストのレパートリーの基礎の一つとなり、
永遠に再生可能なコンサートのエネルギー源となる90曲の作品を残したからです。
また、テクスチャの複雑さと豊かさにもかかわらず、彼のピアノ曲の書き方は演奏者にとって非常に使いやすいからです。


ピアニストの別の作品のグルーヴにのめり込むと、技術的な困難を克服しているというよりも、
ピアニストとしての自由を楽しんでいると感じるようになります。自らの手で考え、創造した。彼の創造的なアイデアとペンや鉛筆という形の最終結果の間には仲介物はなく、
内側から湧き出る音は、楽器との触覚的な接触の中に即座に具現化されました。

記録された彼の音楽的アイデアは、
演奏されるたびに生き生きとして解凍され、
固体の集合状態からピアニストが直接感じる波へと戻っていきます
それ、全くの嘘でないとしたら、Y山先生かどなたか分からないけど、音大のレッスンであまりに出来が悪いから、
プライベートで補習しましょうか？って意味で言われたのでは？

[159 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 01:58:37.69]

特別な状況のみがこの明確なルーチンを乱すことができました。

ちなみに、私はそれ以来これらのルールを学び、採用した毎日のルーチンをしっかりと守っており、この習慣がますます価値あるものになっていると感じています。

私にとって音楽を書くことは話すことと同じくらい自然なことであり、私の手は音楽的な思考の流れにほとんど追いつかないことがよくありました。

私に才能があると信じ、あらゆる方法で私を励まし、私の成長を助けてくれました。私の最初初演のとき、彼は彼の一幕オペラ『イオランタ』を私の最初のオペラ体験と一緒に上演してほしいという希望を表明しました。
私は文字通り喜びに酔いしれました。このような偉大なミュージシャンの後援は私のキャリアを助けました。

指揮のテクニックについては何も知らなかったが、指揮はできると感じていた。

私自身は、調性や和声の法則に完全に反する現代的なスタイルで作曲しようとは決して思いません。 あまりに現代的な音楽は、まったくの詐欺です。その理由は、それを作曲する人が、
自分で音楽の法則を研究することなく、音楽の法則を根本的に破ってしまうからです。

音楽は、一度再生が止まると存在しなくなります。

美しいもちろん、永遠のインスピレーションの源です。しかし、あなたは彼女から逃げて孤独を求めなければなりません。そうしないと、何も作曲できず、何も実現できません。

フィルハーモニー管弦楽団は、聴衆がコンサートのプログラムを自主的に選ぶプロジェクト「ママ、私は音楽愛好家です」を立ち上げた。
最初の投票の結果に私は驚きました。聴衆の評価がチーではなくがトップだったのです。


ピョートル・イリイチが第一の作曲家であるという評判は革命以前から確立されており、
それが制度化され、永遠に定着したかのようだった。時代後期にはは国内の音楽界のアレオパゴスで暗黙のうちに第2位を占めていた。暗黙彼の勝利を統計上の誤りとして片付けることもできるが、次の投票で彼は再び若い頃のアイドルに勝利した。

もちろん、国民の強さという点においてさえも、二人の天才を測ることに意味はありません。

しかし、これらの結果は、私の心の中に何度も何らかの形で浮かんできた疑問に答えようと試みるきっかけとなりました。
この質問は、非常に単純な形で記事のタイトルに盛り込まれています。

最も簡単に始められるのは、社会的少数派から始めることです。ピアニストが崇拝するのは、
彼がピアニストのレパートリーの基礎の一つとなり、
永遠に再生可能なコンサートのエネルギー源となる90曲の作品を残したからです。
また、テクスチャの複雑さと豊かさにもかかわらず、彼のピアノ曲の書き方は演奏者にとって非常に使いやすいからです。


ピアニストの別の作品のグルーヴにのめり込むと、技術的な困難を克服しているというよりも、
ピアニストとしての自由を楽しんでいると感じるようになります。自らの手で考え、創造した。彼の創造的なアイデアとペンや鉛筆という形の最終結果の間には仲介物はなく、
内側から湧き出る音は、楽器との触覚的な接触の中に即座に具現化されました。

記録された彼の音楽的アイデアは、
演奏されるたびに生き生きとして解凍され、
固体の集合状態からピアニストが直接感じる波へと戻っていきます

ピアニストとしての自由を楽しんでいると感じるようになります。自らの手で考え、創造した。彼の創造的なアイデアとペンや鉛筆という形の最終結果の間には仲介物はなく、

[160 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:00:20.60]

パラドックスはそうです、短調の音楽のほとんどすべては、まるでを失い、それを嘆き、
郷愁の深みに沈んでいるかのように聞こえます。

しかし、彼がそれを失ったのは、最後の練習曲（ちなみに長調）の最後の音符を終えた後だった。
そして、それを失った後、その後の 26 年間で彼が創作した作品はわずか 6だけであり、
その中でもノスタルジックな雰囲気が漂っているのは言うまでもありません。

移住するずっと前から移民になっていたようだ。
これはどう説明できるでしょうか?彼は自分自身の不幸との不幸を予感していたと言いたくなる。
しかし、懐かしさを感じながら初期の戯曲を聴くと、そのような結論はすでに無理があるように思える。

なぜ年代に祖国を悼んだのでしょうか？さらに、
そのような賢明で自立した人にとって、
ホームシックは大きな苦痛となる可能性があるが、
それが彼の世界観の中核となることはあり得ない。むしろ、それはより深く、より個人的な憧れの昇華なのかもしれません。

ここは、この憂鬱の本質を探る場所ではありません。
私はその可能性のある発生源のうちの 1 つだけを指摘します。
数文前の「作曲意欲の喪失」についての同じ記述の中こう言っています。「おそらくこれは、私が作曲したいと思う音楽が、現代では受け入れられないと感じているからでしょう。」

自分の名声に満足していなかったし、満足することもできなかった。
彼は自分自身を万能の作曲家だと考えており、グルプのようにあらゆるジャンルに足跡を残したいと考えていました。

しかし、彼のおかげであり、彼の急死後、ほとんど忘れ去られた）、交響曲第1番は大失敗に終わり、続く作品も大した成功を収めなかった。
かの作者として知られており、このことが彼を常に苛立たせていた。他の国や他の時代であれば、彼は国民的英雄になっていたかもしれない。芸術的ブームの文脈では、19世紀と20世紀の境界線はなくなりました。

概して、作曲家としての彼の生涯のキャリアは成功とは言えず、ある時点から、彼に対する主な非難は彼の時代遅れさであった。
そして彼自身もこの古風さを感じていた。彼が「未来派」に対してそれほど攻撃的な態度をとったのも無理はなかった。
そして、あらゆる「未来学者」たちは彼を真剣に受け止めなかった。

ご存知のとおり、すべての天才は適切なタイミングで生まれます。しかし、に関しては、このルールのまれな例外、唯一無二の「遅れてきた天才」であるように思われます。

彼の運命は、20 始まり今世紀の誕生の兆しの一つとなった世界の音楽文化の階層化の最も顕著な証拠です。
それまで、同時代に生きた作曲家たちは共通の音の範疇で考えていました。
革新者と保守者が和解不可能な議論をした場合でも、彼らは同じ基準の枠内で議論しました。


時代では、時間は直線的ではなくなりました。音楽制作プロセスの一枚岩的な性質は失われ、世界は徐々に現在の状態、
つまり音と情報の空間で非常に平和的に共存する何百万もの音楽スタイルへと移行しました。

この歴史的岐路におけるほぼ最初の英雄であったことが判明した。彼は右に行き、音楽は左に行き、そしてその道は多くの道に枝分かれし始めました。

演奏を聴きたいのが一番で結果は次の日の朝に分かれば良いやという感じなら、ホールに居られる時間を１９時半くらいまで確保できていれば、高確率で全員の演奏が聴けると思います。
協奏曲の演奏時間は２０分かからないものから４０分を超えるものまで幅があり、曲目のチョイスはセミファイナルを突破したコンテスタント次第なので、
「演奏会」として見るなら終演時間が読みにくいことこの上ないですちなみに、コンクールの全国入賞という一過性の結果だけで実力を推し量ることはできません。

[161 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:04:27.73 ID:CmrzndTz]

珍しくちょっと乱れたなw
ローマンはラフマニノフ好きなんだね
硬質な響きだからラヴェルとかフランス物が合いそうだけど

[162 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:07:45.38 ID:CmrzndTz]

音ーーーー、。

[163 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:10:54.36 ID:CmrzndTz]

ローマンやっぱり調子イマイチかも
伸び悩んでるのかな
ラフソナいきなり音外した

[164 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:11:55.33 ID:seBd1rmV]

ピョートル・イリイチはこのホールの音響と内装の両方に非常に満足していました。ちなみに、当時は単に「ミュージックホール」と呼ばれていました。開館からわずか8年後にカーネギーホールとなりました。

しかし、もう一人のロシアの巨匠、セルゲイ・ヴァシリエヴィチ・ラフマニノフは、カーネギーホールの歴史にさらに大きな貢献をしました。彼は指揮者、ピアニスト、そして多くの室内アンサンブルのメンバーとして、さまざまな編成でカーネギーホールで 92 回演奏しました。

したがってがコンサートの第 2 部全体をラフマニノフの音楽に捧げたのは正しい判断だったと言えます。
特に今年はラフマニノフ生誕150周年の記念すべき年です。エフゲニーがこのラフマニノフのプログラムをアメリカやヨーロッパの多くの都市で演奏することは明らかです。
そしてすでに多くの国で演奏されています。

しかし、カーネギーホールでは特別な音が響きます。

私は目を閉じて、たった100年前（これは歴史上非常に短い期間ですが）に偉大な作曲家自身がまさに
この場所でピアノの前に座っていたことを想像しました。そして、おそらく長年にわたり多くの改修工事が行われ、椅子、聖歌隊席、床、ピアノが交換され、
新しい楽屋が建設され、新しい機材、マイク、ビデオカメラ、エアコンが設置されたとしても、それは問題ではありません。

しかし、場所はそのままです。
いいですか、私は生涯ずっと音楽を勉強してきましたし、私の周りには常に数人の天才たちがいました。しかし、どういうわけか彼らは皆、
落ちぶれて、中退し、まったく普通の演奏家や教師になったり、音楽を完全に諦めたりしました...私はこれらの神童を信じていません！

- しかし、これは別のケースです。おいで、と友人は言った。

そして私は来ました。

そして、私はそれを後悔しませんでした。

このコンサートで、私は突然、本当の奇跡を目にしました。まるで開拓者のネクタイを締めているような若い少年が、完全に大人の、円熟したピアニストのように演奏したのです。


倍音の順序が高くなるにつれて、より微妙な問題に対処する必要があります。
単純な和音に過度に固執することは、音楽的思考がまだ幼稚であることを示しています。

プログラムは複雑で、バッハ、モーツァルト、ショパン、プロコフィエフだったと思います。すべては覚えていませんが、素晴らしい響きでした...コンサートの後、私は舞台裏に行き、アンナ・パブロヴナ・カントル、彼の先生、ジェーニャの家族に会い、彼ら全員に敬意を表しました。

そして、ここでは「genius loci」という言葉がまさに適切です。

***

しかし、まずは第一に。私はカーネギーホールでエフゲニー・キーシンの演奏を何度も聴きました。

90年代の初めに私が家族とともにニューヨークに移住したのをきっかけに、ジェーニャと彼の家族もここに移住しました。

しかし、私たちはモスクワでも連絡を取り合っていました。さらに、どういうわけか、1983年にモスクワ作曲家協会で行われた彼の初めてのコンサートに出席できたことを誇りに思います。当時ジェーニャは11歳でした。

それはこうでした。友人が私に電話をかけてきてこう言いました。「おじいさん、もし今夜暇なら、House of Composers に来てください。天才児　　　

[165 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:13:21.51 ID:CmrzndTz]

ブラジルの音楽祭の疲れ出たかな

[166 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:15:33.55 ID:fcQ1QpsK]

音楽的思考は常に歴史的に協和音から不協和音へ、そしてさらに大きな不協和音へと発展してきたと哲学的にまとめています。 10です。
原子炉。第2楽章の音はあまり明瞭ではありません。第3楽章では、ベース部のハーモニーを伴うコーダが特徴です。
両方の音を強く鳴らしたときの音は豊かです。全体的な影響は良好です。
しかし、あまり完成度が高くない気がします。音の出し方が雑（控えめに言っても、ぎくしゃくしている）
品質が悪いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲 第1巻 作品13」です。 14. 35-I.それは
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブを含むコードの響きが迫力あります。
（この歌は彼のために歌われました）。最後の第14変奏とコーダにいくつか注目すべき誤りがありました。
お気の毒に。
次はバラード第1番、作品10です。 1 ショパン作曲。 23. あまり良くないです。技術だけ
目立ちすぎて曲のインパクトが薄れたように感じました。間違いもかなりあります。 （
ちなみに、最初の2曲が終わった後には拍手がありました（コンテストではよくあることですが、
(拍手は禁止)、ただしこの曲の後はダメです。 ）
最後は一柳澄さんの委嘱作品「ピアノのための心象風景」でした。簡単に言えば
よく分からない曲です（もちろん今日初めて聞きました）。アバンギャルド（すでに前衛）
形がなく、技術的な強みも欠けていたのに、審査員の基準は何だっ
彼らはそれを評価すると思います。スコアでプレイするかどうかはチェックしません。
（審査員はそれを聞いてスコアを見ます。）それでは、私の感想を述べさせていただきます。
しかし、ベーゼンドルファーの高音はあまり美しくなく、現代音楽には適していません。
私にはこの仕事は向いていないと感じました。パフォーマンスについては、どう考えたらいいのかよく分かりません。
全体的な印象は1回目と同じです。





私はこの曲はあまり得意ではない（ポロ
最高峰と考えられているにもかかわらず、パフォーマンスは劣っているように見えました。技術的な明確さ
それほど素晴らしいものでもありません。
最後の曲はロ短調幻想曲、作品10です。 28. かなり良かったと思います。
（スクリャービンについてはあまりよく知りません。）
全体的には、まだ少し「良くない」です。

技術不足のように見えたが、第2ラウンドではうまく勝ち上がった。
しかし、その疑問を払拭することはできませんでした。技術的には少し心配です。もう少し安定
その感覚を味わいたい。第一楽章の強みは、右手の速いスタッカート和音にあります。
上昇傾向はむしろ安定していたが…（ここはプロでも曖昧になることがある）
（何よりも）。自分を表現したいという欲求もあります。
リズムも与えられます。強いて言えばマイナーになる部分の左側の部分ですね。
私はオクターブをもっと激しく演奏することを好む（ワイセンベルク、
qのように)。
全体的には悪くないようです。ただし、あまりお勧めはしません。

原子炉。 2番目の部分の音声はあまり明瞭ではありません。 3 番目の部分は、ベース セクションのハーモニーによるコーダです。
両方の音を大きく演奏すると、音が豊かになります。全体的な印象は良いです。
しかし、あまり完成していないようです。音は荒々しい（控えめに言っても唐突）
品質が低いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲」第1巻、作品13. 14. 35-Iです。




いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブも含めたコードの響きが力強いです。
（この歌は彼のために演奏されました）。最終バージョン 14 とコードには、いくつかの顕著なバグrいがありました。

[167 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:15:35.29 ID:CmrzndTz]

演奏に迷いを感じる
ちょっとこれはクォーターファイナル黄色信号かも

[168 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:19:09.33 ID:kYQvBS1+]

キーシンとホロヴィッツの奏法は共通点があると思います。指の腹の部分で鍵盤を引き出すような動きです。これがロシア奏法の１つのポイントらしいです。
真下に向かって垂直に打鍵する奏法だとどうしてもガツン、ゴツンという下部雑音が出ます。しかしピアニッシモで演奏するときや、ゆっくりした旋律を歌うときにこの雑音を極力減らしたいわけです。そういうときに真下に打鍵せず、鍵盤を引き出すような動作にすることで下部雑音を低減させます。
ピアノのレットオフ・ポイント（鍵盤を押さえていってカクッとなる位置）を深くした状態でタッチを精密にコントロールしてそういう奏法をすると、下部雑音がほとんど出ない状態で音を鳴らすことができるようになるそうです。


打鍵の角度や速度を変化させることで１つ１つの音の強弱や音色をコントロールしていることがよくわかります。とても精緻な技術だと思います。
ホロヴィッツも、ほとんど指を伸ばしたまま自在に打鍵速度や角度、深さをコントロールして非常に幅広い音量と音色を１音ずつ使い分ける唯一無二のテクニックを持っています。
このような「１つ１つの音を精緻にコントロールする」のもロシア奏法の特徴のように思います。ドイツ流の奏法になると、１音単位ではなく動機単位で音色や表現を作っていくように思えます。ショパンの演奏が難しいのは１音ずつの音色を大切にしつつ、歌曲のような息の長い旋律を歌わなければならないところです。両立が難しいことをやらなければいけませんが、



真下に向かって垂直に打鍵する奏法だとどうしてもガツン、ゴツンという下部雑音が出ます。しかしピアニッシモで演奏するときや、ゆっくりした旋律を歌うときにこの雑音を極力減らしたいわけです。そういうときに真下に打鍵せず、鍵盤を引き出すような動作にすることで下部雑音を低減させます。
ピアノのレットオフ・ポイント（鍵盤を押さえていってカクッとなる位置）を深くした状態でタッチを精密にコントロールしてそういう奏法をすると、下部雑音がほとんど出ない状態で音を鳴らすことができるようになるそうです。


打鍵の角度や速度を変化させることで１つ１つの音の強弱や音色をコントロールしていることがよくわかります。とても精緻な技術だと思います。


著名人でもない限り普通の音楽界の人はSNSとかやっていない人が多いよ
SNSやってる人は繋がりや交流目的の人も多いだろうけど家賃が払えなくなるのも時間の問題w 他人の不幸は蜜の味とか自己紹介すごすぎるね
てか常日頃自分が持っている考えを他の人も同じように感じてるとしか思えないのも
なんか知能が計り知れてしまうよね
譲り受けた田舎のバラックは、リフォーム代いくらかかるかなw
大変だね、お疲れすw
分母的に考えると承認欲求が多い人が世間より多いんだと思う
あんまり上手くない誰かさんが代表例だと思う。この界隈は他人に認められないと食っていけないから
承認欲求は誰もがメチャクチャ高そう

[169 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:23:12.99 ID:I95kW3hO]

ロシア的なのは、その音色です。3人とも、かなり荘厳な響きだと思います。キーシンやアルゲリッチって意外とハイフィンガーですよね。(日本のハイフィンガーの様に手を固くはしていないけど。)
皆それぞれ体格や指のサイズも違うのに、「こういった奏法がロシア奏法！」というのは間違いです。
ロシアン・ピアニズムを勘違いして翻訳してるだけだと思います。
例えば、日本人で多く見られるのは、先生に「ここはこう弾いて」「ここは手をこうあげて」「メトロノームの様に正確なテンポで」と言われ、まるでお人形の様に先生の言われた事を完璧に弾けてしまう日本の子供達！
例えば、これこそジャパニーズ・ピアニズムだと思うのですが、文化も体格も違う外国人が真似しようとして出来ると思いますか？
出来ないです。何故なら、大体の外国の子は、「ただ機械的に言われた通りにやる」事は何故か出来ない子が多い。不器用というか、自分が納得いかないと出来ないという特質を持っています。だから、外国の教師はレベル高い人多いです。音楽の本質を教師にしっかり理解させないと、皆ついてこないからです。
けれど、日本人が外国人教師に習っても、やはり「言われた通り、まじめに真似して弾く」になってしまいます。外国人は、「なんて器用なの？」と思うそうですが、じゃあこのジャパニーズ・メソードを教えるっていっても難しいのではないのでしょうか？

一般的には豊かな音色と力強い表現力を特徴とするピアノの演奏法を指します。具体的なテクニックとしては、手の形を保ちつつ、腕全体を使って深く鍵盤を打つことで、豊かな倍音と大きな音量を出すことが挙げられます。しかし、ロシア奏法と一言で言っても、ホロヴィッツやアルゲリッツ、キーシンなど、個々のピアニストによってその解釈や実践方法は異なります。また、ロシア奏法という言葉自体が、特定の学派や教育体系を指すわけではなく、あくまで一つの演奏スタイルを表す概念であるため、明確な定義や決まったフォームは存在しません。そのため、手元を見ても一概には判断できないと言えます。 ※この回答はOpenAIのGPT-4で作成されており、最新の情報や完全な正確性等を保証するものではありません。




学生時代から、私は過度に滑らかな協和音に反対していました。クラシック音楽の授業で何年もかけてそれらの協和音に飽き飽きしていたからです。
そして、ジャズの道へ進みました。そして、学校で大好きだったビートルズも、今のサウンドでは満足できないんです。
サウンドにもっとテクスチャが欲しいです。私のレパートリーにはビートルズの曲も入っていますが、ジャズアレンジになっています（私のものではありません！）。
でも今は音符から演奏しているので、今のところは疑似ジャズです。

そして作者はほとんど止まることなく話し、ほとんど遊んでいません。
作業はたくさんあります...でも、このは気に入っています...他に本当に必要な人はいますか?
なぜそれが需要があるのか​​をより明確にするために、私はその使ったゲーム状況を作成することにしました。


以下に最初の5分間を掲載します。今後は読者からのリクエストに応じてのみを続けていきます。

[170 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:28:25.35 ID:VKsfLkXJ0]

揮者と一体となって演奏していたという事実は変わりません。この演奏には両方の要素が不可欠ですが、
ヒンドヤン率いるオーケストラが絶えず魔法をかけ続けなければ、これほどまでに目がくらむような衝撃は得られなかったことでしょう。

だが、決勝進出者の非常に異なる功績を総括する前に、なぜブラッドフォードなのか。それは、リーズのタウンホールが現在改修工事中だからである（以前のラウンドは忠実なパートナーであるそこの大学で行われた）。
セントジョージホール（下の写真）は、私が書いた、街の建築の最高と最低に関する優れたガイドブック、ジョージ・シーランの『ブラッドフォード 50
ビルディング』によれば、1850 年当時の雰囲気を高めた最初の民衆娯楽施設であり、「工場、鋳物工場、醸造所、ビアハウス、酒類販売店、そして粗末な住宅が密集した不健全な混在」だった。
1851 年から 1853 年にかけてロックウッド & モーソンによってイタリア風パラディオ様式で建設されたこのホールは、シーランの本が 2017 年に出版された時点では「空っぽで荒廃した」
状態であった。それ以来、全面的な改装が行われ、広々とした玄関エリアと明るい色彩の講堂が設けられました。

かつての壮麗さを取り戻した他の建物には、同じ建築家による、後期のベネチアン ゴシック スタイルのウール取引所があり、
現在は英国で最も目立つ場所にあるウォーターストーンズ (下の写真) が入っています。そして、これが悪くない書店だと思うなら、市から 45マイル離れたモデル村ソルテアにあるメインの工場の驚くべき改装の一部に、別の書店があり、
その横にはブラッドフォード出身のデイヴィッド ホックニーの作品を部分的に展示する巨大な展示スペースがあり、彼の財政的支援が奇跡を起こすのに貢献しました (入場した後に
ブラッドフォード自体には最良と最悪の両方があり、リーズが多くの資金とナイトライフを吸い上げてしまいました。2025 年に英国文化都市になっても、十分には変わらないでしょう (
まだ EU 内にいたら何が達成できたか想像してみてください)。その多くがまだ空っぽのままのビクトリア朝の壮麗さの間には、電子タバコや携帯電話の店、ネイル バー、リーズ郊外の飲み屋が並ぶ
中心街があります。ホームレスが目立ち、パキスタンのイスラム教徒コミュニティだけが健全そうに見える（素晴らしくてお得なレストランの中には、セルフサービスの Karachi と、土曜日の午後 5 時には混雑する派手な International がある）。

金曜日と土曜日のセントジョージホールでは、繁栄が目の前に広がっていた。ヒンドヤンのスタイリッシュな指揮
を考えると、華やかさも感じられた。バルビローリがこのホールをヨーロッパ最高と評したのは誇張だったかもしれない。ややドライではあるものの、ヒンドヤン
はロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団から滑らかで雰囲気のあるピアニシムを引き出していた。初日の夜には部外者（予備リスト）のイギリス人ピアニスト、トレヴェリアンが、バルトークのノスタルジックな白鳥の歌、ピアノ協奏曲第3番を華麗に選曲したことで始まった。第1楽章の扱いはメゾフォルティスト過ぎてニュアンスが足りなかったが、緩徐楽章のアメリカン・カントリー
・アイドルではオーケストラとの魔法のような一体感が生まれ、フィナーレの早変わりするダンスもすべてうまくまとまっていた。 (下の写真はファイナリスト5名:トレヴェリアン、カン・ニー・
ルオン、ジェイデン・イジク=ズルコ、ジュンヤン・チェン、カイ=ミン・チャン)。

しかしカン・ニー・ルオン同様、トレヴェリアンも鍵盤から十分な音の魔法を引き出せなかった。ルオンのおかげでプロコフィエフのピアノ
協奏曲第3番のすべての要素が完璧に整ったが、作品には作曲家に匹敵する、活気があり、時折思索的な個性が必要だ。この2人に続くピアニストはすぐにさらなる可能性を示した。台湾系中国人の
ことでした？
カイ=ミン・チャンは詩人で、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第4番の静かな冒頭の和音の前

に完全な静寂をもたらしている。
この作品は私に新鮮な衝撃を与えた。よくあることだが、素晴らしいが決まりきったことであり、それはヒンドヤンとナルヒの功績でもあり、最初のオーケストラのトゥッティはとても自然に響いた。

[171 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:29:03.09 ID:CmrzndTz]

ダメだわ今日のローマン
こんなに崩れるのは絶対原因があるはず
時間かかってもきちんと立て直したほうがいい

[172 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:30:44.08]

ほんの数週間後に起こった革命がなかったとしても、
このやはり別れだったでしょう。ロマン主義への別れだったでしょう。
失っただけでなく（彼にとってソ連はではなかった）、音楽も失った。なぜなら、
彼にとって前衛音楽は音楽ではなかったからだ。しかし、ラフマニノフが最も引用される発言のひとつで認めているように、
彼は 85 パーセントが音楽家であり、人間性は 15 パーセントだけであった。
おそらく、彼も二度の敗北の痛みを同じような割合で感じたのだろう。

失っただけでなく、音楽も失いました。なぜなら、彼にとって前衛音楽は音楽ではなかったからです。
しかし、認めたように、彼は 85 パーセントが音楽家であり、
人間性はわずか 15 パーセントでした。二つの喪失の痛みを彼は同じような割合で感じていた可能性がある


主要な質問に戻り、最も難しい部分に答えてみたいと思います。なぜはピアニストだけでなく、でなく、何百万人もの人々に愛されているのでしょうか。

ここで答えを探す必要があるのは、私たちの心に深く刻まれた悲劇の中ではなく、
伝記上の状況の中ではなく、ピアニストのテクニックの特殊性の中ではなく、音楽そのもの、
その内容の中なのです。私はこの件とその構成要素をできるだけ簡潔に説明してみたいと思います。

非常に感情的で非の打ちどころのない美しいメロディーを書く才能を持っていました。
彼らは声を張り上げたいと思っており、
外部または内部の発声に喜びをもたらします。おそらく、主要な構成要素はハーモニーです。
豊富で柔軟性があり、涙腺や深部臓器に直接作用することができます。
ヨーロッパ音楽の和声的語彙から、黄金律、短七和音、盗用など、最も官能的なものをすべて選び出しています。
同時に、彼の和声スタイルはほとんどすぐに認識できます。彼の名前にちなんで名付けられたがあるのも当然です。


メロディーがほぼ常にステップ状である場合、それとは逆に、ハーモニックな動きは多くの場合4度から5度までのステップで実行されます。
これはふいごを膨らませ、「ソリスト」、つまりメロディーの肺に空気を満たすようです。

リズムもまた特徴的です。それは多くの場合男性的で、弾力性があり、力強く、
時には非常に女性的で柔らかく、催眠術のような滑らかな流れを生み出します。

ポリフォニックなテクスチャは常に呼吸しており、人工的に織られた織物ではなく、
生きている自然の物質という印象を与えます。
音楽形式は常に知覚に向けられている。その浮き彫りは人間の耳で完全に読み取ることができます。


クライマックスの創造に関しては、おそらくこの芸術に匹敵する者はいないだろう。
彼は、強い拍子で最高点に達するという古典的なクライマックスの法則をしばしば放棄する。

もっと正確に言うと、彼はそこで止まらない。頂点に達したように思えた瞬間、
弱拍でさらに高い音を出すのだ。この一見単純なテクニックが、私たちに重力に対する比類のない勝利感を与えてくれる。
最高潮は、喜びなしには知覚できない。なぜなら、私たちは音楽に合わせて必然的に呼吸を始め、
そして決定的な瞬間には、必然的に息が止まってしまうからだ。
ルイ ラングレ の の音楽監督としての在職期間 ほとんど モーツァルト フェスティバル オーケストラ 終了しました。お別れとして、彼は先週4晩にわたって2つのプログラムを指揮したが、彼が作った音楽は気分を高揚させ、驚くほど美しく、そしてついに勝利を収めた。

このアンサンブルはかつて同名のフェスティバルと関連付けられていましたが、それは静かに閉鎖されました 2019 年シーズン終了後. 。来年は選手たちが持つことになる 新しい名前と新しい音楽監督. 。しかし、音楽家を引き寄せるオーケストラ — のサウンド メトロポリタン オペラ, 、 ザ ニューヨーク フィルハーモニー, 聖ルカ管弦楽団’s および他のいくつかのグループ —（今日知られている） は ラングレ によって 建造.

“私が学び、共有したことで人生がより美しくなりました。” ラングレは金曜日、回想、反省、さらには音楽デモンストレーションのための休憩を挟みながら、延長された別れとなった夕方に聴衆に語った レナード バーンスタイン （彼が影響を受けた人物として挙げた）。ラングレは、モーツァルトのメロディーの作曲や交響曲第40番の調子の悪いメヌエットの欺瞞的な単純さを説明しながら、バンドを驚かせた。しかし、彼は自分自身を捕まえました: “これは講義ではなくコンサートです、” 彼は笑いながら言いました

[173 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:31:15.78]

根底にある 3 つのカテゴリーを特定することができ、
これらを組み合わせることで、なぜ彼の音楽がこれほどいるのかという疑問に対する答えが得られるように私には思えます。

最初のものを私は条件付きでエピクロス主義と呼びます。
あらゆる表現手段は、個別にも全体としても、私たちに直接体験される喜びを与えてくれます。
ここでがあっただけでなく、ピアニスト、指揮者でもあったということです。
彼のピアノ曲、さらには交響曲の楽譜でさえ、演奏者の肉体的



2番目のカテゴリーは美容カテゴリーです。時が経つにつれ、ラフマニノフのスタイルがモーツァルトのスタイルと同じくらい完璧であることがますます明らかになります。彼の音楽的質感は完璧だ。彼はサロン音楽やジプシー音楽などさまざまな音楽源を吸収しましたが、すべての影響を抽出して、いつでもすぐに認識できるスタイル、時には厳格なスタイルと呼びたくなるようなスタイルを作り上げました。


誠実さのカテゴリーの世界にとって、この概念はおそらく他のどの概念よりも重要です。
彼自身は芸術においては何よりも誠実さを重視した。
この格言に同意するのは難しい。誠実さ自体は絶対に何かを保証するものではなく、私たちは皆、聞くことが不可能な誠実な創作を数多く知っている。

重要なのは、芸術家が作品に誠実であったかどうかではなく、彼が創造した有機体にどれだけ誠実であったかであると私は思います。音楽は非常に誠実で信頼に満ちているように思えます。

彼女は、慣習や飾りや形式にとらわれず、直接、知的に、正直に私たちに話しかけます。なぜこのような感じなのでしょうか?



私の意見では、この誠実さは、最も厳格な創造的な選択と最高のヒアリング作業の結果です。
無骨さは、複雑で名人芸的な芸術です。
作曲家の語彙として、その時代に最大限の信頼、官能性、人間性、精神的な繊細さの雰囲気を醸し出す音の手段を選択しました。

そして、次のことが起こりました。音楽に前衛の時代が到来し、芸術と聴衆の関係がまったく異なる法則に従って構築され、誠実さというカテゴリーは事実上消滅しました。


しかし、私たちが知っているように、大多数の大衆は前衛芸術家たちを追従しなかった、あるいは追従できなかったのです。
歴史のこの段階では、人間の聴覚の進化はほぼ止まっていました。彼の頂点に立った時に起こったことと同じことが起こった。ロマン主義が最終的な頂点に達し、
前衛芸術へと「離脱」したとき、彼はなんとか舞い上がり、今もなおその崖っぷちに立っている
ロマン主義の真髄、つまり19世紀後半の人々と初頭にクラシック音楽を聴く人々の両方に可能な限り近い

[174 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:32:57.70 ID:sPLnK6Db0]

ショパンもリストもなし！）。その活気は際立っていましたが、ソリスト、指揮者、オーケストラの共同作業による最大の成果は、適切な色彩と表現力の強さによって、軽妙な中央楽章が深く心を奪われる演奏になり得ることを私たちに納得させたことです。
テーマ的には陳腐に聞こえることが多いのですが、その強迫的なメランコリーは、まさに古き良きラフマニノフの演奏のようでした。

それは二夜連続の大きなサプライズでした。今年の音楽祭が男女平等を強調する方向へ向かっていることを考えると、陳が首位を獲得してもおかしく
なかったでしょう。しかし最終的に、審査員長のイモージェン・クーパー氏、芸術監督のアダム・ゲートハウス氏、エレノア・アルベルガ氏（彼女のピアノ協奏曲は2021年の受賞者アリム・ベイシンバエフ氏によるもので、最近ヒンドヤンとRLPOによって初演されました）、マリアム・バタシュヴィリ氏、アドリアン・ブレンデル氏、サ・チェン氏、ティル・フェルナー氏、イングリッド・
フリター氏、そしてパベル・コレスニコフ氏という錚々たる面々がイジク＝ズルコ氏を選び、陳氏（下の写真）が2位を獲得しました。トレヴェリアン氏は5位、チャン氏は4位、ルオン氏は3位でした。最後の2つの順番は逆にしたかったのですが、以前の予選には参加しておらず、ソロ・レパートリー（現代音楽も豊富で、これも重要なポイントです）とカレイドスコープ
・チェンバー・コレクティブの著名なメンバーによる室内楽が競い合う準決勝を観戦して、追いつくのにかなりの時間が必要でした。他の賞も素晴らしいコンクールのウェブサイトに掲載されており、

見どころはたくさんあります。最高レベルのコンサートプログラムとして、見事に機能した2夜に感謝の意を表するしかありません。

>>59
見当違い

[175 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:33:44.06]

最初は好きじゃなかったのに、だんだん嫌いになって、その後急に好きになった人もいました。
最初は好きだったのに、その後逆に好きではなくなった人もいました。
一般的に、さまざまなオプションがあります。一目見ただけで、私にとって、巨大で壮大なもの、まるで全世界についての音楽のようであり、同時に一人称の物語のようにも思えました。

よく覚えていますよ。私はまだ小さかったのですが、すでに自分が何が好きで何が嫌いなのかを直感的に感じ始めていました。
音楽教育では、個人の意見を反映する余地はあまりありませんでした。かつてこう言われました。
「偉大な作曲家とは、偉大な人であるということ」しかし、
例えば、私は偉大なショパンに恋することができませんでした。
偉大なモーツァルトでさえも。しかし、何の疑問もなく、
すぐに「私の」作曲家になりました。


私は音楽や行動における感傷性に耐えられなかったのですが、は私にとって基準となりました。なぜなら、音楽を通して、下品さや感傷性、感受性に陥る危険を一瞬たりとも冒すことなく、
同時に非常に情熱的に、ほんの少しの乖離や合理性もなく、最も重要なことすべてについて語ることができるからです。

当時、作曲家になろうと決めたら、ような曲を書きたいとさえ思っていました。

何年も経ちました。彼の音楽そのものや演奏の録音に加えて、
彼の人生に関するさまざまな事実も知りました。そして彼は、ミュージシャンとしてだけではなく、彼の音楽と同じレベルの人間として、私の尊敬の念を抱かせるようになったのです。


彼の最大限の誠実さ、仕事、人々、そして世界に対する姿勢は、おそらくどんなミュージシャンにとっても、
どんな人にとっても達成不可能な模範となるでしょう。
ちなみに、彼の同僚たちが彼を作曲家としてまったく真剣に受け止めていなかったことを知ったとき、私はただショックを受けました。

彼は作曲せずにはいられない天才ピアニストとみなされていたが、作曲できなかったので古風なものを書いた。

愚かだから大衆に好かれるのだと言う。そして、彼は揺るぎない勇気で、そのような態度によって引き起こされた憂鬱と絶望を克服し、自分の感じた通りに前進しました。


一般的に、イノベーターは勇気を持っているとよく信じられています。彼らは現代的で時代を先取りしたことをしていますが、もちろん、同じ考えを持つ人以外には誰も理解しません。
古代では、この意味では物事はより単純でした。これはどのようなイノベーションなのでしょうか?
作曲は技術であり、流派であり、伝統であり、一連の規則です。自分の仕事をきちんとやりなさい、それだけです。
そして後に、個人間の競争が始まり、革新者たちの未来への道を妨げるあらゆるものが近代化の船から投げ捨てられると、
ゲームのルールは変化した。
ルールではなく、ゲームそのものです。そしてラフマニノフは自分がゲームから脱落したことに気づいた。 20 世紀は私たちの生活と芸術の両面でまさに活気に満ちているが、
新時代の新しい音楽を作る人々の観点から見ると、20 世紀はチャンスを逃し、過去にとどまっている。蒸気船の船長と乗客は、
蒸気船に乗っていない者は作曲家と見なされる資格がないと確信していました。
しかし遅れなかった。彼はこの船の乗客になることは絶対に不可能だと考えていた。この場合の勇気


自分なりの解釈の中で目指す、という、ピアノ弾きとしての気概の部分だけは、コンクールだろうが発表会だろうが、絶対に妥協してはいけません
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

[176 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:35:06.78]

作曲家、指揮者 - 小。神聖なる神。彼の才能はモーツァルトに匹敵します。
彼の純粋に音楽的な才能は非常に傑出しており、記憶力も完璧で、同時代の人々を驚かせました。
ある日グラズノフがセルゲイ・タネーエフを訪ね、新しく書いた交響曲を持ってきたという有名な話があります。
タネーエフは客にそれを演奏するよう説得した。この時点で、オーナーはすべてのドアに鍵をかけ、グラズノフに作業を開始するよう指示しました。
グラズノフが演奏し、その後会話と議論が始まりました。
30分後、タネーエフは「ああ、ドアは全部鍵をかけたけど、誰か来たかもしれない…」と言った。彼は出て行き、しばらくして連れて戻ってきて、
彼を紹介して「彼もちょうど交響曲を作曲したばかりです」と言った。
ピアノの前に座り、グラズノフの交響曲を演奏しました。彼はショックを受けた。
「これは私の交響曲です…誰にも見せていないのに、どこで知ったのですか？」ここでタネーエフは、
寝室に座って、初めて聞いた時からすべてを覚えていたという秘密を明かした。

理想的には、オーケストラはピアノのように聞こえるはずです。結局、テクスチャがいかに複雑であってもある要素が鳴り、他のすべてが取り除かれるような方法で演奏します。
意味のない音符はひとつもありません。ハシスの音にはそのような平凡さはない。何かが聞こえますが、それについて推測することしかできません...
彼が演奏するすべての音符は他の誰とも異なり、彼の演奏からは文化と歴史、チェーホフ、トルストイ、ツルゲーネフが聞こえます。そしてライフスタイルや人々も。

以前と比べて、世界的な名声は高まっています。私の先生、フライアーがベルリンでピアノ協奏曲を演奏した時、
皆が彼にこう言いました。「あなたは素晴らしいピアニストですが、なぜこんなにひどい曲を弾くのですか？ブラームスを弾かなきゃいけないのに…」
今では誰もそんなことは言いません。彼らはすでにいくつかのことを理解しているのです。
つまり、進歩しているということです。それは良いことです。

私にとって関連する物語や思い出。かつて、私がニューヨークでオーケストラにいた時、主催者に頼んで、街から約60キロ離れたラフマニノフの墓に行く機会を与えてもらいました。
オルガ・イワノヴナ（ドブロホトワ、巨匠の妻、注）と私がそこに到着したとき、何の標識も見当たりませんでした。墓地は広いので、探して歩かなければなりませんでした。私たちは絶望しかけていたのですが、突然ライラックの香りがしたので、そこへ向かいました。
そして墓に着きました…まるで海外にいるかのようでしたが、この片隅には的なもの、土着的なものがありました…




今週の最初のプログラムは、さまざまな作品を集めたものでした リュリ, モーツァルト, チャイコフスキー, コダリー そして ヴァレリー コールマン, 、オーケストラのテイスティング プラッターのアプローチを極端に取る。コールマン の 珍しい時代のファンファーレ, 弦楽や木管楽器を使わずに書かれたこの作品は、重層的で段階的な金管楽器の研究でした。オーケストラはコダリーの飽和した色とウィズバンのエネルギーを掘り下げました ガランタの踊り そして、モーツァルトの序曲とリュリからの選曲に豊かな音色をもたらしました ル ブルジョワ ジャンティオム.

27歳のヴァイオリニスト ランドール グースビー, ほとんどがモーツァルトでデビューしたチャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲 — では、その音色は甘美でエレガントで甘く、
シロップ状ではありませんでした。彼の無理のない気楽さと魅力的にリラックスしたビブラートが彼のレガートにしなやかさを与え、彼のトリルは運動能力ではなく優雅な行為でした。オーケストラが第1楽章の主要テーマで再び登場したとき、それはグースビーが培った喜びのカタルシスのように感じられた。

火曜日の文体のむち打ちと比較すると、金曜日は見事に明晰で、モーツァルトの最後の 3 つの交響曲を巡る歓喜のツアーでした。ラングレはこの曲を、モーツァルトの交響曲作品の “holy trinity” と呼んでいました。これらはすべて 1788 年の夏に書かれました。プログラムの機会の感覚、その集大成の感覚は、ラングレを切なく回した; 彼は案内係、ステージクルー、セキュリティ担当者に感謝し、彼が自分自身を雇ったほとんどのモーツァルト奏者に誇りを表明しました。“この場所は私にとって魔法のままです、”

[177 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 02:45:11.57]

活気、効力、効率性に優れたモーツァルト人です。モーツァルトは、音楽の本質的な協和音 — を反映して、色、スタイル、実行のバランスを取るオーケストラを必要とする調和 — についての曲ですが、ラングレはその品質を出発点として扱います。その後、彼はロマンスなどの表現の自由を見つけますが、それを鋭く攻撃します。音楽はきちんと飛び回りながら、感情を爆発させます。

作品は、奏者が朗々としたドラマを解き放った交響曲第 39 番から始まり、年代順に並べられました アダージョ=アレグロ そして、完全に考え出されたメロディーのステートメント アンダンテ コン モト （どのが取り上げられたか） クリストファー ペル’s dreamy clarinet。ラングレはメヌエットの切り取られたフレーズを短く変更せず、最後のアレグロには風が吹き荒れる性質がありました。

彼はこれらの後期交響曲に拡張することなく拡張性をもたらし、速度を落とすことなく呼吸を可能にしました。40日、ラングレは不安と解放を常に緊張させ続ける、細い音で満たされた高速で精巧な開口部を作り上げた。の The アレグロ アッサイ, 、活気に満ち、ダッシュだけでなく、エレガントなフォームを持っていた。

金曜日の休憩の後、ラングレ氏は率直に答えた。彼は、“リンカーン センターがエリート主義であるため、あまり古典的ではないものを提示したいと考えている方法に反発し、” センターはモーストリー モーツァルトの作品を放棄することなくヒップホップと R&B を採用することができ、またそうすべきであると付け加えた。彼は聴衆に、たとえモーツァルトの名前がオーケストラから “消去されていても、音楽家たちをサポートするために来年戻ってくるよう懇願した

ラングレはの偉大さを見出した 木星 壮大さよりも思いやりのある交響曲。彼は積極的な開口部を和らげ、人間の — のずるい笑顔と寛大さの感覚に巧みに縮小しました。風がその独特の色で透けて見え、フガートのフィナーレは勢いよくかき回されました。

音楽には必ず失効があり、その素晴らしさによってプレイヤーは決して隠れることができません。時折、ヴァイオリンが灰色になったり、ホルンが輝きを失ったりすることもありました。アンダンテ カンタービレの終わりのない走り 木星 すべてではないにしても、ほとんどの場合、素晴らしい歌唱力を持っていました。

土曜日、ラングレのオーケストラとの最後のコンサートでは、ラングレが入場すると聴衆はスタンディングオベーションで彼を迎え、最後には20分近くにわたってラングレと選手たちに拍手を送った。

前夜、ラングレは を構成する 5 つのパートを通して — を話し、 — を歌っていました 木星 フーガは、オーケストラを率いてさらに熱狂的なアンコールを演奏します。最後の2回のコンサートでは、それぞれ赤いバラの花束が贈られ、各奏者に茎が配られた。彼は1つを聴衆に投げ、その後1つを自分のものにしました


インターロッヘン そしてそれ以降も、サマー プログラムは若いミュージシャンに凝縮された（しかし強烈な）体験を提供することで、学年の音楽教育を補完します。これらのプログラムでは、子供たちや十代の若者たちに、国内の他の地域から来た新しい指導者、さまざまな指導スタイル、友人を紹介すると同時に、高校卒業後の追求に必要な資格を強化するスキルや
人間関係を構築するのを支援します。

カーネギーホール の アメリカ合衆国国立青少年オーケストラ は相対的な新参者; 2013 年に創設されました、 NYO-USA すぐに第 2 オーケストラ、ジャズ アンサンブル、
そして音楽図書館、オーケストラの管理、作曲の見習いを含むまでに成長しました。財団、個人、企業からのスポンサーシップとは、参加者が負担する唯一の費用が往復の旅費であることを意味します 購入、ニューヨーク.

NYO-USA のコンポーザー プログラムは、教育だけでなく専門能力開発にも重点を置いた、低コストから無料の体験を構成します。大人の作曲家であっても、自分のオーケストラ作品を演奏してもらう機会はまれです。しかし、NYO-USA 2023 の作曲家見習いは、すでにオーケストラ作曲の課題に精通していました: ルーシー
チェン （メリーランド州ポトマック）と リリ マスウディ=ナマジ （ニュージャージー州クランフォード）はすでに州の青少年交響楽団プログラムを通じてオーケストラのために作曲していた。二人ともそうでした ルナラボ 2022-23シーズンのフェローたちは、インターナショナル・コンテンポラリー・アンサンブルによってそれぞれの作品の初演を獲得しました。

[178 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 03:02:37.78]

かつて、末期に、私は党の会合で、は私自身の作曲家だと言いました。
彼らは私に反対しました。「何を言っているんだ？移民は親戚にはなれない」何か説明しようとしたけど、
無駄だった。そして叱責を受けた。ありがたいことに、あれは人生で唯一の叱責だった。
二度とこんなことはなかった。でも、この叱責はきっと誇りに思えるものだと思う。

自身と彼の音楽の影響は大きく、芸術の境界を超えています。
もし学校で祖国をることを学ばなかたら、音楽がそれを補ってくれるでしょう。ところで、西洋の演奏家にとって真に発見するのは非常に困難です。
人は彼の音楽を違った形で、より深く体験する。



たぶん、私たちの気持ちが大きいからでしょう。あるいは、広大なオープンスペースと関連して。
しかし、彼の音楽には、人には違った感じ方をする謎が秘められている。
言葉では説明できません。魂が震え、歌い、悲しみ、泣くとき。


私たちに時代を超えた衝動を送ります。彼の魂は音楽を通して「働き」、偉大な使命を果たします。

懐古趣味の作曲家であり、時代を逃した作曲家の一人。
時代を先取りしていたのではなく、逆に非常に遅れていた。
当時、そのような人は何人かいました。リヒャルト・シュトラウス、シベリウスなどです。
彼らは皆、音楽界でさまざまな影響力を持ち、全員が傑作、絶対的な「ヒット」、あるいは逆に絶対的な失敗と認識される作品を生み出しました。



彼らは歴史を創造しながらも、20世紀に生きながらえ、前世紀の子供であり続けた。新しい時代の先駆者ではなく、
過ぎ去った時代の吟遊詩人だったのだ。もちろん、彼らはそれぞれ独自の方法で革新性を示し、
特にシベリウスはそうであったが、彼が用いた手段は19世紀のものだった。

ヨーロッパ音楽におけるあらゆる時代のピアニスト芸術の発展の頂点の一つとなり、
作曲家としてシューマン、ショパン、リストがかつて切り開いた道を継承しました。後にこの路線
チャイコフスキー、ブラームス、アントン・ルービンシュタインといった当時のピアノ作曲家たち
（リスト自身のように必ずしも名手だったわけではない）。
しかし、ピアニスト作曲家としての価値の観点から見ると、これは純粋に 20 世紀に属する音楽の波 (ストラヴィンスキー、プロコフィエフ、バルトーク) の前の、
過去と未来の世紀の変わり目における、ヴィルトゥオーゾ ピアニズムの最後の頂点です。ドビュッシー、ラヴェルとともに

[179 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 08:48:49.81 ID:CmrzndTz]

おはようございます
鬼太郎後追い終了
なんというか、大人の演奏になっちゃったなぁという印象
聴く人を置いてけぼりにする没入感が魅力だったのに良くも悪くも手堅い無難な演奏するようになった

[180 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 08:50:25.71]

自身と彼の音楽の影響は大きく、芸術の境界を超えています。
もし学校で祖国をることを学ばなかたら、音楽がそれを補ってくれるでしょう。ところで、西洋の演奏家にとって真に発見するのは非常に困難です。
人は彼の音楽を違った形で、より深く体験する。
たぶん、私たちの気持ちが大きいからでしょう。あるいは、広大なオープンスペースと関連して。
しかし、彼の音楽には、人には違った感じ方をする謎が秘められている。
言葉では説明できません。魂が震え、歌い、悲しみ、泣くとき。


私たちに時代を超えた衝動を送ります。彼の魂は音楽を通して「働き」、偉大な使命を果たします。

懐古趣味の作曲家であり、時代を逃した作曲家の一人。
時代を先取りしていたのではなく、逆に非常に遅れていた。
当時、そのような人は何人かいました。リヒャルト・シュトラウス、シベリウスなどです。
彼らは皆、彼らは歴史を創造しながらも、20世紀に生きながらえ、前世紀の子供であり続けた。新しい時代の先駆者ではなく、
過ぎ去った時代の吟遊詩人だったのだ。もちろん、彼らはそれぞれ独自の方法で革新性を示し、
特にシベリウスはそうであったが、彼が用いた手段は19世紀のものだった。

ヨーロッパ音楽におけるあらゆる時代のピアニスト芸術の発展の頂点の一つとなり、
作曲家としてシューマン、ショパン、リストがかつて切り開いた道を継承しました。後にこの路線
チャイコフスキー、ブラームス、アントン・ルービンシュタインといった当時のピアノ作曲家たち
（リスト自身のように必ずしも名手だったわけではない）。
しかし、ピアニスト作曲家としての価値の観点から見ると、これは純粋に 20 世紀に属する音楽の波 (ストラヴィンスキー、プロコフィエフ、バルトーク) の前の、
過去と未来の世紀の変わり目における、ヴィルトゥオーゾ ピアニズムの最後の頂点です。

末期に、私は党の会合で、は私自身の作曲家だと言いました。
彼らは私に反対しました。「何を言っているんだ？移民は親戚にはなれない」何か説明しようとしたけど、
無駄だった。そして叱責を受けた。ありがたいことに、あれは人生で唯一の叱責だった。
二度とこんなことはなかった。でも、この叱責はきっと誇りに思えるものだと思う。

自身と彼の音楽の影響は大きく、芸術の境界を超えています。
もし学校で祖国をることを学ばなかたら、音楽がそれを補ってくれるでしょう。ところで、西洋の演奏家にとって真に発見するのは非常に困難です。
人は彼の音楽を違った形で、より深く体験する。
たぶん、私たちの気持ちが大きいからでしょう。あるいは、広大なオープンスペースと関連して。
しかし、彼の音楽には、人には違った感じ方をする謎が秘められている。
言葉では説明できません。音楽界でさまざまな影響力を持ち、全員が傑作、絶対的な「ヒット」、あるいは逆に絶対的な失敗と認識される作品を生み出しました。
オーケストラのための作曲は、小さなアンサンブルやソリストのための作曲とはまったく異なります。違いを説明し、NYO-USA のようなオーケストラに焦点を当てた見習いが作曲家にとってどのように役立つかを説明していただけますか？
オーケストラは若い作曲家にとって先進的な到達点とみなされることが多く、考えられるすべての理由から、オーケストラは規模が大きいため、芸術制作が始まる前に多くのトピックについて多くの知識が必要であり、多くの人が関与しており、それが複雑な問題を引き起こす可能性があります。また、それがどのように組み合わされても高価です。これらはすべて、作曲の経験、さらには作品自体に大きなプレッシャーを与える可能性があります。このようなプロジェクトに取り組むのは、どんな年齢であっても気が遠くなるかもしれませんが、私たちの弟子たちを音楽的発展の初期段階で奥深くに放り込むことについての 1 つのことは（ただし、実際には、私たちはブイを取り壊して彼らを放っておくだけだと私は主張します）上を泳いでください）それは、この経験が彼らの次の学習段階に織り込まれることができるということです、 ほとんどの学習機関で導入されている、ready“トラックのときに記述する典型的な ” ではありません。

80+ ミュージシャンのために書くことが “normal” の作曲行為にもたらすスケールと空間上の問題を “に追加するというアイデアは、標準的な作曲教育学と考えられており、このアプローチがそれを覆す可能性があることが気に入っています。明白なことを言うと、カーネギー ホールのような組織は、これらの超才能を使ってこれを行うことを可能にするリソースを提供する必要があります。

[181 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 08:52:04.03]

作曲家見習いとほぼ同年齢の演奏家をペアリングします。これらの仲間関係は、新しい音楽に関する COMPOSERS’ と PERFORMERS’ の経験にどのような影響を与えると思いますか？
これはまさにプログラムの核心であり、私たちが実習生を NYO-USA 環境に引き入れる理由です。10年前のNYO-USAの最初のシーズンで、私はオーケストラに、その中で存命の作曲家に出会った人、あるいは世界初演を行った人は誰なのか尋ねました。ほとんど誰も手を挙げなかった。毎年、その数は、戻ってきたNYO-USAメンバー以外は何もないとしても増加し、もはやそれほどエキゾチックとは考えられていません。

NYO-USA では最初から作曲家や新曲を深く参加させることが絶対に優先事項であり、多くのサマープログラムが長い間これを行ってきましたが、通常はミュージシャンの両方にとってレパートリーと消化の優先事項があります。この年齢と年長者。ブラームス 三 、 ショスタコーヴィチ 五 、 モーツァルト 木星 シシャインオーノーニー 、 ドン フアン: こ レ ラ ハレ ムチューアルシィ ニャガガヲ ティアット
真鍮のファンファーレを書く任務を負っていました。このジャンルの課題と機会は何ですか？また、実習生はそれらにどのように対処または破壊しましたか？
実習生がこの職業を体験する多くの方法の 1 つは、NYO の季節ごとに少しずつ異なることに気づくことです。 ダグラス ベック [カーネギー ホールのアーティスト トレーニング プログラムのディレクター] と私は、次のシーズンで何が可能になるかについて常に考えや計画を立てています（これは、プログラムされた他の作品、ツアー、会場、リハーサルのスケジュールなどによって大きく異なります）。)、そして私たちは実習生をできるだけ徹底的に参加させる方法を提供するよう努めています。

今年は、ツアープログラムで金管楽器とパーカッションがやるべきことは、たとえば、 アルペンシンフォニー 今年、私たちはこう考えました。この潜在的なプログラミングのギャップに作曲家を参加させるにはどうすればよいでしょうか？私の観点からすると、ページの両側の生徒にとっては双方にとってメリットがあります。私たちは、リリとルーシーの両方が理解していたものの、集中的に協力していなかったオーケストラの一部を少し深く掘り下げる機会がありました。彼らは両方とも自分自身の反映である作品を書きました — 私たちの実習生ではいつものように、2 つの作品は美味しく異なりました！— ですが、これは an の割り当てにも近づきました アミューズブーシュ まぁんはは、、、 彩峰出 彩峰なへ 全身 彩峰エァッ コハニー dicーリート precseuーニィー。臧ら は 蛟丹 ちが っ っ ヂ の の の 中出 繝 利尼 性考 と ゙ ゙ ゙ ゙ ゙。

“YOUTH PROGRAM” は、メンターシップに対する基本的または初歩的なアプローチを暗示することができますが、リリとルーシーは、オーケストラの作曲の要件にすでに精通しているあなたのところにやって来ました。すでに専門家を育成している作曲家見習いと協力



才能のバケツ、約束のバケツ、そして私たちは彼らの将来にゼロデザインを配置しながら、多くの課題と地平線を提供します。-私たちが一緒にいる間を探します。私たちは、応募者がポートフォリオ — にオーケストラ音楽を持っているかどうかを考慮しません。これは、ほぼ常に学生のアクセスと機会に関するものであり、学生の住んでいる場所によって大きく異なります —。しかし、私たちは学生のオーケストラに対する感情について考えることに多くのエネルギーを費やします。そして、私たちが協力する春から夏にかけてそれをどのように深めるか。作曲家卒業生の多くは新進アーティストとして本当に活躍していますが、NYO-USAの参加者はパーチェスでの経験やツアー以来、専門的に言えばさまざまな方向に進んでおり、作曲家も例外ではありません。詳細やトレーニングに関係なく、この経験が彼らに残るという考えが気に入っています。

[182 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:07:16.83]

作曲家のための環境が実質的に変化した10 年以上にわたり、NYO-USA見習い作曲家と仕事をしてきました: 競争力のある若手作曲家の機会が全国的にだけでなく、地域またはローカル組織でも成長していることに気付きましたか NYO-USA見習い申請書をレビューするとき、あなた自身もこの成長に気づきましたか？
私たちが年々苦労しているのは、年間 2 つの — をもたらす数との間の矛盾です。これにより、個々の — にとっては非常に個人化された幅広い経験となります。また、応募し、
応募する予定の高校生の作曲家の数との矛盾もあります。プログラムの恩恵を受けて成長します。アメリカの学生の生活の他の多くの側面と同様に、完全に無料のプログラムである NYO-USA に最も準備ができている作曲家が、大都市圏やクラシック音楽のトレーニングへのアクセスが豊富な場所から集まっていることがわかります。そして、そのトレーニングを受けるには
費用がかかりました。誰が応募するかを見て以来、それはまったく変わっていません。たとえ、履歴書をどんどん強化できる人もいるからです。


茶葉やビデオエッセイ、作品の中で私たちが本当に解析しようとしているもの。1弦楽四重奏曲は 潜在的 想像できるあらゆる方法で味覚を拡大するために、— は音楽的、知的、経験的に取り組んでいます。悲しいことに、しかし本当に、優れた訓練は優れた作曲家にはなりません。また、ページに心を注ぎながらも、記譜法の基本について多くの助けを必要とする 17 歳の音楽詩人もいます。私たちは最適なバランスを見つけ、作曲家の可能性を優先事項の中で顕著に考慮するよう努めています


ントゥ=マティアス ルーヴァリ 少なくともレパートリーの点では、ロンドンのあまり冒険的ではないオーケストラの一つとしてのオーケストラの地位を変えていない。これは音楽の演奏方法に対する批判ではありません。そして、公平を期すために言うと、私たちはある種の斬新さを持っていました。それは最初の完成品です プロムス の 演奏 リヒャルト シュトラウス の 初期の交響的幻想曲 Aus Italien 1903 年以来。

長く待つ価値があったのか？程度は限られていますが、これまでに起こったことの喜び、つまり真に高揚感を与えるパフォーマンスをこすり落とすには、確かに強力な作業が必要です


緩徐楽章では、ルヴァリとオーケストラが見事に同期し、放縦な態度をとらずに感情の重みを増すのに十分な速度を引き戻し、さらに感銘を与えました。そのすべての愛らしさと明瞭さに
顎が下がるのを感じたこともありました。ロンドのフィナーレでチョーのタッチが薄れてしまった場合は、主にショパンのそわそわを責めることができ、それらを十分に結び付けることなく、私たちに庶民的な喜びをスプレーすることができます。アンコールの選択、 ショパンの変ホ長調夜曲, 、hackneyedあったかもしれない; 再生は何でもなかった

寛大さのテーマに焦点を当てた今年のフェスティバルでは、16 か国の 40 以上のオーケストラと全体で 3,500 人を超えるアーティストが出演します。このフェスティバルでは、ルーマニアのオーケストラや世界の偉大なオーケストラ ‘に焦点を当てたコンサート シリーズのほか、若い聴衆を対象とした一連のファミリー コンサート、オペラの初演、子供向けの教育コンサートも開催さ
れます。




マセラルは次のように述べています。‘ジョルジュ・エネスク国際フェスティバルは、長年にわたって世界で最も重要な文化イベントの 1 つとなっています。そして、ルーマニアがこのフェスティバルのコンセプトを生み出し、その後長年にわたって支援してきたという事実は、文化と芸術に対する深い感謝の気持ちを証明しています。私は、エネスク自身の遺産を促進する上で素晴らしい声明を作成するというこの偉大な伝統を継続することに非常に意欲的です。’

[183 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:31:10.40 ID:ROErBRTZ]

おはようございます
179さんのレス入ったら即コピペ貼り再開してて気持ち悪い
監視して邪魔して何が楽しいんでしょう

[184 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:32:15.46]

マセラルは8月27日のフェスティバルのオープニングコンサートを自ら指揮し、指揮する ジョルジュ エネスク フィルハーモニー管弦楽団 ソリスト と ゴーティエ カピュソン. 。フェスティバルでは初のコンサートが開催されます クルージュ=ナポカ 8月31日、ピアニストを迎える アンドレイ ゴロガン の 沿い トランシルヴァニア フィルハーモニー管弦楽団 最近任命されたボルチモア交響楽団の音楽監督が指揮 ジョナサン ヘイワード.
エネスク国際フェスティバルは、1958 年から開催されている世界で最も重要なクラシック音楽イベントの 1 つです。第 26 回フェスティバルは 8 月 27 日から 9 月 24 日まで開催され、テーマは “Generosity through Music。” です このフェスティバルのプログラムには、3,500 人を超える世界で最も有名なアーティスト、16 か国の 40 以上のオーケストラ、オペラの初演、子供向けの教育コンサートなどが含まれます。プログラム全体が利用可能です ここ.

の The ジョルジュ エネスク フィルハーモニー管弦楽団 8月27日と9月12日の2回公演します。8月27日のコンサートで第26回フェスティバルの開幕を迎える。の The ブカレスト フィルハーモニー ガガンツルスール クリスティアン マセラール, 、 、 めるらやっしー ェェリェト と ゴーティエ カピュソン ソリ トト と し dite。に は, の いる 品 我青麻 られ アントニン ドヴォルザーク 、 ジョルジュ エネスク 、 瀹 し リヒャルト シュトラウス. 。。9 月12 日ハァリァオ ンアルリュ ェチィ チィィ ホゥルレレニィー 管兵装レチィ ガウ チェンツェン スール ジョルジュ エネスク フィルハーモニー 合唱団, 、 、 に 芒っ て 桑沙 れ た イオシフ イオン プルナー, 、 、 REFIN的 な コーディネート LESTALAム 出: ベンジャミン ブリテンの 指鋒の指鋒のヂと、コハニーdicート形則出上相沙レウル 玉螺laz「liーリー lh tombu」 ハンヌ リントゥ. カルメン リディア ヴィドゥ 新死衣テ ノ レヂィオウシュウティヂィト音ウェンゴンギョウオウシュウルスルネオノニレウルニ メトィィアア ヂィクゥイーテー ノ レヂィオウシュウシュウティヂィ。

の The マッジョ ムジカーレ管弦楽団と合唱団 8月28日と29日の2回公演します。最初のコンサートでは、聴衆はコンサートバージョンを聴く機会があります ヴェルディ の 指揮 オペラ オテロ ズービン メータ, 、 エネスクフェスティバル 名誉会長。2回目のコンサートでは、マエストロ メータの指揮のもと、ジョルジュ エネスクのオペラ『オイディペ』の前奏曲を聴きます グスタフ マーラー の 互 ⁇ wir2 瀹ハイル。

の The ロンドン 交響楽団 指揮者による2つのプログラムを聴衆に披露します サー サイモン ラトル:最初のコンサートは8月30日に宮殿ホールで開催され、マーラーが最後に完成させた交響曲第9番を含むプログラムが行われる。2回目のコンサートは8月31日に開催され、ジョルジュ エネスク（自然の声）と オリヴィエ メシアン （トゥランガリーラ 交響曲）の。 ピーター ドノホー （ピアノ）と シンシア ミラー （ondes martenot）がその夜のソリストとなり、ユニークで並外れたサウンドで聴衆を驚かせます。

の The キャピトル劇場管弦楽団 フロム トゥールーズはマエストロの指揮により、9月1 日と2 日に宮殿ホールで2 つのコンサートを開催する クリスチャン バデア. 。9月1日のコンサートでは、オーケストラの伴奏が行われます ルーマニア ラジオ アカデミック クワイア, 、 指揮者 用意 チプリアン ツツ, 、そしてソリストはになります ルノー カピュソン （ヴァイオリン）を。プログラムにはジョージ エネスクの作品が含まれます カミーユ サン=サーンス. 。第2回コンサートは指揮者の指揮のもと、9月2日に開催される ジョセップ ポンス, 、 、 莠ィーチィオシーンゥ ランバート ウィルソン （ニーリーーーー）、 マティアス ビダル （ ゚ niー）, 瀹 シ ダテ ヴァンサン ル テスティエ （rihliTohyth） の。語 LETHOULA mumに hl, に nomUR2 kus の l s POST 我去麻レマ su ヘクター ベルリオーズ:Moquntaini Ausuusa renai phil Spec『 Ri li affo u ar ri uth ri uth ra ela eli』 phic14b

[185 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:34:22.48]

The ルーマニア ユース オーケストラ 9月3日日曜日に宮殿ホールに登壇します。コンサートの指揮は、によって行われる ステファン アズベリー 、 フィーチャリングピアニスト ヤン リシエツキ ソリストとして。さらに、ルーマニア青少年オーケストラもコンサートに参加します フランス国立管弦楽団 9月22日、マエストロ・クリスティアン・マセラルが考案した形成的なサイド・バイ・サイド・プロジェクトで、ルーマニアの若い音楽家に著名な演奏家と一緒に演奏する機会を与える。

の The トーンハレ管弦楽団 フロム・チューリッヒは、ジョルジュ・エネスク国際フェスティバル期間中に9月4日と5日の2回公演します。第1 回コンサートは、によって指揮される パーヴォ ヤルヴィ。 ルーマニアのチェリスト アンドレイ イオニータ は作曲家の作品とともにエネスクのチェロ コンチェルタンテ ロ短調 作品8 を演奏する アルトゥール オネゲル と アントニン ドヴォルザーク。2回目のコンサートもパーヴォ ヤルヴィの指揮で行われます アントンブルックナー の 互莠
イスラエル フィルハーモニー管弦楽団 は 9 月 6 日 と 7 日 莠加 烈 トニ 烈 的 、 の 指鋒 降 出 ⁇ スール ラハヴ シャニ. 。。9 MONTH6Nu。suateyuNi'sコハニー dicート ガーズーフェッサーレマ su ギル シャハム ソ リ ト（丿ァイ オブリモイス）と し det,2 RIV 目ノコハニ ディカーリト ハレ アロ ニ トニ ンコ デリトフェッサ レマ su アレクサンドル カントロウ ソリ トト と し dite。洽 LETHOLA mumni hl, AJO LU RAYU etOh so Ch の s SEC Gatoma Lema su, セルゲイ プロコフィエフ

ウィーン フィルハーモニー管弦楽団 9月10-11日に指揮で公演する ヤクブ フルーシャ. 。9月10日日曜日にはコンサートが開催されます イゴール レヴィト ピアノ に。2回目のコンサートは同じ指揮のもと開催されます。プログラムには、ジョルジュ エネスクの作品が含まれます。、 レオシュ ヤナーチェク, 、 および セルゲイ ラフマニノフ。

の The バイエルン国立歌劇場管弦楽団 が指揮者主導で2 つのコンサートを行う ウラジーミル ジュロフスキ 、 2017年から2021年までエネスク・フェスティバルの芸術監督を務めた人物。9月13日のコンサートにはピアニストが出演します イェフィム ブロンフマン ソリストとして。プログラムには、による作品が含まれます リヒャルト ワーグナー 、 ロベルト シューマン 、 そしてソプラノをフィーチャーしたグスタフ マーラー ルイーズ アルダー. 。。2 RIV 目 の コカマ

国立放送管弦楽団 が実施する タン ドゥン 、 ハープ奏者をフィーチャー グザヴィエ ド メーストル ソリスト兼マルチメディアディレクターとして カルメン リヴィア ヴィドゥ, 誰がビデオ投影で音楽プログラムを説明しますか。聴衆は、指揮者タン ドゥン (“Nu Shu”) によるルーマニアの作品の初演と、有名な “Pictures による Exhibition” で鑑賞する機会があります

ハンガリー国立フィルハーモニー管弦楽団 は2 つのコンサートを行い、1 つはが指揮する シャルル デュトワ, 、 伝説 ピアニスト と マルタ アルゲリッチ セルゲイ・プロコフィエフのピアノ協奏曲第3番ハ長調を演奏。このプログラムには、ジョルジュ・エネスクとヘクター・ベルリオーズの作品も含まれます。2回目のコンサートは9月19日に行われ、クリスティアン マンデールが指揮し、以下が出演する シェク カネ=メイソン チェロ ソリストとして。

フランス合奏団 ル バルコン, 、 と共に ブカレスト国立歌劇場管弦楽団, 、 ザ 国立歌劇場 合唱団, 、 と の ラジオ アカデミック クワイア, 、が指揮し、9月20 日に公演を行う マキシム パスカル。 合唱団は指揮者が準備します ダニエル ジンガ （国立オペラ合唱団）とチプリアン・ツツ（ラジオ・アカデミック合唱団）。オーケストラと合唱団は、ルーマニアでの絶対初演でオリヴィエ・メシアンのオペラ「アッシジの聖フランシスコ」を演奏します。

クリスティアン・マセラール指揮フランス国立管弦楽団は、ジョルジュ・エネスク国際フェスティバルの一環として、9月21日から22日まで2回のコンサートを行う。最初のコンサートが開催されます アウグスティン ハデリヒ ヴァイオリンのソリストとして、2番目にはルーマニア ユース オーケストラのメンバーが伴奏します ジョルジュ エネスク フィルハーモニー 合唱団

[186 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:37:46.04 ID:ROErBRTZ]

昨日は全く聞けてないのでこれから後追いします

[187 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:37:52.97]

作業はたくさんあります...でも、このは気に入っています...他に本当に必要な人はいますか?
なぜそれが需要があるのか​​をより明確にするために、私はその使ったゲーム状況を作成することにしました。

当日は朝8時に会場に着かなければなりませんでした（私の乱れた睡眠スケジュールは大変でした）。というのも、審査は8時半から始まるからです。受付を済ませて、出場者待合室に入ると、
皆私よりずっと年上ばかりでした。周りに聞いてみると、ほとんどが私より5〜6歳年上で、音楽大学の学生か修士課程の学生（？！？！？）でした。


言うまでもなく、この時点で私の期待は大きく膨らんでいました。そして、かなり愚かな決断をしました。
時間があったので、ホールに行って何人かの演奏を聴いてみることにしたのです（主に、彼らが本当にそれほど上手ではない場合に備えて確認するためでした）。ところが、
最初の演奏者がリストの「リゴレット」の素晴らしいパラフレーズを弾ききったため、その確認は得られませんでした。その後、ショパンのスケルツォやリストの名曲がいくつか演奏されました。予想をはるかに超えるレベルの高さで、結果的にかなり緊張してしまいました。

一番ひどかったのは、演奏する直前、前の演奏が終わるまでコンサートホールの脇で待たなければならなかったことだった。そして、その人が演奏する「メフィスト・ワルツ第1番」を聴いたんだ。マジかよ、この人の演奏を聴くためなら金を払ってもいいくらいだ。音楽的すぎるわけじゃないけど、フレージングは​​素晴らしく、技術的な安定性も抜群だった。

それで、それをじっと聞いていた後、諦めてステージに上がって演奏することにしました。今思えば、彼の演奏を聴いて良かったのかもしれません。妙にリラックスできて、結果的にすごく上手く演奏できたんです。

これが私の（正直に言って、まったく貧血気味の）プログラムです。

ショパン 作品25 第7番 ハ長調 (チェロの遅い曲)

ラヴェルの「貴族と感傷的なワルツ」より第7番（この曲はミスが多すぎました… 完成していませんでした、笑）

ガーシュイン/ワイルド・エチュード第4番 - エンブレイサブル・ユー

ええ、結局、審査員がどういうわけか私の演奏をすごく気に入ってくれたおかげで、その後アイステズフォッドの他の部門も全部優勝しました。実は彼はシドニー国際コンクールにも出場していたんです。本当に本物だったんですね。

要するに、楽しい経験だったが、私がインポスター症候群にかかっているのか、それとも審査員が実際に非常に偏見を持っていたのか疑問が残る。


この曲は、難しさが全てではないと学んだ時のことを思い出させます。プロコフィエフ3番でピアノコンクールに出場し、自分のテクニックで皆を圧倒しようと考えていました。







ういうわけで、私は審査員が実際は非常に優秀であると思うのですが、難しい作品に騙されず、最も難しい作品を作った人に一等賞を与えるには経験と知識が必要です。

ピアノのコントロールが素晴らしく、フォルティッシモも決して過剰ではなく、すべてのラインがメロディアスに歌われ、とても感動的な演奏でした

[188 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:38:08.65 ID:+rfhL1lf0]

>>183
そうやっていちいち言うから駄目なのいい加減学習しなよ

荒らしに反応する馬鹿も荒らし

[189 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:41:36.20]

感情的な解釈で演奏されます。同じコンサートでは、エネスクのもう一つの傑作、ルーマニア狂詩曲イ長調作品11第1番がピアニストによって演奏されます キリル ゲルシュタイン
ロイヤル コンセルトヘボウ管弦楽団 は、大オーケストラシリーズだけでなく、ジョルジュ エネスク フェスティバル、伝統によると、9月23-24 日、両方のコンサートの若者の指揮で締めくくります クラウス メーケラ, 、アムステルダムを拠点とするオーケストラの新任音楽監督


年次発表のために戻ってくる前に、全米をツアーする室内楽アレンジメント 聖ヨハネ大聖堂 ニューヨーク市で。による台本付き ピーター セラーズ と AMOC* メンバー による コンセプト ジュリア ブロックKさん、この作品は2023年12月11-21日までツアーを行います ハリマン=ジュエル シリーズ ミズーリ州リバティにて; スタンフォード ライブ, 、 スタンフォード カリフォルニア州; イェール大学 コネチカット州ニューヘブンで;そして最後に、聖ヨハネ大聖堂によって新しい休日の伝統として提示され、ニューヨークのゲストミュージシャンが参加します トリニティ ウォール街の合唱団.

エルニーニョ:キリスト降誕再考 AMOC* メンバーのソプラノ歌手ジュリア ブロック、ゲスト ソリストのコントラルトをフィーチャー ジャスミン ホワイト, 、 カウンターテナー アンソニー ロート コスタンツォ, 、 バスバリトン デイヴ タインズ, 、 ヴァイオリニスト キア ゴグウィルト そして ミランダ カクソン, 、 チェリスト コールマン イツコフ, 、 ベーシスト ダグ バリエット, 、 フルート奏者 エミ ファーガソン 、 ピアニスト コナー ハニック, 、 と パーカッショニスト ジョニー アレン.




エルニーニョ:キリスト降誕再考 が実施する クリスチャン レイフ, 、は新しいアレンジを制作し、でのジュリア ブロックのレジデンシーの一環として、最初の蒸留されたアレンジを初演した メトロポリタン 美術館, 、 どこ ニューヨーク タイムズ紙 は それを「親密で、影響力があり、静かに活動性に富んでいる」と呼んだ

「この蒸留されたレンダリングを考案するとき エルニーニョ:キリスト降誕再考, 、この音楽と詩をできるだけ多くの人々に届けるという希望に満ちた意図が常にありました。の素晴らしさと魔法を共有する素晴らしい機会です エルニーニョ より多くのコミュニティと個人が増えています」とブロック氏は語った。

エルニーニョ:キリスト降誕再考
音楽はジョン アダムス
ピーター セラーズによる台本編集
コンセプトと音楽セレクションはジュリア ブロック
クリスチャン レイフによる編曲

[190 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:43:42.70]

"エル ニノ これは私のお気に入りの音楽の一つです」とブロックは語った。「これはジョンとピーターの最大のコラボレーションの一つです。」

「私たちはそれを信じています エルニーニョ これはホリデーカノンの共鳴的な部分であり、それを海岸から海岸まで共有できることに興奮しており、セントジョン・ザ・ディバイン大聖堂に戻り、そこで費用の壁なく再び上演される予定です」とアメリカン・モダン・オペラ・カンパニーのエグゼクティブディレクター、コートニー・ケイシーは述べた。

「大聖堂は常に芸術を神の創造的な行為への人間の参加として捉えてきました。私たちの偉大な建物自体は、私たちが人間の美しさの探求をどれほど大切にしているかのしるしです。ジョン アダムス の エルニーニョ 芸術と信仰の出会いの現代的な例です。芸術が神の創造的な人生への窓となるために宗教的なテーマを持つ必要はありませんが、二人がとても美しく出会うのは幸せな偶然です。私たちはそれを願っています エルニーニョ 大聖堂のクリスマスのお祝いの恒久的な一部となり、市内の人々が祝日を祝う方法の一部となるでしょう」と大聖堂の学部長であるパトリック・マロイ博士は述べた

ピッツィカート andante cantabile の “感度パフォーマンス ” を強調します フローレンス プライス の 弦楽四重奏曲第2番、そして元気いっぱいのフィナーレに注目します ベートーヴェン の ベネズエラのヴァイオリニストが編曲したヴァイオリン ソナタ第9番 ルベン.

ミュージカル アメリカ “全体で感染力エネルギーを誇り、キューバ系アメリカ人のチェリストによる ” virtuoso パフォーマンス“を強調するディスク ” について語ります トミー メサ. 。さらに、 カルロス サイモン の ‘ビトウィーン ワールズ’ sphinx Competition Junior Winner からは、“が激しい情熱を持ってプレーしたと評され、賞賛を受けています アマリン オルメダ. 。”

グラモフォン マガジン デビュー録音を “a ノックアウトとして賞賛します。このプログラムは満足のいく幅広いスタイルを提供しており、アンサンブルのパフォーマンスは情熱的であると同時に一貫して洗練されています。Sphinx Virtuosi の聴衆と Sphinx Organization の貴重な継続的な成果を広げる機会を捉えた DG に敬意を表します。”



指揮者 ジェマ ニュー 複数のメジャーデビュー – とカナダの音楽監督としての最後のシーズンがハイライトとなる、2023/2024 年の世界的なシーズンに乗り出します ハミルトン フィルハーモニー管弦楽団. 。北米、ヨーロッパ、母国ニュージーランドを巡る厳しいスケジュールの中で、ニューは今シーズンデビューを果たします シカゴ交響楽団、ロンドン フィルハーモニー管弦楽団、フランス国立管弦楽団、ボルドー アキテーヌ国立管弦楽団、ルーアン ノルマンディー歌劇場管弦楽団、バンベルガー交響楽団、ハノーファー国立管弦楽団、エスパーニャ国立管弦楽団、バルセロナ交響楽団、ラハティ交響楽団、バンクーバー交響楽団

彼女のシーズンのハイライトの中で、ニューは彼女を作ります ロンドン フィルハーモニー管弦楽団 にて デビュー ロイヤル フェスティバル ホール オン 2024年3月22日金曜日, 、続くべき第二のプログラムを使って 2024年3月24日日曜日 at に イーストボーン コングレス シアター. 。ロイヤル フェスティバル ホールでは、ニューがオーケストラを指揮します ロミオとジュリエット, 、 Prokofiev の から 抜粋 を ペアリング プログラム ロミオとジュリエット チャイコフスキーの同名のオーケストラ作品からの幻想序曲付きバレエ。このプログラムにはモーツァルトのヴァイオリン協奏曲第3番も含まれており、アメリカのヴァイオリニスト、ランドール・グースビーが注目のソリストとして参加しています。

[191 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:46:32.27 ID:8pVhFsED]

貼ったついでに住人をバカ呼ばわり
荒らしのダブスタすげーw
マジモンの基地害

[192 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:46:34.67]

北米では、New がサブスクリプション デビューを果たします ロサンゼルス フィルハーモニー そして、彼女の総合デビュー作 シカゴ 交響楽団, 、 サブスクリプション プログラム 上 も。オン 1月6日土曜日 そして 1月7日日曜日, 、彼女はでロサンゼルス フィルハーモニー管弦楽団を指揮している モーツァルト の “Prague” 交響曲, 、ストラヴィンスキーも出演する番組 ダンス コンチェルタンテス と 現代 作曲家 ヴェロニカ クラウサス’ 世界初演作品 スフィンクス, 、 MaddocksBrown Fund for New Music の支援を受けて LA Phil から委託されました。オン 2月8日木曜日 そして 2024年2月10日土曜日, 、新がCをリードシカゴ 交響楽団 イン チョ ソンジンがベートーベンを演じる, 、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第3 番で国際的に評価の高いピアニストが出演するコンサート。このプログラムにはメンデルスゾーンの交響曲第3 番（スコットランド）とアーロン ジェイ カーニスの交響曲も収録されている ムジカ セレスティス。 北米デビュー作を締めくくるために、ニューは後にを指揮する バンクーバー 交響楽団 イン ホルスト の ザ プラネッツ & オーガスティン ハデリヒ オン


コンツェルトハレ・バンベルクの “オープン day” でオーケストラを率い、ベートーベンの交響曲第 5 番をフィーチャーしたプログラムでコンサート ホールの 30 周年を祝います。彼女の次の婚約は彼女を次の婚約に導きます オルケスタ ナシオナル デ エスパーニャ, 、彼女がオーケストラを指揮する場所 シンフォニック サイクル / アンリ デュティユーとジャン シベリウス


他の画期的な取り組みの中でも特に、を指揮しています ハミルトン フィルハーモニー管弦楽団 2023/2024シーズンのオープニングコンサートとクロージングコンサートの両方で。これにより、彼女のオーケストラでの 9 年間の活動に終止符が打たれました。オーケストラでの彼女のリーダーシップと仲間のアーティストとの相性は、“という素晴らしい集合体と呼ばれました。聴衆は、ミュージシャンと演壇の間の愛情と敬意をほぼ物理的に感じることができます” （オンタリオ アーツ）の. 。。ぬ ゅーる は いくっしょん っちょ ハミルトン スペクテイター: “ュリュァァイ シィヤマユヤウガイイーシィリィーシィナエウシヲセヲテクレタ多クノクノク感傷的ナツンミャイ

“見返りは驚くべきものでした。非常に重要なホルンソロは温かくて気楽で、今ではおなじみのメロディーが新生児に与えられた畏敬の念とともにオーケストラの周りを回り、金管がたまらなく輝いていました。”

“導体 ジェマ ニュー とても表現力豊かで、まるで音楽が彼女を通して伝えられているかのように感じられたので、彼女はそれぞれの作品と同期していました。彼女のスコアのページをめくるだけでもパフォーマンスの一部になりました。”

[193 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:48:26.61]

“ジェマ・ニューは見るのが楽しく、指揮もほとんどバレエでした。彼女は、この人気の高い作品とともに、オーケストラによる繊細でまとまりのあるパフォーマンスを生み出しました。”

コリンズ コラム 書きました:
“Gemma New は、音楽の絵画的特質を楽しみ、おとぎ話を物語や風光明媚な生活にもたらし、BBC スコットランドのメンバーからフルフレーバーだけでなく微妙に多様な演奏を描きました – 形があり、正確で、明晰で、オフステージと追加の金管楽器が優れた方法で演奏されました。視点。”

“それらの間で、Kolesnikov と Newfound は、付加価値を与えられた、より暗く、邪悪で、残念なもので、今ではあまり気晴らしではなく、作品を本当に開くための新鮮で適切な角度を持っています。”

ラークのレビュー 書きました:
“ニュージーランドの指揮者ジェマ ニューは、間違いなく前世のプリマ バレリーナであり、ドラマチックで筋肉質なジェスチャーで演出し、スコアを輝かしい仕上がりにするこのレパートリーに理想的であるように見えました。”

ンゼッジ 書きました:
“インターバルの後、ストラヴィンスキーのバレエ スコア「The Firebird –」は、ハイライトのみの組曲 – ではなく、完全に演奏され、ニューの常に表現力豊かな手で遅延満足。” の練習が行われました

古典的なソース 書きました:
“...作品の全体的な一貫性を損なうことなく、アニメーション化され勢いを維持した新しい安全な演奏。」

「細部への耳とオーケストラの質感への感覚を備えた新しい指揮...」

「...通常よりわずかに遅いテンポにより、ニューは素晴らしいオーケストラのディテールを引き出すことができました。アンダンテのオープニングはニューによって雄弁なストリングスで物欲しそうに表現され、コレスニコフの演奏は気楽で影響を受けませんでした。」


ガフィガンはベルリン・コーミッシェ・オペラとともに、2027年夏までオーケストラのリーダーシップを引き継ぎます。に 話す オペラワイヤー ガフィガン氏は就任に際し、「“私は将来、音楽総監督および芸術管理チームのメンバーとして、素晴らしいオーケストラとアンサンブル全体とともにこの組織を形成できることを誇りに思います」とコメントした。私は幼い頃から集中的な教育と文化体験を楽しむことができたことに感謝しています。ニューヨーク市の公教育制度がなければそれは不可能でした。なぜなら、私には本質的に資力がなかったからです。したがって、私はこの贈り物で何かを返すという自分の任務も考えています。Komische Oper Berlin。” でそれを行うのを楽しみにしています

ベルリン コーミッシェ オペラでのガフィガンの最初のシーズンは、2023 年 12 月 8 日金曜日、1923 年の作品を祝うプログラム「ドキュメンタリー シンフォニック コンサート –」で始まります バルトーク、ヴァルター コロ そして ダリウス ミヨー すべては 1923 年に初演されました。彼のシーズンは2023年12月15日から2024年1月21日まで続きます チャイコフスキー の リック オペラ ユージン オネーギン, 、2 人のトルコのスーパースターミュージシャンをフィーチャーしたニューイヤーコンサートとともに、 Cem エイドリアン そして ファズル セイ. 日から200日まで、
ガフィガンはベルリン コーミッシェ オペラを率いています リムスキー=コルサコフ の の ゴールデン コッカレル. 彼は指揮する ボウイ Meets Bruckner, 、opulence“の 2 人の ” マスター、19 世紀のオーストリアの作曲家と、画期的なアルバムを録音したイギリスのグラム ロッカーを並べるプログラム ヒーローズ ベルリンにいて、ベルリンと密接な関係がありました。この機会にユニークな雰囲気をもたらすこのプログラムは、ベルリンで開催されます ヴォルグトラーガー, 、 、 瀹キョウイシュンロープロノーザンロー地ニチニチサレタ工saiteshaitaイ ゙丿ノノーザンロー空
鈴。2024 年 3 MONSU15 日 ka La4 MONSU13 日馬出、牙眉ィ ガマーハーフィーフィィーオーオーシーユー ワーグナー の デア フリーゲンデ ホーレンダー （The Flying Dutchman）

[194 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:52:03.97]

ビニョリー 財団 presents “A Musical Celebration of the Life of Rafael Vinoly,” a special memorial concert at New York's カーネギー ホール. 。フィ
ーチャリング の フィラデルフィア 管弦楽団 そして音楽&芸術監督 ヤニック ネゼ=セガン, 、 の出演あり ジョナサン ビス、ジャズ アット リンカーン センターのアイザイア J トンプソン トリオ, 、 と 特別 ゲスト イツァーク パールマン, 、コンサートは、この3 月に亡くなった著名なウルグアイの建築家、ビニョリーを称えるものです。パフォーマンスによる収益の一部は、以前はとして知られていた非営利団体であるビニョリー財団に寄付されます ラファエル&ダイアナ ビニョリ財団。 この再献身的な組織は、建築、都市計画、音楽、芸術、科学の分野だけでなく、ラファエルの作品
の影響を強調することを目的とした遺産プロジェクトでも良いことを行うことで、ラファエルの遺産を引き継ぐことを目指しています。

遅刻 ラファエル ビニョリー (1944–2023) は、機能主導型で文脈にインスピレーションを得た建物が 6 大陸に名を残したウルグアイ生まれの並外れた建築家 “として称賛されています ”（建築ダイジェスト）。彼は、東京国際フォーラムやクリーブランド美術館、ニューヨークのジャズ アット リンカーン センターなどの象徴的な建物で記憶されています キンメル舞台芸術センター,


建築家の息子、 ロマン ビニョリ, 、 は ビニョリー 財団 理事。彼はこう言っています:

「音楽は父の最も純粋な情熱であり、熱心なピアノの勉強とほぼ絶え間ない傾聴を通じて父が日々育ててきました。ラファエル・ビニョリーは、何十年にもわたってカーネギー ホールの献身的な後援者として、そのコンサートの常連でした。彼の音楽への深い愛情は、フィラデルフィア管弦楽団とリンカーンセンターのジャズのホールを設計したことへの計り知れない誇りに満ちており、どちらも彼の栄誉を讃えるこの特別コンサートで演奏しています。彼は彼らの参加に謙虚になり、実質的に第二の故郷であった場所で自分の人生を祝っただろう。母、ダイアナ ビニョリー、そして私たちの家族を代表して、この特別な感謝の夜をヤニック、イツァーク、ジョナサン、そしてフィラデルフィア管弦楽団の友人たちと共有できることを楽しみにしています ジャズ リンカーンセンターで。”

マティアス タルノポルスキー, 、the Philadelphia Orchestra

“ラファエル・ビニョリー氏の今年初めの予期せぬ死は、建築界、音楽界、市民界に大きな穴を残した。ラファエルは建築と音楽に人生を捧げました。フィラデルフィア管弦楽団は幸運にも、彼の最も象徴的な作品の 1 つであるキンメル センターを本拠地と呼んでいます。ラファエルはこの作品のデザインに心血を注ぎ、芸術に対する彼の大きな愛と人間中心の包括的な空間への取り組みを体現したものとなっています。この秋、カーネギー ホールで音楽を通じて彼の生涯を祝うことができることを大変光栄に思います。”

フィラデルフィア管弦楽団は、カーネギーホールでの今後のコンサートのアンカーを務めます. 特別ゲスト出演では、卓越したヴァイオリンの名手イツァーク パールマンがネゼ=セガンとオーケストラに加わり、クライスラーの “Liebesfreud” と の両方を担当します ベートーヴェン の セカンド ロマンス。Isaiah J。Thompson Trio は厳選されたジャズ ナンバーを演奏し、ピアニスト

[195 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:53:13.51 ID:+rfhL1lf0]

>>191
こういう見当違いのイキリ馬鹿も恥ずかしいよな
馬鹿に馬鹿と言って何が悪い

[196 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:53:31.18]

移民文学は主にこの文化圏に属する人々にとって価値がある。ある種の文化的な「プリズム」を通して見られることが多いものの、国内でのみ愛されているわけではない。
彼に対する態度は、ポピュラーコンサートの作曲家としてだけでなく、その時代のあらゆる大変動が反映された「時代の現象」としてでもなく、
単に作曲家、音楽の創造者としての彼に対する態度は曖昧である。専門家の中にも、
作曲家としてのを無条件に愛する人々はほとんどいない。ピアノ協奏曲の前奏曲やハ短調の前奏曲は、
モーツァルトのトルコ行進曲やベートーベンの月光ソナタと並んで、
今でもヒットリストのトップに君臨していますが、これは作曲家への直接的な賛辞ではなく、
むしろアマチュアの飾らない趣味の証拠です。愛好家にとって音楽の主な価値は、後期の管弦楽曲、徹夜祈祷、ロマンス、練習曲、ピアノソナタにあります。
これらすべてを知覚するのはそれほど簡単な音楽ではありません。

私自身は、専門家の間でも「万人向けではない」難解な作品であるピアノ協奏曲の大ファンだと思っています。
これは、ロマン派音楽の後期傑作の一つである交響曲からのように、聴く者を決して入れない密閉された音楽です。
マーラー以降、ロマン派交響曲そのものは存在しなくなった。ツェムリンスキーの抒情交響曲を思い出すことができますが、これはすでに亜種です（特に声があるため）。
ショスタコーヴィチの交響曲はいくつかあるが、
もはやロマン派とは言えない。しかし、交響曲は、私にとって、本質的に不可能だった時代に音楽を書いたユニークな例です。



しかし、それにもかかわらず、この作品は、このジャンルのすべての法則を満たし、非常によく書かれていました。そして続きとして

コンサート。商業録音が終わった後も、はそれを「耕し」、「水をやり」、「肥料を与え」続け、最後の変更は死の直前に彼自身によって行われました。それを演奏する勇気のあるピアニストがいるときは、私はいつも第 4 協奏曲をプログラムに組み込むようにしています。
この作品には前作も後継作もありませんが、
第 3 版の歴史は第 1 協奏曲の改訂版と同じです。

これもまた、不思議な運命を辿った作品です。初期の音楽院作品として演奏された後、
消失し、に大幅に改訂されました。は、この曲から実質的に別の作品を作曲しました。第4でも同様の状況が発生しました。

私は十代の頃からに対して非常に敬虔な態度をとってきましたが、これはおそらく私の家族の歴史から来ているのでしょう。私の祖父は作曲家で、とても好んでいました。

[197 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:54:23.50]

リハーサル – 彼のピアノ協奏曲を作曲された年代順に一通り演奏した後、私はこの結論に達しました。
この点で彼は他の作曲家とは比べものにならない。彼の音楽の神秘は、それがコンサートのステージ上で生まれるということだ。
演劇がどれだけ人気があっても、上演される瞬間には新鮮さ、計画性なさ、インスピレーションが生まれます。

ソリストがオーケストラや指揮者とどのように交渉したとしても、コンサートのリハーサルからは仲間意識しか感じられない。
その他はすべて純粋な即興です。そして彼の音楽の魔法は、毎回新しいということだ。
私は協奏曲を300回以上演奏してきましたが、
その解釈を繰り返したことがないことを指摘したいと思います。

5つのコンサートを連続して開催することが私の夢でしたが、
昨年の11月に実現しました。それらを別々に演奏するのと、あたかもその期間中に作者の人生全体を生きるかのようにひとつのプログラムで演奏するのとでは、大きな違いがあります。
それらはまったく異なって聞こえ、特に第 4
に近づくと、ある時点で、自分自身ではないことに気づきます。すると、異世界の力が働き始めます。
ハーモニー、リズム、言語の面で第3とは根本的に異なります。
私がこの音楽を好きになったのは、これが彼の一番好きなピアノ協奏曲であるヴァレリー・ゲルギエフのおかげです。



私の地位が高く、キャリアを築くコンサートはすべて名前と結びついています。私はこれらの曲を、ヴァレリー・ゲルギエフ、ユーリ・テミルカーノフ、ロリン・マゼール、クルト・マズア、ズービン・メータらと演奏しました。
メータとは、ウラディミール・ホロヴィッツが第3協奏曲の最も有名な演奏のひとつを披露しました。
メータ氏は私に合同リハーサルのことを話してくれました。
そしてホロヴィッツ氏は彼について話しました。ホロヴィッツ氏は彼を知っており、尊敬しており、
二人は友好的な絆で結ばれていました。ホロヴィッツに旗印を渡したので、ホロヴィッツは演奏スタイル、音、静かなクライマックスなどを受け継いでいます。




ユーリ・テミルカーノフとのパリでの思い出深いコンサートについては、
何度も話してきましたが、そのとき孫で、ユニークな人物であるアレクサンドル・ボリソヴィチが私の楽屋に来て、セルゲイ・ヴァシリエヴィチの生徒の作品2曲、
フーガと組曲を持ってきたのです。私はセナールにあるピアノで録音しました。テンポやニュアンス、ストロークのない原文に従って作業しなければならなかったので、
その過程では共犯者のような立場でした。非常に成功し、多くの賞を受賞したこの録音の後、
製造元から特別に贈られた、ユニークな1928年製スタインウェイ・グランドピアノが、
その歴史で初めてセナールの境界を離れ、ホールで、通常の音響空間とはまったく異なる音色を奏でました。

鍵盤に触れると、ピアノが歌っていることに気づきます。
この楽器で、ショパンの作品、シューマンの謝肉祭などを録音しました。そしてその後、アレクサンダー・ボリソヴィチが私を財団の芸術監督に招いてくれました。
いつもとても馴染み深いです。私たちは強く感じるだろう
この点で彼は他の作曲家とは比べものにならない。彼の音楽の神秘は、それがコンサートのステージ上で生まれるということだ。
演劇がどれだけ人気があっても、上演される瞬間には新鮮さ、計画性なさ、インスピレーションが生まれます。

[198 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:56:17.47]

同じように興味がある人は、Walk That Bass 総合的なトレーニング ビデオ「どんな曲でもジャズ ソングにする方法」
個人的には、とても気に入りました（全体も同様です）。このレッスンでは、著者はビートルズの曲「Let It Be」を例に、ジャズのサウンドを加える方法を示しました。
最後で、彼は音楽的思考は常に歴史的に協和音から不協和音へ、そしてさらに大きな不協和音へと発展してきたと哲学的にまとめています。
私の意見では、非常に正しく指摘されています。これは弦の倍音の構造に似ています。
倍音の順序が高くなるにつれて、より微妙な問題に対処する必要があります。
単純な和音に過度に固執することは、音楽的思考がまだ幼稚であることを示しています。


学生時代から、私は過度に滑らかな協和音に反対していました。クラシック音楽の授業で何年もかけてそれらの協和音に飽き飽きしていたからです。
そして、ジャズの道へ進みました。




そして、学校で大好きだったビートルズも、今のサウンドでは満足できないんです。
サウンドにもっとテクスチャが欲しいです。私のレパートリーにはビートルズの曲も入っていますが、ジャズアレンジになっています（私のものではありません！）。
でも今は音符から演奏しているので、今のところは疑似ジャズです。

そして作者はほとんど止まることなく話し、ほとんど遊んでいません。
作業はたくさんあります...でも、このは気に入っています...他に本当に必要な人はいますか?
なぜそれが需要があるのか​​をより明確にするために、私はその使ったゲーム状況を作成することにしました。


彼は両親から音楽に一生懸命働くよう勧められた。彼の父親は黒人で、母親は韓国人です。9歳でソロデビュー ジャクソンビル（フロリダ州）交響楽団. 。11歳までに、彼はヴァイオリンのレッスンのために母親と一緒に毎月ニューヨーク市に旅行していました。その後すぐに、彼は伝説的なヴァイオリニストに師事し始めました イツァーク パールマン, 、メンターであり続けている人。

13歳で最年少優勝者となった スフィンクス協奏曲コンクール. 。彼は、a。の注目のソリストでもありました ニューヨーク フィルハーモニー ヤング ピープルズ コンサート。14歳の時に出演 NPRのトップから そして彼のキャリアの軌跡は衰える気配がない。

ランドールはまた、背景に関係なく、クラシック音楽をすべての人と共有することに情熱を持っており、教室、病院、コミュニティ センターで支援活動を行っています。彼は社会的、人種的正義感が強く、音楽を使ってそれに取り組んでいます。ジョージ・フロイド殺害後の抗議活動中、グースビーはクラシック音楽の不平等について話し合うために、著名な黒人ミュージシャンとの一連のオンライン講演会の開催に協力した

[199 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:58:15.18 ID:Dt11f8SB]

カルテットは、現在の構成で演奏活動を続けることを発表しました。ヴィオラ奏者のジュリアン・リーは、この夏、ボストン交響楽団に第2ヴァイオリン副首席奏者として復帰します

意外と「クラシック音楽」＝高尚、難解、取っ付きにくい、などといったイメージが、一般的には根強くあることに驚かされます。
クラシックもポップスもロックも、基本的には西洋音楽の調性や機能和声のシステムによる同根のものですが、クラシックの作品は長かったり、
楽器や編成による音色が多様であったり、強弱の幅が大きいものがあったりと、非常に情報量の多い音楽です。
さらには宗教、文化、風習といったコンテクストを色濃くまとった作品であれば（たとえば交響曲第○番というようなタイトルのない絶対音楽や、
タイトルがあっても「ミサ・ソレムニス」「レンミンカイネン組曲」という言葉が付いていたりすると）、なおさら“敷居”を感じ、
「私にはわからない」という見えないシャッターが下ろされるのも無理はありません。

しかし実際には、現代を生きる私たちは、ほぼ生まれたときから「ドレミ」の鳴り響く環境に育ち、学校の授業でも音楽作品に出会ってきました。ただし、
それが当たり前の環境となったのは、ほんのここ100年以内のことでしょう。 近代化とともに西洋音楽を取り入れた日本。それまで三味線や太鼓や尺八の音楽文化を生きていた人々にとって、
西洋音楽はまさに異文化との接触だったことは言うまでもありません。しばしば「音楽は世界の共通語」などと言われますが、それは少し乱暴な言い方で、
やはり音楽にも言語の文法に似たある種のシステムがあります。ドレミファソラシドという『音階』も、それに基づくハ長調やト短調といった『調性』も、
開国以前の日本の音楽にはなかったシステムです。それらに歩み寄るには、先人たちによる長年の研究や努力や工夫のプロセスを要しました。
1879年に音楽取調掛という、今の東京藝術大学の前身にあたる音楽教育機関が創設され、西洋音楽の文法を解きほぐしながら普及がなされていったのです。


彼ら17~19世紀の作曲家たちの音楽は、上述のような音階や調整や機能和声に基づくものです。そのシステムに則れば、音階固有音や、
それによって形成される三和音の一つ一つに「意味」や「機能」が見出されます。たとえば、あえてそのイメージを言葉にすれば、「ドは安定感、レで問題提起、ミで確認、ファで広がり、
ソで毅然とした態度、ラで揺らぎ、シで願望を抱いて、
ドに戻って解決し再び安定」といった役割があると捉えられるかもしれません。三和音にすると、耳で感覚的にわかるもの、感じ取れるものもあるでしょう。
作曲家たちは、漫然と音を手繰って曲を書いていたわけではなく、そうした音の役割や、ある種の文法を把握・意識しながら、充実した内容の作品を作り上げているわけです。
よって音楽作品とは、才気溢れる人々が発した、濃密な文化的メッセージです。作曲家たちが、知性と感性とを総動員させながら練り上げた芸術であり、
彼ら個人のメッセージや時代の空気感にも満ち溢れた創作物です。

現代の世界が抱える様々な問題、社会が取り組まねばならない課題に向き合うには、互いへの共感力、他者理解への努力、多様性を認め合う想像力が求められています。
大げさと思われるかもしれませんが、音楽芸術に向き合い、心震わせ、想像性・創造性に共感することは、私たちが今を生きる力を鍛えることにつながると思うのです。
かつて、大変興味深いエピソードを伺いました。来日中のあるピアニストが、自爆テロのニュースに接したとき、
『彼（テロリスト）には音楽が足りていないんだね』とさらりと一言おっしゃったというのです。おそらく、他者に共感する能力の不足がこうした惨事を招いてしまった、誤解されてしまった
という意味ではないかと思います。
人が音楽に出会い、楽譜に込められた作曲者の意図を解釈することも、演奏を通じてそれを表現することも、あるいは人と合奏することも、
他者の気持ちを汲み取り理解するコミュニケーションに他なりません。それこそが音楽を「学ぶ」こと、深め続けることの大きな意義と魅力ではないでしょうか

[200 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 09:59:40.28 ID:FiQzaIZT]

ショパンもリストもなし！）。その活気は際立っていましたが、ソリスト、指揮者、オーケストラの共同作業による最大の成果は、適切な色彩と表現力の強さによって、軽妙な中央楽章が深く心を奪われる演奏になり得ることを私たちに納得させたことです。
テーマ的には陳腐に聞こえることが多いのですが、その強迫的なメランコリーは、まさに古き良きラフマニノフの演奏のようでした。

それは二夜連続の大きなサプライズでした。今年の音楽祭が男女平等を強調する方向へ向かっていることを考えると、陳が首位を獲得してもおかしく
なかったでしょう。しかし最終的に、審査員長のイモージェン・クーパー氏、芸術監督のアダム・ゲートハウス氏、エレノア・アルベルガ氏（彼女のピアノ協奏曲は2021年の受賞者アリム・ベイシンバエフ氏によるもので、最近ヒンドヤンとRLPOによって初演されました）、マリアム・バタシュヴィリ氏、アドリアン・ブレンデル氏、サ・チェン氏、ティル・フェルナー氏、イングリッド・
フリター氏、そしてパベル・コレスニコフ氏という錚々たる面々がイジク＝ズルコ氏を選び、陳氏（下の写真）が2位を獲得しました。トレヴェリアン氏は5位、チャン氏は4位、ルオン氏は3位でした。最後の2つの順番は逆にしたかったのですが、以前の予選には参加しておらず、ソロ・レパートリー（現代音楽も豊富で、これも重要なポイントです）とカレイドスコープ
・チェンバー・コレクティブの著名なメンバーによる室内楽が競い合う準決勝を観戦して、追いつくのにかなりの時間が必要でした。他の賞も素晴らしいコンクールのウェブサイトに掲載されており、

見どころはたくさんあります。最高レベルのコンサートプログラムとして、見事に機能した2夜に感謝の意を表するしかありません。



ジョエル、ブライアン、ジュリアン、そしてカムデンの現在の構成で、これからも一緒にいることをとても嬉しく発表します！」
「私たちは妥協することなく、最高レベルの室内楽演奏に全力を尽くします」と彼らは付け加えた。「ステージに立つたびに、情熱、活気、興奮、そして（願わくば！）音楽の卓越性を皆さんと共有し続けられるよう、全力を尽くします。
ツアー期間中は、個々の活動とのバランスを取りながら、ドーバー・カルテットとして最高の芸術性で演奏を続けられるよう、演奏活動に注力していきます。この内省の期間を経て、共に創り出す魔法への感謝の気持ちがさらに深まったことを誇りに思います。ツアーで皆さんにお会いできるのが待ちきれません。
そして、私たちの旅路を共に歩んでくださったすべての方々に心から感謝しています。」




ソリストおよび室内楽奏者として活躍するリンクは、ヨハンセン国際コンクールやユーディ・メニューイン国際ヴァイオリンコンクールなど、数々のコンクールで最高賞を受賞しています。

リンクはドーバー四重奏団の一員として、2013年のバンフ国際弦楽四重奏コンクールで第1位とすべての特別賞を獲得し、2010年のフィッシュオフ全国室内楽コンクールでは金メダルとグランプリを獲得しました。

[201 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:00:03.25]

どんな曲でも曲に変える方法を教えます。では、非常にシンプルなポップソングを取り上げ、さまざまなコンセプトとテクニックを使って段階的に形式に変えていきます。
この最後までに、皆さんもどんな曲でもに演奏できるようになることを願っています。


これらの概念については、以前ので詳しく説明しました。つまり、このは、ある意味では、私の過去の多くを少し融合させたものになります。


しかし今回は、これらの概念を実際の実践にどのように適用できるかを説明します。
さらに、特にハーモニーの変化に関して多くの新しい情報が公開される予定です。
音楽をっぽくするために使えるテクニックはいくつかあります。
これらのさまざまなテクニックとコンセプトを使用することで、さまざまなレベルのジサウンドが得られます。



ここでは、次の紹介します。
1. 拡張。
2. 変更。
3. パッシングコード
4. 適切なコードボイスを選択する。
5. ハーモニーの変更）
A. 標準的な代替
B. 一般規則
6. メロディーに加える – 挿入、ハーモニー、パッシングノート、トリル、即興など




これらのテクニックをそれぞれ使用すると、
サウンドのレベルが異なります。軽やかな風味を醸し出すコード展開から、全体のハーモニーを変えるまで


置換用に作られた表記法ですが、個々のではなく進行全体を置換します。



置換については別ので説明しており、そこでは一般的に使用され、よく知られている置換のほとんどを取り上げているので、
ここでは詳しく説明しません。
代わりに、一部の変更が機能し、他の変更が機能しない理由を理解できるように、
一般的なルールまたは基礎となる理論を説明します。そうすれば、トライトーンの代替などの標準的な形式に従う代わりに、独自の代替を作成できます。

[202 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:01:41.38]

メロディーの主音に注目してください。
これは、各小節で最も重要な音を表すために私が作った言葉です。最も注目を集めるメモ。
この小節と最も調和的に一致する音符。
この概念は、この全体を通じて非常に重要になります。


各小節のメロディーの主音の選択は多少主観的ですが、
音が主音であるかどうかを決定する主な要因は次のとおりです。
· これが小節内の最初の音符であるかどうか。通常、小節内の最初の音符は、それに続く音符よりも重要です。
· 音符がリズミカルなビートに合わせて演奏されているかどうか。繰り返しになりますが、ビートに合わせて演奏される音符は、ビートから外れて演奏される音符よりも通常は重要です。
· 長い音符は短い音符よりも重要な意味を持ちます。
· 繰り返される音符は通常、繰り返されない音符よりも重要です。


基本的に、前述したように、メロディーの基音は小節内で最も重要な和声上の音符であり、
その音符を中心にハーモニーを構築します。つまり、他のすべての音符を通過音符として扱います。つまり、それらの音符は曲のハーモニーにとってそれほど重要ではないということです。


わかりました。では、三和音を使ったの通常のシンプルなポップバージョンをして、どんな音がするか聞いてみましょう。



運動、聴覚、視覚、感情を司る脳のさまざまな部分を活性化します。
脳の変化し適応する能力である神経可塑性を促進します。
これは、精神的な鋭さを維持し、加齢に伴う脳の変化を防ぐのに役立ちます。
リスチャン レイフ 自然な音楽性、革新的なプログラミング、技術的な指揮で評判を確立しています。この 2023/2024 シーズン、リーフは首席指揮者としての初シーズンを開始します イェヴレ交響楽団
ント。ルイ交響曲, シアトル シンフォニー, ミルウォーキー シンフォニー, フィルハーモニア管弦楽団, 、 および スウェーデン放送交響楽団, 、 さらに 夏 祭り 出演 グランド ティトン ミュージック フェスティバル と にて インターロッヘン. 。リーフは、ジョン アダムスの『エル ニーニョ』を独自にアレンジして指揮しています シンシナティ シンフォニー, 、 と で アメリカン モダン オペラ カンパニー にツアー中 スタンフォード 大学, イェール大学, ハリマン=ジュエル カンザスシティと 聖ヨハネ大聖堂 ニューヨークで。2022年以来、リーフはの音楽監督を務めています レイクスエリア音楽祭 ミネソタ州では、1 か月にわたるサマー フェスティバルが開催され、オペラや室内楽から交響楽団の演奏まで幅広いプログラムによる新作の委嘱とコミュニティ向けの無料コンサートが開催されました。

[203 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:07:00.76]

ピアノ音とヴァイオリン音を聴く場合、ピアノの訓練を積むと、ピアノの音を聴いたときの方が、ヴァイオリンの音を聴いたときよりも、音を感じ取る脳細胞は強く活動するようになります。
一方で、ヴァイオリンの訓練を積むと、その逆で、ピアノの音よりもヴァイオリンの音によく強く反応するようになります。訓練によって、良く聴く音の表情を微細に感じられるように、
脳が変化するのです。

これは言いかえると、必ずしも音楽家ではない聴衆の方の耳には、わずかな音色の違いは感じ取りにくい可能性があることを意味します。
では、膨大な練習時間を費やしてわずかな音色を変化させることは、音色の差を感じられる、ごく限られた聴衆のためだけのものなのでしょうか

キーを打鍵することによって、指の力が鍵盤に伝わります。この力が機構上ハンマーに伝わり慣性力を得たハンマーの頭部が弦を瞬間的に打ち、弦が発音し、
これによる音波が音として人の耳に聞こえるわけですよね



　これだけを考えると、打鍵から聴き手の耳に音が到達するまでのプロセスは至って単純であり、“ピアノのタッチは音に影響ないのだ”と主張する人がいるかも知れません。しかし、現実にはピアノで苦労した人はおわかりのように、タッチ（タッチの仕方を含めて）は音に微妙に、ときには大きく、影響します。
　これは、聴く人の耳に音が到達するまでに、さまざまに音（音質、音量）を左右する因子があり、それらが変化することによって聞こえる音が変わるからで、
これらの支配因子の存在を排除するわけにはね




加えて、これら以外に重要な事柄は、ピアノの音の物理的な大きさは、打鍵の加速度によって決まるということです。
これはごく短い時間を考えれば、音の大きさは打鍵速度に支配されると言って良いでしょう。鍵盤の上下の可動距離は1cm位と短いので打鍵時間（この場合鍵盤に指が触れて鍵盤の底に至るまでの時間）はごく短いと考えられますので、ピアノの音量は事実上、近似的に指による打鍵速度で決まることになります。他方、音の長さは、強音ペダル（右）を使用しない場合は、
指が鍵盤を下に押して持続している時間（持続時間）によって決まります。
本来ならばばらばらになっている音を人間が識別できない位の短時間の間に、いかにして同時に発音された複数の音にまとめて出すかがポイントです。（無論ピアノの音にはタッチのほか、ペダルの使い方が重要な影響を与えることは、周知のことです
音・和音が微妙に違って聞える原因のひとつもこの辺りにあると思います。このさらなる原因はタッチの仕方です。重音・和音はタッチの仕方によって大きく音がかわります。

減衰音ですので、強音の和音を出したい場合は、できるだけ同時に指をそろえて弾く必要があります。
ばらばらになると原理上強い音は得難いものです。加えてこの結果音色も違ったものになります。
短い音も残響の影響で裾を曳きますので普通に楽譜どおり弾かずに若干短めに弾くべきでしょう。
つまりタッチの仕方を調整することによって聴き手に聞える音楽そのものを作っています
音楽を聴く上で人間はひとつのタッチによる音だけを聴いているのではなく、
心理的には音のつながりとして自然に比較しながら聴いていると考えられますので、その意味では、ひとつのタッチによって生じた音は一連の音のつながりによって
コントロールされると云えます
上記からわかるように、ピアノのタッチだけでコントロールできるのは、単音の場合は打鍵速度と持続時間だけです。


しかし重音・和音になりますと、複数の指で“同時に”打鍵しますので、普通に考えると、復数の音が同時に出るように思われがちですが、実際は人間が打鍵する限りは、
時間スケールを細かくして分析的に見ますとばらばらになります（これはピアノの音が減衰音であることも一因）。これをいかに短時間に“ひとつの音のように”まとめるかがピアノの技術のひとつです。

[204 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:15:11.91 ID:a+vJFrws]

https://www.youtube.com/watch?v=rlU23MiKEqc

[205 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:16:03.31]

そのピアニストは有名なプレリュードハ短調を演奏した。そして、自分でもぜひそれを習いたいと思いました。

彼女の音楽は私をある種の熱狂に駆り立てたのです。
私は今でもそのときの気持ちを覚えています。
このプレリュードにはすでにすべて、つまりチャイム、表現、他の作曲家のものと混同できないハーモニーが含まれています。



それから何年も経ったプロコフィエフ国際指揮者コンクールの第1回大会で、
私は第2番を指揮しました。

そしてその少し前に、エフゲニー・フョードロヴィチ・スヴェトラーノフが誕生日を迎え、
テレビでは劇場で彼がこの交響曲を演奏する様子が放送されました。彼の解釈にはただただ驚かされた。



1か月後、彼はサンクトペテルブルク・フィルハーモニー管弦楽団を訪れ、私は彼の演奏を生で聴きました。
それは、一生忘れられない私の誕生日でした。私はバルコニーに立ってスヴェトラーの指揮を聴き、彼がいかに力強く作品の劇作術を構築し、音楽がいかに鋭く響くかに驚嘆した。
こうした印象が私の中で大きくなり、その後が私に目立つ機会を与え、最終的に勝利を収めることができました。

初めての海外ツアーでは、ベオグラード交響楽団と共演し、プログラムを演奏しました。

ニコライ・ルガンスキーが第3交響曲のソリストを務め、その後、再び第2交響曲を演奏しました。
そしてラフマニノフが私と一緒にいたとき、私のキャリアの中で多くの重要な出来事が起こりました。私は指揮をするのが大好きで、多くの楽譜を暗記して演奏します。

もちろん、生涯親交のあった芸術家、シャリアピンの街、カザンに到着したとき、私はこう思いました。
「なんて不公平なんだろう。シャリアピンの音楽祭はあるのに、音楽祭はないなんて。」そして彼はホワイトライラックフェスティバルを創設しました。

そして運命のいたずらか、デニス・マツーエフが孫のアレクサンダー2011年の私たちの最初のフェスティバルに連れて来てくれました。


彼は私たちのフェスティバルの名誉会長になることに同意し、フェスティバルを祝福してくれました。
私は幸運にも、孫に受け継がれたセナール邸を建て、長年そこに住んでいたヴァシリエヴィチ氏に、たった一度の握手を通じて親しくなれた。
アレクサンダー・ボリソヴィチは、私物、家具、文書、そして伝説的なピアノを救いました。
イェヴレ交響楽団のシーズン開幕コンサートを特集したプログラムで指揮する ボロディンの交響曲第2番, ラフマニノフのピアノ協奏曲第2番
チェリストとともにオーケストラを指揮するために戻ってきました シェク カネ=メイソン, 、 の 初演 で イェヴレ デビュー する ファインディング ロスコ ーア メトリパカノシツイエアアダンム シェェーマーヌィル ア チノシツレモノハレ
素晴らしいパフォーマンスもあれば、大地を破壊するパフォーマンスもあります。の初日の夜 シンシナティ交響楽団 シーズン、オーケストラによるストラヴィンスキーの “ の演奏春の儀式” under クリスチャン レイフ

[206 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:17:59.96]

演奏の特徴的な特殊性を構成する一時的なリズムとイントネーションの関係。

この方向では、リズムはイントネーションの完全性を生み出し、音の機能的なつながりを整理し、音楽のイメージを作り出す独自の能力を持っています。

すると、音楽プロセスの発展の劇的な機能である音楽の波が、動機、フレーズ、テクスチャのセルといったイントネーション構文の個々の単位になるのは驚くことではありません。

音楽の波動において、モノフォニックな表現のダイナミクスが 1 つの感情の発展に左右される場合、
ピアニストの注意を個々の表現の細部に切り替えると、流れは瞬間と気分のリズミカルな変化、感情のさまざまなニュアンスに例えられます。


音楽プロセスの特殊性はピアニストの影響によって表現され、
ピアニストは音の関係の特性（旋律、メトロポリスリズムの構成、和声の充填、旋律、ダイナミックパターン、テンポの特徴、発展のダイナミックプロファイル、アゴギクス、ダイナミクス、アーティキュレーション、作曲の構造）を改善し、
イントネーションとテクスチャの発展のプロフォームに従って修正および一般化できるようにします。
疑いなく、あらゆる演奏行為は、作曲の研究、必要な演奏技術の向上、音楽的記憶、注意、アイデア、感覚の活性化と結びついてのみ可能となります。
これらに、演奏者の視覚と聴覚の経験を加えることができます。

結局のところ、音楽作品に取り組むとき、ピアニストは、特定の目標や目的に関連して、特定のシフトが意識的に実行されるときに、音楽作品の行為（音符ありと音符なし）をゆっくりと解きほぐすタイプを含むさまざまな方法を使用します。
個々の断片に取り組むことで、音楽作品の「文法」規範を拡大、増加、減速、加速で表現できるようになり、新たな情報内容と表現力の幅が広がります。



そして、自動主義に至った、知覚における過剰な音の実現形態により、芸術家の具体化の個々の方法、作曲内容の具体化の特殊性を音のつながりの階層に記録することが可能になった。音楽素材を提示するプロセスにおいて、想像力は生きたチャネルとして、楽曲のイメージを再現します。

想像力は、さまざまな分析者の神経細胞が接続する大脳皮質の連合領域にあることが知られています。
再生産的想像力の結果として、特に感情的・比喩的表現を特定の組織形式に自発的に翻訳するプロセスが決定されます。図式的に言えば、このプロセスは次のように実装できます。

ビジュアルアナライザー（音楽テキスト）。
想像力（絵画的表現）。
モーターアナライザー（音楽テキストを音で表現したもの）。
複数回の繰り返しの結果、チャネル内に強力な接続が形成されます。
その能動的な形態は、反射形成によって、耳で知覚される音楽テキストの形で、また、運動動作表現、手、指、目、足、体の動きなどの空間的・時間的な物理的・音響的知覚における音楽テキストの再現を含む音響的比喩的想像力の形で作成されます。

ホログラフィックプレートと同様に、物体のイメージは人間の記憶に固定されているわけではなく、異なる周波数と位相（インパルスの開始時間）を持つ神経細胞の電気インパルスの追加（干渉）の結果です。
スピンアップのプロセス中に、異なる参照周波数の画像がメモリ内で結合されます。
したがって、そこに記録されたアイデアや画像は、
特にステージ上の音楽プロセスにおけるオブジェクトの連続的かつ正確な配置によって、参照周波数に応じて一連の画像に分解できるかのようです。

[207 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:21:55.90]

エイブリー・フィッシャー・キャリア・グラント、チェンバー・ミュージック・アメリカのクリーブランド・カルテット賞、リンカーン・センターのハント・ファミリー賞など

ちなみに、これは私にとって初めてのアイステズヴォッドです。規模はそれほど大きくないのですが、それでも市内で最も本格的なアイステズヴォッドの一
つだと考えられています。私は1ですが、年齢の計算方法により17歳とみなされ、出場できるのは17歳以上リサイタル賞（2曲以上、最長15分）のみでした。これは良いチャレンジになるだろうと思い、期待もほぼゼロでした。

当日は朝8時に会場に着かなければなりませんでした（私の乱れた睡眠スケジュールは大変でした）。というのも、審査は8時半から始まるからです。受付を済ませて、出場者待合室に入ると、
皆私よりずっと年上ばかりでした。周りに聞いてみると、ほとんどが私より5〜6歳年上で、音楽大学の学生か修士課程の学生（？！？！？）でした。

言うまでもなく、この時点で私の期待は大きく膨らんでいました。そして、かなり愚かな決断をしました。
時間があったので、ホールに行って何人かの演奏を聴いてみることにしたのです（主に、彼らが本当にそれほど上手ではない場合に備えて確認するためでした）。ところが、
最初の演奏者がリストの「リゴレット」の素晴らしいパラフレーズを弾ききったため、その確認は得られませんでした。その後、ショパンのスケルツォやリストの名曲がいくつか演奏されました。予想をはるかに超えるレベルの高さで、結果的にかなり緊張してしまいました。

一番ひどかったのは、演奏する直前、前の演奏が終わるまでコンサートホールの脇で待たなければならなかったことだった。そして、その人が演奏する「メフィスト・ワルツ第1番」を聴いたんだ。マジかよ、この人の演奏を聴くためなら金を払ってもいいくらいだ。音楽的すぎるわけじゃないけど、フレージングは​​素晴らしく、技術的な安定性も抜群だった。

それで、それをじっと聞いていた後、諦めてステージに上がって演奏することにしました。今思えば、彼の演奏を聴いて良かったのかもしれません。妙にリラックスできて、結果的にすごく上手く演奏できたんです。

これが私の（正直に言って、まったく貧血気味の）プログラムです。

ショパン 作品25 第7番 ハ長調 (チェロの遅い曲)

ラヴェルの「貴族と感傷的なワルツ」より第7番（この曲はミスが多すぎました… 完成していませんでした、笑）

ガーシュイン/ワイルド・エチュード第4番 - エンブレイサブル・ユー

ええ、結局、審査員がどういうわけか私の演奏をすごく気に入ってくれたおかげで、その部門で優勝することができました。メフィストの人は2位で、その後アイステズフォッドの他の部門も全部優勝しました。実は彼はシドニー国際コンクールにも出場していたんです。本当に本物だったんですね。

要するに、楽しい経験だったが、私がインポスター症候群にかかっているのか、それとも審査員が実際に非常に偏見を持っていたのか疑問が残る。


この曲は、難しさが全てではないと学んだ時のことを思い出させます。プロコフィエフ3番でピアノコンクールに出場し、自分のテクニックで皆を圧倒しようと考えていました。優勝したのはメンデルスゾーン1番を弾いていた女の子でした​​。特に変わったところはありませんでしたが、彼女の演奏は素晴らしく、すべての連弾が滑らかで軽やかで、まるでピアノの上で踊っているかのようでした。彼女は喜びに満ち溢れ、演奏に溢れていました。その日、私は音楽は曲の難しさではないと学び

ういうわけで、私は審査員が実際は非常に優秀であると思うのですが、難しい作品に騙されず、最も難しい作品を作った人に一等賞を与えるには経験と知識が必要です。

ピアノのコントロールが素晴らしく、フォルティッシモも決して過剰ではなく、すべてのラインがメロディアスに歌われ、とても感動的な演奏でした

[208 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:22:43.35 ID:CmrzndTz]

>>92
↑ウィーンベートーヴェンのセミファイナル結果です
長文に埋もれて気づかない人いるかもしれないので再掲します
HPで再確認済みです
ファイナリスト
Jonas Stark – Piano Concerto no. 4 in G major op. 58
Derek Hartman – Piano Concerto no. 4 in G major op. 58
Martin Nöbauer – Piano Concerto no. 3 in C minor op. 58

[209 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:23:01.48 ID:R2aGwEi0]

エリコンについて詳しく解説してます！
https://youtu.be/3zvOKutjyiI

[210 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:23:30.66]

演奏の特徴的な特殊性を構成する一時的なリズムとイントネーションの関係。

この方向では、リズムはイントネーションの完全性を生み出し、音の機能的なつながりを整理し、音楽のイメージを作り出す独自の能力を持っています。
すると、音楽プロセスの発展の劇的な機能である音楽の波が、動機、フレーズ、テクスチャのセルといったイントネーション構文の個々の単位になるのは驚くことではありません。
音楽の波動において、モノフォニックな表現のダイナミクスが 1 つの感情の発展に左右される場合、
ピアニストの注意を個々の表現の細部に切り替えると、流れは瞬間と気分のリズミカルな変化、感情のさまざまなニュアンスに例えられます。


音楽プロセスの特殊性はピアニストの影響によって表現され、
ピアニストは音の関係の特性（旋律、メトロポリスリズムの構成、和声の充填、旋律、ダイナミックパターン、テンポの特徴、発展のダイナ
イントネーションとテクスチャの発展のプロフォームに従って修正および一般化できるようにします。
疑いなく、あらゆる演奏行為は、作曲の研究、必要な演奏技術の向上、音楽的記憶、注意、アイデア、感覚の活性化と結びついてのみ可能となります。
これらに、演奏者の視覚と聴覚の経験を加えることができます。
結局のところ、音楽作品に取り組むとき、ピアニストは、特定の目標や目的に関連して、特定のシフトが意識的に実行されるときに、音楽作品の行為（音符ありと音符なし）をゆっくりと解きほぐすタイプを含むさまざまな方法を使用します。
個々の断片に取り組むことで、音楽作品の「文法」規範を拡大、増加、減速、加速で表現できるようになり、新たな情報内容と表現力の幅が広がります。
そして、自動主義に至った、知覚における過剰な音の実現形態により、芸術家の具体化の個々の方法、作曲内容の具体化の特殊性を音のつながりの階層に記録することが可能になった。音楽素材を提示するプロセスにおいて、想像力は生きたチャネルとして、楽曲のイメージを再現します。

想像力は、さまざまな分析者の神経細胞が接続する大脳皮質の連合領域にあることが知られています。
再生産的想像力の結果として、特に感情的・比喩的表現を特定の組織形式に自発的に翻訳するプロセスが決定されます。図式的に言えば、このプロセスは次のように実装できます。

ビジュアルアナライザー（音楽テキスト）。
想像力（絵画的表現）。
モーターアナライザー（音楽テキストを音で表現したもの）。
複数回の繰り返しの結果、チャネル内に強力な接続が形成されます。
その能動的な形態は、反射形成によって、耳で知覚される音楽テキストの形で、また、運動動作表現、手、指、目、足、体の動きなどの空間的・時間的な物理的・音響的知覚における音楽テキストの再現を含む音響的比喩的想像力の形で作成されます。

ホログラフィックプレートと同様に、物体のイメージは人間の記憶に固定されているわけではなく、異なる周波数と位相（インパルスの開始時間）を持つ神経細胞の電気インパルスの追加（干渉）の結果です。
スピンアップのプロセス中に、異なる参照周波数の画像がメモリ内で結合されます。
したがって、そこに記録されたアイデアや画像は、特にステージ上の音楽プロセスにおけるオブジェクトの連続的かつ正確な配置によって、参照周波数に応じて一連の画像に分解できるかのようです。

このホルンの重厚で時代楽器らしい音色はによく合います。
トリルは質が足りないようです。もう少し礼儀正しくして欲しい。
原子炉。音はあまり明瞭ではありません。第3楽章では、ベース部のハーモニーを伴うコーダが特徴です。
両方の音を強く鳴らしたときの音は豊かです。全体的な影響は良好です。
しかし、あまり完成度が高くない気がします。音の出し方が雑（控えめに言っても、ぎくしゃくしている）
品質が悪いと感じましいたのに、審査員の基準は何だったのでしょうか?
彼らはそれを評価すると思います。スコアでプレイするかどうかはチェックしません。
（審査員はそれを聞いてスコアを見ます。）それでは、私の感想を述べさせていただき
私にはこの仕事は向いていないと感じました。パフォーマンスについては、どう考えたらいいのかよく分かりません。
それほど素晴らしいものでもありません。
全体的には、まだ少し「良くない」です。

技術不足のように見えたが、第2ラウンドではうまく勝ち上がっ
（何よりも）。自分を表現したいという欲求もあります。
リズムも与えられます。強いて言えばマイナーになる部分の左側の部分

[211 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:25:55.84]

ビジュアルアナライザー（音楽テキスト）。
想像力（絵画的表現）。
モーターアナライザー（音楽テキストを音で表現したもの）。
複数回の繰り返しの結果、チャネル内に強力な接続が形成されます。
その能動的な形態は、反射形成によって、耳で知覚される音楽テキストの形で、また、運動動作表現、手、指、目、足、体の動きなどの空間的・時間的な物理的・音響的知覚における音楽テキストの再現を含む音響的比喩的想像力の形で作成されます。

音楽プロセスの発展の劇的な機能である音楽の波が、動機、フレーズ、テクスチャのセルといったイントネーション構文の個々の単位になるのは驚くことではありません。
音楽の波動において、モノフォニックな表現のダイナミクスが 1 つの感情の発展に左右される場合、
ピアニストの注意を個々の表現の細部に切り替えると、流れは瞬間と気分のリズミカルな変化、感情のさまざまなニュアンスに例えられます。


音楽プロセスの特殊性はピアニストの影響によって表現され、
ピアニストは音の関係の特性（旋律、メトロポリスリズムの構成、和声の充填、旋律、ダイナミックパターン、テンポの特徴、発展のダイナミックプロファイル、アゴギクス、ダイナミクス、アーティキュレーション、作曲の構造）を改善

ホログラフィックプレートと同様に、物体のイメージは人間の記憶に固定されているわけではなく、異なる周波数と位相（インパルスの開始時間）を持つ神経細胞の電気インパルスの追加（干渉）の結果です。
スピンアップのプロセス中に、異なる参照周波数の画像がメモリ内で結合されます。
したがって、そこに記録されたアイデアや画像は、特にステージ上の音楽プロセスにおけるオブジェクト

音楽的な才能は非常に傑出しており、記憶力も完璧で、同時代の人々を驚かせました。
ある日グラズノフがセルゲイ・タネーエフを訪ね、新しく書いた交響曲を持ってきたという有名な話があります。
タネーエフは客にそれを演奏するよう説得した。この時点で、オーナーはすべてのドアに鍵をかけ、グラズノフに作業を開始するよう指示しました。
グラズノフが演奏し、その後会話と議論が始まりました。
30分後、タネーエフは「ああ、ドアは全部鍵をかけたけど、誰か来たかもしれない…」と言った。彼は出て行き、しばらくして連れて戻ってきて、
彼を紹介して「彼もちょうど交響曲を作曲したばかりです」と言った。



ピアノの前に座り、グラズノフの交響曲を演奏しました。彼はショックを受けた。
「これは私の交響曲です…誰にも見せていないのに、どこで知ったのですか？」ここでタネーエフは、
寝室に座って、初めて聞いた時からすべてを覚えていたという秘密を明かした。

理想的には、オーケストラはピアノのように聞こえるはずです。結局、テクスチャがいかに複雑であってもある要素が鳴り、他のすべてが取り除かれるような方法で演奏します。
意味のない音符はひとつもありません。ハシスの音にはそのような平凡さはない。何かが聞こえますが、それについて推測することしかできません...
彼が演奏するすべての音符は他の誰とも異なり、彼の演奏からは文化と歴史
単純には押すことにより鍵盤の速さが遅くなる、と言う意味と考えて良いと思います。

ただ、押しても、ゆっくり指を立てて降ろしても、鍵盤を押すスピードが同じであれば、同じ音になります。

ここが「そんなことはない、押せば違う音色になる」と考えるから話がおかしくなるのです。

このあたり、よく科学的に考えてください。

もしも「押すタッチでしか音色は変化できない」という講師があったら、100％疑って間違い無いです。

たとえそれがどこぞの一部のロシアor重量（重力）奏法指導者によるとしてでも、です。

どちらが正しいかは、現在は科学が進歩した21世紀なので、ご自身でよく考えればわかることです。

ただ、実際は鍵盤を押す、と言う動作はゆっくりならば小さい音が出ますが、やや強く押すと、ものすごく鋭い音になります。

[212 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:27:44.76]

ピアノというのは、鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました。音色とピアノの音色が本当に変わるとすると、何がピアノの音色を決めるのでしょうか？これについては、いくつか研究があるのですが、その中で近年注目を集めている「打鍵時に生じるノイズ（雑音）」との関連についてご紹介します。

鍵盤を叩くと、机を叩くときと同様、「バン」といった雑音（ノイズ）が鳴ります。これはピアノを弾いているときには、通常それだけで聴こえにくいものです。「バン」と叩くノイズのわずか0.1秒かそれ以下の時間の後に、実際のピアノの音が鳴るので、耳は2つの音を分離して聴かずに、「混ざった一つの音」として認識

これは、エッセイのテーマが大きな変容の段階を経て、最高潮の波の頂点にある特定の感情的現象を肯定する、
最高潮の展開を反映するプロセスに特に特徴的です。特に、冒頭に述べられたテーマは、
その過程で変化を遂げ、最後には新たなサウンドを定義します。これは、演奏者の衝動的な指揮と、テーマの新しい質を形成する
着実に増大するエネルギーによって促進されます。 F. リストの考えに呼応して、E. G. ギレリスは次のように述べています。
「演奏は人を魅了し、喜ばせ、魅了することができる。しかし、音の美しさへの渇望が浸透していなければ、決して心に届くことはない。真の芸術家とは、一つ一つの音と音像全体の美しさに対する感受性を育む者だけである。」



ここでは、指が鍵盤に触れることで、聴覚運動選択を通じてさまざまな音の表現を探す指先の感度が発達するという、ピアニストの「タッチ」というタッチの質の重要性が指摘されています。

このようにして、オーケストラや合唱団の音、透明なパレットなどを表現する色を再現できます。これらの経験はミュージシャンの想像力に影響を与えます。

ベートーヴェン国際一般的に、この表現の原則は、カンティレーナのような音の移行をスムーズにする拡張型の展開の特徴でもあります。
次の効果がその例です: p、mp、まれにfのダイナミクスにおける滑らかで拡張されたボーカルのようなメロディックな動き、
フレーズの終わりに向かって建築的な完全性と丸みを帯びた具現化の時間が長い場合があり、
直接および戻りの動きに波のようなパターンがあり、中程度で穏やかで流動的なテンポがあり、
全体的なサウンドの方向性においてピアニストの願望が優先され、シフト間の境界が滑らかになっています。多くの場合、
ダンスの要素、振り付けの可塑性、音のイメージ、運動動作の形式、さらに詠唱、朗読、朗誦、ナレーションの効果が、
その構造に浸透することがあります。好ましい選択

[213 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:28:41.06 ID:a+vJFrws]

https://www.youtube.com/watch?v=xpG4PI63sOo

[214 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:29:19.06 ID:CmrzndTz]

クライバーンの聴衆賞の投票はここから
https://cliburn.org/competitions/2025-cliburn-competition/audience-award-vote
1日1回投票可能
不正防止のため都度メアド入力必要です

[215 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:29:25.64]

p、mp、まれにfのダイナミクスにおける滑らかで拡張されたボーカルのようなメロディックな動き、
フレーズの終わりに向かって建築的な完全性と丸みを帯びた具現化の時間が長い場合があり、
直接および戻りの動きに波のようなパターンがあり、中程度で穏やかで流動的なテンポがあり、
全体的なサウンドの方向性においてピアニストの願望が優先され、シフト間の境界が滑らかになっています。多くの場合、
ダンスの要素、振り付けの可塑性、音のイメージ、運動動作の形式、さらに詠唱、朗読、朗誦、ナレーションの効果が、
その構造に浸透することがあります。好ましい選択は、カンティレーナの音のつながりの一般的な特徴であり、広範なプレゼンテーションのタイプ、
広く長い呼吸のメロディー、穏やかで遅いテンポを区別し、演奏者の注意が連続した楽音の表現に集中します。時には、
発展におけるエントロピーの特性を拒絶するピアニストの感情的で筋肉質な音色の緊張や、予期せず現れる音響信号に対する聞き手の非定型的な反応が、
より鋭くなり、増大することがある。特定の形態のパフォーマンスに焦点を当てると、特定のサウンドオーラや環境における演奏者の存在という特別な心理的気分の形で表現される態度によって、
具体化の意味が規制されます。
この習慣のユニークさは、最初の母音が後続の「トーン」を設定し、単語の音節を「接着」する効果を生み出すときに、
会話の接辞による滑らかさに似た感覚によって明らかになります。これは、高次の構造からなる単一の構成になることもあります。
音楽の具体化においては、非正方形の構造が使用される可能性があり、音の融合と滑らかさをもたらします。
カザフ語の話し言葉のように、フレーズの離散性は、異なるリズムとイントネーションの構造の間で生じ、その中で、単語やフレーズの発音と同様に、
音の丸みや開き、有声音や無声音の法則が作用します。キーボードに触れるという特性の優位性、および構造全体の音色のトーンを設定する単語の最初の音節




特定の圧縮された局所的な思考行動としての音の立ち上がりの瞬間を決定する発達の先行時間要因の影響への言及は、
この音の具体化、つまりエネルギッシュなトーンの一般的な意味特性を決定します。
このように、nへの音の攻撃の瞬間
p、mp、まれにfのダイナミクスにおける滑らかで拡張されたボーカルのようなメロディックな動き、
フレーズの終わりに向かって建築的な完全性と丸みを帯びた具現化の時間が長い場合があり、
直接および戻りの動きに波のようなパターンがあり、中程度で穏やかで流動的なテンポがあり、
全体的なサウンドの方向性においてピアニストの願望が優先され、シフト間の境界が滑らかになっています。多くの場合、
ダンスの要素、振り付けの可塑性、音のイメージ、運動動作の形式、さらに詠唱、朗読、朗誦、ナレーションの効果が、
その構造に浸透することがあります。好ましい選択は、カンティレーナの音のつながりの一般的な特徴であり、広範なプレゼンテーションのタイプ、
広く長い呼吸のメロディー、穏やかで遅いテンポを区別し、演奏者の注意が連続した楽音の表現に集中します。時には、
発展におけるエントロピーの特性を拒絶するピアニストの感情的で筋肉質な音色の緊張や、予期せず現れる音響信号に対する聞き手の非定型的な反応が、
より鋭くなり、増大することがある。特定の形態のパフォーマンスに焦点を当てると、特定のサウンドオーラや環境における演奏者の存在という特別な心理的気分の形で表現される態度によって、
具体化の意味が規制されます。
この習慣のユニークさは、最初の母音が後続の「トーン」を設定し、単語の音節を「接着」する効果を生み出すときに、
会話の接辞による滑らかさに似た感覚によって明らかになります。これは、高次の構造からなる単一の構成になることもあります。
音楽の具体化においては、非正方形の構造が使用される可能性があり、音の融合と滑らかさをもたらします。

音の丸みや開き、有声音や無声音の法則が作用します。キーボードに触れるという特性の優位性、および構造全体の音色のトーンを設定する単語の最初の音節




特定の圧縮された局所的な思考行動としての音の立ち上がりの瞬間を決定する発達の先行時間要因の影響への言及は、
この音の具体化、つまりエネルギッシュなトーンの一般的な意味特性を決定します。
このように、nへの音の攻撃の瞬間p、mp、まれにfのダイナミクスにおける滑らかで拡張されたボーカルのようなメロディックな動き、

[216 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:29:54.58]

内部的には最もエネルギーに富み、情報生産性に優れます。


ここでは、展開の主なパラメータがプログラムされ、テーマのさらなる発展、その後のプロモーションの意味とガイドラインが整理されます。
対照的に、定常段階では、表現力を演奏する手段の発達においてエントロピーを克服する特性を特徴付ける効果が記録されますが、
この段階はピアニストにとってエネルギー的に長くなります。




この段階では、演奏者の注意を音のつながりの機能、つまり音の複合体に集中させることで、音の周波数スペクトルの変化、動きの特性、および明瞭度に注意を集中させます。

音楽の発展段階の類型的特徴はリズムであり、これは音の流れの中心部分で時間的に発展の方向と性質を追跡し、その際にピアニストはフェードアウトや響きの低下を避けるために、作曲の感情的および比喩的な計画を補完し、
挑戦し、肯定するテクスチャや音域の特性に注意を移すことができます。こうした状況は、音楽形式の発展の特殊性、つまり、波のような発展のダイナミクスの特殊性からの、ある種の開放性、
可動性、抽象性を支持しています。音楽家の心理生理学的観点から、ここでの主要かつ主導的な法則は、
演奏者の運動装置の自由度の向上であることに留意すべきである。プロセスの仮想性において、運動データが常に再生され、
次のような量の関係がカバーされます: f – 力、h – キーに下ろす前に上げた手の高さ、
m – 体の質量 (指、前腕、手全体)、v – ストライカーの速度、タッチの質など。キーが受け取るエネルギーを決定するのは、最後の値です。



ピアノにおけるこのような可塑性の独自性は、単一の音色のフレーズの展開の条件によって再現されます。 「強調」音の影響を排除することを目的とした、音同士の伝達の均一性と滑らかさは、旋律の流れと音楽の波をリードすることでイントネーションの回転を実行する「共調」ピアニストの隠れた努力によって生み出されます。多くの場合、モチーフを提示してリンクさせ、モチーフを垂直方向と水平方向に対位法で配置し、プロセスのエントロピーに対抗することで、全体的な発展の波の中に並行した一連の意味が導入されます。例えば、ブラームスやショパンを演奏する際、ノイハウスは非​​常に豊かで力強い音色で高音域を強調しました。


しかし、ここで重要なのは音響技術ではなく、思考プロセスの激しさを伝えるエネルギーです。伴奏と声の区別は、必ずしも身体表現の舞台芸術において支配的であったわけではない。 S・I・タネーエフはこの件についてこう語った。「以前は、彼らは集団でプレーしていたし、
それも表現力豊かだった。」 G. G. ノイハウスの演奏は、強弱の点では対照的とは言えないが、音域は分離されている。
音楽的特徴、比喩的構造の分割の質においてはむしろ対照的であるが、強さにおいては対照的ではない。強弱や音色の対比はありませんが、意味上の要素には多様性があります。


つまり、G. ノイハウスは、以前の音楽素材に戻るとき、それを記憶の中の経験として演奏したのです。
拡張型開発における不協和音によって生じる不安感や緊張感も和らげることができます。カンティレーナの要件、つまり声部の導きの直線的で水平な均一性に従って、ピアニストは、ポジションと接続（芸術的な目的に関連した運指の選択）によって、適切かつ便利な音のカバーを実現します。そして、これは感情的なメッセージのつながりに他なりません。感情的なメッセージは確かに存在し、作曲の音楽イメージの形成の原動力をますます生み出します。技術的な側面とは異なり、音楽的な素材にはさまざまなニュアンスが込められています。それはまさに声、反対、鏡映の反対方向の動きである

[217 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:30:32.51]

対立と鏡像は、作品の内容の多次元的、水平的展開に対するポリフォニーの意味に対応する、
さまざまなニュアンスとダイナミ
ックな多次元性を決定づけます。
最後の指がキーを完全に離れる前
に次のキーをスライドして
押すことで、真のレガートが実現されます。単声ラインでは、
この原則は 2 本の指を同時に操作すること、つまり「演奏者と演奏
者」に関連付けられます。
また、複音では、それぞれ 4 本の指が使用されます (両手、
または片方の手で両方の声部の正確な音の比率で一方の声部の音の均一性)。このテクニックを
実行する際の力のエネルギー消費は、作成される効果の明確な内部表現を含めることを前提
としています。インパルス伝導性では、パフォーマンス実装
のすべての手段の高度な抽象化と接続の多態性が明らかになります。



したがって、音の具体化の流動性が高まるほど、音楽作品の
解釈における抽象度が高くなります。ピアニストがレガートで演奏するときの指のテクニックの完成度の高さは、それと反対の
原理に焦点を当てながら、単位とエネルギーリソースの削減に比例します。これは、ノンレガート、スタッカートのタッチです。
これは、演者のエネルギーと時間の消費と実施技術によって確認されます。演奏者の注意を特定
の詳細、音楽構造の要素に切り替えると、インパルス伝導が促進されます。音の流れには、
ジェスチャー運動学、手全体、体全体、指のテクニック、動作の運動技能のテクニックが使用されます。具体的には、これには、舞踏の連結を弱強音のつながりを
強化した個別の発音に置き換えること、特別な運指を選択
すること、音の複合体や動機のアクセント付きの伝達を強化することが含まれます。
各段階およびレベルにおける構成技法としての因果関係は、
断片、アイデア、感情を区別するために使用されます。動的なプロセスでは、いくつかのグループ
が比較されます。このように、ジャンルの共生では異なるつながりが生まれます。これは、
音楽が気取った雰囲気から解放されることを説明することが多く、これにより、描写されている物事の本質をより深く理解できるようになります。
上記の技法は、その作用範囲内で、詠唱、朗誦、朗誦による暗示
など、さまざまな効果を生み出します。知覚においては、一貫した、または動きの速い、
個別の主題の展開の戦略において、個別の動機、リズムの公式、リズムのイントネーション、展開する音楽のダイナミクスを分離するために、音を精神的に再
編成します。このプロセスは、それによって決定されるリズムとイントネーションの構造によって構成されます。



テクスチャは、厳密な順序でなくても、比例して釣り合いがとれているが、
音楽プロセスの連続的な流れに関係するこのメカニズムは、
必ずしも記憶から固定されているわけではない。ピアニストが特定の（まるで宙に浮いたような）状態、「オアシス」に留まることで、
音楽プロセスのダイナミックな軸は、依然としていくつかの点
で支えられています。たとえば、ポリフォニーでは、
線形かつ水平な展開の原理がたどられ、ホモフォニック・ハーモニーでは、ピッチの変化や構造のメトロロリズム要素（音の機能的接続、参加する声部の数）
などがたどられます。これとは対照的に、この行為は技術的な観点から見ると衝動的に進行し、
その重要性は最高潮の波の頂点で特に強調されます。
結局のところ、音楽作品の静止部分、主題の発展の瞬間に、
演奏者は一連の「障害」に遭遇する可能性があります。これらは、構成内でフレーズの論理的な中心が変化する可能性がある、
終わりと始まりのフレーズの削減の瞬間です。この変化は、長い持続時間、強いビートで発生する音によって促進されます。
時には、それらの相互関係において、それらが終わる場所で論理的な休止をとることが不可能な場合があります。通常、展開されるのは思考ではなく、
その構成要素、たとえばスピーチの場合は単語、音節、音楽の場合は時間的に間隔を置いた音で
あることは誰もが知っています。したがって、演奏者にとっては音を通じて思考の糸を伸ばすことが重要です。さらに、データは、
イントネーションの傾向、変調、不随意制御の領域を引き付ける多様性を網羅していない。

[218 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:33:26.05]

非一貫性の演奏（ノンレガート、スタッカート）のストロークのインパルス伝導性は、
プレゼンテーションの離散性を決定し、テクスチャ（さまざまなレジスターゾーン）のリズムイントネーション構造の詳細化に貢献します。これにより、
ピアニストのエネルギー消費が、筋緊張の強さよりも注意の特性に切り替わります（カンティレーナの体現のように）。
ここでは、対比、近接、並置、相互接続の種類に応じてエッセイの内容のさまざまな詳細を具体化する際に、組み合わせの原則が主導的になります。
この立場では、音楽プロセスの発展のための特別な実質的な設定としての断片性は、ピアニストの筋肉装置全体を巻き込み、
ピアニストの運動装置の周期性、具体化の段階を決定し、楽器の音域を「階」に区切って、個々の構造の建築的な明快さの意味論に貢献します。時間的、直線的、水平的な具体化形式から解放され、
音楽的思考の空間的局在化に向かう​​ことは、カザフスタンの音楽の伝統における発展形式との類似性を示しています。
格言的に簡潔で、内容が豊かで、圧縮され、装飾的なリズムとイントネーションが個々のモチーフの形で形成され、文の表現的意味を集中させ、
ジャンルの共生をもたらします。ここでは、芸術性、インスピレーション、芸術的センス、即興性に加えて、正確さ、抑制、集中力、そしてミュージシャンの内面的な規律が必要です。



パフォーマンスの独自性は、イメージの可塑性と可視性によって決まります。その結果、音楽の絵は、具体的な詳細、重要で、現実的で、目に見える、可塑的な特徴で満たされます。

多くの場合、これらの特徴は、ポリリズムの組み合わせ、または多調的なアレンジの形でベースのコードまたはメロディーの動きと対照的な、不安定で幻想的な光の波の遊びの形で表現されます。
ペダルとレジスターの色の影響により、イントネーションの「分散」の印象が生まれます。
もちろん、そのような音楽は、聴覚イメージが視覚的な連想と結びついた知覚における直感的な理解を通じて表現されます。
演奏者の運動反応、身振りの運動学は、音楽のイメージ、音楽的思考の特徴を形成し、明らかにします。それらは独創性とパフォーマンスの表現力の特殊性を反映しています。
特定の技術手法の選択は、音楽素材自体によって決定されます。
なぜなら、それらは開発戦略の本質と音楽の波のダイナミクスを明確に示すからです。
特定の運動感覚、願望、演者の身振りなどの特定のテクニックは、発達の組織化要素の進歩に影響を与えます。この要素は、空想的で、しなやかで、柔軟で、流れるようで、機敏で、飛び跳ねるようなリハーサルの印象で、グラフィックで検証された旋律の流れ、変奏変奏の暗示、
連続的な展開、緊張の最高潮または低下への直接および戻りの衝動の進行を指示する意味論を作り出すことができます。旋律の出発線は矢印のように水平になり、
その細さ、太さ、幅はピアニストの演奏の速さ、エネルギー消費、強度に応じて変化します。


リズムとイントネーションの構造の発展において、主題が強烈で断続的で個別の感情的・比喩的な「焦点」によって表現されるとき、その対称的（バランスのとれた）および非対称的（アンバランスな）配置は独自の複雑さを生み出します。



カザフスタンのピアノ演奏文化の革新的な貢献は、上記の技術的方法の例によって実証できます。楽器演奏の方法論的原則に、音の新しい特性、音の連結性と差別化の他のコミュニケーション関係を定義する表現形式を補足することも同様に有益です。特に、構文内の音の音色の類似性は、表現の滑らかさと流動性に貢献するだけでなく、演奏の過程で音の活用の調子を高める感情的な現象を記録することができることは誰もが知っています。

[219 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:34:36.25 ID:cqVjpxId]

ピアノやコンクールについて詳しく簡潔に解説しています！
https://www.youtube.com/@%E3%83%94%E3%82%A2%E3%83%8E%E8%AC%9B%E5%B8%AB%E3%82%86%E3%81%86%E3%81%8D

[220 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:35:10.35]

音の親族関係に応じた水平線と垂直線の区別および相互関係。
この原理により、演奏に音色の特徴が与えられ、音楽イメージに色彩、明るさ、鈍さ、錯覚がもたらされます。
ある種の「タッチ」、つまりキーへのタッチは、作曲の内容との関連で、さまざまな感情、
身振りの可塑性、脈動の性質、投げる、落ちる、滑るといった動作の運動学を模倣することができます。解釈においては、
アタック音やアクセント音の変位、身振りの範囲、動きの滑らかさへの暗示が作り出されますが、これらは、聴覚と運動の協調思考において一定の
慣性レベルに達したときに音楽家の演奏装置において完成されます。音の短縮や延長、
和音の音量スケールの差別化、個々の主題の構成などのテクニックを扱うとき、ミュージシャンは二次モーメントの存在、指がキーに触れたときに生じる倍音、
楽器の仕組み、ペダルの使用に頻繁に遭遇します。知覚においては、「生きた」コミュニケーションと音の統一の印象が正確に、
そして必然的に生じます。データは、自由な道具的具体化の指標として、解釈の独自性に影響を与えます。重力、モード予測、
音楽テキストの特定の意味的ニュアンスの固定と強調、および演奏における暗示的特性と音楽心理学的戦略の主導的な参加によって、音楽プロセスの主要な（動的な）特性が再現されます。
これは、主題を具体化する集中的かつ広範な方法です。
音楽作品の具体化の現象には、ピアニストが演奏の本質を知的に洞察すること、ジャンル、
楽曲のスタイル、楽曲のイメージの特定、さまざまな脱線（ルバート）、言葉による指示、ベートーヴェン国際
ニュアンスの特徴、ストローク、アゴギックな調音特性、ミクロダイナミックスケールでの音波のダイナミックな増加またはその突然の成長、ゲームの特定の世俗性の反映、優雅さ、
魅惑的な響きなどが含まれます。これには、特に行進曲の特徴を具体化する場合のメトリックグリッドの保存をたどる原則や、測定された、または粘性のある、激しい演奏中に特定の「催眠術的な」流れを発することでリスナーを魅了する歴史のより遠い時代の例も含まれます。



一般に、提供される情報は、ピアノ演奏のさまざまな方法論的原則のすべてを網羅するものではありません。ここでの焦点は、
研究の詳細、音楽家の内なる願望に関連した演奏分野の主題の方法論、作曲を展開する行為、imt (B.V. Asafiev) の段階、
つまり提示、展開、構成の形での反復、展開、さまざまな作曲家によるピアノ作品の解釈における音楽テーマ
の再編成を経ることにあります。体系的なレベルの知識の継続性において、視野が広がりつつあります。

[221 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:36:21.49]

ピアニストの装置、知的荷物の補充。 （音楽作品の特徴、作者の演奏における編集方針、音楽およびグラフィックテキストに記録されている）。
これらのタスクは、楽器の演奏のさまざまな側面をカバーしており、本質的には、イントネーション展開の方法論は、具体化の信頼性に貢献し、演奏装置の硬直性の欠陥を排除することができます。
身体表現の質に取り組む際には、ピアニストの身体表現の音響特性の音色とダイナミックな発展を監視し、その本来の個々の表現を具体化することが必要である。
一方、音の流れのエネルギーを意識的に管理すると、解釈の手順上の問題を解決する要素の重要性を含め、表現を実行する手段の複雑で一般化された性質が明らかになります。



その結果、カンティレーナ（集中的、拡張的）な表現原理において多形的（複雑）な接続が明らかになり、
音楽の空間的および時間的座標における複数の接続を調整するために、一方向（単形的）な接続が前提条件となります。非一貫性演奏（非レガート、スタッカート）の特性を記録する単形的接続の場合、連想性ゾーンは、
楽器を演奏する際の運動運動の実装に対する演奏者の内部潜在能力を強化します。演奏者の注意を切り替える（視野を狭めたり広げたりする）メカニズムは、
テクスチャとピアニストの運動装置の単位の聴覚的および論理的・構成的関係の調整によって決まります。このように、ピアニストの演奏装置における量的単形的接続は、テクスチャ内の音のような定数のさまざまな解釈によって音楽の発展のエントロピーの瞬間を拒否し、多重多形形成、
ジャンルの共生を改善します。知覚においては、演奏の音色とイントネーションの本質が記録され、音楽学と音楽芸術の一般システムにおける国内の学術的なピアノ練習の特定の差別化が具体化され、洗練されます。


文学
1. アレクセーエフ A. D. 演奏家の創造性：過去と現在の優れたピアニストの解釈に基づいています
先週、彼らはAMUS試験に不合格となり、試験官は彼らのテクニックについて「不満」を漏らしていたようだ。
おそらくそれは、彼らが軽視していた音階などのせいで、曲の演奏にそれが表れているのだと思います。

そこなのですが、「ここで言及されている「テクニック」とは何を意味するのでしょうか。
また、テクニックを向上させるためにどのような方法を提案していただける今のところ、4～6 キーのスケールとアルペジオのセット、そしてを練習しています。
他に何をすべきをいただけますか。それとも、もっとゆっくりしたペースで、もっと正確に練習して、これらすべてを改善しようと努力するべきでしょうか。

あるいは、これはすべてそうではないかもしれない

もっと体感しやすい方法は、例えば録音機、もしくはカメラで、演奏を撮った時に、自分が思っていたのと違って、やけに乱暴に聞こえたり、スピードが速く感じた場合、それは間違いなく、自分の音を聴いていません。

実は、人間というものは、何かに没頭している時には、その一つにしか神経が行かない動物なのです。

これは当然の事で野生動物のように、回りに天敵がいないかを警戒しながら、えさを食べるという動作には慣れていないからかもしれません。

結果、他人の演奏には集中して聴く事が出来るのに、自分が演奏している時には、ピアノを弾く事に神経が行ってしまうので、もはや、自分の音を聴くという事に神経が行かないのです。

[222 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:37:21.63]

例えば録音機、もしくはカメラで、演奏を撮った時に、自分が思っていたのと違って、やけに乱暴に聞こえたり、スピードが速く感じた場合、それは間違いなく、自分の音を聴いていません。

実は、人間というものは、何かに没頭している時には、その一つにしか神経が行かない動物なのです。

これは当然の事で野生動物のように、回りに天敵がいないかを警戒しながら、えさを食べるという動作には慣れていないからかもしれません。

結果、他人の演奏には集中して聴く事が出来るのに、自分が演奏している時には、ピアノを弾く事に神経が行ってしまうので、もはや、自分の音を聴くという事に神経が行かないのです。

正直いうと、私も１０年前は聴いていなかったと判断出来ますし、自分の生徒も実に９割は自分の音を聴いていない、もしくは聴いていない時があるのです。

ではどうすれば良いか？

自分の音を聞く一番良い方法は、とにかくゆっくり弾く事です。
そして弾いている時に、自分の音だけに集中する事で
不思議な事に、実は自分の音を聴けているときというのは，絶対的に自分の演奏は下手聞こえます（？）
チョー優秀な講師陣が活躍するピアノ教室ナリ
腕試しに受験してみてオヌヌメとりあえず取り急ぎ。
　前半最後は、同じくショパンの「葬送ソナタ」として有名な、《ピアノ・ソナタ第2番Op.35》です。第1楽章は、重厚で深みのある低音のオクターヴで始まりました。激しい感情が感じられる楽章ですが、フォルティッシモなども決して暴力的な強さになることなく、スケールの大きな表現が印象的でした。決然とした雰囲気のまま始まる第2楽章では、その中間部での対照的にあたたかい響きが、とても美しかったです。葬送行進曲の第3楽章は、重々しさと共に洗練さが込められた音楽作りが印象的でした。第4楽章は、一気に駆け巡るといった様子で、作品全体が締めくくられました。

　休憩後の後半は、シマノフスキの作品。まずは、《マズルカOp. 50より第1巻（No.1～4）が演奏されました。同じ「マズルカ」と言っても、
前半に聴いたショパンのものとは、だいぶ雰囲気も異なり、二人の作曲家の民族性、そして和声感の違いなどがはっきりと感じられ、興味深いものでした。たとえば第4曲での躍動感
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います
暗譜しきってないコンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。

[223 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:39:27.76 ID:CmrzndTz]

メトネル素敵だった

[224 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:40:12.88]

私はそれを音楽的な目標を達成するための意図的な動きと定義します。
内なる聴力によって促される目的を持った協調的な動きが、音楽表現の基礎を形成します。
この動きの精神と質は、ステップとリズムの正確さと同じくらい芸術的なメッセージの一部です。
心と体は一緒に鍛えられます。
良いトレーニングではさまざまな身体的アプローチが使用され、これによりゲームの感情の幅が広がります。

また、音楽的な自発性はもちろんのこと、さまざまな楽器、ホール、ミュージシャンの共演に常に適応しなければならないため、適応性も重視しています。



私たちは有益な連携の協調的発展に努めます。
演奏者の身体、つまり身体の位置、動き、感覚、そして生み出す音に焦点が当てられます。
新しく学んだジェスチャーはあなたの音楽的想像力と融合し、より美しく、より表現力豊かなピアノ演奏を刺激します。」

ジプソフィール・サンダー：
「テクニックとは、演奏者によって行われる組織化された動きの総体です。これらの動きは、演奏者自身の解釈によって、作曲家の気分に呼応する音を生み出します。」



しかし、ミュージシャンは自由で、いつでも変化できる能力を持たなければなりません。
音楽をまったく同じ方法で二度演奏できないのであれば、どうやってテクニックについて語ることができるでしょうか?この言葉は、ミュージシャンが自分の体の使い方、体を健康で良好な状態に保つ方法を学ばなければならないということを暗示しているため、危険です。多くのミュージシャンにとっては正反対です。」

これらの引用は良いものですが、ある程度までに限られます。彼らはあなたの質問に答えるのに役立ちません。

考えるための材料をいくつか挙げます:

LR (左手) で不完全なアルペジオ、A-E-A を演奏するとします。
誰かが優れた技術を持っているかどうかを判断するには、何に注意すればよいでしょうか? （残念ながら、私は試験官ではないので、そこで何を求めているのかを正確に言うことはできません）。

多くの生徒は、ピアノを弾くということは、ただ鍵盤をあらゆる方法で押して、
あらゆる音を出すことだと考えています。彼らの動きは非効率的で、表面全体に広がり、
彼らが生み出す音は恣意的で、彼らの音楽はどこにもつながりません。これは悪い技術です。
しかし、十分に練習すれば、すぐに「自然」に感じられるようになります。
A-Eを見てみましょう。楽器のところに行って、このを演奏する自分の姿を見てみましょう。
初心者や技術の低いの多くは、キーの端の人差し指で E を弾きます。小指と親指は非常に短いため、空中にぶら下がります。
生徒がAを押したいときは、通常、肘を横に出して


タネーエフは「ああ、ドアは全部鍵をかけたけど、誰か来たかもしれない…」と言った。彼は出て行き、しばらくして連れて戻ってきて、
彼を紹介して「彼もちょうど交響曲を作曲したばかりです」と言った。
ピアノの前に座り、グラズノフの交響曲を演奏しました。彼はショックを受けた。
「これは私の交響曲です…誰にも見せていないのに、どこで知ったのですか？」ここでタネーエフは、
寝室に座って、初めて聞いた時からすべてを覚えていたという秘密を明かした。

理想的には、オーケストラはピアノのように聞こえるはずです。結局、テクスチャがいかに複雑であってもある要素が鳴り、他のすべてが取り除かれるような方法で演奏します。

[225 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:42:17.18]

小指を希望の位置に置き2 番目の A を (親指で) 演奏するとき、
親指は再びキーから遠いため、親指をキーの届く範囲に持ってくるには、
手を再び回転させる (手の外側の神経中枢を緊張させる) 必要があります。
A1 – E- A2 – E – A1 – E – A2 などのシーケンスを演奏すると、
手は左右に動きます（さよならを告げるように）。この動き自体はテクニックではあるが、
非常に悪いテクニックだということを理解してください。
指が動きを開始し、小さなトラクターのように、手、前腕、肩、さらにその後ろまで動かします。
ただし、このタイプのテクニックは非常に直感的です。ピアノを適切なテクニックを「自然に」使える人はほとんどいません。

それでは、この特定のケースにおける「優れたとはどのようなものなのか、またどのような感じなのかを見てみましょう。




前と同じように、人差し指を の端に置き、小指と親指を空中に垂らした状態を開始します。
次に、前腕を使って手/手首/指を前に動かし、2 番目をキーの上にスライドさせて、
小指と親指を 2 つの AAの上に置きます。
肘が手を押しているように感じるでしょう (これは誤った表現です。肘は押していません。
前腕が動いているのです)。指を無理やりキーボードに届かせようとするのではなく、
手が指を正しい位置に配置できるようになります。このスライド動作を練習しましょう。
次に、前後にスライドしながら、この動きを前腕のわずかな回転と調整し、手の重みを利用して小指で A押し、親指でもう一方の A を押します。
これは非常に単純な動きですが、説明するのが非常に難しいため、書かれた説明に基づいて間違って実行するのは非常に簡単です。
あなたにそれを実演し、正しい動きをしているかどうかをチェックしてくれる経験豊富な人（＝良い教師）が必要です。

しかし、この動きを先ほど説明した「悪い」動きと比較すると、次のような違いが見つかります。
1. 「正しい」動きははるかに経済的で効率的です。見た目も感触もまさにその通りで、
この方法だと、出す音をより細かくコントロールできます。それを「エレガントな」動きと呼ぶこともできるかもしれません。
2. 「正しい」動きは、前腕の大きな筋肉を使って行うため、身体的にそれほど負担がかかりません。
一方、「悪い」動きは、手や腕の小さな筋肉を使って行うため、疲れてしまいます。




その結果、「悪い」動きを数分間練習すると、
すぐに疲れて痛みを感じ（最終的には怪我をしてしまう）、 「正しい」動きは

[226 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:45:35.69 ID:+T+TtH3A]

ショスタコ
ヒステリックに聴こえてしまう

[227 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:46:41.82]

数分間「悪い」動きを練習すれば、筋肉は怪我をせずに済みます。
一方、「正しい」動きをすれば、肉体的な疲労や怪我のリスクなしに何時間も運動することができます（必ずしもそうとは限りませんが）。

機器を購入する方法:
1. 優れた技術を持つ人の演奏を観る。そもそも良いテクニックが何であるかを知らないのに、どうやってこれをやるのでしょうか?難しいとされる曲やパッセージ（速い、大きな音、
二重の 3 度、オクターブなど）を演奏できる人は優れたテクニックを持っているという、よくある誤解から抜け出す必要があります。
優れた技術を持つ人は、演奏するのがとても簡単であることを示すことができる人です。



そして、あるパッセージを乗り越えるために、肉体的に大きな負担とぎこちなさを伴う大変な作業のように演奏している人は、そのパッセージを演奏するための技術をまだ習得していないのです。これが最初かつ最も重要なコメントです。 2番目: 音はどうですか?最高の結果を得るには、
最高の技術が必要です。そうすると、優れた技術を持った人を真似しなければいけません。しかし、彼らの実際の動きを真似するべきではありません（それは決してうまくいきません。
あなた自身の動きを習得しなければなりません）。真似すべきは、彼らの演奏のしやすさと、得られる音楽的な結果です。
2. 優れた技術は常にプレイの容易さにつながります。ルーベンシュタインと（これは単なる例で、他のピアニストでも同様です）を比べてみると、
これほどまでに異なる動きやテクニックは想像できませんが、両者に共通することが 1 つあります。それは、演奏が簡単に見えることです。
そのため、常に「軽さ」を目標に運動しましょう。不可能が可能になるまで、探索を続け、動きを変え続けましょう。

どのパッセージも、下手なテクニックで演奏できます。しかし、テクニックが正しい場合にのみ簡単になります。最高のピアニストから新しいアイデアのインスピレーションを得るのは良いことですが、
人はそれぞれ身体的に異なるため、自分にとって曲やパッセージを簡単に演奏できる独自の動き、独自のテクニックを作り上げる必要があります。
古い中国の諺にこうあります。「先人の足跡を辿るのではなく、先人が求めたものを求めよ。」
3. 常にレパートリーからテクニックを習得します。つまり、どのようなテクニックを習得するとしても、それは常に演奏する曲と直接関係している必要があります。

レパートリーが増えるにつれて、技術的な範囲も広がります。
4. 新しい動きやさまざまな動きを探求するのに必要なだけの時間を費やしてください。最も適切な動きやテクニックを教えてくれる先生がいれば、
多くの時間を節約できます。あるいは、さらに良いことに、先生があなたに一連の動きやテクニックを教えてくれるなら、


彼にこう言いました。「あなたは素晴らしいピアニストですが、なぜこんなにひどい曲を弾くのですか？ブラームスを弾かなきゃいけないのに…」
今では誰もそんなことは言いません。彼らはすでにいくつかのことを理解しているのです。
つまり、進歩しているということです。それは良いことです。

私にとって関連する物語や思い出。かつて、私がニューヨークでオーケストラにいた時、主催者に頼んで、街から約60キロ離れたラフマニノフの墓に行く機会を与えてもらいました。
オルガ・イワノヴナ（ドブロホトワ、巨匠の妻、注）と私がそこに到着したとき、何の標識も見当たりませんでした。墓地は広いので、探して歩かなければなりませんでした。私たちは絶望しかけていたのですが、突然ライラックの香りがしたので、そこへ向かいました

[228 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:48:03.01 ID:Xj7qbsUD]

超人気ピアニスト亀井聖矢さんについて

https://www.youtube.com/watch?v=e0OBSb3J46s

[229 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:48:34.03 ID:Xj7qbsUD]

超人気ピアニスト亀井聖矢さんについてです

https://www.youtube.com/watch?v=e0OBSb3J46s

[230 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:49:16.99]

動作します。特定の箇所に関連して、良いテクニックか悪いテクニックかのみを話すことができます。
ガノンを完璧なテクニックで練習すれば、ガノンをプレイするための優れたテクニックが生まれます!さらに悪いことに、
私が AEA をプレイするのに良いと提案したテクニックでさえ、AEA の前後に何が起こるかによって変わる可能性があります。


6上記を読んだ後、多くの人が、ピアノの音コードなど）は非常に一般的なので、演奏技術を習得して時間を節約するためには、
個別に勉強する必要があると主張することがあります。



非常に論理的に聞こえますが、実際にはそうはいきません。たとえ優れたテクニックで昼夜を問わず音階を演奏していたとしても、
曲の中で似たような音階に出会った瞬間、苦労して習得した音階テクニックを使うことはできなくなります。なぜなら、
おそらく異なる運指が必要になったり、音階が主音とは異なる音で始まったりするからです (たとえば、モーツァルトの K.545 の第 1 楽章)。



さらに、「テクニック」の本質は、特定の曲の正しい音を再現することです。バッハのフーガを演奏するために必要な「音」は、ラフマニノフの前奏曲を演奏するために必要な「音」とは大きく異なります。これらの「テクニック」は必然的に異なります。
楽器の音の違いは、鍵盤の押し方（ピアノ教師やピアニストの間ではよく信じられている迷信）とは全く関係ありませんが、ダイナミクスとアゴギクス、つまり鍵盤の押し方と関係があります。



しかし、彼らの実際の動きを真似するべきではありません（それは決してうまくいきません。
あなた自身の動きを習得しなければなりません）。
真似すべきは、彼らの演奏のしやすさと、得られる音楽的な結果です。



2. 優れた技術は常にプレイの容易さにつながります。ルーベンシュタインと（これは単なる例で、他のピアニストでも同様です）を比べてみると、
これほどまでに異なる動きやテクニックは想像できませんが、両者に共通することが 1 つあります。
それは、演奏が簡単に見えることです。そのため、常に「軽さ」を目標に運動しましょう。
不可能が可能になるまで、探索を続け、動きを変え続けましょう。どのパッセージも、下手なテクニックで演奏できます。
しかし、正しい場合にのみ簡単になります。最高のピアニストから新しいアイデアのインスピレーションを得るのは良いことですが、
人はそれぞれ身体的に異なるため、自分にとって曲やパッセージ
を簡単に演奏できる独自の動き、独自のテクニックを作り上げる必要があります。古い中国の諺にこうあります。「先人の足跡を辿るのではなく、先人が求めたものを求めよ。」
3. 常にレパートリーからテクニックを習得します。つまり、どのようなテクニックを習得するとしても、それは常に演奏する曲と直接関係している必要があります。レパートリーが増えるにつれて、技術的な範囲も広がります。

4. 新しい動きやさまざまな動きを探求するのに必要なだけの時間を費やしてください。最も適した動きやテクニックを教えてくれる先生がいれば、
多くの時間を節約できます。さらに良いのは、先生があなたに一連の動きやテクニックを教え、自分で試して、自分に最も快適に感じるものを見つけられる

ようにしてくれることです。
5. 楽器に近づく前に、演奏する曲をどのような音にしたいか、明確なイメージを思い描きましょう。慎重に検討して、自分の
プレゼンテーションが作曲家のスタイル、時代、意図に忠実であることを確認してください。このアイデアを
実現しようとすることで、

[231 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:52:50.55]

習得するために 10 時間も無意識に反復するよりも、学習する作品のスタイル、
作品が書かれた時代の音楽慣習、装飾の定義 (ある場合)、旋律と和声のアクセントが配置される場所、
リズムと音符のリズムとの関係 (ショパンやロマン派全般にとって特に重要) の解明に多くの時間を費やす必要があります。


8ガノンと練習したいですか?そして、必ず実際に演奏する曲から始めましょう。
技術的に難しい箇所を分離し、学習している特定の曲の特定の箇所の技術的な難しさに対処する独自の短い練習問題を作成します。



ちなみに、多くの試験官も具体的な解決策を持っていません。彼らはそこに座って、曲を聴いて、
何かがおかしいことに気づき、そしてこう言うのです。「それは演奏技術の問題だ」しかし、
もし彼らに「どういう意味ですか？」と問い詰めようとすると、彼らは「ガノンとサーニーに取り組む必要がある」などと口走るかもしれません。
これは、彼らが曲を完璧に演奏できないという意味ではなく、言語を完璧に使えるが文法や構文を理解していないネイティブスピーカーのようなものである（もちろん全員ではない）。



最善のは常に個人的なものです。自分にとって、そして自分だけにとって何が最善なのかを研究しなければなりません。

初心者にとって、テクニックは事項です。テクニックを省略する人は、すぐに Synthesia をし、落ちてくるマス目で、
時には指を広することを学びますが、これらすべてが開発の行き詰まりに終わります。

たとえば、私は今自分自身のために計画を立てていますが、
この計画には曲自体を演奏すること以外の最も重要なこと（テクニック）がすべて含まれています。

- エクササイズ5分
- 30分間を勉強して演奏する（メジャーとマイナーのスをすべて覚えたら、
- ナターシャ15分以上
- 楽譜を音読する - 15分以上（- 目を閉じて遊ぶ - 3分
- スタンバイ モードで、MIDI インターフェイスを介してフィードバックを使用して、オンライン アプリケーション でランダムに生成されたノートを再生します。

頭がすっきりしている空腹時にエクササイズを行うことをお勧めします。

午前中にこの複合プログラムを一度に実行することをお勧めします

このダイナミックなドイツ人指揮者は9月30日に復帰し、シンシナティ交響楽団をゲスト指揮し、主導権を握り、最終的には衝撃的なプログラムを行った。リーフのために素晴らしい演奏をしたオーケストラは、おそらく今では彼のことをかなりよく知っているでしょう。これは彼にとって初めて計画されたサブスクリプションプログラムでしたが、彼はこれまでに2回シンシナティを訪れました。ミツｔｓ11時間目に介入した ジョン ストルガーズ
新たにの首席指揮者に任命された イェヴレ交響楽団 スウェーデンではの音楽監督 レイクスエリア音楽祭 ミネソタ州 に。彼はヨーロッパと米国で幅広くオーケストラを指揮しており、以前は の常駐指揮者でもありました サンフランシスコ シンフォニー. 。で指揮を学んだ モーツァルテウム ザルツブルクと の ジュリアード 校 ニューヨーク

[232 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:55:20.08]

すべての生まれつき才能があるのでしょうか？私たちは自信を持って「はい」と答えます。
どの才能と独自性があります。
大切なのは、適切なタイミングでそれらに気づき、
それを明らかにし、小さな星を輝かせることです。
成功と認知への道は、とりわけ、ロシア創造イニシアチブ連盟が実施する芸術コンテスト「前進！成功へ！」を通じて開かれます。

創作コンテストは、才能を発掘し、ミューズへの専門的な奉仕をすぐに「開始」できるようにするだけでなく、
あらゆる芸術分野の著名な巨匠から高い評価を受けられるようにするために企画されています。


そして最も重要なのは、所属機関の壁を離れる必要がないことです。タレントコンテストやインターネットフェスティバルは、
リモート形式でも大都市や最も辺鄙な地域から優秀な人材を募集します。

新しいシーズンが来るたびに、ますます多くの才能あ音楽、振り付け、演劇、美術の世界で有名な人たちに聴いてもらい、
評価してもらいたいと願っています。


彼らは芸術分野の教育機関でさまざまな種類の芸術の追加教育を受けますが、
慣れ親しんだ空間の境界を押し広げ、創造的の参加者という新しい役割に挑戦したい時が来ます。

国際的なクリエイティブプロジェクト「成功に向けて前進！」インターネット フェスティバルやクリエイティブ コンテストは、
あらゆる家庭、あらゆるにやって来ます。

「栄光の1分」

詳細は競技規則に記載されています。では、それぞれ別の創造的なプロジェクトが実施されています。

そこに到着したとき、何の標識も見当たりませんでした。墓地は広いので、探して歩かなければなりませんでした。私たちは絶望しかけていたのですが、突然ライラックの香りがしたので、そこへ向かいました。
そして墓に着きました…まるで海外にいるかのようでしたが、この片隅には的なもの、土着的なものがありました…
指揮者は魔法のような朗読で幕を開けた マヌエル デ ファリャの間奏曲 そして、“La vida breve” (“The Brief Life”) のスペイン舞踊。番組の目玉はだった プロコフィエフのヴァイオリン協奏曲第2 番 ト短調 素晴らしいヴァイオリニストと クララ=ジュミ カン。しかし、ミュージック ホールでのその作品の最高のパフォーマンスの 1 つとして記憶されるのは、驚くべき原始的なパワーとオーケストラの一瞬の精度を備えた “春の儀式、” のリーフの解釈でした。

ストラヴィンスキーのバレエのための セルジュ ディアギレフ そしてバレエ・リュスが1913年のパリ初演で暴動を引き起こしたのは有名だ。1世紀以上経った今でも、このスコアは革命的に聞こえます。このシナリオ（ストラヴィンスキーによる想像上のビジョン）は、異教のロシア部族の長老たちが、春の神をなだめるために死の踊りで犠牲にされる少女を選ぶというもので構成されている。

そのすべてが生き生きと描かれていました。開口部のバーには、凍ったロシアの土壌から春の芽が現れているのがほとんど見えました。序奏部の曲がりくねった寂しいファゴットソロは、首席ファゴット奏者によって素晴らしく演奏されました クリストファー

[233 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:56:42.58 ID:CmrzndTz]

Yanjun Chenの演奏はお侠な感じ
悪くいうとちょっと品がないかも
前衛的な曲だとその傾向強くなる気がする

[234 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:57:22.60]

ラシナ・エレナ・ミハイロヴナ、イラストレーター ドルゴシェエヴァ・エヴァ・セルゲエヴナ、ウラル連邦管区チェリャビンスク市、
国立高等教育予算教育機関「P.I.南ウラル国立美術大学」、第一級受賞者

セロヴァ・オルガ・ヴァシリエヴナ、イラストレーター、北方の才能あるための芸術センター振付科8年生、ロシア、ハンティ・マンシースク自治管区ユグラ、ハンティ・マンシースク


本規則は、音楽学校、児童芸術学校、その他の文化芸術教育機関の生徒と教師を対象に、
第7回国際芸術コンクール「音楽によるインスピレーション」を組織および開催するための手順と条件を定めています。

（以下という）

このコンクールは、学生の専門教育の質の向上、
世界の音楽芸術への関心の高揚、才能ある演奏者の発掘、
世界の音楽芸術の最高の成果の保存と発展、そして社会における音楽芸術の地位の向上を目的として開催されます。



ベクザノフ・ヌラリー、第5児童音楽学校教師ラリサ・ペトロヴナ・プロホロワにちなんで名付けられました。
M. トゥレバエワ、カザフスタン、アルマトイ、第一等受賞者
ベログリャドフ・アンドレイ、ペストヴァ教師 ユリア・コンスタンティノフナ、N.A. リムスキー・コルサコフにちなんで名付けられた美術学校、
地方、チフビン、第一級受賞者
ベレズツカヤ・ヴァシリーナ氏、ミヘーヴァ・ヴァレリア・ヴァレンティノフナ教師、
MBU DO「音楽学校第14番」、ロシア、サラトフ地方、サラトフ、第三学位受賞者

ボガチェンコ・ニコライ、教師 シビルツェヴァ・ラリサ・ドミトリエヴナ、MBU DO「N.レオントヴィチ記念第1音楽学校」、ドネツク人民共和国、ドネツク、第1位
ボトヴァ・
シェフチェンコ・クセニア・ウラジミロヴナ教師、サプロノヴァ・ヴェラ・ヴァシリエヴナ、第一音楽学校、ロシア、チェリャビンスク地方、コペイスク、参加の卒業証書
スプリング ラウンズ,” はドラマと絶対的な明快さで展開します。リーフはその不協和音を引き出し、彼のテンポは活気に満ちていました。“大地の舞, 、 / 鶯の部数 をうすうくくう、 ” は、 莠ャ驛ス器械ヒシシノマ
権力ばかりではなかったのです。オーケストラによるエレガントで洗練された演奏の瞬間がたくさんありました。“青少年の神秘的なサークル涔ート 2 の ” は 莠的出で, ふぉん なーりょん きょー がぎょー か 出だしで。“ んの カレッジア コップ（en）'no's けい RETHOA C。O。C。（en）acrificial Dance” は 莠 力的 出 し た
複雑なリズムと難しい拍子の変化を簡単にリードしました。彼の指揮は鮮やかで、あらゆるフレーズや音符を感じました。ソリストを含むオーケストラの音楽家たちは、その正確さだけでなく、レイフの解釈にとっても刺激的なスリリングな演奏を披露した。リスナーはほとんど動かず、終了と同時に大歓声を上げた。

前半はヴァイオリニストを聞くのが楽しみでした

[235 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:57:58.38]

個人的には、とても気に入りました（全体も同様です）。このレッスンでは、著者を例に、ジャズのサウンドを加える方法を示しました。



最後で、彼は音楽的思考は常に歴史的に協和音から不協和音へ、そしてさらに大きな不協和音へと発展してきたと哲学的にまとめています。
私の意見では、非常に正しく指摘されています。これは弦の倍音の構造に似ています。
倍音の順序が高くなるにつれて、より微妙な問題に対処する必要があります。
単純な和音に過度に固執することは、音楽的思考がまだ幼稚であることを示しています。


学生時代から、私は過度に滑らかな協和音に反対していました。クラシック音楽の授業で何年もかけてそれらの協和音に飽き飽きしていたからです。
そして、ジャズの道へ進みました。




暗譜しきってないコンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。
より指が本当によく自在に動いていたなと思います
だけどもクリアな音で攻めの大胆さがあったように感じました
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います

日本の相撲界みたいなものなのかな？
海外出身の力士でも真剣に相撲に取り組んでいただければ素晴らしいなと相撲に関してはそう思うけど。
クラシックはまた違うかな。
いいところのお坊ちゃんみたいな気品のある風貌で今は知らないけど、若い頃はイケメン扱いされてたのに。



事実なのだろうか。
何かの間違いであってほしい
選定のため工場見学させて頂いたときに、シゲルカワイはヨーロッパで高く評価されているとカワイの方にお聞きしました。
教え方が悪すぎると、生徒だって苦しむ訳だしね。昔、音大を落ちたとボヤく大人のアマチュアの皆様、はい、当然落ちます。だが安心下さい。自分が上級者と勘違いする輩の9割は音大は合格しません。音大は入学者に相応しい『訓練された』テンポ感や音程感、音楽性が無い者は30回受けても100回落とします。それ以上であっても、それ以下では無いのです。
まず、ピアノが楽しめなくなるし、苦痛になるでしょう

音楽を自由に楽しく受け狙いでサービス精神で演奏するのもアリだけど
古典音楽の世界はそれでは聴衆はうならないからな
やっぱり作曲家、先駆者、聴衆、一緒に演奏をする人たちに
にたいしてどれだけ謙虚な気持ちをもって深く音楽を理解し音を大事にして演奏するか
これはジャズの世界でも言えることだけど
プロの演奏家はそれが重要だもんね

つっても過去の優勝者
細かったけどなあ
細かったけど、皆年齢とともに
恰幅よくなるって感じかと思ってたわ
反田さんの場合は日本人だとどうしても小柄だから
オーディエンスに印象を強く残すために見た目にもこだわったのかと思ったけど
確かに指や全体的な骨格の強さとか演奏家にとっては重要かもな
素人にはどこまで影響するのかわからないんだけども

グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄
音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う
それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う

[236 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 10:59:45.17]

プロコフィエフ 彼の始めた 第2 ヴァイオリン協奏曲 1935年、ちょうど彼が西部に戻る準備をしていたとき ソビエト連邦, 、彼がそれを終えた場所。オープニングムーブメントで彼のホームシック感が聞こえます。Kang の冒頭のフレーズはこの忘れられない雰囲気を捉えており、彼女は “ で大きく素晴らしいサウンドでコミュニケーションをとりましたトゥニス” 1702 年のストラディバリウス ヴァイオリン。

ヴァイオリニストは、協奏曲の技術的な花火と純粋な詩の瞬間のバランスを簡単にとりました。プロコフィエフのほろ苦いテーマと予期せぬハーモニーの変化は、プロコフィエフが当時バレエ音楽 “ に取り組んでいたことを思い出させてくれましたロミオとジュリエット, ” で、映画の音楽が完成したばかりでした、“木次中尉。”

ピチカート弦を伴った第 2 楽章はさらにロマンチックで、カンの甘く抑えられたメロディーが上にそびえ立っていました。彼女はそのバリエーション全体を通して優れたコントロールと魅惑的な美しさを示し、時にはオーケストラのソリストとコミュニケーションをとるようになりました。フィナーレは、パーカッションのカスタネットによって彩られた鮮やかなダンスでした。（この作品はマドリードで初演されました。) ヴァイオリニストは技術的な要求を難なく乗り越え、その輝きを放ちました。

Reif は素晴らしいパートナーであり、この受賞歴のあるコラボレーションではオーケストラの質感を透明に保ちました。

聴衆はアンコールを主張し、カンは美しく感じられる演奏に応じた JS の。ヴァイオリンソナタ第3 番 ハ長調 BWV 1005 より バッハのラルゴ.

リーフ氏は11月に復帰し、独自の手配を行う予定だ ジョン アダムズ’ “エルニーニョ”、シンシナティ交響楽団との CSO プルーフ コンサート。彼の妻、ソプラノ歌手 Julia Bullock, 、ソリストの一人として出演する。
それが私たちを導きます マエストロ フィッシャー。彼はブダペストでのアプローチを、私たちが私たちの街の人々に奉仕しているという信念に集中させています“とベネデッティ氏は言います。

“絶対に必要な要素は、可能な限り最高レベルの音楽性です。なぜなら、それ自体には常に独自の力があるからです。しかし、最初から彼の使命は、人々を共有体験、共有リスニング、グループとして一緒に何かを体験させることでした。”

フィッシャーの論理は、ベネデッティが言うように、聴衆が本質的にオーケストラ“の一部となるように、コンサートホールの物理的空間を新しい方法で使用する必要があることを意味します。“私たちは彼らに座席を奪うように頼みました アッシャー ホール

[237 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:02:46.54 ID:YFiaMPJR]

評論家気取りのアホと荒らしだけかよw

感想はブログにでも書けよ需要なし

[238 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:03:09.33]

非常に幅広い音楽的関心を持ち、その作品にはさまざまなジャンルが含まれていますが、
フーガ、特に鍵盤フーガは常に彼の関心の中心にありました。
彼はこの形式を改善するために絶えず努力しました。
作曲家の創作活動の中で最も重要な段階は、鍵盤フーガへの集中的な取り組みによって特徴づけられました。ある程度、
鍵盤フーガの進化は、彼の美学全体の進化を反映しています。



にケーテンで完成した平均律クラヴィーア曲集の第1巻の前奏曲とフーガは、
それ以前に膨大な作業を経て完成しました。初期の作品すべてにおいて、いわば複雑で新しいクラヴィーアの形式に関する予備実験を行っていた。これらの作品は、
曲集の最高の完成度からは程遠いものの、高い芸術的価値を有しており、コンサートや教育のレパートリーとして頻繁に使用されています。



を構成する 24 曲の前奏曲と今日に至るまでポリフォニック鍵盤音楽の卓越した例となっています。

数年後、ライプツィヒでバッハは再び、長調と短調のすべての調を含んだ前奏曲とフーガのサイクルという課題に立ち戻りました。こうして、24 曲の前奏曲とフーガからなる平均律クラヴィーア曲集第 2 巻が誕生しました。

平均律クラヴィーア曲集は、バッハのイメージをまとめた一種の百科事典とみなされるのが妥当でしょう。バッハは、平均律クラヴィーア曲集の珍しい多様な室内楽形式で、人間の大きく複雑な内面世界、芸術的、詩的な思想、人間の感情の最も豊かな領域を明らかにしています。

「『平均律クラヴィーア曲集』以外に、宗教的、英雄的、メランコリック、荘厳、哀愁、ユーモラス、田園的、劇的な性格のフーガを見つけることはできない。ただ一つ、それらすべてに共通するのは、美しさだけだ」と A. ルービンシュタインは述べた。

非の打ちどころのない完璧さの形で体現された倫理的な内容により、『平均律クラヴィーア曲集』は世界芸術の最も偉大な現象の地位にまで上り詰めました。

ベートーベン、ショパン、シューマン、リストなど多くの偉大な音楽家がこれらの作品を研究したのも不思議ではありません。
バッハは、自分が創作した作品が並外れた価値をもつ芸術的宝物であることをまったく知らなかった。

これらの作品を作曲するにあたり、彼は最も控えめな目標を設定し、純粋に教育的な目的で作曲しました。彼は時々、自分の考えをタイトル（序文の代わりに）にまとめた。
イツァーク パールマン 実行して、私の人生を正しく変えました。に た ロンドンのバービカンセンター, 、ベルリンの壁崩壊からわずか3 日後の1989年11月12 日、. もちろん、今見ている複雑なつながりを知ることはできませんでした。あるいは、第二次世界大戦の最後の数週間にテルアビブ・ヤフォで生まれたパールマン — が生きた人生は、なんと素晴らしいことでしょう。しかし、今、彼がステージ上でハンドルを握り、彼の真似のできるカリスマ性をにじみ出させているのを見ることは、消耗も限界も減速もなかったことを知ることになる。これは78歳のヴァイオリニストで、明らかにまだ何かを探しているようです。

[239 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:05:25.38]

ジャンル特有の旋律的なメロディーの分野では、
彼は古くてより抽象的な「リチェルカーレ」のテーマにますます頻繁に立ち戻るようになりました。
これは比喩的内容の一般的な進化と調和していました。
バ音楽の感情的な領域は常に高く純粋であり、
荘厳に冷静になり、知的原理の分割されない絶対的な優位性が確立されました。
それ以来、作曲家はポリフォニック構成の性質に関する問題を解決することに熱心に取り組み、
最も洗練され技術的に複雑なフーガとカノンの形式を徹底的に開発するようになりました。
これは合理主義の美学が芸術に



及ぼした影響を反映しています。 「芸術作品を評価したいのであれば、まず心によって創造されたものに注意を払うべきだ」とJ. ヴィンケルマンは書いています。


この新しい傾向は、に出版された『ピアノ練習曲集』第3部に収録された「クラヴィーアのための4つの二重奏曲」で初めて明らかになりました。

これらの作品は、ジャンル、構造、テクスチャの点で二部構成の発明に似ていますが、より幅広い形式で展開されており、
非常に洗練された書き方が特徴です (ホ短調のリズムが奇妙な二重奏の半音階が豊かなメロディー、ヘ長調の二重奏の多機能な重ね合わせ)。

3番目の二重奏曲（ト長調）だけが、多かれ少なかれ顕著なジャンル的特徴（ダンス）を持つテーマで書かれています。他の曲の主題は間違いなくリチェルカーレであり、4番目の二重奏曲では「フーガの芸術」に直接近く、純粋に直線的なタイプのポリフォニック展開に相当します。



「ピアノ練習曲」の第3部に散発的にしか登場しなかったものが、40年代後半のカノン、カノン変奏曲（「天上の高みから」）、そして1747年の「音楽の捧げ物」において、比較にならないほど広範囲に発展しました。
この作品は、作曲家が息子のカール・フィリップ・エマヌエルを訪ねてベルリンを訪れた際に作曲され、ポツダムでは国王から与えられたテーマで即興演奏をしなければならなかったことをきっかけに生まれました。


ライプツィヒに戻ったヨハン・セバスチャンは、このテーマに関する一連の作品を執筆したが、それらは詩的なアイデアというよりも共通のスタイルによって統一されていた。音楽愛好家、
フルート奏者、アマチュア作曲家であったフリードリヒ2世への訪問は、表面的なものに過ぎませんでした。

その内容は内なる創造的欲求の影響を証明しており、
近年の彼の手法とスタイルの進化を明確に表現しています。

「王家の主題」は、20 年代や 30 年代のジャンル特有の主題からは非常に遠いものです。
この曲は、当時の「典型的な」抽象的なリチェルカーレ様式で作曲されており、
デザインは角張っており、非常に「木偶の坊」のような音で、全体的に魅力に欠けています。


当時、アマチュア界ではそのようなメロディーが何百も作曲されました。王のテーマ」から可能な限りすべてを抽出しただけでなく、そのような基盤ではまったく実現不可能と思われたであろう結果を達成しました。 「
音楽の捧げ物」は、多くの点でいくぶん冷たく合理主義的ではあるものの、その紛れもない壮大さと芸術的な美しさで感動を与える作品です。
彼らは、現代の音楽界、特にソ連のレパートリーにおいて、この音楽の復活を引き起こした人々でした。
プログラムの 2 つの極端な側面であり、膨大な量のリソースを必要とするため、私たちはそれを要求する必要がありました。” しかし、彼女は、“は私たちが行っているすべてのことを見てください、と彼女は促します

[240 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:07:27.63]

ソプラノと重低音（伴奏）の動きによって形成される 2 部構成のエンドレス カノン。

曲の最後では、最後の構成はなくなり、旋律線は冒頭のイントネーションに「向きを変え」、

楽章は最初から再開され、円を閉じます。王のテーマは中声（アルト）で演奏されます。

次は「王室のテーマによるさまざまなカノン」のグループです。

3番目の曲は、2声部のカノン「カノン・カンクリカンス」です。


原典では、メロディーは上声部 1 つ (ソプラノ記号) のみで書かれています。

曲の最後の転回されたキーは、下側の声が同時に同じラインを最後から最初まで導き、

このシーケンスのすべての音程とリズムの図形を厳密に再現することを意味します。

4 番目の曲は、原典に示されているように、

よって 2 つのバイオリンのために書かれた 2 部構成のカノン イン プリマです。

2 番目の模倣の声は、2 小節目の 2 番目の 4 分の 1 で入ります。 「Offering」のテーマはベースで表現されます。

二声。ソプラノは「王道の」メロディーを担当し、

カノニカルな模倣はそれを対位する声部によって演奏されます。ミドル - ソプラノキー。下側（サテライト） - アルト - はメロディーを転回形で演奏します（すべての下降動作が上昇動作に変わり、その逆も同様で、すべての音程は変更されません）。このことを示す一般的な指標は、キー内の反転された臨時記号です。

6番目の演劇。上の声部（ト音記号）と下の声部（テナー）は、カノン（メインテーマの一種、対位法的な取り巻き）を演奏します。上部（サテライト）は、リズミカルな増加（持続時間の倍増）と、同時に反転したキーとフラット記号によって示される反転を模倣します。中声部（アルト記号）では、「王家のテーマ」が比喩的な形で表現されています。

第 7 曲は、テナーとバスの対位法のメロディーを伴う

2 声のカノンです (バッハはバスのみを書きました)。 「Offering」のテーマはビオラパートによって演奏されます。

ここで年代の直線的なスタイルとケーテン時代に獲得した和声学を有機的に組み合わせました。

新しい比喩的バージョンのテーマは、メロディー的に隣接するキーに継続的に上昇してハ短調に戻り、

その動きの中で全音連続を形成します。
未来のハーモニーを大胆に予見する人。

この革新は、さまざまな国や時代の多声音楽学校の膨大な経験を一般化して融合させたいという願望と結びついています。


1のドイツの巨匠たちのやり方で特定のテーマに色を付ける、

規範的な模倣の形式、さらにはルネサンスのフランドル派から受け継がれたこれらの技法や形式を象徴的に暗号化した名称などです。


8曲目は同じテーマのフーガです。上の声部（バソプラノのキーで「リーダー」のみを書きました）


は、厳密な五度カノンを形成します。衛星は古いフランス語のキーで示されます。自由に対位法のメロディーをリードするベースでは、

フーガのテーマは最終構成の前の反復部分で一度だけ現れます。

第 曲はリチェルカーレで、自由記述のポリフォニーにおける珍しい 6 声のフーガであって

[241 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:10:49.90]

1のドイツの巨匠たちのやり方で特定のテーマに色を付ける、

規範的な模倣の形式、さらにはルネサンスのフランドル派から受け継がれたこれらの技法や形式を象徴的に暗号化した名称などです。


8曲目は同じテーマのフーガです。上の声部（バソプラノのキーで「リーダー」のみを書きました）


は、厳密な五度カノンを形成します。衛星は古いフランス語のキーで示されます。自由に対位法のメロディーをリードするベースでは、

フーガのテーマは最終構成の前の反復部分で一度だけ現れます。

第 曲はリチェルカーレで、自由記述のポリフォニーにおける珍しい 6 声のフーガであり、

壮大であると同時に非常に簡潔に表現されており、華麗でいくぶん乾いたスタイルの「心の遊び」です。

前の曲と同様に、キーボード、オルガン、または室内アンサンブル（たとえば、2 つのバイオリン、ビオラ、ガンバ、2 つのチェロ）で自由に演奏できます。


10番目は、アルト（リーダー）とベース（伴奏）のためのカノンで、テーマの比喩的なバージョンです。

テキストの冒頭には、作者によるフランドル風の象徴的な発言があります。

聖書の格言「Quaerendo invenietis（求めよ、そうすれば見出されるだろう）」です。

衛星の進入時刻は明示されておらず、演奏者自身によって発見され、暗号は4つの異なる方法で解読されます。


新しいバージョンによる 4 声のカノン。

上声部 1 つだけの部分は古フランス語調で書かれています。

他の 3 つの紹介の時間と間隔は示されていません (「求めよ、そうすれば見つかるだろう!」)。

当然のことながら、規範は厳格であり、模倣するすべての声に対して旋律線は同じままです。

この曲は、弦楽器と管楽器（例えば、バイオリンやオーボエ、チェロやファゴット）の混合アンサンブルで演奏すると特に美しく響きます。

作曲者自身が示したように、ヴァイオリン、フルート、通奏低音 (チェロまたはガンバとチェンバロ) のための 4 部構成のトリオ ソナタで、

この音楽の捧げ物の中で唯一のサイクルを構成しています。このソナタは「Offering」の他の曲とは大きく異なり、

スタイルは初期の作品（1920 年代初頭）に近いです。それを非常に自由に解釈し、時には原曲から大きく逸脱することもあるが、

ここでも「王家のテーマ」は共通の基盤となっている。ポリフォニックなテクスチャの豊かさによって、このソナタはホモフォニックな特徴を明確に表現しており、

特に柔らかく魂のこもった叙情的なイメージ

2 つのパフォーマンスを披露します ザンケル ホール カーネギーホールでは、どちらも存命のアメリカ人作曲家の作品の世界初演に焦点を当てています

[242 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:15:07.95]

形式は、和音伴奏付きのフルートとヴァイオリンの正典的な二重奏曲で、
イントネーションは11年前に書かれたカンタータ「私たちと一緒にいてください、夜は近いです」の大合唱に非常に近いです。
美しい旋律の中で、「Offering」の主題の輪郭がぼんやりとしか認識できません。
ソナタの第 2 部は、エネルギッシュで華麗なコンサート スタイルの、ホモフォニック伴奏によるフーガ付きのハ短調のアレグロです。 「王家の旋律」は、
元のバージョンでは、形式の真ん中に対照的な主題として現れ、6 回だけ現れます。1 回は上の声部 (主音) で、4 回は古い定旋律の様式で、低音 (t、d、t、d) で現れます。
第 3 楽章「Andante Es-dur」は、メロディー的には「捧げもの」の最初のリチェルカールと関連しています。これはこのサイクルのもう一つの叙情的なページであり、軽やかなハーモニーの色彩、絶妙で繊細なメロディーのデザイン、
純粋なホモフォニックな表現、そして豊富なソフトなディレイによって、さらに対照的なものとなっています。これらの特徴により、
アンダンテは意外にも 18 世紀後半の繊細なスタイルのドイツ音楽 (F. E. バッハなど) に近づきました。 F. ウォルフラムは「テーマの種からここで育った香りのよい植物」について語っています。
ソナタのフィナーレであるアレグロ、ハ短調では、「捧げ物の主題」が、トゥワングのような旋律的かつリズミカルなバージョン（6/8拍子）でポリフォニックに展開されます。このアレグロは、バッハの初期のスタイルを明らかに反映しています。




最後の曲は、フルート、ヴァイオリン、通奏低音のためのエンドレス・カノンで、ソナタに付随し、「王家のテーマ」の新しい最終バージョンになっています。
ここでは、以前のカノンとは異なり、すべての声が書き出されています。
サテライト（バイオリン）は演説中のテーマを模倣します。自由に

作曲家は、下声部（チェロまたはガンバ）を対句読点として用い、ここでホモフォニック構造の発展したチェンバロのパートを加えています。
これにより、「音楽の捧げ物」を締めくくるこの曲は特別な意味を持ちます。それは、一方ではトリオ・ソナタの様式的特徴を、
他方では作品の前半を構成する線状ポリフォニック形式の様式的特徴を統合しているように思われます。ローゼンシルド

演奏のための方法論的推奨事項の非常に興味深い録音。
これはメロディヤレコード（1977年）から作成されたデジタル録音です。録音を聞きやすくするために、発明の写真とメモを添えたビデオオーバーレイがサウンドトラック上に作成されました。

自分なりの解釈の中で目指す、という、ピアノ弾きとしての気概の部分だけは、コンクールだろうが発表会だろうが、絶対に妥協してはいけません
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

[243 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:16:51.90]

シンボルや音楽修辞法、プロテスタントのコラールの引用、
自動引用、カンタータ、受難曲、ミサ曲、コラール前奏曲との数多くの音楽的関連も、『平均律クラヴィーア曲集』の前奏曲とフーガの内容を明らかにするのに役立ちます。
ヤヴォルスキーによれば、「バッハの平均律クラヴィーア曲集は、いわば18世紀（中世のすべての音楽を含む）で終わる、
ひとつの時代全体の最後の作品であり、それ以前のすべての考えや表現手段を吸収し、
その時代における音楽文献に存在し確立されたすべての記号を使用している」

バッハの作品の深い研究と、幅広い一般的な文化的、芸術的な類似性に基づいて、B. L. ヤヴォルスキーによる平均律クラヴィーア曲集の概念が開発されました。それは、WTCサイクルが「キリスト教神話のイメージとプロットの音楽的かつ倫理的な解釈」であるという事実にあります



多くの偉大な音楽家が「グッド・チューニング・ピアノ」の中にゴスペルのテーマの存在を感じ取っています。
たとえば、F. ブゾーニは、第 1 巻のハ短調の前奏曲は「受難曲の精神に則ったもの」であると信じていました。
T.N.リヴァノヴァは次のように述べている。「『平均律クラヴィーア曲集』の個々の前奏曲やフーガのイントネーション構造は、時として『受難曲』の世界の特徴的なイントネーションと接触することがある」



「1720年頃のバッハのカンタータの表現力豊かなメロディーが鍵盤音楽に浸透した」と書いている。 「テキストの言葉は消え去ったが、表現的なメロディーが本来結びついていた感情の領域、すなわちイエス・キリストの苦しみと死という観念は依然として有効なままである」[1

B. L. ヤヴォルスキーの科学的方法により、サイクルの芸術的および宗教哲学的概念の完全性を証明することができます。

「旧約聖書と新約聖書、教会の内容を描いた絵画、そして外典は、意識を組織化する内なるイデオロギーを表現するための外的な象徴として彼にとって役立った。

バッハの目的は教会の日常生活を描写することではなく、公共生活に導入された教会生活のよく知られた理解しやすいイメージと表現を通して、当時のイデオロギー的思考のプロセスを表現することであった。」

プロテスタントのコラールの旋律、象徴的なモチーフ、カンタータや受難曲の音楽によって平均律クラヴィーア曲集に導入された精神的な主題は、その重要性を霊的ジャンルのレベルにまで高めている
パールマンがライブを持ってきた に フィドラーズ ハウス に 見せる メリーランド州 ベセスダ, 、2025 年の彼の80 歳の誕生日を記念する複数年のマルチカントリー、マルチジャンルのプロジェクトの準備として。このバンドには、民族音楽学者でサックス奏者を含む多くの優れたミュージシャンが出演しました ハンクス ネツキー; アンディ スタットマン, 、作曲家、クラリネット奏者、マンドリン奏者（あなたがするように、蛍光黄色のトレーナーを着ています）; からさまざまな楽器奏者や歌手 勇敢な旧世界クレズマー音楽院. 。。の 洽 ストラスモアの音楽

[244 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:23:08.95]

平均律クラヴィーア曲集に引用されているコラールの内容が特定の教会の祝日や聖書の歴史のエピソードを指し示し、
特定のプレリュードやフーガにおける他の音楽表現手段（修辞技法、バッハの好んだ記号、ジャンル的特徴など）が本質的に同じことを語り、
すべての芸術的影響の線が一点に収束しているように見える場合、バッハは無意識的だけでなく意図的にも、その時代の伝統であったキリスト教神話のイメージや筋書きの音楽的、倫理的解釈を目標にしていたと信じる理由があります。ヤヴォルスキーは、『平均律クラヴィーア曲集』の枠組みの中で見られる数多くの音楽的・主題的・比喩的な対応関係から、福音書の物語の主要な段階と結びついたいくつかの筋書き・意味的層が、この曲集の中に明確に見ることができるという結論に至った」

ヤヴォルスキーは、すべての前奏曲とフーガを、その内容と、その内容の「連想的イメージ」として機能する出来事の年代順に従って、彼によって確立された特定の順序で考察した

連想イメージは最も複雑な芸術技法の 1 つです。そこでは、比較される現象間のつながりは、外的な類似性、イメージ、スケッチなどを通じて直接確立されるのではなく、「ガイダンス」、つまり時代によって開発された連想システム、意味的文脈、
反省的意識、および音響的手段を通じて確立されます。連想的なイメージの確立は、聖書の出来事を描写したものではなく、18 世紀初頭の教養あるヨーロッパ人の意識における聖書に対する態度の反映です。

ヤヴォルスキーは、プロット意味論の原則に従って構成された、一種の内部サイクルであるいくつかの期間を確立しました。これらの内部サイクルの表と、
それに対応する前奏曲とフーガの連想イメージの定義が、彼の学生によって記録されました。

両方の音を強く鳴らしたときの音は豊かです。全体的な影響は良好です。
しかし、あまり完成度が高くない気がします。音の出し方が雑（控えめに言っても、ぎくしゃくしている）
品質が悪いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲 第1巻 作品13」です。 14. 35-I.それは
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブを含むコードの響きが迫力あります。
（この歌は彼のために歌われました）。最後の変奏とコーダにいくつか注目すべき誤りがありました。
お気の毒に。
次はバラード第1番、作品10です。 1 ショパン作曲。 23. あまり良くないです。技術だけ
目立ちすぎて曲のインパクトが薄れたように感じました。間違いもかなりあります。 （
ちなみに、最初の2曲が終わった後には拍手がありました（コンテストではよくあることですが、
(拍手は禁止)、ただしこの曲の後はダメです。 ）
最後は一柳澄さんの委嘱作品「ピアノのための心象風景」でした。簡単に言えば
よく分からない曲です（もちろん今日初めて聞きました）。アバンギャルド（すでに前衛）

独奏や伴奏などの演奏活動を中心として生活している人です。
ここに含まれるのは、ピアノが弾ける人の中のごく一部の人達で、通常は（クラシックの場合）、有名なコンクールで上位に入って注目され、世界中で演奏活動を行うようになる、というような形でこの分類に属するようになります。

ごく普通に「ピアニスト」というと３の意味になることが多いでしょうが、話の内容によっては１や２の意味でも使うことがあります。

[245 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:25:44.58]

同じ調の前奏曲とフーガ（たとえば、ハ短調の前奏曲とフーガ）は通常、サイクルとして解釈され、一緒に演奏されます。

演奏の特徴的な特殊性を構成する一時的なリズムとイントネーションの関係。

この方向では、リズムはイントネーションの完全性を生み出し、音の機能的なつながりを整理し、音楽のイメージを作り出す独自の能力を持っています。
すると、音楽プロセスの発展の劇的な機能である音楽の波が、動機、フレーズ、テクスチャのセルといったイントネーション構文の個々の単位になるのは驚くことではありません。



音楽の波動において、モノフォニックな表現のダイナミクスが 1 つの感情の発展に左右される場合、
ピアニストの注意を個々の表現の細部に切り替えると、流れは瞬間と気分のリズミカルな変化、感情のさまざまなニュアンスに例えられます。


音楽プロセスの特殊性はピアニストの影響によって表現され、
ピアニストは音の関係の特性（旋律、メトロポリスリズムの構成、和声の充填、旋律、ダイナミックパターン、テンポの特徴、発展のダイナミックプロファイル、アゴギクス、ダイナミクス、アーティキュレーション、作曲の構造）を改善し、
イントネーションとテクスチャの発展のプロフォームに従って修正および一般化できるようにします。
疑いなく、あらゆる演奏行為は、作曲の研究、必要な演奏技術の向上、音楽的記憶、注意、アイデア、感覚の活性化と結びついてのみ可能となります。
これらに、演奏者の視覚と聴覚の経験を加えることができます。
結局のところ、音楽作品に取り組むとき、ピアニストは、特定の目標や目的に関連して、特定のシフトが意識的に実行されるときに、音楽作品の行為（音符ありと音符なし）をゆっくりと解きほぐすタイプを含むさまざまな方法を使用します。
個々の断片に取り組むことで、音楽作品の「文法」規範を拡大、増加、減速、加速で表現できるようになり、新たな情報内容と表現力の幅が広がります。
そして、自動主義に至った、知覚における過剰な音の実現形態により、芸術家の具体化の個々の方法、作曲内容の具体化の特殊性を音のつながりの階層に記録することが可能になった。音楽素材を提示するプロセスにおいて、想像力は生きたチャネルとして、楽曲のイメージを再現します。

想像力は、さまざまな分析者の神経細胞が接続する大脳皮質の連合領域にあることが知られています。
再生産的想像力の結果として、特に感情的・比喩的表現を特定の組織形式に自発的に翻訳するプロセスが決定されます。図式的に言えば、このプロセスは次のように実装できます。

ビジュアルアナライザー（音楽テキスト）。
想像力（絵画的表現）。
モーターアナライザー（音楽テキストを音で表現したもの）。
複数回の繰り返しの結果、チャネル内に強力な接続が形成されます。
その能動的な形態は、反射形成によって、耳で知覚される音楽テキストの形で、また、運動動作表現、手、指、目、足、体の動きなどの空間的・時間的な物理的・音響的知覚における音楽テキストの再現を含む音響的比喩的想像力の形で作成されます。

ホログラフィックプレートと同様に、物体のイメージは人間の記憶に固定されているわけではなく、異なる周波数と位相（インパルスの開始時間）を持つ神経細胞の電気インパルスの追加（干渉）の結果です。
スピンアップのプロセス中に、異なる参照周波数の画像がメモリ内で結合されます。
したがって、そこに記録されたアイデアや画像は、特にステージ上の音楽プロセスにおけるオブジェクトの連続的かつ正確な配置によって、参照周波数に応じて一連の画像に分解できるかのようです。

[246 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:31:06.69 ID:ndm2e6P/]

エリコン等国際コンクールについてはここが詳しいよ

https://youtu.be/3zvOKutjyiI

[247 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:31:52.22]

音楽的思考は常に歴史的に協和音から不協和音へ、そしてさらに大きな不協和音へと発展してきたと哲学的にまとめています。
私の意見では、非常に正しく指摘されています。これは弦の倍音の構造に似ています。

私も個人的にはような個性ある演奏のほうが好きですね。
前回のコンクールだと、反田さんの他にガルシアガルシアさんとか。



リウさんの演奏は凄いな！とは思うけれど、心掴まれるとはちょっと違うというか。
だからコンサートもあまり行きたいと思いません。

95点をたくさんもらえたほうが、100点2つと70点4つより点数が高くなるという事だと思います。

コンクールだから順位をつけるんですが、そもそも芸術を点数で測ろうとすること自体がナンセンスなので。だからイマイチ腑に落ちないことになるんでしょうね。

近年の藤田真央さんもリウと同じ傾向です。ただ藤田さんはリウより閃き重視で一貫性に乏しいところがるあるように思えるのに自分はあまり好きではありません。

（音が出た瞬間は素晴らしいのに、前後の関係が繋がっていないように聞こえがち、ということ）

私はあまり沢山の方の演奏を聞いてきた訳ではありませんが、初めて反田さんの月の光を聞いた時は鳥肌が経ちました。ピアノの演奏でそんなふうになったのは初めてです。

その他の演奏も聞きましたが、私が一番好きなのは献呈でした。

1番盛り上がるところのアルペジオ？と歌うメロディの弾き分けが素晴らしいと思いました。

反田さんの手元をずっと見ていると、この人ほど、鍵盤の上で指が前後する、撫でるように前後する人はいない。

ためるところも絶妙なタイミングと長さでびっくりしました！！

空手でも柔道でも、「脱力して体を重力に任せて落ちる」というときに、もっとも速く動ける、
強い力が出せる、そういう身体操作が反田氏のピアノを弾く姿にはあります。からだをやわらかく使える系の天才肌柔道家のようだなあ、と反田さんのピアノを弾く姿を見ていると思います

今回の結果も見る限り、自分の生徒に加えて仲間の生徒も1位と2位顔芸演奏の時代は終わりなのよ
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じ罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じ。国選弁護人は元非常勤裁判官で心強いのですチョップ奏法
罵詈雑言を受けたってあくまで被害者目線なのが気になるね。自分の暴言は独り言だからOKって不特定多数が見るXでそりゃ無いだろって感じバラシを画策中です

とか言ったら、また本人だ！って言う単純な人も出てきそうだけどさチョップ奏法それ
空手でも柔道でも、「脱力して体を重力に任せて落ちる」というときに、もっとも速く動ける
界隈をフォローなんてみんなしてるw俺もしてるわww何度も言われてるけど、提起内容云々よりも最初のプレゼンに失敗してるんだよ。アンチや暴言でもない

まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います
結果の評価を知りませんが、９．５点を叩き出して入賞できませんでした。年長者に厳しいこのコンクールで本選までいけることはかなり稀です。

あそこから申し込みにつながるケースってあるんだろうかソコかを抜けた三島有名な病院情報からの人がいそうで細かい波乱から練習雪風強度見るアイスタストップ安あるんすか

演奏にそういうの滲み出てきちゃいますからもう気づいていますし、演奏にそういうの滲み出てきちゃいますから、そうゆうのってw正々堂々としないといけない顔芸演奏の時代は終わりなのよ
顔芸演奏の時代は終わりなのよ卒業後は国内外で活躍するピアニスト

他のコンクールではまさかの予選。審査員構成で結果の違いが如実に出る、露骨。今回の結果も見る限り、自分の生
演奏もさぞかしすげーのかな？国際コンだって、それを受け入れて出るものじゃないの？今から買うとしたら、証拠ないもんではないし黙って待ってろ

学習能力無しですねー　
これでしか勝てないのでしょうね
審査員長も本人の経歴が乏しい

[248 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:32:54.95]

この作品のタイトルは鍵盤楽器の使用を示唆しており、その調律により、
異なるキーでも音楽が同じように良く聞こえるようになります。このような調律法としては、
例えば、現在使用されている 12 半音平均律が挙げられます。バッハの時代には、
中音チューニングなどの他のチューニングシステムが一般的でした。つまり、
同じ曲でも異なるキーで演奏すると多少違って聞こえ、半音階や転調を頻繁に使用することで、
楽器の調子が狂って不協和音が出ているような印象を与えることになります。
これにより当時の音楽には制限が課せられ、バッハは音楽家に新しい音楽システムのあらゆる利点を示したかったのです。





この連作の最初の部分はバッハがケーテンに滞在していた間に作曲され、2番目の部分はバッハがライプツィヒに勤務していた間に作曲されました。
どちらのパートも手書きの形で広く流通していたが、
このコレクションが印刷物として出版されたのは1801年になってからである。
その理由は、バッハが作曲したスタイルが彼の死の時には流行遅れになっており、彼の作品のほとんどが忘れ去られていたためである。
古典主義にはバッハのような複雑なポリフォニーや多数の転調はなかった。しかし、18世紀末にはすでに、バッハの作品、
特に平均律クラヴィーア曲集が作曲家に大きな影響を与え始め、それが社会にとっての第二の発見につながりました。
ベートーベンは幼少の頃から平均律クラヴィーア曲集を研究し、それを「音楽の聖書」と呼んでいました。また、モーツァルトもバッハの作品を高く評価していました。シューマンは後にこう書いています。「巨匠たちのフーガ、とりわけヨハン・セバスチャン・バッハのフーガを熱心に演奏しなさい。『平均律クラヴィーア曲集』はあなたの日々の糧となるべきである。」


ベートーベンはこれを「音楽のバイブル」と呼び、アントン・ルービンシュタインはこれを「最高の理想を目指して努力するすべての真摯な芸術家にとっての福音」と呼んだ。シューマンは若い音楽家に直接こう指示した。
「彼があなたの日々の糧でなければなりません。」そしてスタソフは彼なりに彼を「長い旅の信頼できる仲間」と表現した。よく考えて、ITS の名前から 2 番目と 3
番目の単語を挙げてください。

[249 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:34:35.97 ID:U3ZeQ4Yf]

>>246

ありがとうございます！

[250 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:35:30.35]

グランドフィナーレの最初の2回のリサイタルラウンドの課題曲は、他の多くのコンクールと同様で、一般的に幅広い技術的要求と様式的解釈を網羅し、創造性も多少は問われる。しかし、このコンクールが特に異なるのは第3ラウンドだった。18名の出場者（前回の70名から勝ち上がった）は、セルゲイ・シンバティアン指揮のレジデントオーケストラである
アルメニア国立交響楽団と、現代作曲と歴史的時代の協奏曲の2つの必須協奏曲で共演する必要があった。2024年の課題曲は、レジデント作曲家アレクセイ・ショル（ピアニスト兼指揮者のミハイル・プレトニョフと共演）によるピアノと管弦楽のための組曲第2番「私の本棚から」だった。二人はヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトの有名なピアノ
協奏曲ニ短調第20番 K.466を演奏しました。この対照的な組み合わせは、審査員の審査プロセスにおいて重要な意味を持ちました。全く新しい作品に取り組むピアニストたちの革新性だけでなく、古典主義とモーツァルトらしさに対するそれぞれの姿勢をはっきりと示すものだったからです。驚くべきことに、アレクセイ・ショアの組曲は現代的でありながら心地よい音色（ややジャズ調でさえありました）で、想像力を掻き立てる余地を十分に残していました。同時に、モーツァルトのピアノ協奏曲はピアニストの柔軟性と洗練さを際立たせる機会となりました。私は18人の異なる候補者による第3ラウンドを18回も観ましたが、それでも音楽の新鮮さと、才能豊かなピアニストたちが自らの考えや感情を豊かに表現する様子に魅了されました。
それは、このコンクールの理念を反映しています。

「言葉が尽きる時、音楽は語る」

本稿執筆現在、日本では世界国際音楽コンクール連盟（WIF）加盟の国際ピアノコンクールが3つ開催されています。浜松国際ピアノコンクール、高松国際ピアノコンクール、そして仙台国際音楽コンクール（SIMC）です。SIMCは、国内のコンクール、そして世界の他の国際ピアノコンクールとは一線を画す非常に独特な特徴を持っています。それは、SIMCの出場者は準決勝以降、コンクール専属のプロオーケストラと協奏曲を演奏することが求められることです。そして、本選の課題曲には、「傑作」とされる協奏曲に加え、
演奏者の基礎的な技能を問う作品として広く認識されているモーツァルトの、あまり演奏されない協奏曲も含まれています。つまり、本選を目指す出場者は、少なくとも3つの協奏曲を演奏経験している必要があるということです。この条件は、出場者の考え方次第で、試練となることも、天の恵みとなることもあります。

コンクール後の記者会見では、入賞者たちがこぞって、コンクール出場の最大の理由として、最大3曲もの協奏曲を演奏する機会を得たことを挙げ、結果ではなく、その経験そのものへの感謝を様々な言葉で表現していました。その言葉から、彼らの受賞は、間違いなく、その飽くなき向上心と情熱によるものだと確信しました。

協奏曲を演奏する機会は、若い演奏家を目指す者にとって、またとない機会です。それは、既にキャリアを築いたプロのピアニストでさえ、
なかなか得られないものです。国際音楽コンクールの出場者たちがこの栄誉を享受できるのは、仙台フィルハーモニー管弦楽団という素晴らしいホストオーケストラがあるからです。逆に言えば
、3年ごとに開催される国際音楽コンクールが大きな役割を果たしていることは、フィルハーモニー管弦楽団にとって、演奏技術向上のための非常に重要な機会であり、財政基盤の重要な部分を担っていると推測されます。オーケストラと仙台国際音楽コンクールの現在の関係は、若い演奏家たちに他に類を見ない学習機会を提供するという、素晴らしい相互関係だと私は考えています。この理想的な関係が今後も維持されることを願っています。

[251 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:38:58.93 ID:ibfvykHX]

イキリジジイこっちにもきてんのかクソウザ

[252 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:39:14.20]

最も権威のある器楽コンクールの一つであるクリーブランド国際ピアノコンクールは、アンジェラ・ヒューイット、ジャン＝イヴ・ティボーデ、故ニコラ・アンジェリッチといったアーティストのキャリアを飛躍させたことを誇りとしています。しかし、輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、クリーブランドでは、
このコンクールが現状に甘んじているという意識は全くありません。50周年を迎えるにあたり、コンクールは主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

2024年大会には265名のピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた55名は、これまでとは全く異なるコンクールを経験することになります。 「私たちは、ピアニスト一人ひとりを一人の完成されたアーティストとして見たいのです」と、コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語る。コールバーグ氏は、バッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に選曲するという考えを捨て、出場者に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているかを表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり知られていない作曲家の作品を選び、審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受ける
。
「聴衆とどのように関わり、ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の芸術を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は語る。
後期ラウンドに進むピアニストは、アーティスト育成プログラムの恩恵を受けることになる。
これは、クラシックピアノの未来は個々のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるものだ。



開催されるコンクールの第1ラウンドは、もう一つ大きく異なる点があります。
それは、クリーブランドだけでなくパリでも開催されることです。1995年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォレス大学音楽院、
またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーで演奏しますこの2つの会場で行われることで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツとの繋がりを改めて示すことになります。

今夏、最終ラウンドのためにクリーブランドに招待される準々決勝進出者16名はクラシックピアノコンクールに求められる一般的な期待をはるかに超え、アーティストとして自らを表現することが求められます開会式でのポップミュージックデュオ演奏、
少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場やセッティングでの演奏が求められます。

これまでのラウンドと同様に、出場者は、あまり注目されていない、あるいはあまり知られていない
作曲家の作品を演奏し、その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められますコールバーグ氏は、出場者が審査員に「自分自身と、
ピアノの未来をどのように見ているか」を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一環です。

出場者は高額な賞金を期待できます。クリーブランド・コンクールの伝統の一つは、7万5000ドルのミクソン賞をはじめとする、50年にわたる高額賞金の評判です。しかし、キャリアを築くには
賞金以上のものが求められます。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、
カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでのリサイタル出演が保証され、さらに米国有数のアーティスト・マネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。

[253 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:40:27.96 ID:00MbXldo]

>>19
下手糞

[254 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:41:42.80]

幸運なことに、私は自分の仕事のほとんどの側面を楽しんでいます。ミュージシャンであることはそれ以上のことなので、‘job’ と言うのは躊躇します。間違いなく天職です。あらゆる種類の作業で予想されるように、私の ‘job’ の一部の部分は他の部分よりも興味深いです。ピアノコンクールの審査、つまり審査は、執筆と並んで人気の要素です。私は過去15 年間、世界中のあらゆるレベルや能力のさまざまなコンテストやフェスティバルで審査してきました; それは説得力があり、常に多様です。

ピアノコンクールにはプラス面とマイナス面があります。ピアノの演奏は主観的であり、ある演奏者を別の演奏者と比較することはできないと考え、競争の概念を嫌う人が多い。これは本当かもしれませんが、それを生徒たちに伝えてみてください！全体として、彼らはそのようなイベントに参加するのが大好きで、結果は多少無関係であることを彼らに理解してもらいます。参加することが最も間違いなく重要な要素です。なぜなら、コンテストが非常に有益である要素が 1 つある場合、それは学生の成長だからです。特定のレパートリーを学び、一定の期間内に細心の注意を払って準備することは、進歩に関する限り、状況を大きく変えるものです。若いプレイヤー向けの 8 分または 10 分のプログラムでも、上級プレイヤー向けの 20 ～ 30 分のプログラムでも、例外なく生徒全員が上達します。

‘しかし、試験やコンサートに向けて取り組むことで改善することはできませんでしたか？’ それは有効なポイントですが、コンサート、試験、コンテストのために学生を繰り返し入学させた後、私にとって、コンテストへの参加がトップの座を占めるように感じます。コンテストは、おそらくよりエキサイティングな ‘dangerous’ オプションとして認識されているため、特定のタイプの学生にアピールします。年長の生徒は、コンテストのみが提供する ‘edginess’ を気に入っているようです。私の生徒の一人は、2022 年に BBC ヤング ミュージシャンの第 2 ラウンドに進出しました。彼女はカーディフに行き、王立ウェールズ音楽演劇大学で他の25人の競技者と一緒に演奏し、同大学の大きなコンサートホールで3人の審査員の前で12分間のプログラムを行った。‘How did it feel’, 私は尋ねました。‘Terrifying’ 彼女はこう言いました。‘でも、it—it のすべての瞬間が大好きでした。エキサイティングでした。私は本当に ‘on edge’ で、爽快でした ’

しかし、私はコインの ‘other side’ にもいます。陪審員であることは特権であり、責任です。私は審査員団と協力することが多く、これは一般的により熟慮された結果をもたらす良い前兆です。選ばれたすべての受賞者に同意することもあれば、同意しないこともあります（これはまれですが）。

より大きな陪審員はどのように決定を下すのでしょうか？私が関わった競技会では、各会員が成績ごとにマークを授与し、そのマークが合計され、最も高いマークを獲得した競技者が優勝します。しかし、すべての競技会がこのように機能するわけではありません。ここ数年、G。ヘンレ・フェルラーク児童コンクールの審査員を務めてきました。他のオンライン コンテストと同様に、競技者は自分のパフォーマンスを YouTube にアップロードし、私たちは視聴し、各パフォーマンス（通常は 3 点満点中）に点数を与え、3 点または 3+ を獲得した人が最終ラウンドに進みます。決勝では、オンラインで会い、選ばれた ‘ファイナリスト ’ の意見をもう一度聞き、勝者候補について話し合います。私たちが幸せで、私たちの決定に同意していることを確認するためだけに、多くの競技者、特に前走者の話を何度か聞く必要があります。この最後の ‘session’ は 3 時間または 4 時間続くことが知られています。参加者が 500 人または 600 人の場合、これは簡単なプロセスではありません。

[255 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:43:47.09]

一部のコンクールではレパートリーが設定されています。年に 1 人の作曲家に焦点を当てており、特定の作品コレクションから年齢に応じたレパートリーが選択されます。他のコンテストでは完全に自由な選択肢が提供されており、私の生徒たちはそれを好みます。これにより、新しく学んだコンサート研究に、より安全なレパートリーとともに ‘outing’ を与えることができます。コンテストへの参加は、学生が常にレパートリーを拡大し、発展させることを奨励します。

最近、私はバンコクで開催されたタイ舞台芸術フェスティバルで一連のピアノのクラスを審査しました。タイは近隣諸国と協力して、若者たちを競技会に向けて徹底的に準備させています。このイベントではさまざまなレベルの演奏が行われましたが、全員が記憶に基づいて演奏し、演奏中に自信を示しました。

音楽院の場所のオーディションを受ける予定の人は、できるだけ早くピアノ演奏の実績 ‘（または伝記）を開発する必要があります。ある種の競争でもあるこの厳しい任務のために私が学生を指導するとき、入学希望者は自分がそのような場所にふさわしいことを証明しなければなりません。コンテストでの優勝、コンサートパフォーマンス、さまざまなコースやマスタークラスへの参加はすべて、彼らの知名度を高め、その応用を強化するのに役立ちます。

おそらく私は、競技会はエリート主義であり、貴重な時間とエネルギーの無駄であると考えている人たちに、再考するよう説得したのかもしれません。そうではないかもしれませんが、少なくとも私の観点から見ると、それらは教師のツールボックスにある価値のあるツールです。


4 年に一度のシドニー国際ピアノコンクールを開くには、オーストラリアで最も評価の高いクラシックピアニスト – 2 人による一連のピアノ連弾を使用するよりも良い方法はありません タマラ アンナ=チスロウスカ そして ジェラール ウィレムス AM.
コンサートは、ブゾーニがモーツァルトのオペラ序曲のピアノ連弾用に編曲した印象的な和音で始まりました の 魔笛。ブゾーニの編曲は聴衆を魅了するに違いありません – たとえば、バッハのコラール前奏曲の彼の編曲の純粋な力は時代を超えています。特に、この象徴的な序曲の彼の編曲についてはそうです。

非常に長いインタビューの後、 ダミアン ボーモント ピアニストたちと共演したのは、ベートーヴェンの交響曲第7番のピアノ連弾のための興味深い編曲でした。モーツァルトの序曲のように、 ポコ ソステヌート ベートーヴェンの第 7 曲では、大音量のパッセージと柔らかいパッセージの間の急速なコントラストが特徴です。また、キーボードを横切る一連の音階という注目すべきモチーフも特徴であり、これらは、他の多くの重なり合うメロディーの中でも特に、非常に強力に実行されました ウィレムス. 。デュエットがジーグのようなものになると、ティンパニの共鳴が聞こえそうになります。しかし、ハイライトは常に注目を集める第 2 楽章でした。これは、バロック – を陰気で、ドラマチックで、予感させると同時に明らかにベートーベネスクなひねりを加えたもので、ほとんどのバロック音楽モチーフ – である半音階のパッスス・ドゥリウスクルスが中心となっているように見えます。 ウィレムス 演奏されるメインテーマに素晴らしく重ねられる前に、とりとめのない対主題を展開します フォルテ による シスロウスカ.

イの作品に楽しく幻想的な雰囲気を与えました。あまり知られていませんが、同様に刺激的で、おそらくより遊び心のあるのは、Grieg の ‘Butterfly’ です。演奏するのは間違

シスロウスカ その後リストの演奏を披露 アブシード. 。多くの ‘farewell’ 作品と同様に（Dowland の作品まで遡って考えてみてください） さらば)それは、漠然とした切望感とともに、物悲しく始まります。ハイライトの 1 つは、ピアニッシモで演奏される、上向きにさまよう一連の音です シスロウスカ, 、神秘的なphyrgianモードでガラス質のソフトなハイコードのシリーズが続きます。ヴェルディのリゴレットに対するリストの印象により、当然のことながら、気分は急速に変化します。確かに技術的に非常に要求の厳しい作品です。私たちは最初から、蛇行につながる高音のほぼ対峙するカスケードに扱われます アンダンテ 冉レ は、, ゙ァームゥ

[256 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:46:05.69 ID:CmrzndTz]

昨日のローマンのラフマニノフ大失速
どう見ても演奏が荒れてるし派手に手を振り上げたりミスが増える要素散見して今後に不安しか感じない
クライバーンでコンクール卒業出来れば良いのにと密かに願ってたけど昨日のアレでは無理だよね…

[257 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:46:31.02]

ブラッドフォードのtheartsdesk - リピアノコンクール ファイナリストがセントジョージズホールで輝きます
明らかな勝者ですが、すべてのピアニストは偉大な指揮者とオーケストラとともに見事に仕事をしました
による デイヴィッド ニース
ドミンゴ ヒンドヤンとロイヤル リバプール フィルハーモニー管弦楽団と共演し、一等賞を受賞したジェイデン イジク=ジュルコ
すべての決勝戦の画像はフランシス マーシャルによるものです
5 つのピアノ協奏曲をフィーチャーした 2 部構成の決勝戦を、完全に満足のいくプログラムとしてどのように機能させるのでしょうか？まず、協奏曲の幅広いオプションのリストを提示し、各ピアニストに 2 つの選択肢を求め、何が最良のコントラストになるかを決定します –。その後、優秀なドミンゴ ヒンドヤンと、彼が 2021 年から首席指揮者を務めているロイヤル リバプール フィルハーモニー管弦楽団をパートナーとして迎えます

解釈のレベルが異なるにもかかわらず、この 5 つが存在するという事実は依然として残っています ファイナリスト, 20代全員が仲間の選手や指揮者と一つになっていました。それをやり遂げるには両方の要素が必要ですが、ヒンドヤンが常に魔法を呼び起こす必要はありません オーケストラ, 、インパクトはそれほど目まぐるしいものではなかったでしょう。

ただし、ファイナリストの要約の前に、’ はまったく異なるメリットを持っていますが、なぜブラッドフォードなのでしょうか？なぜなら、リーズの市庁舎は現在改修工事中だからだ（以前のラウンドは強力なパートナーである同大学の大学で開催された）。セントジョージズホール()下に写真市の建築の最高と最悪に私の優れたガイド、ジョージ シーランのによると、 1850 年のものの
トーンを上げた最初の人々の喜ブラッドフォードでかつての壮麗さに改装された他の建造物には、同じ建築家による後のベネチアン ゴシック様式のウール エクスチェンジがあり、現在は英国で最も印象的な場所にあるウォーターストーンを収容しています ()下に写真) を。そして、それが悪い書店ではないと思うなら、市内から4マイル離れたモデル村ソルテアにある工場本館の驚くべき改装工事の一環として、ブラッドフォードの若者デヴィッド・ホックニーの作品を部分的に展示する巨大な展示スペースと並んで、別の書店がある。彼の経済的支援は奇跡を起こすのに役
立ちました（入場無料）。 ウォーターストーンはブラッドフォードの羊毛取引所にありますブラッドフォード自体は最悪のチームと並んで最高のチームであり、リーズは財政とナイトライフの多くを吸い取っている。英国文化都市となる 2025 年までに十分な変化はありません（まだ EU 内にいたら何が達成できたかを想像してみてください）。ビクトリア朝の壮大さの間には、その大部分がまだ空き地となっており、電子タバコや携帯電話の店、ネイルバー、亜リードの飲み場が並ぶ中央通り全体があり、ホームレスであることは明らかであり、健康的な外観を持っているのはパキスタンのイスラム教徒コミュニティだけです（素晴らしい、お金の価値があるレストランの中には、セルフサービスのカラチと、土曜日の午後5時に営業する華やかなインターナショナルがあります）。

しかし、金曜日と土曜日にはセントジョージズホール内で繁栄が見られました。ヒンドヤンのスタイリッシュな指揮を考えると、魅力的でもあります。Barbirolliは、ヨーロッパで最高の講堂を説明したときびの宮殿でした 50 棟の建物にあるブラッドフォード, 、“工場、鋳物工場、醸造所、ビアハウス、ドラムショップ、貧しい住宅を不完全に融合させたもの”。

[258 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:47:03.19 ID:CmrzndTz]

マモーラ
作り込み過ぎててコレはすでにコンクールの演奏ではない笑

[259 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:47:22.56 ID:ESf8EHFh]

お前弾けんの？
エラそうだな聴き専だろ？

[260 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:48:15.77]

規定からわかるように、世界中から応募資格のある才能ある人材が3年ごとにドバイに集結します。彼らは国籍、教育水準、文化的背景が極めて多岐にわたります。
他の多くのコンテストでは年齢の上限を29歳または30歳に設定していますが、このコンテストでは予選ラウンドで35歳に設定されており、より成熟した出場者の参加を促していると考えられます。

3. グランドフィナーレの最初の2回のリサイタルラウンドの課題曲は、他の多くのコンクールと同様で、一般的に幅広い技術的要求と様式的解釈を網羅し、創造性もある程度考慮されます。しかし、このコンクールが特に異なるのは第3ラウンドでした。18名の出場者（前回の70名から進出）は、セルゲイ・シンバティアン指揮のレジデントオーケストラであるアルメニア国立交響楽団と、現代作曲と歴史的時代の協奏曲の2つの必須協奏曲で共演する必要がありました。2024年度の課題曲は、レジデント作曲家アレクセイ・ショル（ピアニスト兼指揮者のミハイル・プレトニョフと共演）によるピアノと管弦楽のための組曲第2番「私の本棚から」でした。同時に演奏されたのは、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト作曲の有名なピアノ協奏曲ニ短調第20番 K.466でした。この対照的な組み合わせは、審査員の審査プロセスにおいて重要な意味を持ちました。
全く新しい作品に取り組むピアニストたちの革新性だけでなく、古典主義とモーツァルトらしさに対するそれぞれの姿勢をはっきりと示すものだったからです。驚くべきことに、
アレクセイ・ショアの組曲は現代的でありながら心地よい音色（ややジャズ調でさえありました）で、想像力を十分に掻き立てました。同時に、モーツァルトの協奏曲はピアニストの柔軟性と洗練さを際立たせる機会となりました。
私は18人の異なる候補者による第3ラウンドを18回も視聴しましたが、音楽の新鮮さと、このコンクールの理念を反映した、
才能豊かなピアニストたちの思考と感情の豊かな表現に魅了されました。

「言葉が足りないところで、音楽が語る。」 –ハンス・クリスチャン・アンデルセン

指揮者から、アーティストのプロモーター、コンサートホールのマネージャー、興行主、
その他の楽器奏者まで、審査員は多岐にわたり、幅広い好みと期待を代表していました。美的感覚と実用性の両方が包括的に融合したコンクールと言えるでしょう。
応募者も観客も、このような豊かな経験を得られたことは大変幸運でした。特に、その過程全体がメディチによって世界中の視聴者に伝えられたことも、大きな幸運でした。

コンサートツアーを獲得するにふさわしい、唯一無二のアーティストを探し出さなければならないでしょう。
私は第3ラウンドと第4ラウンドを綿密に調査し、最終結果を鋭く分析した結果、
特に最後のピアノ協奏曲ラウンドにおいて、コンクールのレベルが非常に高かったという結論に達しました。9名のファイナリストは、技術的に最も要求が厳しく、音楽的にも挑戦的な協奏曲のいくつかを、
驚くほどプロフェッショナルな演奏でこなしました。しかしながら、演奏全体が素晴らしかったにもかかわらず、私が求める音楽的要素のすべてを単独で満たしてくれる「あの人」を見つけたとは確信が持てませんでした。
そのリストは以下の通りです。

[261 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:48:43.02]

弦楽器、管楽器、金管楽器の奏者は、実際に音を奏でる際に物理的に音を操る必要がありますが、ピアニストは、ピアノを美しく歌わせるために、巧みに鍵盤を操る必要があります。響き渡る音と脆い音の違いは、指、手首、腕の繊細な操作、そしてもちろん、鋭い耳の導きによって決まります。目指すのは、温かく、繊細で、変化に富み、固有の叙情性を持つ音を生み出すことです。決勝に進出した候補者の中. 知的でアカデミック – この傾向を持つ音楽家は、多くの場合、優れた訓練を受け、完璧主義で、真面目で、知性があり、上品な人です。彼らの綿密に考え抜かれた演奏を通して、音楽の構造を「聴く」ことができます。鋭い分析力が求められるため、彼らの表現力はやや控えめで衝動性は控えめですが、間違いなく奥深く、やりがいのあるものです。このジャンルには、チェコスロバキアのマレク・コザック（6位）、イギリスのヤン・ユアンファン（7位）、韓国のチェ・ヒョンロク（9位）が挙げられます。

4. 情熱と情熱 – これらの資質は、経験豊富で熟練したアーティストに体現されています。彼らは作曲家と共鳴し、聴衆を涙に誘い、ひいてはパトロンの忠誠心を確実に得ることができるのです。まさにこの言葉は、2024年のコンクールの優勝者、ロシア／オランダ出身のアンドレイ・ググニン（1位）にも当てはまります。36歳という年齢は、出場者の中でも最年長かつ最も成熟した人物の一人です。すべてのラウンドで力強く力強い存在感を

、その数はごくわずかでした。興味深いことに、全員が優勝したわけではありませんが、それでも彼らはコンサートで成功を収めています。例えば、 2010年のショパン・コンクールのダニール・トリフォノフ、2013年のヴァン・クライバーン・コンクールのベアトリス・ラナ、2015年のチャイコフスキー・コンクールのルーカス・ドゥバルグ、2018年のリーズ・コンクールのエリック・ルー、2021年のショパン・コンクールの小林愛美と反田恭平、 2022年のヴァン・クライバーン・コンクールのユンチャン・イムなどが挙げられます。

最後に、メディチのコンテストのオンライン報道による世界規模の広範な露出によって、従来の解釈に従う群衆に従う競技者だけでなく、型破りなアイデア、心を打つ感情、独立した声を持つ刺激的な才能のある競技者も惹きつけられることを願っています。

ミー・ブラント国際ピアノコンクールは、40年以上にわたりバーミンガムの重要な音楽センターを転々としてきましたが、今ではより扱いやすいバーミンガム国際ピアノコンクールという名前も持ち、バーミンガム王立音楽院に落ち着きました。
回のリサイタルでファイナリストが4名に絞り込まれ、再びリサイタルを行う必要がありました。バーミンガムのような都市で開催されるこのような重要なコンクールでは、本選は（リーズのコンクールのように）協奏曲のような華やかさを持つべきだと思います。RBC交響楽団の学生にとっては、RBCの経験豊富なプロの指揮者の指揮のもと、プレッシャーの下で練習する絶好の機会です。
このコンクールの創設者であるグラディス・ブラントさんは、各出場リサイタルに特定のカテゴリーを設けていましたが、今回はそのようなことはなく、時間制限さえありませんでした。ある演奏は他の3曲よりもはるかに長く、各ファイナリストのプログラム内容は比較するのが困難でした。
現在マンチェスターを拠点に活動するロシアのマキシム・キナソフは、シロティ編曲による控えめなバッハのプレリュード、ブラームスのパガニーニ変奏曲第1巻、そしてリズミカルで軽快なプロコフィエフの第7ソナタで幕を開けました。
クララ・イザベラ・ジーグル（アイルランド/ドイツ）のプログラムは比較的小規模で、
モーツァルトのハ短調ソナタから始まり、クララ・シューマンのショパン風のソワレ・ミュージカルが続きました。

プログラムとは全く異なる演奏で私たちを驚かせました。

ベートーヴェンの「ワルトシュタイン」は技術的に素晴らしく、フィナーレの導入部では温かみのあるペダルが用いられ、

リストの「メフィスト・ワルツ」はきらびやかで軽快でした。
審査員のフィリップ・エドワード・フィッシャー、キャロル・プレスランド、マルティーノ・ティリモは、

キナソフを1位、ストクテを2位、趙を3位、ジーグルを4位につけました。
聴衆賞はストクテが見事に受賞し、少なくとも私はその意見に同意しました。
クリストファー

[262 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:49:11.59 ID:udocATaO]

ろくに弾けない奴のゴミ感想いらねーんだわw
恥を知れよw

[263 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:49:41.87]

優勝者の力量とその後の功績に左右される。リーズで優勝したことにより真に世界レベルのピアニストが誕生したのは、もう何年も前のことだ。少なくとも今回は、第1位にふさわしい人物が選ばれたかどうかについて議論の余地はないだろう。
少なくとも協奏曲の最終選考を見る限り、カザフスタン出身の23歳、アリム・ベイセンバエフは、男性5人組のファイナリストの中でも際立つ、洗練された成熟した演奏で、優勝に値する演奏だった。

もちろん、審査員の決定は決勝戦のみに基づくものではなく、それ以前のすべてのラウンドでの演奏も考慮される。
ベイセンバエフは準決勝のリサイタルでリゲティ研究グループによる現代音楽賞も受賞し、さらにそれ以前のラウンドのストリーミングを見た人々の投票に基づくバーチャル観客賞も受賞したという事実は、彼の演奏が一貫して際立っていたことを示している

決勝戦は、決して完全に公平な試合にはなり得ない。参加者は22歳から28歳までと幅広く、中には他よりもはるかに経験豊富な者もいた。
決勝に残った少なくとも1人は、アンドリュー・マンゼ指揮のロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団と協奏曲を演奏し、プロのフルサイズのオーケストラと共演する初めての経験となった。
一方、国際クラスのバンドと共演した経験を持つ参加者もいた。また、これほどまでに異なる作品を直接比較するのは容易ではない。ベイセンバエフの威勢がよく社交的なラフマニノフとパガニーニの主題による狂詩曲、そして例えば、3位に入ったイスラエルのアリエル・ラニによるブラームスのピアノ協奏曲第2番の印象的な持続演奏

ピアノ協奏曲第3番を演奏した際の、やや脆く集中力の欠けたせいというよりは、
以前のラウンドでの演奏（室内楽賞も受賞）によるところが大きいと思う。一方、ウクライナのドミトロ・チョニさんは、個性のないベートーヴェンのピアノ協奏曲第3番で4位となった。
今日ではほぼ当然のこととなっているのは、すべての参加者の技術的な自信である。基準は非常に高く、最終的な優勝者を含む決勝進出者のうち3人がロンドンのパーセル音楽院に進み、
その後首都の音楽大学に進学したことは指摘する価値がある。しかし、最も価値のあるものは真の音楽的個性であり、それは教えることはできない。しかし、決勝を見る限り、ベイセンビエフには確かにそれが備わっていた。

厳格さ、そして決意を持って独立したジャーナリズムを追求してきました。しかし今、を迎え、私たちはかつてはほとんど想像もできなかったような新たな課題に直面しています。
ニュース業界の経済的基盤は、強力なテクノロジープラットフォームによって崩壊しました。
過去20年間で、世界中で数千もの新聞が廃刊、あるいは跡形もなく縮小しました。その代わりに、ソーシャルメディアネットワークが公共の言説を偽情報で溢れかえらせています。
同時に、ジャーナリストはますます強まる政治的圧力にさらされています。排除や検閲、嫌がらせや暴力に至るまで、権力に責任を負わせようとする人々は沈黙させられています。
権威主義的で反民主主義的な指導者たちは、報道の自由を弱め、情報空間を支配しようと躍起になっています。

[264 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:50:42.01 ID:E3aWPZhh]

また山根先生？！

[265 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:50:49.18]

ブゾーニによるモーツァルトのオペラ『魔笛』序曲のピアノ二重奏版の印象的な和音で幕を開けました。ブゾーニのアレンジはどれも聴衆を魅了するもので、例えばバッハのコラール前奏曲のアレンジは、その圧倒的な力強さで時代を超越しています。
特に、この象徴的な序曲のアレンジは、その力強さが際立っています。大げささと軽薄さが絶妙に融合しており、両演奏者はそれを巧みに強弱の変化に織り交ぜながら見事に表現していました。対位法的なパッセージのアーティキュレーションは印象的で、両ピアニストが速いパッセージを自信たっぷりに演奏する様子も印象的でした。

ダミアン・ボーモントとピアニストたちとの非常に長いインタビューの後、ベートーヴェンの交響曲第7番のピアノ二重奏のための興味深い編曲が紹介された。モーツァルトの序曲のように、ベートーヴェンの交響曲第7番の「ポコ・ソステヌート」は、強弱のパッセージ間の急速な対比を特徴としている。また、鍵盤を横切る一連の音階という注目すべきモチーフも特徴としており、ウィレムスは、他の多くの重なり合うメロディーの中で、これを非常に力強く演奏した。二重奏がはっきりとジーグのようなものに突入すると、ティンパニの共鳴が聞こえてくるようだ。しかし、ハイライトは常にショーを締めくくる第2楽章である。これはバロック音楽に明らかにベートーヴェン風のひねりを加えたもので、陰鬱でドラマチック、そして不吉な雰囲気があり、最もバロック的な音楽モチーフである半音階の「パッサス・ドゥリウスクルス」を中心に据えられているようだ。ウィレムスはとりとめのない対主題を展開し、それがチスロフスカが力強く演奏する主題と見事に重ね合わされる。


休憩の後、ウィレムスはグリーグの小品を数曲演奏した。最初はグリーグの抒情小品集より「孤独な旅人」 。ウィレムスは宮廷舞踏会のようなリズムで演奏した。曲のハーモニーはウィレムスの繊細なサステインと相まって、グリーグならではの神秘的な孤独感を醸し出していた。
有名な「朝の気分」の長いアルペジオは、曲に心地よく幽玄な雰囲気を与えていた。あまり知られていないが、グリーグの「蝶々」も同様に心を揺さぶり、おそらくより遊び心のある作品だ。
演奏するのは間違いなく楽しく、聴衆もそれを感じ取った。

続いてチスロフスカはリストの「アブシッド」を演奏した。多くの「別れ」の曲と同様に（ダウランドの「別れ」まで遡って考えても）、この曲も漠然とした憧れの気持ちで物憂げに始まる。
ハイライトの一つはチスロフスカがピアニッシモで演奏する上昇する一連の音符で、これに神秘的なフィルギア旋法のガラスのように柔らかい高和音が続く。リストによるヴェルディの「リゴレット」の印象では、当然ながら気分が急激に変化する。
これは確かに非常に技術的に要求される曲である。冒頭から、私たちはほぼ直面するような高音のカスケードを目にすることになる。このカスケードは、最初は短いレチタティーヴォ、次にテノールによるアリアのような印象を与える曲がりくねったアンダンテへとつながる



あの有名な長いトリルとグリッサンドから始まります。低音域のジャズ風のシンコペーションのパッセージは、高音域でさらにジャズ風のパッセージへと変化し、その後、激しい下降和音が続きます。二人の演奏は、この曲に期待される力強さと遊び心を兼ね備えています。

2023年、シドニー国際ピアノコンクール（ザ・シドニー）は、7月5日から22日 まで、再びライブイベントとして開催されます 。世界屈指の若手ピアニスト32名がオーストラリアに渡り、

[266 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:52:38.34]

ジャン＝イヴ・ティボーデ、故ニコラ・アンジェリッチといったアーティストのキャリアを飛躍させたことを誇りとしています。
しかし、輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、クリーブランドでは、このコンクールが現状に甘んじる雰囲気は全くありません。
50周年を迎えるにあたり、コンクールは主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

2024年大会には265名のピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた55名は、これまでとはかなり異なるコンクールを経験することになる。
「私たちは、各ピアニストを一人のアーティストとして見たいのです」と、コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語る。彼はバッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に演奏するという考え方を捨て、
出場者に「自分自身の個性と、ピアノの未来像を表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「彼らの芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

2024年のコンクールでは、第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり演奏されてこなかった作曲家の作品を選択することが求められ、審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受けます。「聴衆とどのように関わり、
ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の作品を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は述べています。
後期ラウンドに進むピアニストは、クラシックピアノの未来は個々のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるアーティスト育成プログラムの恩恵を受けることができます。

う一つ大きく異なる点があります。それは、クリーブランドだけでなくパリでも開催されることです。1995年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し、
第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォーレス大学音楽院、またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーのいずれかで演奏します。
この2つの会場で開催することで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツを再び意識したものになります。

今夏、クリーブランドで開催されるコンクールの最終ラウンドに招待される準々決勝進出者16名は、クラシックピアノコンクールの常識をはるかに超え、
アーティストとして自らを表現することが求められます。彼らは、開会式でのポップミュージックデュオ演奏、少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏、そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場や設定での演奏が求められます。


、あまり知られていない、あるいはあまり知られていない作曲家の作品を演奏し、その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められます。コールバーグは、出場者が審査員に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているか」を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一部です。

出場者は期待できます。クリーブランドでは、このコンクールが50年にわたり、
7万5000ドルのミクソン最優秀賞を含む高額賞金で高い評価を得ていることが常に話題となっています。
しかし、キャリアを築くには、賞金以上のものが不可欠です。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでのリサイタル出演が保証され、
さらに米国有数のアーティストマネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。

クリーブランドへの出場権と準々決勝進出は、それ自体が大きな賞となります。コンクールのアーティスト育成プログラムでは、出場者がレジデンス、
メンターシップの機会、ブランディングとマーケティングに関する講座、マスタークラス、そしてジョナサン・ビス、アンジェラ・ヒューイット、ジュ・ヒョンギといったピアニストから直接フィードバックやアドバイスを受けることができます。

コールバーグ氏は、クリーブランド国際ピアノコンクールが、第1ラウンドに出場した55名のピアニストたちから並外れた才能を披露してくれると確信している。

[267 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:53:55.07]

ベイセンバエフは、冒頭の変奏の尖ったスタッカートの和音から、豊かな音色と幅広いフレージングの理解の両方が求められるハリウッド風の第18変奏まで、この作品に必要な色彩とアーティキュレーションをすべて表現することができた。

最初から最後まで音楽的な確信を伝え、ロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団とのシンコペーションを交えたあらゆる対話を楽しみました（指揮者のアンドリュー・マンゼも、あらゆる瞬間を楽しんでいました）。ベイセンバエフは、Medici.tv聴衆賞と、現代音楽の最優秀コミュニケーターに贈られるロイヤル・リバプール・フィルハーモニック協会賞も受賞しました（準決勝でのリゲティの演奏は実に魅惑的でした）。



2日前の決勝第1回コンサートで聴いた限りでは、このコンクールの優勝者は誰になるか、私には疑いようもありませんでした。21歳のイリア・オブチャレンコです。モーツァルトとシューベルトの作品における彼の演奏は、他の出場者たちをはるかに凌駕していました。昨夜の決勝第2回コンサートは、会場がダウンタウンのマウント・ロイヤル大学から、カルガリー・フィルハーモニックの本拠地であるジャック・シンガー・コンサートホールに移されました。このコンサートでは、出場者全員がジェフリー・カハネ指揮のカルガリー・フィルハーモニックと共に、主要な協奏曲を演奏することが求められました。今回も、最も強い印象を残したのはオブチャレンコでした。

オブチャレンコはチャイコフスキーの有名なピアノ協奏曲第1番変ロ短調で幕を開けた。この協奏曲は、何年も前にモスクワでヴァン・クライバーンを世界的な名声へと押し上げた作品である。オブチャレンコはクライバーンほどの熱狂ぶりはなかったものの、彼ならではの見事な演奏を披露した。第1楽章はゆっくりと演奏したが、そのおかげで華やかさよりも音楽の深みを強調することができた。他の部分では、卓越したテクニックと堂々とした存在感を鍵盤上で示した


オブチャレンコがチャイコフスキーを選び、サーシャ・カスマン・ラウデがラフマニノフのピアノ協奏曲第3番を演奏する予定だったため、観客を喜ばせるという点では残念な選択だった。コンクールでベートーヴェンの協奏曲とロマン派の代表的な協奏曲を比較するのは無意味だ。それでも、レイチェル・ブリーンは美しく演奏し、2日前の演奏よりもはるかに良い印象を与えた。


、それ以上のものではありませんでした。第1楽章のカデンツァはせいぜい職人的な演奏で、最終楽章の終わり方はあまりにもゆっくりとした演奏でした。彼女は懸命に演奏していましたが、音楽を前進させるには至りませんでした。個人的な話ですが、ほんの数ヶ月前にフォートワースで開催されたクライバーン・コンクールに出席したことを付け加えなければなりません。優勝したのは18歳の韓国人ピアニスト、ユチャン・リムで、彼はこのラフマニノフのピアノ協奏曲第3番を驚異的
くの人が初めてこのアコースティックフィエスタを経験しているようです。訴訟手続きについては簡単に親密さがあった。“Kale Bazetsn/Khusidl” の幸せな悲しみの嘆きから、“Simkhes Toyre Time” の泡立つ活力まで、これは世界中のどこでも、友人や家族と一緒に大きな感情に対処するジャムセッションになるかもしれないと感じました。

[268 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:54:39.51 ID:8W5cZEhP]

他人を批評するなら
自分の演奏動画上げてからにしなよ
どうせド下手だろうがw

[269 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:55:24.97]

私の「仕事」にも、他の部分よりも面白い部分とそうでない部分が存在します。ピアノコンクールの審査員、つまりジャッジは、執筆活動と並んで私のお気に入りの仕事です。

過去15年間、世界中のあらゆるレベルや能力のコンクールやフェスティバルで審査員を務めてきました。その仕事は魅力的で、常に変化に富んでいます。
ピアノコンクールには良い面と悪い面があります。ピアノ演奏は主観的なものであり、演奏者同士を比較することはできないと考えて、コンクールという概念を嫌う人も多くいます。

確かにその通りかもしれませんが、私の生徒たちにそう言ってみてください！ 概して生徒たちはこうしたイベントに参加するのが大好きで、私は結果があまり重要ではないことを彼らに理解させています。参加することが何よりも重要な要素です。なぜなら、コンクールが大きなメリットをもたらす要素があるとすれば、それは生徒の成長だからです。

特定のレパートリーを学び、一定の時間内に綿密に準備することは、生徒の成長を劇的に変える力を持っています。若い演奏者向けの8分または10分のプログラムでも、上級者向けの20分から30分のプログラムでも、私の生徒たちは例外なく全員上達します。
「でも、試験やコンサートに向けて努力すれば上達できないの？」確かにその通りですが、コンサート、試験、コンクールに何度も生徒を参加させてきた私には、コンクールへの参加が何よりも重要視されているように感じます。

コンクールは、より刺激的で「危険な」選択肢と捉えられているため、特定のタイプの生徒に魅力的に映るのかもしれません。年上の生徒は、コンクールならではの「エッジの利いた」雰囲気を好むようです。

私の一人は、2022年のBBCヤング・ミュージシャン・コンテストの2次予選に進出しました。彼女はカーディフにあるロイヤル・ウェールズ音楽演劇大学で、他の25人の出場者と共に演奏し、
大学の大コンサートホールで3人の審査員の前で12分間のプログラムを演奏しました。「どんな気持ちでしたか？」と尋ねると、
彼女は「怖かったです」と答えました。「でも、すべての瞬間が楽しかったです。刺激的で、本当に『緊張感』があり、爽快でした」
しかし、私はコインの「裏側」にもいます。
審査員であることは特権であり、同時に責任でもあります。審査員団と仕事をすることが多く、それは概してより慎重な判断に基づいた結果につながると期待されます。受賞者全員の意見に同意する時もあれば、
そうでない時もあります（これは稀ですが）。
審査員団の規模が大きい場合、どのように決定を下すのでしょうか？私が関わってきたコンクールでは、各審査員がそれぞれのパフォーマンスに点数をつけ、その点数を合計して最高点を獲得した参加者が優勝者となります。
しかし、すべてのコンクールがこのように行われるわけではありません。私はここ数年、G. Henle Verlag Children's Competitionの審査員を務めてきました。他のオンラインコンクールと同様に、参加者はYouTubeにパフォーマンスを私たちはそれを視聴し、通常3点満点で各パフォーマンスに点数を付与しま以上の点数を取った参加者は決勝に進みます。決勝では、オンラインで集まり、選ばれた「ファイナリスト」の演奏を再び聴き、
優勝者候補について話し合います。多くの参加者、特に上位候補の演奏を何度も聴き、決定に納得し、合意していることを確認する必要があります。この最終「セッション」は3～4時間かかることもあり、参加者が500人、
600人にも及ぶとなると、容易なプロセスではありません。

数時間にわたって直接会い、それぞれの作品を互いに演奏し合い、優勝者を決めました。今年は初めて、希望した出場者には書面によるフィードバックを提供しました。フィードバックは忘れられがちな「プラス要素」の一つです。
学生が特定のコンクールで優勝できなかった理由を知りたがる時代において、審査員の意見は歓迎され、そして願わくば建設的な意見がほとんどであることを願っています。



コンクールの中には、課題曲が決まっているところもあります。ヘンレ・コンクールは毎年1人の作曲家に焦点を当て、特定の作品集から年齢に応じた課題曲が選ばれます。
他のコンクールでは完全に自由な選択が認められており、私の生徒たちはそちらを好んでいます

[270 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 11:59:12.74]

ロバート・ウィリアム＆フローレンス・エイミー国際ピアノコンクールは、40年以上にわたりバーミンガムの重要な音楽センターを転々としてきましたが、
今ではより扱いやすいバーミンガム国際ピアノコンクールという名前も持ち、バーミンガム王立音楽院に落ち着きました。それなりの
回のリサイタルでファイナリストが4名に絞り込まれ、
再びリサイタルを行う必要がありました。バーミンガムのような都市で開催されるこのような重要なコンクールでは、本選は（リーズのコンクールのように）協奏曲のような華やかさを持つべきだと思います。交響楽団の学生にとっては、RBCの経験豊富なプロの指揮者の指揮のもと、プレッシャーの下で練習する絶好の機会です。
このコンクールの創設者であるグラディス・ブラントさんは、各出場リサイタルに特定のカテゴリーを設けていましたが、
今回はそのようなことはなく、時間制限さえありませんでした。ある演奏は他の3曲よりもはるかに長く、各ファイナリストのプログラム内容は比較するのが困難でした。


現在マンチェスターを拠点に活動するロシアのマキシム・キナソフは、シロティ編曲による控えめなバッハのプレリュード、ブラームスのパガニーニ変奏曲第1巻、そしてリズミカルで軽快なプロコフィエフの第7ソナタで幕を開けました。
クララ・イザベラ・ジーグル（アイルランド/ドイツ）のプログラムは比較的小規模で、モーツァルトのハ短調ソナタから始まり、クララ・シューマンのショパン風のソワレ・ミュージカルが続きました。
リトアニア出身のガブリエーレ・ストクテによる、色彩豊かなラヴェルの「ラ・ヴァルス」は素晴らしく、その前にはプロコフィエフのソナタ第4番、
そして美しくシンプルなシューベルト／リストが演奏されました。
中国のピアニスト、趙玉軒は、予告されていたプログラムとは全く異なる演奏で私たちを驚かせました。ベートーヴェンの「ワルトシュタイン」は技術的に素晴らしく、フィナーレの導入部では温かみのあるペダルが用いられ、リストの「メフィスト・ワルツ」はきらびやかで軽快でした。
審査員のフィリップ・エドワード・フィッシャー、キャロル・プレスランド、マルティーノ・ティリモ


ブゾーニのアレンジはどれも聴衆を魅了するもので、例えばバッハのコラール前奏曲のアレンジは、その圧倒的な力強さで時代を超越しています。特に、
この象徴的な序曲のアレンジは、その力強さが際立っています。大げささと軽薄さが絶妙に融合しており、両演奏者はそれを巧みに強弱の変化に織り交ぜながら見事に表現していました。対位法的なパッセージのアーティキュレーションは印象的で、両ピアニストが速いパッセージを自信たっぷりに演奏する様子も印象的でした。

ダミアン・ボーモントとピアニストたちとの非常に長いインタビューの後、ベートーヴェンの交響曲第7番のピアノ二重奏のための興味深い編曲が紹介された。モーツァルトの序曲のように、ベートーヴェンの交響曲第7番の「ポコ・ソステヌート」は、強弱のパッセージ間の急速な対比を特徴としている。また、鍵盤を横切る一連の音階という注目すべきモチーフも特徴としており、ウィレムスは、他の多くの重なり合うメロディーの中で、これを非常に力強く演奏した。二重奏がはっきりとジーグのようなものに突入すると、ティンパニの共鳴が聞こえてくるようだ。
しかし、ハイライトは常にショーを締めくくる第2楽章である。これはバロック音楽に明らかにベートーヴェン風のひねりを加えたもので、
陰鬱でドラマチック、そして不吉な雰囲気があり、
最もバロック的な音楽モチーフである半音階の「パッサス・ドゥリウスクルス」を中心に据えられているようだ。ウィレムスはとりとめのない対主題を展開し、それがチスロフスカが力強く演奏する主題と見事に重ね合わされる。

休憩の後、ウィレムスはグリーグの小品を数曲演奏した

これに神秘的なフィルギア旋法のガラスのように柔らかい高和音が続く。リストによるヴェルディの「リゴレット」の印象では、
当然ながら気分が急激に変化する。これは確かに非常に技術的に要求される曲である。冒頭から、私たちはほぼ直面するような高音のカスケードを目にすることになる。このカスケードは、最初は短いレチタティーヴォ、次にテノールによるアリアのような印象を与える曲がりくねったアンダンテへとつながる。

[271 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:00:45.55 ID:IQaI8B7e]

聴き専の分際で批評するの恥ずかしいねー
国際舞台に立つこともできないだろうにw

[272 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:01:22.89]

ピアノ連弾のラウンドも設けられています。これは、デュオピアニストの創始者であるシュテッヒャーとホロヴィッツの歴史にふさわしい特徴と言えるでしょう。
今年はジョン・コリリアーノの「ガゼボ・ダンス」が選ばれたのは特に嬉しかったです。このコンクールは、著名な審査員や優れた選考実績など、他にも多くの利点を誇りますが、その数字が物語っています。今年の22名のピアニストは、150名を超える国際的応募者の中から選ばれ、その多くが遠路はるばるこのコンクールのために旅をしてきたのです。



こうした授賞式の夜は、一連のスピーチで幕を開けることが多い。ステッチャー氏、ホロウィッツ氏、そして会長ウィリアム・S・ハースト氏に加え、WQXRでお馴染みのロバート・シャーマン氏による司会進行も披露された。スピーチはどれも魅力的だったが、ステージ上で名前が呼ばれるのを待ち、受賞者自身のパフォーマンスも披露される22人の出場者たちの姿に、思わず共感してしまう。16歳から21歳までの若者たちが、それぞれの分野で鋼鉄の精神力を求められるのは、今回が最後ではないだろうが、スピーチはまさに厳しい試練と言えるだろう。受賞者たちは、その挑戦に見事に応えた。



第1位受賞者のアリスト・シャム氏は、スクリャービンのピアノソナタ第9番作品68（「黒ミサ」）と、ローウェル・リーバーマン作曲の2つの即興曲作品131で、観客を魅了する演奏を披露しました。後者は、シュテッヒャー＆ホロヴィッツ財団から各出場者に演奏を委嘱されたもので、シャム氏は委嘱作品最優秀演奏賞も受賞していたため、この機会に即興曲の公開初演とも言える演奏を披露しました。これ以上に迫力のある演奏は想像しにくいでしょう。シャム氏は、曲のメランコリックな部分には瞑想的な叙情性を、厳しいコントラストには激しい緊張感を、素晴らしい統率力、没頭力、そして親密ささえ感じさせる演奏を披露しました。他の出場者と同様、シャム氏にも楽譜が送られたのはわずか2か月前だったことを考えると、感銘深い演奏でした。幸いなことに、リーバーマン氏自身も優れたピアニストであり、現代で最も独特なピアノ曲を作曲しているので、出場者は皆、「2つの即興曲」を「テストピース」として与えられれば喜ぶだろう。
シャム氏は司会のロバート・シャーマン氏にそう告げ、リーバーマン氏の「ガーゴイルズ」は（「当然」 ）既に知っていると自ら申し出た。（当時は「出版されたばかり」だったのを思い出すと、
自分がどれだけ年老いたのか実感する。）即興曲は現代ピアノのレパートリーにとって喜ばしい豊かさであり、シャム氏はその有能なチャンピオンとなるだろう。



香港出身でロンドンで教育を受け、現在ハーバード大学とニューイングランド音楽院に在籍する20歳のシャム氏は、若き天才だ。彼のスクリャービンの演奏は、情熱とピアニズムに加え、論理性と明晰さを体現している。
スクリャービンに必ずしも結び付けられるわけではないが、それでもなお、彼の演奏をまとめる上で不可欠な要素となっている。すべての音符が全体の流れの中で決定的な位置を占め、外向的な場面には強い必然性が感じられた。
シャム氏のベートーヴェンへの興味は確かに掻き立てられた（以前のラウンドでは作品106を提示していたが、今回は聴衆からの「投票」に助けられ、スクリャービンを選んだ）。
シャム氏にとっても、私たちにとっても、今後の演奏に期待できることは明らかだ。





演奏を再び聴けることを楽しみにしています。できれば、より多彩なレパートリーで。

ガゼボダンスを、祝祭ムードたっぷりに披露しました。ワルツは、ニュアンス、弾力性、そして遊び心が絶妙に表現されていました。リハーサル中は
言葉の壁があったと思われていましたが（プーンさんは「ボディランゲージ」に頼っていたと答えています）、二人は明らかに息が合っていました。エネルギッシュなタランテラは息を呑むほどの一体感で、最後は華麗な花火が打ち上がりました。
観客は心からの称賛を送りました



このイベントに参加したすべての方々に心からお祝い申し上げ

想像もできなかったこのプロセスは関係者全員のストレスが少なくなり、
二酸化炭素排出量の大幅な削減につながったと報告されていることは興味深いことです。






2

[273 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:02:54.21]

残念ながら、結果はノーだった。ケリーは5位、チョニは4位だったが、彼の温かく親しみやすい音楽スタイルは、
すぐにまた聴きたくなる魅力を放っている。最優秀賞は カザフスタン出身のアリム・ベイセンバエフ（写真上）が受賞しました。ラフマニノフの「パガニーニの主題による狂詩曲」を、
彼の電撃的で爽快な演奏は、私がこれまで生で見た中で最も興奮したものの一つでした。ベイセンバエフはこの曲の脆い現代性を強調し、鋭く切れ味鋭い演奏は、RLPOの管楽器と金管楽器と見事に調和していました。大胆で壮大な響きがホールに響き渡り、
第18変奏のベイセンバエフの演奏は、威厳と温かみのある叙情性を兼ね備えていました。彼はまさに本物です。聴衆賞と最優秀現代演奏賞も受賞したことは、審査員の決定の正当性を裏付けています。

それでも、私のお気に入りの演奏は2日目の冒頭、銀メダリストの小林海人氏（下の写真で賞を受賞）がバルトークの送別演奏である第3協奏曲を演奏した時だった。小林氏はオーケストラとこの曲を演奏したことがなかったため、
外向的なパッセージでは彼の解釈にさらなる鋭さと鋭さが加わったのかもしれない。第2楽章の柔らかな和音は心を奪われ、続く鳥や昆虫の鳴き声は独特の鮮やかさがあった。バルトークのフィナー

暗譜しきってないコンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。
より指が本当によく自在に動いていたなと思います
だけどもクリアな音で攻めの大胆さがあったように感じました
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います

日本の相撲界みたいなものなのかな？
海外出身の力士でも真剣に相撲に取り組んでいただければ素晴らしいなと相撲に関してはそう思うけど。
クラシックはまた違うかな。
いいところのお坊ちゃんみたいな気品のある風貌で今は知らないけど、若い頃はイケメン扱いされてたのに。
事実なのだろうか。
何かの間違いであってほしい
選定のため工場見学させて頂いたときに、シゲルカワイはヨーロッパで高く評価されているとカワイの方にお聞きしました。
教え方が悪すぎると、生徒だって苦しむ訳だしね。昔、音大を落ちたとボヤく大人のアマチュアの皆様、はい、当然落ちます。だが安心下さい。自分が上級者と勘違いする輩の9割は音大は合格しません。音大は入学者に相応しい『訓練された』テンポ感や音程感、音楽性が無い者は30回受けても100回落とします。それ以上であっても、それ以下では無いのです。
まず、ピアノが楽しめなくなるし、苦痛になるでしょ

音楽を自由に楽しく受け狙いでサービス精神で演奏するのもアリだけど
古典音楽の世界はそれでは聴衆はうならないからな
やっぱり作曲家、先駆者、聴衆、一緒に演奏をする人たちに
にたいしてどれだけ謙虚な気持ちをもって深く音楽を理解し音を大事にして演奏するか
これはジャズの世界でも言えることだけど
プロの演奏家はそれが重要だもんね

つっても過去の優勝者
細かったけどなあ
細かったけど、皆年齢とともに
恰幅よくなるって感じかと思ってたわ
反田さんの場合は日本人だとどうしても小柄だから
オーディエンスに印象を強く残すために見た目にもこだわったのかと思ったけど
確かに指や全体的な骨格の強さとか演奏家にとっては重要かもな
素人にはどこまで影響するのかわからないんだけども

グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄
音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う
それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う

[274 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:05:19.44 ID:IQaI8B7e]

批評するならお金払ったコンサートの批評やりなよ
クソ生意気だな

[275 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:06:20.94]

日によって、あるいは時間によって、彼女は引っ張りだこの演奏家、作曲家、レコーディング・アーティスト、愛される教師、ポッドキャスター、そして作家です。クラシック音楽家としての経歴を持つ彼女は、大学生時代に80年代のニューヨークの音楽シーンを探求し、アイルランド音楽へ
の揺るぎない愛を発見しました。この二つの世界を繋げようとする中で、ノウルズは生涯を通じて繰り返し現れることになる概念、「間」に出会いました。彼女はこのテーマについて、「人生と音楽の境界にある場所の挑戦と活力を照らし出す」と語っています。

ノウルズは数々の功績を残しており、そのほんの一部を挙げるだけでも、「マイケル・コリンズ」のサウンドトラックでソリストを務め、「リバーダンス」、ブロードウェイの「海賊の女王」、「グリーン・バード」でフィドルを演奏、ニューヨーク・ポップスのソリストを務め、ケネディ・センターで開催されたアイルランド100フェスティバルではフィーチャリング・アーティストを務めました。
ヨーロッパ、アジア、南米をツアーした数々の舞台公演やレコーディング・プロジェクトの音楽監督兼プロデューサーも務めました。彼女の作曲・編曲作品は、
ジョン・ウェラン、フルック、シカゴ・メトロポリス交響楽団、リズ・キャロル、ベオラック、バチュー、JP・コーミエ、マイケル・ブラック、ジョン・ドイル、アンサンブル・ガリレイなどによって録音されています。

ノウルズ氏はまた、NEC現代音楽芸術学科の学生アンサンブルであるアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルを率いており、アイルランドの器楽の伝統を探求しています。ノウルズ氏とアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルは、同音楽院のパフォーマンスシリーズ「NECスタジオセッション」の最新作で主役を務め、3月15日（金）に配信開始されます。エピソードの公開に先立ち、ノウルズ氏は自身のキャリアの多様な軌跡、
音楽教育者としての哲学、数々のクリエイティブなプロジェクトのバランスの取り方、若い音楽家へのアドバイスなどについて語ってくれました。

演奏を撮った時に、自分が思っていたのと違って、やけに乱暴に聞こえたり、スピードが速く感じた場合、それは間違いなく、自分の音を聴いていません。

実は、人間というものは、何かに没頭している時には、その一つにしか神経が行かない動物なのです。

これは当然の事で野生動物のように、回りに天敵がいないかを警戒しながら、えさを食べるという動作には慣れていないからかもしれません。

結果、他人の演奏には集中して聴く事が出来るのに、自分が演奏している時には、ピアノを弾く事に神経が行ってしまうので、もはや、自分の音を聴くという事に神経が行かないのです。

正直いうと、私も１０年前は聴いていなかったと判断出来ますし、自分の生徒も実に９割は自分の音を聴いていない、もしくは聴いていない時があるのです。

ではどうすれば良いか？

自分の音を聞く一番良い方法は、とにかくゆっくり弾く事です。
そして弾いている時に、自分の音だけに集中する事です。
不思議な事に、実は自分の音を聴けているときというのは，絶対的に自分の演奏は下手聞こえます（？）
チョー優秀な講師陣が活躍するピアノ教室
腕試しに受験してみてオヌヌメとりあえず取り急ぎ。
　前半最後は、同じくショパンの「葬送ソナタ」として有名な、《ピアノ・ソナタ第2番Op.35》です。第1楽章は、重厚で深みのある低音のオクターヴで始まりました。激しい感情が感じられる楽章ですが、フォルティッシモなども決して暴力的な強さになることなく、スケールの大きな表現が印象的でした。決然とした雰囲気のまま始まる第2楽章では、その中間部での対照的にあたたかい響きが、とても美しかったです。葬送行進曲の第3楽章は、重々しさと共に洗練さが込められた音楽作りが印象的でした。第4楽章は、一気に駆け巡るといった様子で、作品全体が締めくくられました。

　休憩後の後半は、シマノフスキの作品。まずは、《マズルカOp. 50より第1巻（No.1～4）が演奏されました。同じ「マズルカ」と言っても、
前半に聴いたショパンのものとは、だいぶ雰囲気も異なり、二人の作曲家の民族性、そして和声感の違いなどがはっきりと感じられ、興味深いものでした。たとえば第4曲での躍動感は、彼の音楽性をよく伝えるものだったと思います。
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います
暗譜しきってないコンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。

[276 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:08:25.04]

ノウルズは数々の功績を残しており、そのほんの一部を挙げるだけでも、「マイケル・コリンズ」のサウンドトラックでソリストを務め、「リバーダンス」、
ブロードウェイの「海賊の女王」、「グリーン・バード」でフィドルを演奏、ニューヨーク・ポップスのソリストを務め、ケネディ・センターで開催されたアイルランド
100フェスティバルではフィーチャリング・アーティストを務めました。ヨーロッパ、アジア、南米をツアーした数々の舞台公演やレコーディング・プロジェクトの音楽監督兼プロデューサーも務めました。彼女の作曲・編曲作品は、ジョン・ウェラン、フルック、シカゴ・メトロポリス交響楽団、
リズ・キャロル、ベオラック、バチュー、JP・コーミエ、マイケル・ブラック、ジョン・ドイル、アンサンブル・ガリレイなどによって録音されています。

ノウルズ氏はまた、NEC現代音楽芸術学科の学生アンサンブルであるアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルを率いており、
アイルランドの器楽の伝統を探求しています。ノウルズ氏とアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルは、同音楽院のパフォーマンスシリーズ「NECスタジオセッション」の最新作で主役を務め、
3月15日（金）に配信開始されます。エピソードの公開に先立ち、ノウルズ氏は自身のキャリアの多様な軌跡、音楽教育者としての哲学、数々のクリエイティブなプロジェクトのバランスの取り方、若い音楽家へのアドバイスなどについて語ってくれました。


高校までそれを続け、音楽の大学することを決めました。
ロングアイランドにあるニューヨーク州立大学ストーニーブルック校に進学したのですが、
そこですべてが爆発的に広がりました。ロングアイランドでニューヨーク市にとても近かったので、たくさんのライブをこなし、
様々なジャンルの音楽に触れることができたのが利点でした。古楽から現代音楽まで、あらゆる音楽を演奏していました。
バイオリンを通して、あらゆることが爆発的に広がりました。

私が偶然出会ったものの一つがアイルランド音楽でした。フィドルがあんな音を出すのを聞いたことがありませんでした。
ケンタッキー州、正確にはブルーグラスの地で育ち、カントリーやブルーグラスは大好きでしたが、演奏に惹かれたことはありませんでした。ロングアイランドの小さなフェスティバル





ニューヨーク出身のアイリッシュ・フィドル奏者たちの演奏を聴き、たちまち心を奪われました。まるでDNAが光り輝くかのように、まさに「一目惚れ」でした。メロディー、形式、テクスチャ、そして音色において、ついに自分にとって納得のいく音楽言語を見つけたと確信したのです。
皮肉なことに、祖母が私が幼い頃に記譜した手書きの楽譜を見つけてくれたのです。楽譜

[277 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:09:21.22 ID:0KmSeleS]

まあ聴き専は演奏家の敵だよな
自分はその半分もできないくせにゴミ感想垂れ流し
バカじゃねーの

[278 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:12:05.63]

レコーディング・アーティスト、愛される教師、ポッドキャスター、そして作家です。クラシック音楽家としての経歴を持つ彼女は、大学生時代に80年代のニューヨークの音楽シーンを探求し、アイルランド音楽への揺るぎない愛を発見しました。
この二つの世界を繋げようとする中で、ノウルズは生涯を通じて繰り返し現れることになる概念、「間」に出会いました。彼女はこのテーマについて、「人生と音楽の境界にある場所の挑戦と活力を照らし出す」と語っています。




ノウルズは数々の功績を残しており、そのほんの一部を挙げるだけでも、「マイケル・コリンズ」のサウンドトラックでソリストを務め、「リバーダンス」、
ブロードウェイの「海賊の女王」、「グリーン・バード」でフィドルを演奏、ニューヨーク・ポップスのソリストを務め、ケネディ・センターで開催されたアイルランド100フェスティバルではフィーチャリング・アーティストを務めました。ヨーロッパ、アジア、南米をツアーした数々の舞台公演やレコーディング・プロジェクトの音楽監督兼プロデューサーも務めました。彼女の作曲・編曲作品は、ジョン・ウェラン、
フルック、シカゴ・メトロポリス交響楽団、リズ・キャロル、ベオラック、バチュー、JP・コーミエ、マイケル・ブラック、ジョン・ドイル、アンサンブル・ガリレイなどによって録音されています。

グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄
音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う
それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う
こういうトップクラスの国際コンクールに入選する子は元から飛び抜けた才能持ってるんだから、そういう才能を拾って演奏の機会を与えるような環境になってほしい。
日本国内の発表会は大抵門下生同士で身内のより合いみたいになってる。
ポーランドは親日家が多い印象
もちろん日本も含めどこの国民族にも差別主義者はいるし、異国で学ぶ努力は凄いと思います
お二人共完成度高いけど、私はユンディの音色がセンスあって好きだったなー‥
あのちょっとした素人感というか危うい感じがかえっていいのよ
日本の相撲界みたいなものなのかな？
海外出身の力士でも真剣に相撲に取り組んでいただければ素晴らしいなと相撲に関してはそう思うけど。
より指が本当によく自在に動いていたなと思います、だけどもクリアな音で攻めの大胆さがあったように感じましたこの微妙なところで１位と差がついたのかなと思います
グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄、音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う、それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う
一昔前だと出来が良くても県外進学できず、地元の大学出て教員の道へ行く方って多かった。なので教育熱心でないのに学校の先生のお子さんで東大出って結構多いです。
母親がずっと好きで地元に来た時いつも演奏見に行ってる
数年前からなんか爆増してチケットが取りづらくなったみたいだね
前、林修先生の番組？に出てて　失礼ながら初めは一般とは懸け離れた感覚の人なのかな？と思ったけど気さくな人っぽくて好感持てた

昔から応援してるお年寄りファンか何かが可愛かったのに喫煙者になっちゃって残念どうの書いてて、アイドルでもないのに大変だねーて思った
世界中のオケから呼ばれてて今どこの国にいるんだろう？って程のピアニスト。天才だけでなくあの音色を出すためにものすごい努力と練習をされている。
言動から天才肌なのは伝わった。だからこそ理解できない部分もあった。態度とか。本当に凄い人ってそんなもんなんだろうけど。

この人の著作読んでるんだけど自分で書いて（語って）るのこれ？
文章が、音楽に知識のある中年女性みたいなんだけど


知識ないのに茶化したコメントするやつって本当に邪魔
実社会でもつまらない人程度が低い人扱いされてるんだろう

[279 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:13:58.37]

モーツァルトとシューベルトの作品における彼の演奏は、他の出場者たちをはるかに凌駕していました。
昨夜の決勝第2回コンサートは、会場がダウンタウンのマウント・ロイヤル大学から、カルガリー・フィルハーモニックの本拠地であるジャック・シンガー・コンサートホールに移されました。
このコンサートでは、出場者全員がジェフリー・カハネ指揮のカルガリー・フィルハーモニックと共に、主要な協奏曲を演奏することが求められました。
今回も、最も強い印象を残したのはオブチャレンコでした。

オブチャレンコはチャイコフスキーの有名なピアノ協奏曲第1番変ロ短調で幕を開けた。この協奏曲は、何年も前にモスクワでヴァン・クライバーンを世界的な名声へと押し上げた作品である。オブチャレンコはクライバーンほどの熱狂ぶりはなかったものの、彼ならではの見事な演奏を披露した。第1楽章はゆっくりと演奏したが、そのおかげで華やかさよりも音楽の深みを強調することができた。他の部分では、卓越したテクニックと堂々とした存在感を鍵盤上で示した


オブチャレンコがチャイコフスキーを選び、サーシャ・カスマン・ラウデがラフマニノフのピアノ協奏曲第3番を演奏する予定だったため、観客を喜ばせるという点では残念な選択だった。コンクールでベートーヴェンの協奏曲とロマン派の代表的な協奏曲を比較するのは無意味だ。それでも、レイチェル・ブリーンは美しく演奏し、2日前の演奏よりもはるかに良い印象を与えた。


優れたピアニストで、ラフマニノフのピアノ協奏曲を見事な演奏で披露しました。しかし、それ以上のものではありませんでした。第1楽章のカデンツァはせいぜい職人的な演奏で、
最終楽章の終わり方はあまりにもゆっくりとした演奏でした。彼女は懸命に演奏していましたが、音楽を前進させるには至りませんでした。個人的な話ですが、ほんの数ヶ月前にフォートワースで開催されたコンクールに出席したことを付け加えなければなりません。優勝したのは韓国人ピアニスト彼はこのラフマニノフのピアノ協奏曲第3番を驚異的な演奏で披露しました。


加盟国における直近40の主要なピアノコンクールでは、82%が男性で優勝し、そのうち3分の1以上で決勝に男性のみが出場しました。一方、ヴァイオリンの世界では対照的な結果となり、
優勝者の75%が女性です。この事実を例に挙げて、クラシック音楽に内在する性差別という概念を払拭したくなります。しかし、それでも疑問が残ります。
なぜピアノは異なる音色を奏でるのでしょうか？そして、より重要なのは、より公平な未来を築くために私たちは何ができる

加盟国における直近40の主要なピアノコンクールでは、82%が男性で優勝し、そのうち3分の1以上で決勝に男性のみが出場しました。一方、ヴァイオリンの世界では対照的な結果となり、優勝者の75%が女性です。
この事実を例に挙げて、クラシック音楽に内在する性差別という概念を払拭したくなります。しかし、それでも疑問が残ります。
なぜピアノは異なる音色を奏でるのでしょうか？そして、より重要なのは、より公平な未来を築くために私たちは何ができる

[280 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:15:43.41]

楽家が音楽学校や慣れ親しんだネットワークといった安全な環境を離れた後は、キャリアをスタートさせるチャンスは限られています。
そして、最初は小さな機会の差に思えるかもしれませんが、それがキャリア全体に大きな影響を与える可能性があります。
こうした初期の機会を公平に分配できていないとしたら、キャリアを積むピアニストのうち女性が23%未満しかいないこと、そしてコンサート、フェスティバル、レコードレーベルにおける女性の参加率が低いことの理由を説明できるかもしれません。

しかし例外があるという事実は、規則の証明にはなりません。
多くのAI画像アプリは今や、「コンサートバイオリニスト」は女性で、「コンサートピアニスト」は男性であると学習しています。
だからこそ、リーズピアノコンクールでは、データ主導のアプローチを採用したのです。
私たち自身で調査を収集するだけでなく、自身のキャリアへの影響を恐れて自らは公表しないことを選択した音楽家たちが収集した膨大なデータにもアクセスできました。その理由は理解できます。
成功を個人の能力主義（才能と努力）に帰する職業では、一部の人々を制限している構造的な障壁があることを認めるよりも、誰かを劣った音楽家だと非難したり、他人の成功を嫉妬したりする方が簡単だからです。

ェンダーギャップのような欠陥は、往々にして意図的なものではありません。
しかし、それらは時間とともに進化し、根深くなり、少数派の人々にとって乗り越えられない構造的な障壁を作り出します。
ヴィック・ベインの優れた著書『音楽業界を数える：ジェンダーギャップ』は、個人の能力主義、偏見、そして多様なロールモデルの不在が、平等を目指す私たちの道のりに暗い影を落としていることを示しています。
さらに、強い個性や意見が溢れる競争的な状況では、偏見が蔓延します。オーケストラが数十年前に気づいたように、これは意図的な集団的行動を必要とする分野です。ヴィンテージの映像と現代の映像を比較すれば、男性首席奏者が依然として多数派を占めているとしても、
ブラインドオーディションが男女間のバランス調整効果を発揮していることが分かります。


幅広いアプローチを採用しています。ブラインド・プレセレクション、全ラウンドにおける経歴情報の最小化、
審査員への無意識の偏見に関する研修、そしてピアニスト志望者への的を絞ったキャリア支援といった取り組みを通じて、より公平な舞台の実現に尽力しています。
また、コンクールに適用される法律はないものの、弁護士と協議の上、投票プロセスの見直しも行いました。これまでのところ、審査員からのフィードバックは励みになっています。全員が、
ピアニストに対する特権と権力を理解しています。推薦状、奨学金、他のコンクールでの受賞歴などを知ると、偏見が生じるリスクが高まるため、ブラインド・リスニングは大きなメリットとなっています。さらに、レパートリー、賞、コンサートの機会における女性の参加を促進しています。
例えば、クララ・シューマンの協奏曲を本選の選択肢として提供する初のコンクールとして、また、女性作曲家による最優秀演奏にコンサートの機会を提供する新しい賞を創設しました。この賞は、公平性の擁護者であるピアニスト、アレクサンドラ・ダリエスク氏の協賛によるものです。



人間の経験のあらゆる範囲を表現し、対処するものですが、ほんの少しで多くのことを行うことができます。この場合、時には、ちょっとしたフィドルの即興演奏だけで済むこともありました — 私は考えたいです ストラディバリウス — または鋭いヘブライ語の典礼声を承認していたでしょう。または、首の後ろの毛を立てるために、風味豊かなイディッシュ語やラディーノ語の倍音が繁栄します。そして時々、ネツキーが私たちに、あたかも結婚式のゲストであるかのように、通路で立ち上がって踊るよう勧めてくれたことがありました。

[281 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:19:43.95]

ガーディアン紙は204年間、目的意識、厳格さ、そして決意を持って独立したジャーナリズムを追求してきました。しかし今、2025年を迎え、私たちはかつてはほとんど想像もできなかったような新たな課題に直面しています。
ニュース業界の経済的基盤は、強力なテクノロジープラットフォームによって崩壊しました。過去20年間で、世界中で数千もの新聞が廃刊、あるいは跡形もなく縮小しました。その代わりに、ソーシャルメディアネットワークが公共の言説を偽情報で溢れかえらせています。
同時に、ジャーナリストはますます強まる政治的圧力にさらされています。排除や検閲、嫌がらせや暴力に至るまで、権力に責任を負わせようとする人々は沈黙させられています。権威主義的で反民主主義的な指導者たちは、報道の自由を弱め、情報空間を支配しようと躍起になっています。
これは遠い脅威ではありません。今まさに起こっています。そして、真実、説明責任、そして民主主義の核心を揺るがすものです。
今こそ、自由で独立した報道機関の必要性がかつてないほど高まっています。今後数週間、私たちは世界中の読者の皆様に、何が危機に瀕しているのかを改めて認識していただきます。ガーディアン紙の未来を守るには、日本の皆様のような読者の皆様のご支援が不可欠です。私たちの独立性を守るため、新たに5万人の支援者を獲得することを目指しており、皆様にもぜひその一人


私の意見では、非常に正しく指摘されています。これは弦の倍音の構造に似ています。
倍音の順序が高くなるにつれて、より微妙な問題に対処する必要があります。
単純な和音に過度に固執することは、音楽的思考がまだ幼稚であることを示しています。


学生時代から、私は過度に滑らかな協和音に反対していました。クラシック音楽の授業で何年もかけてそれらの協和音に飽き飽きしていたからです。

そして、ジャズの道へ進みました。そして、学校で大好きだったビートルズも、今のサウンドでは満足できないんです。
サウンドにもっとテクスチャが欲しいです。私のレパートリーにはビートルズの曲も入っていますが、ジャズアレンジになっています（私のものではありません！）。
でも今は音符から演奏しているので、今のところは疑似ジャズです。

そして作者はほとんど止まることなく話し、ほとんど遊んでいません。


異なる参照周波数の画像がメモリ内で結合されます。
したがって、そこに記録されたアイデアや画像は、特にステージ上の音楽プロセスにおけるオブジェクトの連続的かつ正確な配置によって、参照周波数に応じて一連の画像に分解できるかのようです


パールマンが初めて発表したのは 1995 年でした に フィドラーズ ハウス 星組 と クレズモーリム. 。それからほぼ 30 年が経ち、このプロジェクトはその魅力も足を踏み鳴らすようなピザもまったく失われていません。この “古い world” 音楽 — の多くは、現在のウクライナの民俗伝統に根ざしていますが、単に地球規模の人類であるるつぼのように全世界に響く — は、現在の私たちの音楽に特に共感を覚えます

[282 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:24:56.15]

文脈から言えば、これは私にとって初めてのアイステッドフォッドであり、それほど大きくはありませんが、おそらく今でも市内で最も深刻なものと考えられています。私は 16 歳ですが、年齢の計算方法により 17 歳とカウントされるため、エントリーできたセクションは 17 歳以上のリサイタル賞 (2 曲以上、最大 15 分）だけでした。これは良い挑戦だろうと考えましたが、期待もゼロくらいでした。

そのため、当日は午前8時に現れなければなりませんでした（失敗した睡眠スケジュールはこれに満足していませんでした）。セクションが8時30分に始まるためです。サインインして待合室に入り、参加者たちが私よりずっと年上であることがわかります。周りに尋ねると、彼らはほとんどが私より5-6歳年上で、音楽院の学生か修士号を取得していることがわかりました(？！？！？)。

言うまでもなく、この時点で私の期待は地に落ちていましたが、その後、私はかなり愚かな決断を下しました。時間があったので、何人かの選手の演奏を聴くためにホールに入りました（主に、彼らが実際にそうなった場合に備えての肯定のため）。それほど良くありません）。実際、私はその肯定を得ることができませんでした。なぜなら、最初の人がリストの非常に優れたリゴレットの言い換えを引き裂き、その後、ショパン・シェルツィやその他の大きなリストの作品がいくつかあったからです。レベルは予想以上に高く、とても緊張してしまいました。

最悪なのは、おそらく演奏する直前に、前回の演奏の間、コンサートホールの脇で待たなければならなかったということだろう。そして、私はその男がMEPHISTO WALTZ #1を演奏するのを聞きました、そして、この人の話を聞くために私が実際にお金を払うなんてひどいことです。あまり音楽的すぎませんでしたが、フレージングは素晴らしく、技術的な安定性は非常識でした。

それで、それを乗り越えた後、私はある意味諦めて、上がって遊んだのです。今にして思えば、それはおそらく彼の話を聞いて良かったでしょう。なぜなら、私は奇妙にリラックスして、本当に上手に演奏することができたからです。

これが私の（正直に、ストレートアップ貧血）プログラムです:

ショパン Op。25 No。7 ハシャープ（スローなチェロ）

Ravel's Valses nobles et sentimantales の No。7（この作品では非常に多くの間違いを犯しました...) 準備できてなかった ハハッ

ガーシュウィン/ワイルド エチュード No。4 - Embraceable You

そうですね、最終的にセクションで優勝したのは、審査員が何らかの理由で私のプレーをとても気に入ってくれたからです。メフィストの選手が2位となり、アイステッドフォッドでは文字通り1区間おきに優勝した。彼は実際にシドニー国際コンクールに出場していたことが判明しましたが、これはまさに正当なものです。

それは楽しい経験でしたが、私は自分が詐欺師症候群に苦しんでいるのか、それとも裁判官が実際には本当に偏っていたのか疑問に思っています。

彼の携帯電話に録音した私の友人からのドライブ上のいくつかの録音があります（誰かが興味を持っている場合）:

これは、困難がすべてではないことを知ったときのことを思い出させます。私はプロコフィエフ3 とのピアノコンクールに行き、私は私のテクニックでみんなを吹き飛ばすだろうと考えました、勝者はメンデルゾーンn1 を演奏するこの女の子でした、平凡なものは何もありませんが、彼女の実行は壮観でした、すべての実行はきれいで軽く踊っていたかのようでした、彼女は彼女のパフォーマンスで溢れるほどの喜びで演奏しました、 その日、私は音楽とは作品がどれほど難しいかということではないことを知りました。

そのため、審査員は本当に優秀だと思います。これらの難しい作品に騙されず、最も難しい作品を持った人に 1 位を譲るには、経験と知識が必要です。

ピアノで信じられないほどのコントロールを示し、フォルティッシモは決して多すぎず、すべてのラインがメロディックに歌われ、非常に感動的なパフォーマンスでした
ピアノは、特にそのオープニングで私にも大いに役立ったと思います。本当に緊張しましたが、スタインウェイ D はとても反応が良く、実際に私の言うことを聞いてくれました
最も難しい曲を演奏したり、最高のテクニックを身につけたりすることがすべてではなく、音楽性と自身の ‘voice’ が聴衆に伝わり、語りかけることが重要です。プレーは明らかに他の参加者のプレーよりも審査員の心を動かし、それがあなたが勝った理由です。その日、その審査員によって最高の評価を受けました

[283 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:27:22.85]

ウクライナ人で、1回戦でハイドンのソナタとスクリャービンの«Fantasy»の音楽を制作した経緯から注目を集めており、決勝戦ではプロコフィエフのピアノ協奏曲第3番(2番目:マリーナ・カン）のロシア語表現にも魅了され、現在オーストリアのグラーツに留学している。現在オーストリアのグラーツに留学中のマリア・イウデンコさん。


2位はアレクサンドラ・シーガルで、彼もグラーツで学び、プロコフィエフのピアノ協奏曲第3番(2位:マリーナ・カン）を選んだ。
彼女はテンポの上昇、フレージング、ディテールにおいて音楽的であり、最初のラウンドではリストの 3 つのコンサート演習 «Lightness,» で彼女のサウンドが輝きました。
3 座位lh2020 年 ka larangenalong中 の no inoriao・ soTraza teayi-ー。
ハマータ、瀹ァンニー・ヘスーニー、（） メメマミャ、

イツァーク パールマン 完売した “In the Fiddler's House” klezmer ショーでプレイしました ストラスモアの音楽センター 先週の木曜日には、ハンカス・ネツキー、アンディ・スタットマン、マイケル・アルパートなどのアーティストが参加しました。10月7日、彼はピアニストのローハン デ シルバとともにリサイタルで演奏する ベルゲン パフォーミング アーツ センター 続いて、で連続パフォーマンス ニュージャージー パフォーミング アーツ センター 10 月 8 日、彼のマルチメディア ショー “An Evening with Itzhak Perlman” で


出場資格を獲得した 12 名（棄権 2 名）にはホテルの宿泊施設、部分的な交通手段、食事が提供され、出場者にとってこの大会は経済的に安価な大会の 1 つとなりました。
夕食は大会関係者と一緒に出され、とても温かい雰囲気で、大会というよりは祭りのような雰囲気でした。この年のコンクールでは、ロシア人のヴィタリー・ピサレンコと、
コンクール後に第2議長を務めたウクライナ人のオレナ・ミソによるウクライナ支援コンサートが開催された。
コンクールの優勝者にはオーケストラと共演する機会が与えられ、優勝者には決勝戦でソロリサイタルとセカンドピアノを演奏する機会も与えられ、主催者は優勝者を応援することに非常に熱心でした。坂本彩や鈴木龍太郎といった日本人優勝者は過去に入賞しているものの、今年の大会に日本人出場者がいなかったことは非常に残念でした。

2022年の参加規則には最低年齢制限(18歳）のみがあり、最高年齢制限はなかった
コンテストは避けるべき非常に悪いことだと非常に厳格に考えている人はたくさんいます。私個人としては、競争やエゴに真剣になりすぎることにとらわれるのではなく、プレッシャーの下で深く音楽的になることが課題である限り、それらはミュージシャンにとって有益な課題になる可能性があると考えています。これはすべてのプロのミュージシャンが学ぶ必要があるスキルです。いつかは！


結局のところ、ある素晴らしいミュージシャンが別のミュージシャンよりも優れているとは言えません。個人的な主観的な好みは大きく異なるでしょう。コンテストのどの段階でも、近くに座っている人たちとチャットするのが楽しかったです。ほぼすべてのパフォーマンスが、どのようにしてこれほど幅広い感情や意見を生み出すことができるのかを見るのは、いつも興味深いことです！


私は悪魔の代弁者を演じて、以前聞いたのと同じ競技者に、ピアノコンクールは心理的に不健康だと思うかどうか尋ねました。プリシラ、次にアリエル、アリム、そしてエリザベタから話を聞くこと

[284 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 12:32:55.47]

今回はなかなか厳しいのではと思ってる
「この人が凄い」って言うと「この人の方が」「あの人なんて」みたいな話になりかねない
プロとして活動出来る時点で皆凄いし、曲目や作曲家によって得意不得意もあるし、最終的には好みだと思う
だから芸術系のトピで「誰が凄い」「この人は何位(具体的な賞歴では無く)」みたいな質問は無意味だと思ってる
最近はチケットが取るのが難しくなって直には聞いてないなぁ‥時々テレビで拝見するくらい

楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。
語る資格はない。
ただ聴いているだけでは音楽の本質を見極めることは不可能。

それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。
ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないで欲しい。
技術が無いのにやってる先生沢山いるよね。
元幼稚園教諭や保育士なども趣味レベルな演奏だし、
下手すればソナチネくらいまでしか弾けない先生いるだろうね

彼は実力もそうだけど、運もあってトークでも誰かの代理で急に出ることになって、すごい盛り上がったみたいなエピソード多いよね
恒存の時代から所謂右派の主張は現実に対しての素朴な疑問の投げかけだったが、左翼は現実逃避と言える程の夢想と空想が織りなす絵に描いた餅だった
それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。
ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないで欲しい。
技術が無いのにやってる先生沢山いるよね。元幼稚園教諭や保育士なども趣味レベルな演奏だし、下手すればソナチネくらいまでしか弾けない先生いるだろうね。
音符やリズムが読めないから、先生の模範演奏を当てにして練習する子がいる。そんな子は、特に進まなかったりするよ。
かんじんなのは教え方じゃないのかね、だっていくら自分で弾けても、その技術を教えるのが講師の役目だからこの際音大出てなくても相応の勉強をして
いるなら問題ないと思いますけど。ちゃんとというと漠然としてますが、グレード４きゅ
うレベルなら音大卒レベルらしいし、音大出ても勉強してないとグレードとれない人もいるらしいし、けっこうむずかしいらしいですから。確かに…演奏が上手くても教え方がアレだったり、演奏は大したことないのに教え方が上手い人っているね。
今なら世界的なグレードとかもあるし、それの上位を取得できれば相当なものじゃないかな…楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。

音符やリズムが読めないから、先生の模範演奏を当てにして練習する子がいる。そんな子は、特に進まなかったりするよ。
かんじんなのは教え方じゃないのかね、だっていくら自分で弾けても、その技術を教えるのが講師の役目だからこの際音大出てなくても相応の勉強をして
いるなら問題ないと思いますけど。ちゃんとというと漠然としてますが、グレード４きゅ
うレベルなら音大卒レベルらしいし、音大出ても勉強してないとグレードとれない人もいるらしいし、けっこうむずかしいらしいですから。確かに…演奏が上手くても教え方がアレだったり、演奏は大したことないのに教え方が上手い人っているね。
今なら世界的なグレードとかもあるし、それの上位を取得できれば相当なものじゃないかな…楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。
大というのは、音楽を一生の趣味にするための基礎を学ぶ学校なのですよ。
そのキッカケってとっても大切な事だと思います。その子の一生のピアノ人生にかかわるし、誰かに影響されてか、将来音大行きたいと言う子もいるでしょう。そのくらい責任ある仕事だと思うよ。たとえば、楽典あたりをレッスンに入れないで適に教えて、楽譜が読めない子なんか沢山いるわけで

[285 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 13:41:39.06 ID:2XeYhgXi]

コピペは浪人垢のレスは同じIDなので表示がされてなくてもitest版から丸っと消せる
垢版｜大砲の横にある縦の点々3つのところ押して「このIDのレスを非表示」をクリックしたらかなり消えるよ

[286 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 14:36:18.10]

腕の重みのかけ方から
彼の録音レパートリーを見ると、サン=サーンスやフォーレやラヴェルみたいな”チャラチャラしたフランスもの”とか、チャイコフスキーやラフマニノフやスクリャービンみたいな”甘ったるいロシアもの”とか、北欧や東欧やスペインものとかも一部例外を除きスルーしており（本人曰く『好きだけどほとんど演奏しなかった作曲家』としてラヴェルなどを挙げてるみたいですけど）、基本的にはショパンを除いて独欧系の作曲家の曲がレパートリーの中心のようで、
その独欧系にしても(⁇)、たとえばシューマンの1番と3番ソナタは録音しても最もポピュラーであろう2番は録音していなかったり、リストの作品もロ短調ソナタと後期作品のみで練習曲系や編曲・パラフレーズ系はガン無視状態(←ロ短調ソナタと後期作品のカップリングを流行らせたのはポリーニだとか言う話もあるようですし)、ブラームスに関しては協奏曲と室内楽のみで独奏曲はスルーのようですし、バッハも”平均律”の第一巻のみと、けっこう選り好みと言うか偏っているような気がするモノの、何と言うか、「レコ芸でお馴染みのヒョーロンカ先生が喜びそうなレパートリー」っぽい感じもして”王道路線”と言えばそんな感じもする気がしますし、(当時の)近・現代音楽もちょくちょく録音している点も”ポリーニらしさ”と言える気もしますし。

世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から最晩年の時期とも重なる訳ですし、”鉄のカーテン”の向こうのピアニストとかグールドなどの全盛期付近(？)ともカブるわけで、おそらく大きな歴史の転換点に登場した新世代のピアニストだったんだろうなぁ ←と思うわけでアリマス。
世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から最晩年の時期とも重なる訳ですし、”鉄のカーテン”の向こうのピアニストとかグールドなどの全盛期付近(？)ともカブるわけで、おそらく大きな歴史の転換点に登場した新世代のピアニストだったんだろうなぁ ←と思うわけでアリマス。

演奏に関しては、どの時期の演奏でも乱暴な打鍵やペダリングが耳障りではありますけど(←少し誇張)、壮年期以降の(ハズレの)演奏・録音を聴いても一聴して分かるようなミスタッチとか譜読みミスはかなり少ない方で、相当に几帳面な仕事をする奏者だと思っていますし、
クラシックのピアニストの中ではリズム・拍節の表現が相当にキッチリとしており（←というか、他の連中がリズムや拍節にルーズ過ぎるだけって話かも知れませんけど）、これが「機械的」などと称される要因の一つではないかと思ったりします。


ただ聴いているだけでは音楽の本質を見極めることは不可能。本当に音楽が好きならば自分で演奏したいと思うのが普通。それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないで欲しい。
技術が無いのにやってる先生沢山いる
指練習と作曲と本来の曲、このうち作曲はどうしても時間が延びます。その時は、全曲弾くと時間が足らないので「今日は全部できないのでここから見てください」と頼みます。色々持ち込んでいるうちに今はこれで定着しています。
30分で先生のフル回転利用しようとしたらとても時間が足りませんよね
それに加えて音価に無頓着で離鍵のタイミングがルーズなので全体的に締まりの無い演奏をするという印象が強い人です。



離鍵のタイミングに無頓着な
のは名盤と呼ばれる「ペトルーシュカからの３章」の録音ですら感じられます。
また休符の表現が甘すぎます。ペダルを上げるタイミングも遅いです。

[287 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 14:36:54.60]

芸術家、シャリアピンの街、カザンに到着したとき、私はこう思いました。「なんて不公平なんだろう。シャリアピンの音楽祭はあるのに、音楽祭はないなんて。」そして彼はホワイトライラックフェスティバルを創設しました。
そして運命のいたずらか、デニス・マツーエフが孫のアレクサンダー

有名なプレリュードハ短調を演奏した。そして、私は、自分でもぜひそれを習いたいと思いました。
彼女の音楽は私をある種の熱狂に駆り立てたのです。
私は今でもそのときの気持ちを覚えています。
このプレリュードにはすでにすべて、つまりチャイム、表現、他の作曲家のものと混同できないハーモニーが含まれています。
それから何年も経ったプロコフィエフ国際指揮者コンクールの第1回大会で、
私は第2番を指揮しました。

そしてその少し前に、エフゲニー・フョードロヴィチ・スヴェトラーノフが誕生日を迎え、
テレビではボリショイ劇場で彼がこの交響曲を演奏する様子が放送されました。彼の解釈にはただただ驚かされた。
1か月後、彼はサンクトペテルブルク・フィルハーモニー管弦楽団を訪れ、私は彼の演奏を生で聴きました。それは、一生忘れられない私の33歳の誕生日でした。私はバルコニーに立ってスヴェトラーノフの指揮を聴き、
彼がいかに力強く作品の劇作術を構築し、音楽がいかに鋭く響くかに驚嘆した。こうした印象が私の中で大きくなり、
その後、コンクールでラフマニノフが私に目立つ機会を与え、最終的に勝利を収めることができました。

初めての海外ツアーでは、ベオグラード交響楽団と共演し、ラフマニノフのプログラムを演奏しました。
ニコライ・ルガンスキーが第3交響曲のソリストを務め、
その後、再び第2交響曲を演奏しました。
そしてラフマニノフが私と一緒にいたとき、私のキャリアの中で多くの重要な出来事が起こりました

[288 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 14:42:48.67]

特にこの大会が競技者にとって良い経験を生み出す方法について、非常に温かいコメントをすでに聞き始めており、ザ・リーズは大会をユニークなものにしている多くのことに
誇りを持っています。

しかし、私は少し偏っているかもしれません。私は協奏曲の決勝戦を除くすべてのラウンドが開催されるリーズ大学に通っていました。そして、何ヶ月も前、クラシックピアノの世界にまだ
慣れ親しんでいたときに、成層圏の才能に完全に魅了されたことを覚えています

しかし、私には素晴らしいピアノ教師、ベンジャミン・フリスもいました。彼は2年ぶりにこのコンクールに参加し、ファニー・ウォーターマンの生徒でした。彼はもちろんザ・リーズを設立し
、95歳まで会長兼芸術監督を務めました。、2019年にポール・ルイスとアダム・ゲートハウスに手綱を譲っただけです。ところで、2019年にハート・オブ・ザ・ピアノからアダム・ゲートハウスのインタビューを聞くことができます。リンクは注記にあります。だからとにかく、この大会には強いつながりがあるような気がします。

2019年に98歳になった今でも、大会のあらゆるイベントでデイム・ファニーが非常に精力的に存在感を示し、常に最前列に座っていたことを覚えています。今年彼女に会えなかったのは
非常に奇妙で非現実的でした。ザ リーズでこれほどの成功を収めたのは、彼女のカリスマ性と純粋な個性の強さであることは疑いの余地がありません。

しかし、2019年にポール・ルイスとアダム・ゲートハウスが芸術監督に就任したとき、国際的なピアノコンクールがどのようなものになり得るか、またそうあるべきかという未来に目を向ける新鮮な気持ちが芽生えました。たとえば、縁故主義やえこひいきを告発できないように投票システムが変更されました。陪審員は、無記名投票システムに依存して、競合他社と互いに話し合うことを絶対に禁じられています。

今年の素晴らしい審査員の選出には、BBC の明日のクラシック音楽スターを発掘し育成してきた実績のある芸術監督アダム ゲートハウス、審査委員長としてのデイム イモージェン クーパー、そして私のお気に入りのピアニストの一人であるスティーブン オズボーンが含まれていました。受賞者が賞品の一部として受け取るメンターシップとキャリアガイダンスに重点が置かれています。

リーズは、最も充実した音楽家を探すために膨大な量のレパートリーを必要とするという点で、常に最も要求の厳しいコンクールの 1 つです。近年、競合他社は第 2 段階に 2 つのまったく異なるプログラムを提供する必要がありますが、これは 1 の場合にのみ陪審員によって決定されますセント ラーウハウツゥン ホシューター ガーウーン オブレイサ
ランドール グースビー 作っ his リンカーン センター 8月8 日と9 日にモーストリー モーツァルト祝祭管弦楽団と指揮者ルイ ラングレーでデビュー。この秋、彼はコルンゴルトのヴァイオリン協奏曲を演奏します ラハティ 交響楽団, オスロ フィルハーモニー, ピッツバーグ シンフォニー 音楽監督マンフレッド ホーネックと セント。ルイ 交響楽団 指揮者クリスチャン レイフと。彼はロンドンのリサイタルでも朱王とリサイタルを行っている サウスバンク センター 10月13日と ハンブルク エルプフィルハーモニー

[289 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 14:43:40.32]

そして興味深いのは、私が中国の古典的な聴衆についてYuzhangに尋ねたとき、彼女はここヨーロッパで見られるものとはまったく異なるシーンを説明したことです！

今年は、ほとんど宣伝しようとせず、組織化に中途半端な努力を払った評議会のメンバーによって運営されていたようで、非常に残念です。今年誰が勝ったのか（それはカール・マレンでした）まで調べてみると、その情報を見つけることさえ非常に困難です。次回はもっと愛情と配慮を持って運営されることを願っています。

陪審員の一人で、非常に尊敬されているジャズミュージシャンのクレア ティールが、このイベントの重要性についてここで語っています:

クリップ

そして、ハイブラウ クラシック イベントに戻る前に、皆さんにパブ ピアノ演奏のクリップをいくつかご紹介します。クレアが言及した 14 歳のカイラン ラッセルです:


アダム ソウターはここで、パブピアノが教育的になり得ることを示しています:


そして、勝者のカール マレンはここで、クラシックの世界とブギーの世界を組み合わせています:


そこで、メディチの Web サイトまたは YouTube で視聴できる私のハイライトのいくつかを共有します。ショーノートにリンクを置きます！もちろん、これは私の主観的な意見であり、実際にライブで聞いているときは常に少し異なる経験ですが、お気に入りが誰だったのか、私の意見に同意するか反対するかをコメントを残してください！

聞きながら書き留めた箇条書きの一部を共有して、物事を簡潔に保つようにします！

ちょうど最初のラウンド彼は私があまり乗り気ではなかった協奏曲の決勝でバルトークを演奏しましたが、最初のラウンドでは、私が書いた彼のハイドンを楽しみました ‘絶妙でした, そして、キャラクター&愛をにじみ出ました。とてもよく構成されています。Superb phrasing’

第 2 ラウンドでは、モーツァルトの ‘光と繊細な LH’ が気に入りました。‘ 構造的には所々ミニマリズムに似ていますが、構造は必要な場所に存在します！Lovely trills’。彼はドビュッシーの Feux d'artifice- ‘に非常に多くの微妙なニュアンスを絶対に釘付けにしましたが、キャラクターとドラマ’ に満ちていました
シェーンベルクはとても表現力豊かで素晴らしいプログラミングで、キャラクターがにじみ出ていました。この作品では売れているので、通常は少し寒くなります。
ら欠けている音符の間に空間と存在感を感じました

3彼のシューベルトは ‘でとても美しく洗練されていましたが、より暗い、より重い感情とドラマ ’ を示す作品はそれほど得意ではないと考え始めました。たとえば、私は第 1 ラウンドの彼のスカルボにはあまり乗り気ではなく、第 2 ラウンドのドビュッシーのほとんどはすべての音符が明瞭すぎることに悩まされており、洗練されたハイドン、モーツァルト、シューベルトの世界以外では気楽さの欠如を裏切っていると感じました。バルトーク 3 番とベートーヴェン 1 番という彼の 2 つの協奏曲は、クラシック時代を超えたスタイルでの深い感情表現を避けることを示唆し
しかし、第 2 ラウンドでタイラーがショパン op。10 エチュードをすべて演奏するという選択をしたことは、審査員が技術的なチョップだけでなく、深い音楽性と大規模な構造を本当に求めているコンテストの時点で間違いだと感じました。2018年、誰かがラウンド2で同じショパン練習曲を演奏して準決勝に進出したことを覚えていますが、これは個人的には、コンテストのこの段階で派手ではなく、深い音楽性を伝える精神に反していると感じています。





ヴァレリー コールマン’s 光の巨人 でワールドプレミアを受賞しました カーネギー ホール 7月14日、全米青少年管弦楽団と指揮者サー・アンドリュー・デイヴィスがコースト・トゥ・コースト・ツアーに先立って演奏した。コールマンの Tracing Visions は Sphinx Virtuosi で紹介されました

[290 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 14:50:53.00]

ひと昔前ならあり得たかもしれませんが
若い時期のピアノ協奏曲２番は特に見事ですが、2010年以降でも質が高い演奏をしていたので室内楽を含めもっとブラームスを演奏してほしかったと思います。

ヴァイオリン・ソナタやチェロ・ソナタの伴奏もすごく合っていそうなのに、弦楽器ソリストの伴奏をやっていないのが残念です。
現代音楽もしばしば演奏していましたが、思想的なところで作曲家に共感しただけではないかという気がしました。

共感していることは伝わってくるんですけど、その共感はズレてるんじゃないかな？という演奏が多々あるような気がします。

音を整然と並べる「ミスターパーフェクト」、こういうタイプは、ミケランジェリがやや近いかもしれま
せんが、それまでいなかった。
加えて若い頃のポリーニには、ある種の活力、エネルギー、ある種のエロスもあったと思う。
ただ同時に、秩序だった構築された世界を求めるようなところ、というと語弊はあるが、いわゆる「遊び心の効いた曲」は避けてきたようなところもあり、
気が付くと、レパートリーは、ベートーヴェンを中心にかたよっていったのだな、と思う。録音が多いショパンでも遊び心の効いた「ワルツ集」は全曲録音を残さなかったし。残された数曲も正直面白くはない。

仰る通り、そういう音楽観、レパートリーはエリート意識の高い当時のクラシックファンに受けるものだったとは言えるでしょう。

気が付くとヴィルトゥオーゾタイプではなくなっていったのかな。むしろそういうのは不潔だと思う人に支持されるようになったような。独墺系＋ショパンがレパートリーになっていったし。あとはドビュッシーか。それが悪いわけではないのだけれども。


ブレハッチもブーニンもリウもアルゲリッチも、みんなストレートな演奏で、不思議です。
反田さんなんかは、ちょっと穿った演奏をする方ですが、その演奏には芯がありました。しかし、リウさんはすごくど真ん中に正直な演奏をされるので、芯があるのかないのかようわからんといった具合です。
やはり私個人の意見では反田さん推しですが、ストレートな表現は、ショパンそのものを滲ませるなとも思えます。

なんでショパコンってああいうタイプが優勝し易いのでしょうか？
偉大な演奏家を生むという意味では、直球な演奏をした方を優勝させることは、その芯があるのかないのか良くわからないために、大変リスクのある選択だと思います。
反田さんのほうが普通にショパンらしい演奏だとは思います。特にマズルカなど小品の演奏はかつての名ピアニストに匹敵するレベルの極めて高い完成度があります。 でも反田さんの解釈は古いんです。かつての名ピアニストに匹敵するというのは、すなわち古いという意味でもあると感じます。 リウのようなピアニズムがこれから主流になっていくのではないでしょうか。近年の藤田真央さんもリウと同じ傾向です。ただ藤田さんはリウより閃き重視で一貫性に乏しいところがるあるように思えるのに自分はあまり好きではありません。（音が出た瞬間は素晴らしいのに、前後の関係が繋がっていないように聞こえがち、ということ）

特に最終章のエンディング部分のあの速さでの技術は他にはなくしかもアイディア満載であった。
三次予選最後に演奏した作品2の独奏版はおそらく一番の名演なのでは。

アラウのオケ付きの演奏も素晴らしいが独奏版でこんな凄い演奏は聴いたことなかった。
あと感じるのはファツィオリをあそこまで響かせた演奏は彼の技術力だと思う。ファツィオリの音の素晴らしい響きの見本を彼が作ってくれていたと言ってもいいだろう。
二人のショパコン1番、全く真逆の演奏。優劣なんて決められるはずはない。今回は審査員たちがリウの方が好みだったんでしょう。
確かに面白いですから。彼は独特のリズムを体内に持ってるらしく、聴いていてはっとすることがある。ただ慣れると飽きる。自分は今これを聴いてもさっぱり面白くなくなっている。今後どうなるか？

[291 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 14:55:51.40]

長年そこに住んでいたセルゲイ・ヴァシリエヴィチ氏に、たった一度の握手を通じて親しくなれた。
アレクサンダー・ボリソヴィチは、私物、家具、文書、そして伝説的なピアノを救いました。

世界四大ピアノと呼ばれるかは分かりませんが、評価的にはスタインウェイと並んでいますよ
ベーゼンドルファーやブリュートナーもスタインウェイに負けない品質を感じます。ただブリュートナーは大きい音を出す部分には力を入れてないのでコンサートホールではあまり見ないかも（分からんけど）。
スタインウェイは鉄骨を鳴らすのででかい音なのは聴いていましたが、ベーゼンドルファーはひたすらに木を鳴らすのにめちゃくちゃでかい音が出るので驚きましたね

自分はこれ結構楽しんじゃいましたけどね。音楽って独りよがりでいい！って派なので。
コンクールの方も出はかなり抑えめ。直前のラルゴのイメージを引きずってのことだと思うけど、これは大正解で、英雄ポロネーズが俄然新鮮に立ち上がってきましたからね。

その後はまあ普通の演奏の英雄だったけど、プラスラルゴとなると全然普通ではなくなって、かなり感動的なものになっていた。作戦勝ち！

ただコンクールを通じでは、随分自分を抑え込んじゃったなア！が正直な感想。この人もっと雑、よく言うと自由な演奏をする人ですよ。

まあコンクールの為にポーランドに移り、ポーランドの先生に付き、コンクール仕様に作り替えて臨みましたからね。結果オーライでしょう。

確かに実況CDを聴くと、ひどくノーブルで感動的ですから。彼としてはいい勉強をしたわけで、今後に生かせればいいですな。

指揮に夢中になってるけど、ピアノもちゃんと練習してほしい

審査員が非常に才能のあるピアニストに高得点を与えても、この理由でファイナルに行くことを却下されたので、かつて審査員が最後まで審査せずに、辞退して帰った事例があります。ロシア人の優秀なピアニストが長らくブーニンまで優勝できなかったのは、そういう事情があると思います。

ピアニストもそれを知っていて、ショパンコンクール用の演奏をして、入賞後は、本人の好きなスタイルに戻した例を知っています。

ショパンコンクールの当初の目的が、第一次世界大戦後の間もない時期に独立を果たしたポーランドで国際的に知名度が低かったポーランドの知名度を引き上げるという目的があり、パデレフスキー版、エキエル版の楽譜もコンクールも国家事業の一つであるので、ポロネーズ、マズルカを知っているピアニストを選ぶのは必須になっているからだと思います。
ピアニストランキングとネットで検索してサイトをいくつか見ましたがユンディがランクインしてないのですが、ランキング作成者はなぜユンディを入れなかったのだと思いますか？最年少でショパコンを優勝するという異 例の経歴を持っているのに… 牛田君もランランやユンディに憧れたと言っていて牛田君とランランはランクインしててユンディランクインさせないとか、にわかなんですかね。

[292 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 15:08:31.28]

バッハ、ショパンといった曲を義務的に選曲するという考えを捨て、出場者に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているかを表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

単純には押すことにより鍵盤の速さが遅くなる、と言う意味と考えて良いと思います。

ただ、押しても、ゆっくり指を立てて降ろしても、鍵盤を押すスピードが同じであれば、同じ音になります。

ここが「そんなことはない、押せば違う音色になる」と考えるから話がおかしくなるのです。

このあたり、よく科学的に考えてください。

もしも「押すタッチでしか音色は変化できない」という講師があったら、100％疑って間違い無いです。

たとえそれがどこぞの一部のロシアor重量（重力）奏法指導者によるとしてでも、です。

どちらが正しいかは、現在は科学が進歩した21世紀なので、ご自身でよく考えればわかることです。

ただ、実際は鍵盤を押す、と言う動作はゆっくりならば小さい音が出ますが、やや強く押すと、ものすごく鋭い音になります。

結局は、奏法如何で音色が決定されるわけではなく、単純に押すだけでも様々な音色の音が出てしまいます。
鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました

タッチを変えるとピアノの音色は変わるでしょうか？読者の皆さんはピアノを弾かれる方ですから、もちろん音色は変わるとお考えだと思います。一方で、音響学者の中には、「ピアノの構造を考えると、ピアノの音色を変えることはできない」とおっしゃる方もいらっしゃいます。
打鍵ノイズがあるピアノの音から、ノイズだけを取り除く特殊な処理を施した音を用意します。そして、元々ノイズの入っていない音との音色の違いを、様々な人に聴いてもらいます。すると、今度は２つの音色の違いを聞き分けることができませんでした。

これらの結果から、どうやら指先が鍵盤を叩くときに生まれるノイズが、ピアノの音色の知覚に影響を及ぼしていると言えます

ピアノというのは、鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました。音色とピアノの音色が本当に変わるとすると、何がピアノの音色を決めるのでしょうか？これについては、いくつか研究があるのですが、その中で近年注目を集めている「打鍵時に生じるノイズ（雑音）」との関連についてご紹介します。

鍵盤を叩くと、机を叩くときと同様、「バン」といった雑音（ノイズ）が鳴ります。これはピアノを弾いているときには、通常それだけで聴こえにくいものです。「バン」と叩くノイズのわずか0.1秒かそれ以下の時間の後に、実際のピアノの音が鳴るので、耳は2つの音を分離して聴かずに、「混ざった一つの音」として認識します。

[293 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 15:12:09.27]

アンフィサ ボビロワが準決勝に進出するのを見られなかったのは残念だったが、彼女のショパン2がなぜだったのかは理解できるnd ソナタは意見を二分したかもしれません。私は、彼女が音色と音色の信じられないほど微妙で表現力豊かな変化を利用して、より一般的なリズムとハーモニーを少し強調せずに作品に構造と一貫性を与えていることに興味をそそられました。私はノートに ‘immaculate コードの重み付け、トーンは表現と構造の中心であると書きました’

アリエル ラニーの決勝進出はおそらく非常に強力な2によって確実なものだったnd ラウンド - 特に彼の 2 の演奏nd book of Debussy's Images-こふにぃんすーのこふにぃんすーの2 けーらーのこふにぃのこーのmetreのなくーくーのkaがぁーりまーすーnd ラーーウーハーウーツゥゥゥゥゥ
‘瀹ッ シィので んて んて んて んて ん んんて ん んん ん んん んんん んんん んんんん んんん んんんんんイ フェェェェェ ラ リ ニィ イ ウィノ マニャア ティ チェッ？莠ャ驛スニ ドウソゥ丿
アリム・ベイセンバエフは最初のラウンドから私のお気に入りのピアニストの一人で、私のメモには「‘はとても音楽的だ」と書かれていました。にじみ出るキャラクター、ドラマ、物語、感情’
しかし、コンクール全体で優勝したのは、第 2 ラウンドのベートーヴェン ソナタ Op。111 だったのでしょうか？これは、最も貴重な音楽体験の 1 つとして記憶に残るほど、非常に超越的かつ例外的な、稀有な記憶に残るパフォーマンスの 1 つでした。
私の隣に座っていた紳士は、後で私に話しかける前に涙を拭かなければなりませんでした。
数年前、審査員だったスティーヴン オズボーンがコンサートでこの曲を演奏するのを見ましたが、とても楽しかったです。スティーヴン オズボーンは私のお気に入りのピアニストの一人です！しかし、アリムのパフォーマンスは本当に本当に深い精神的な経験でした。

アリムにこのベートーヴェンを弾いた経験について尋ねました
ラウンドを進めるにつれて神経質になっていきましたが、何人かのピアニストはコンテストを進めるにつれて自信を深め、より音楽的で表現力豊かになったようです。エリザベタ クリウチェレワもその一人でした。私はこうメモしました。私は彼女を見ていました 2nd ラウンドと準決勝のパフォーマンス（ただし、ここではポジティブな要素に焦点を当て、私が持っていたいくつかの屁理屈は省略しています！):
‘Schumann Carnaval は、このような軽いフレームに非常に強力です。表現表現が誇張されているのが素敵です。対照的なキャラクターを本当に体現しています。十分なスペースを与え、雰囲気のあるサスペンスの瞬間をうまく演出します。自信満々。技術的な困難を楽に見せます。彼女はカリスマ性とスターのような資質を持っています！’
そして準決勝では、‘は非常に洗練


フランクのフーガは魔法で、テクスチャーに本当に素晴らしいトーンを重ねる驚くべき能力を持っていました。
Ligeti L'escalier du diable-感情情緒的 ne。t。e。neuleted、且つ、且つ、且つ、且つ、且つ、我力！冉来思意離非在ェェルヘ、冉的ニ繝出デゥデゥンレレッナ見事ニ為レゥンレゥンレゥンレゥン

ここでエリザヴェータは、このリゲティを演奏した
私が非常に驚いたのは、プレッシャーや神経に対処するための体系化された心理的戦略を誰も持っていないようだったということです。これは私がどのように教えるかに強い要素であり、ミュージシャンの最高のパフォーマンスの心理を最大化するための最先端のテクニックについての本を書いている最中であるため、私の心に近いトピックです。スポーツの世界では、この分野で行われた膨大な量の研究を最大限に活用することは完全に正常であり、文化の一部であり、ミュージシャンが恩恵を受けることができるスポーツ心理学の世界からの膨大な戦略があります-特に競争の文脈で！

[294 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 15:23:52.39]

第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり知られていない作曲家の作品を選び、審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受ける
。
「聴衆とどのように関わり、ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の芸術を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は語る。
後期ラウンドに進むピアニストは、アーティスト育成プログラムの恩恵を受けることになる。
これは、クラシックピアノの未来は個々のアーティストの成長と表現の

単純には押すことにより鍵盤の速さが遅くなる、と言う意味と考えて良いと思います。

ただ、押しても、ゆっくり指を立てて降ろしても、鍵盤を押すスピードが同じであれば、同じ音になります。

ここが「そんなことはない、押せば違う音色になる」と考えるから話がおかしくなるのです。

このあたり、よく科学的に考えてください。

もしも「押すタッチでしか音色は変化できない」という講師があったら、100％疑って間違い無いです。

たとえそれがどこぞの一部のロシアor重量（重力）奏法指導者によるとしてでも、です。

どちらが正しいかは、現在は科学が進歩した21世紀なので、ご自身でよく考えればわかることです。

ただ、実際は鍵盤を押す、と言う動作はゆっくりならば小さい音が出ますが、やや強く押すと、ものすごく鋭い音になります。

結局は、奏法如何で音色が決定されるわけではなく、単純に押すだけでも様々な音色の音が出てしまいます。
鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました

タッチを変えるとピアノの音色は変わるでしょうか？読者の皆さんはピアノを弾かれる方ですから、もちろん音色は変わるとお考えだと思います。一方で、音響学者の中には、「ピアノの構造を考えると、ピアノの音色を変えることはできない」とおっしゃる方もいらっしゃいます。
打鍵ノイズがあるピアノの音から、ノイズだけを取り除く特殊な処理を施した音を用意します。そして、元々ノイズの入っていない音との音色の違いを、様々な人に聴いてもらいます。すると、今度は２つの音色の違いを聞き分けることができませんでした。

これらの結果から、どうやら指先が鍵盤を叩くときに生まれるノイズが、ピアノの音色の知覚に影響を及ぼしていると言えます

ピアノというのは、鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました。音色とピアノの音色が本当に変わるとすると、何がピアノの音色を決めるのでしょうか？これについては、いくつか研究があるのですが、その中で近年注目を集めている「打鍵時に生じるノイズ（雑音）」との関連についてご紹介します。

鍵盤を叩くと、机を叩くときと同様、「バン」といった雑音（ノイズ）が鳴ります。これはピアノを弾いているときには、通常それだけで聴こえにくいものです。「バン」と叩くノイズのわずか0.1秒かそれ以下の時間の後に、実際のピアノの音が鳴るので、耳は2つの音を分離して聴かずに、「混ざった一つの音」として認識します。

[295 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 15:28:59.65]

ヴェルビエ フェスティバル 7 月には。彼のトランペット協奏曲はホーカン・ハルデンベルガーとクリストフ・エッシェンバッハ率いるヴェルビエ音楽祭管弦楽団によってヨーロッパ初演され、ニコラ・ベネデッティはヴェルビエ音楽祭ジュニア管弦楽団を率いてジェームズ・ガフィガンとともにヴァイオリン協奏曲を演奏した。マルサリスの作品は、サンフランシスコのベイエリアに登場しました サンフランシスコ シンフォニー ウェストコースト初演 ヘラルド、ホラー、ハレルヤ！ 9月29日から10月1日までのファンファーレ カリフォルニア シンフォニー 9月30日にヴァイオリン協奏曲を演奏 SF ジャズ 10月1日と2日、ウィントン・マルサリスとジャズ・アット・リンカーン・センター・オーケストラの共演。


ニコラ ベネデッティ でウィントン マルサリスのヴァイオリン協奏曲を指揮者のジェームズ ガフィガンとヴェルビエ音楽祭ジュニア オーケストラと共演した ヴェルビエ フェスティバル 7 月には。彼女はを率いた エディンバラ 国際 フェスティバル 8月にフェスティバルディレクターとして就任し、1年目は成功を収めました。ベネデッティは9月初旬にマルサリス ヴァイオリン協奏曲を共演した シドニー 交響楽団 シドニー オペラハウスでカレン・カメンセク率いる。今月、彼女はフィルハーモニア管弦楽団の今シーズンの注目アーティストの一人として参加し、指揮者のクリスティアン マセラルとブラームスのヴァイオリン協奏曲を演奏します アンヴィル ベイジングトーク と ロイヤル アルバート ホール ロンドンでは、サントゥ=マティアス ルヴァリとのマルサリス協奏曲のために再びフィルハーモニアに参加する ド モンフォール ホール レスターとロンドンの ロイヤル フェスティバル ホール


クリスチャン レイフ ミネソタ大学で多忙な夏をリードするパフォーマンスを行った レイクスエリア音楽祭 音楽監督就任3 年目。9月15日、リーフは首席指揮者として最初のシーズンを開始した イェヴレ交響楽団 と 翁松 た シンシナティ交響楽団 9 MONSU30日っと10 MONSU1日 の dicLu so チリ 痛い シニシシー ー カニッ。ウンスイアタン アフテッド スウェーデン放送交響楽団

ジェームズ ガフィガン で4回の公演を主導 ヴェルビエ フェスティバル ヴェルビエ音楽祭ジュニアオーケストラの音楽監督に就任して3年目。ガフィガン復帰 バレンシア オペラ 音 metunotと死 det no3 年目 no sciーsuynaiss 出は hl,

クリスティアン マセラール を開いた カブリロ フェスティバル’s 2023/24 シーズンは音楽監督兼指揮者として、2 つの世界初演と 1 つの米国初演を行いました。8月に初演と9回の西海岸初演。8月27日から9月24日まで、マセラルはを監督した 2023 ジョルジュ エネスク フェスティバル 芸術監督としての最初のシーズンには、フィルハーモニカ・エネスクとチェリストのゴーティエ・カプソンとともにオープニングコンサートを指揮しました。を指揮した フィルハーモニア管弦楽団 9 MONTH28日、30日、10 MONTH1日日ニ コラ 莠斗七斗ティィトティヂィフィ セント。ルイ 交響楽団 10 Moon13Junetsut15Juni, 米国をうちなう出。ハイナニ アアハ、マーイーンローンノーンオゥン ヘリオーシス と レーツァ ゙ト

[296 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 15:35:46.79]

ヴァイオリン ヴィルトゥオーゾ イツァーク パールマン 話す、彼はいつも覚えておく価値のあることを言います。彼は語り手であり、物語の語り手でもあります。

彼の65年のキャリアにおける芸術性と人格の進化は、コンサートで展示される予定です ベルゲン パフォーミング アーツ センター


バルトロメオ・クリストフォリの創意工夫のおかげで、18 世紀初頭のイタリアにその起源を見出しました。この発明者は、「gravicembalo col piano e forte」として知られる最初のピアノを
作成することで鍵盤楽器に革命をもたらしました。その革新的なデザインにより、チェンバロやクラヴィコードなどの以前の楽器にはなかった音の強度を変更および調整することが可能になりました。

この音楽的および技術的進化は、楽器奏者に前例のないダイナミックなサウンド制御を提供し、新しい音楽表現への道を開きました。クリストフォリは、ハンマーが弦を叩く複雑な機構を導入し、ソフト（イタリア語でピアノ）と大音量（イタリア語でも強い）の両方の演奏を可能にしました。

この発明は音楽史の転換点となり、現代ピアノのさらなる発展の基礎を築きました。これらの進歩のおかげで、ピアノはすぐに人気を博し、現代で最も愛され多用途な楽器の 1 つに進化しました
工業化とクラシック音楽への関心の高まりにより、その普及と標準化が促進されました。フランスのセバスチャン エラールのような有名なメーカーや、イギリスやアメリカのメーカーがその発展に重要な役割を果たしました。こうしてピアノは音楽院やコンサートホールに広がり、作曲や解釈に不可欠なツールとなりました。この時期には、今日私たちが知っているピアノを形作る大きな革新も生まれました。

文化と社会におけるピアノ
ピアノは誕生以来、文化や社会に大きな影響を与えてきました。19 世紀には、社会的地位や芸術への関心を反映して、ブルジョワ家庭における洗練の象徴となりました。彼はまた、ロマン派音楽の出現において重要な役割を果たし、ショパンやリストのような作曲家に豊かで微妙な表現手段を提供しました。

教育において、ピアノは基礎的な楽器としての地位を確立し、何世代にもわたる音楽家を訓練してきました。コンサートホールを超えて、彼はポピュラー音楽にも影響を与え、さまざまな音楽ジャンルに足を踏み入れました。今日でもピアノは世界的な文化と新しい楽曲を豊かにし続けています。

技術革新とピアノの種類
ピアノの歴史は、ピアノの現在の形とサウンドを形作ってきた主要な技術革新によって中断されます。これらの進歩の中でも、垂直弦を備えたアップライト ピアノは、狭いスペースに最適な、コンパクトで手頃な価格の代替品を提供します。

横弦を備えたグランドピアノは、優れた音質で有名です。コンサートホールではよく好まれます。後に登場したデジタル ピアノは、最新のテクノロジーと従来のピアノ機能を組み合わせ、さまざまなサウンドや接続性などの追加オプションを提供します。これらの発展は、ミュージシャンや音楽愛好家の変化するニーズにピアノが常に適応していることを反映しています。

[297 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 15:42:06.45]

イスラエルで育ったパールマンは3歳のとき、こう聞いた ヤッシャ ハイフェッツ ラジオでヴァイオリンを弾くと、その楽器が自分のためのものであることがよくわかりました。

“楽器を演奏し始める人は皆、自分が得られる最高かつ最も素晴らしい結果を常に望んでいます、” 彼は言います。“ご存知のとおり、リサイタルを行っています カーネギー ホール
そしてトップのキャリアを持つこと。それが常に希望です。それで、私と一緒に、それはそのようなものでした。”

しかし、彼に “これが私だと言わせる決定的な瞬間はありませんでした。

“イスラエルで育ったと思いますが、小さな国で育つと、いつも海外に行くことを夢見ます。だから いつ エド サリヴァン ショーに出演する機会を私に与えてくれました。それは私にとって
非常に有意義なイベントでした。なぜなら、それが私を米国に連れて行き、その後大学で勉強するきっかけになったからです ジュリアード スクール, 、などなど。私はアーティストとして進化しているように感じました、そしてそれは基本的にあなたがやりたいことです。あなたは人間として、そしてミュージシャンとして進化したいと考えています。

うまくやっても、 ‘やったからやりたことを繰り返すだけだ、とは言えない ’ あなたは常に成長したいし、常に変化したいと思っており、音楽で何をしたいのかを常に尋ねたいと思っています。

“人々は私に、現在の遊び方と、たとえば 30 年か 40 年前の遊び方の違いは何なのかと尋ねますが、これは非常に微妙な違いです。しかし、それは違いです。
言い換えれば、私は音楽を別の方法で聞きます。逆が悪かったというわけではありませんが、今のやり方は違います。そして、それがあなたが望むものです。差分が欲しい。”

ベルゲンパックコンサートは、パールマンのクリーンカットテクニックと模範的なリズムを強調するための、クラシックのレパートリーの比較的単純なリサイタルとなります。セレクションはステージから発表され、何世代にもわたるクラシック音楽家に影響を与えた彼の広範なレパートリーから引き抜かれます。

彼の初期の頃は充実していました メンデルスゾーン そして パガニーニ. 。彼はより確立されるにつれて、その緑豊かな美しさを探求する独自のスタイルを見つけました 中欧 ロマン派
そして偉大な ロシア語 そして バロック マスターズ。

“ というタイトルの新日本プロレス イベントイツァーク パールマンとの午後,” は彼のルーツとキャリアの軌跡をたどるマルチメディア ショーになります。彼はストーリーテリングとパフォーマンス作品やアーカイブからの個人的な写真を絡み合わせます。

2 つのアプローチは互いに情報を提供します。

“すべて接続されています、” Perlman 氏は言います。“1 つはクラシック音楽の標準的なリサイタルで、もう 1 つはすべての会話、ビデオ、音楽が含まれており、私が生計を立てているものの
一部です。それには、私がクラシックヴァイオリニストとしてやっていることと明らかに関係している他の事柄が含まれています。つまり、私がどのように始めたのか、幼い頃にやった練習の種類など、そして基本的に結果として起こった私の人生の他の出来事です。リサイタルやオーケストラとの演奏の結果。”

どちらのイベントにもピアニストが出演します ローハン デ シルバ, 、長年の友人であり協力者でもある。彼らは20年以上にわたって一緒に演奏してきました。

“彼は素晴らしいピアニストです、それは No。1 です、” Perlman 氏は言います。“と No。2、私たちは一緒にたくさんプレーしてきたので、彼は私が何をしたいのかを正確に知っていて、
予測することができます。これは、共同ピアニストの課題の 1 つです。パートナーの行動を予測し、音楽に同じような風味を与えることができることです。そして、彼はそれがとても上手です, 部分的にlongevity。”から

パールマンの人生とキャリアを描いた様式化された年代記は、2019年にツアーイベントとしてデビューしたが、パンデミックの影響で延期された。これは “ の成功をモデルにしましたイツァーク,” に

[298 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 16:21:45.92]

ほとんどの偉大なストーリーテラーと同様に、パールマンは明確な言語を使用し、シンプルな方法でコミュニケーションをとります。彼は深遠な発言や壮大な発言には興味がありません。彼はバイオリンのときと同じように、自分のことを理解してもらうために最善を尽くします。

彼は、一方が他方に影響を与えたと言うでしょうか、それともそれが彼のありのままなのでしょうか？

“それが私のやり方だと思います、” 彼は言います。“この種のコンサートを始める前、リサイタルのみを演奏していたとき、私はいつも音楽について話すのが好きでした。聴衆に音楽を演奏するときは、常にコミュニケーションをとるべきだと感じました。聴衆はまた、あなたが彼らと話すならば、それはコミュニケーションの余分な要素であると感じます。だから私はいつも日曜日のこの種のコンサートよりも小さな方法でそれを行っていました。

“私は、通常のリサイタル中に実際に講演した最初の人の一人だったと思います。以前は、ステージに上がり、お辞儀をし、演奏し、観客が拍手を送ってくれるといいのですが。それからあなたは別の弓を取り、あなたは去ります、そしてそれはそれです！音楽だけでなく、聴衆に話しかけることによって — を伝えるという追加の要素が、イベントをより興味深いものにしていると感じました。

“誰かから手紙を受け取ったのを覚えています — それは非常に昔、聴衆と話し始めたばかりのときでした — それは次のような苦情の手紙でした、 ‘先日あなたが演奏しているのを聞きました、そして私は苦情があります: あなたは何も言いませんでした！’ ”

彼はその回想を笑います。“つまり、その時点ですでに聴衆は私が何かを言うことを期待していました。”

パールマンは 1958 年に “ に登場するまでイスラエル国外では知られていませんでしたエド サリバン ショー” メンデルスゾーンのヴァイオリン協奏曲付き。彼は13歳で、神童として一夜にして米国で発見された。

彼はジュリアード音楽院で学びました イヴァン ガラミアン そして ドロシー ディレイ。ガラミアンは、昔ながらの巨匠たちにしかできない厳しい方法で教えました。ディレイはより民主的で、パールマンに選択と解釈についての意見を求めた。両極端の間では、彼の音楽教育は包括的でした。

彼は現在78歳で、パフォーマーとしての人生は舞台をはるかに超えています。彼は、多くのクラシック音楽家が獲得していない世界クラスの主流の地位を獲得しています。彼はまた、大統領自由勲章も受賞するなど、栄誉ある勲章も受賞しています。

途中、苦労もあった。彼は子供の頃にポリオから生き残りましたが、ポリオによって補助なしで歩く能力が失われてしまいました。彼は身体障害を差別する世代に松葉杖をついてパフォーマンスを始めた。そして若いユダヤ人移民として、彼は反ユダヤ主義の標的となった。

彼の決意は、長年にわたる偏見と疑念を乗り越えて彼を支えました。彼の物語は、最大の目標に向かって身を置き、障害と闘い、旅の途中で尊厳と謙虚さを維持する、誇り高く素朴な男のイディッシュ英雄の原型と何ら変わりません。

彼はユダヤ人の休息日である安息日を守る金曜日の夜に演奏したり旅行したりすることはありません。


“私はその両方になれると思います。私はイスラエルで生まれ、それが私の母国であることを知っています。私はイスラエルにいるよりもはるかに長くアメリカにいます。”

彼は笑いながら一瞬立ち止まりました。“ほら、数学への挑戦がやって来ました！私が到着したとき、私は 78 歳で 13 歳だったので、計算してみると、私がここにいた時間になります。ここはとても快適で、そこに行くとそれが私の子供時代のような気分になります。いると子供時代を感じることができます。”

ユダヤ文化には感情が深く根付いており、彼のコンサートではそれに触れています。これは意図的なものですか、それとも偶然ですか、それとも彼だけですか？

“私です！” 彼は笑います。ショーの目的は、魂を楽しませ、かき立てることです。彼はギミックを避けます。

“最も重要なことは自発性を持つことだと思います、” 彼は言います。“それはショーにおいて重要であるだけでなく、音楽においても重要です。聴衆に、「‘ああ、彼はこれこれやってるよ。’」などと言われたくないでしょう

[299 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 16:40:28.12 ID:wo+LLbft]

引っ張りだこの演奏家、作曲家、レコーディング・アーティスト、愛される教師、ポッドキャスター、そして作家です。クラシック音楽家としての経歴を持つ彼女は、大学生時代に80年代のニューヨークの音楽シーンを探求し、アイルランド音楽へ
の揺るぎない愛を発見しました。この二つの世界を繋げようとする中で、ノウルズは生涯を通じて繰り返し現れることになる概念、「間」に出会いました。彼女はこのテーマについて、「人生と音楽の境界にある場所の挑戦と活力を照らし出す」と語っています。

ノウルズは数々の功績を残しており、そのほんの一部を挙げるだけでも、「マイケル・コリンズ」のサウンドトラックでソリストを務め、「リバーダンス」、ブロードウェイの「海賊の女王」、「グリーン・バード」でフィドルを演奏、ニューヨーク・ポップスのソリストを務め、ケネディ・センターで開催されたアイルランド100フェスティバルではフィーチャリング・アーティストを務めました。
ヨーロッパ、アジア、南米をツアーした数々の舞台公演やレコーディング・プロジェクトの音楽監督兼プロデューサーも務めました。彼女の作曲・編曲作品は、
ジョン・ウェラン、フルック、シカゴ・メトロポリス交響楽団、リズ・キャロル、ベオラック、バチュー、JP・コーミエ、マイケル・ブラック、ジョン・ドイル、アンサンブル・ガリレイなどによって録音されています。

弾いている時に、自分の音だけに集中する事です。
不思議な事に、実は自分の音を聴けているときというのは，絶対的に自分の演奏は下手聞こえます（？）
チョー優秀な講師陣が活躍するピアノ
腕試しに受験してみてオヌヌメとりあえず取り急ぎ。
　前半最後は、同じくショパンの「葬送ソナタ」として有名な、《ピアノ・ソナタ第2番Op.35》です。第1楽章は、重厚で深みのある低音のオクターヴで始まりました。激しい感情が感じられる楽章ですが、フォルティッシモなども決して暴力的な強さになることなく、スケールの大きな表現が印象的でした。決然とした雰囲気のまま始まる第2楽章では、その中間部での対照的にあたたかい響きが、とても美しかったです。葬送行進曲の第3楽章は、重々しさと共に洗練さが込められた音楽作りが印象的でした。第4楽章は、一気に駆け巡るといった様子で、作品全体が締めくくられました。

ノウルズ氏はまた、NEC現代音楽芸術学科の学生アンサンブルであるアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルを率いており、アイルランドの器楽の伝統を探求しています。ノウルズ氏とアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルは、同音楽院のパフォーマンスシリーズ「NECスタジオセッション」の最新作で主役を務め、3月15日（金）に配信開始されます。エピソードの公開に先立ち、ノウルズ氏は自身のキャリアの多様な軌跡、
音楽教育者としての哲学、数々のクリエイティブなプロジェクトのバランスの取り方、若い音楽家へのアドバイスなどについて語ってくれました。

演奏を撮った時に、自分が思っていたのと違って、やけに乱暴に聞こえたり、スピードが速く感じた場合、それは間違いなく、自分の音を聴いていません。

実は、人間というものは、何かに没頭している時には、その一つにしか神経が行かない動物なのです。

これは当然の事で野生動物のように、回りに天敵がいないかを警戒しながら、えさを食べるという動作には慣れていないからかもしれません。

結果、他人の演奏には集中して聴く事が出来るのに、自分が演奏している時には、ピアノを弾く事に神経が行ってしまうので、もはや、自分の音を聴くという事に神経が行かないのです。

正直いうと、私も１０年前は聴いていなかったと判断出来ますし、自分の生徒も実に９割は自分の音を聴いていない、もしくは聴いていない時があるのです。

ではどうすれば良いか？

自分の音を聞く一番良い方法は、とにかくゆっくり弾く事です。

[300 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 17:19:43.50 ID:cdoelaXI]

前半に聴いたショパンのものとは、だいぶ雰囲気も異なり、二人の作曲家の民族性、そして和声感の違いなどがはっきりと感じられ、興味深いものでした。たとえば第4曲での躍動感は、彼の音楽性をよく伝えるものだったと思います。
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います
暗譜しきってないコンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。


ノウルズは数々の功績を残しており、そのほんの一部を挙げるだけでも、「マイケル・コリンズ」のサウンドトラックでソリストを務め、「リバーダンス」、
ブロードウェイの「海賊の女王」、「グリーン・バード」でフィドルを演奏、ニューヨーク・ポップスのソリストを務め、ケネディ・センターで開催されたアイルランド
100フェスティバルではフィーチャリング・アーティストを務めました。ヨーロッパ、アジア、南米をツアーした数々の舞台公演やレコーディング・プロジェクトの音楽監督兼プロデューサーも務めました。彼女の作曲・編曲作品は、ジョン・ウェラン、フルック、シカゴ・メトロポリス交響楽団、
リズ・キャロル、ベオラック、バチュー、JP・コーミエ、マイケル・ブラック、ジョン・ドイル、アンサンブル・ガリレイなどによって録音されています。

ノウルズ氏はまた、NEC現代音楽芸術学科の学生アンサンブルであるアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルを率いており、
アイルランドの器楽の伝統を探求しています。ノウルズ氏とアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルは、同音楽院のパフォーマンスシリーズ「NECスタジオセッション」の最新作で主役を務め、
3月15日（金）に配信開始されます。エピソードの公開に先立ち、ノウルズ氏は自身のキャリアの多様な軌跡、音楽教育者としての哲学、数々のクリエイティブなプロジェクトのバランスの取り方、若い音楽家へのアドバイスなどについて語って

音楽の大学することを決めました。
ロングアイランドにあるニューヨーク州立大学ストーニーブルック校に進学したのですが、
そこですべてが爆発的に広がりました。ロングアイランドでニューヨーク市にとても近かったので、たくさんのライブをこなし、
様々なジャンルの音楽に触れることができたのが利点でした。古楽から現代音楽まで、あらゆる音楽を演奏していました。
バイオリンを通して、あらゆることが爆発的に広がりました。

私が偶然出会ったものの一つがアイルランド音楽でした。フィドルがあんな音を出すのを聞いたことがありませんでした。
ケンタッキー州、正確にはブルーグラスの地で育ち、カントリーやブルーグラスは大好きでしたが

[301 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 17:23:43.91 ID:I8VlqQWk]

ダミアン・ボーモントとピアニストたちとの非常に長いインタビューの後、ベートーヴェンの交響曲第7番のピアノ二重奏のための興味深い編曲が紹介された。モーツァルトの序曲のように、ベートーヴェンの交響曲第7番の「ポコ・ソステヌート」は、強弱のパッセージ間の急速な対比を特徴としている。また、鍵盤を横切る一連の音階という注目すべきモチーフも特徴としており、ウィレムスは、他の多くの重なり合うメロディーの中で、これを非常に力強く演奏した。二重奏がはっきりとジーグのようなものに突入すると、ティンパニの共鳴が聞こえてくるようだ。しかし、ハイライトは常にショーを締めくくる第2楽章である。これはバロック音楽に明らかにベートーヴェン風のひねりを加えたもので、陰鬱でドラマチック、そして不吉な雰囲気があり、最もバロック的な音楽モチーフである半音階の「パッサス・ドゥリウスクルス」を中心に据えられているようだ。ウィレムスはとりとめのない対主題を展開し、それがチスロフスカが力強く演奏する主題と見事に重ね合わされる。


休憩の後、ウィレムスはグリーグの小品を数曲演奏した。最初はグリーグの抒情小品集より「孤独な旅人」 。ウィレムスは宮廷舞踏会のようなリズムで演奏した。曲のハーモニーはウィレムスの繊細なサステインと相まって、グリーグならではの神秘的な孤独感を醸し出していた。
有名な「朝の気分」の長いアルペジオは、曲に心地よく幽玄な雰囲気を与えていた。あまり知られていないが、グリーグの「蝶々」も同様に心を揺さぶり、おそらくより遊び心のある作品だ。
演奏するのは間違いなく楽しく、聴衆もそれを感じ取った。

続いてチスロフスカはリストの「アブシッド」を演奏した。多くの「別れ」の曲と同様に（ダウランドの「別れ」まで遡って考えても）、この曲も漠然とした憧れの気持ちで物憂げに始まる。
ハイライトの一つはチスロフスカがピアニッシモで演奏する上昇する一連の音符で、これに神秘的なフィルギア旋法のガラスのように柔らかい高和音が続く。リストによるヴェルディの「リゴレット」の印象では、当然ながら気分が急激に変化する。
これは確かに非常に技術的に要求される曲である。冒頭から、私たちはほぼ直面するような高音のカスケードを目にすることになる。このカスケードは、最初は短いレチタティーヴォ、次にテノールによるアリアのような印象を与える曲がりくねったアンダンテへとつながる



あの有名な長いトリルとグリッサンドから始まります。低音域のジャズ風のシンコペーションのパッセージは、高音域でさらにジャズ風のパッセージへと変化し、その後、激しい下降和音が続きます。二人の演奏は、この曲に期待される力強さと遊び心を兼ね備えています。

2023年、シドニー国際ピアノコンクール（ザ・シドニー）は、7月5日から22日 まで、再びライブイベント

[302 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 17:29:23.83 ID:QkHFEeyv]

ダミアン・ボーモントとピアニストたちとの非常に長いインタビューの後、ベートーヴェンの交響曲第7番のピアノ二重奏のための興味深い編曲が紹介された。モーツァルトの序曲のように、ベートーヴェンの交響曲第7番の「ポコ・ソステヌート」は、強弱のパッセージ間の急速な対比を特徴としている。また、鍵盤を横切る一連の音階という注目すべきモチーフも特徴としており、ウィレムスは、他の多くの重なり合うメロディーの中で、これを非常に力強く演奏した。二重奏がはっきりとジーグのようなものに突入すると、ティンパニの共鳴が聞こえてくるようだ。しかし、ハイライトは常にショーを締めくくる第2楽章である。これはバロック音楽に明らかにベートーヴェン風のひねりを加えたもので、陰鬱でドラマチック、そして不吉な雰囲気があり、最もバロック的な音楽モチーフである半音階の「パッサス・ドゥリウスクルス」を中心に据えられているようだ。ウィレムスはとりとめのない対主題を展開し、それがチスロフスカが力強く演奏する主題と見事に重ね合わされる。



休憩の後、ウィレムスはグリーグの小品を数曲演奏した。最初はグリーグの抒情小品集より「孤独な旅人」 。ウィレムスは宮廷舞踏会のようなリズムで演奏した。曲のハーモニーはウィレムスの繊細なサステインと相まって、グリーグならではの神秘的な孤独感を醸し出していた。
有名な「朝の気分」の長いアルペジオは、曲に心地よく幽玄な雰囲気を与えていた。あまり知られていないが、グリーグの「蝶々」も同様に心を揺さぶり、おそらくより遊び心のある作品だ。
演奏するのは間違いなく楽しく、聴衆もそれを感じ取った。

続いてチスロフスカはリストの「アブシッド」を演奏した。多くの「別れ」の曲と同様に（ダウランドの「別れ」まで遡って考えても）、この曲も漠然とした憧れの気持ちで物憂げに始まる。
ハイライトの一つはチスロフスカがピアニッシモで演奏する上昇する一連の音符で、これに神秘的なフィルギア旋法のガラスのように柔らかい高和音が続く。リストによるヴェルディの「リゴレット」の印象では、当然ながら気分が急激に変化する。
これは確かに非常に技術的に要求される曲である。冒頭から、私たちはほぼ直面するような高音のカスケードを目にすることになる。このカスケードは、最初は短いレチタティーヴォ、次にテノールによるアリアのような印象を与える曲がりくねったアンダンテへとつながる

ジャン＝イヴ・ティボーデ、故ニコラ・アンジェリッチといったアーティストのキャリアを飛躍させたことを誇りとしています。
しかし、輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、クリーブランドでは、このコンクールが現状に甘んじる雰囲気は全くありません。
50周年を迎えるにあたり、コンクールは主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

2024年大会には265名のピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた55名は、これまでとはかなり異なるコンクールを経験することになる。
「私たちは、各ピアニストを一人のアーティストとして見たいのです」と、コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語る。彼はバッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に演奏するという考え方を捨て、
出場者に「自分自身の個性と、ピアノの未来像を表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「彼らの芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

あの有名な長いトリルとグリッサンドから始まります。低音域のジャズ風のシンコペーションのパッセージは、高音域でさらにジャズ風のパッセージへと変化し、その後、激しい下降和音が続きます。二人の演奏は、この曲に期待される力強さと遊び心を兼ね備えています。

2023年、シドニー国際ピアノコンクール（ザ・シドニー）は、7月5日から22日 まで、再びライブイベントとして開催されます 。世界屈指の若手ピアニスト32名がオーストラリア

[303 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 17:54:31.05 ID:QkHFEeyv0]

、ピアニストはこれまであまり演奏されてこなかった作曲家の作品を選択することが求められ、審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受けます。「聴衆とどのように関わり、
ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の作品を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は述べています。
後期ラウンドに進むピアニストは、クラシックピアノの未来は個々のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるアーティスト育成プログラムの恩恵を受けることができます。





ールバーグ氏は、クリーブランド国際ピアノコンクールが、第1ラウンドに出場した55名のピアニストたちから並外れた才能を披露してくれると確信している




う一つ大きく異なる点があります。それは、クリーブランドだけでなくパリでも開催されることです。1995年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し、
第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォーレス大学音楽院、またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーのいずれかで演奏します。
この2つの会場で開催することで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツを再び意識したものになります。

あまり知られていない、あるいはあまり知られていない作曲家の作品を演奏し、その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められます。コールバーグは、出場者が審査員に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているか」を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一部です。

出場者は期待できます。クリーブランドでは、このコンクールが50年にわたり、
7万5000ドルのミクソン最優秀賞を含む高額賞金で高い評価を得ていることが常に話題となっています。
しかし、キャリアを築くには、賞金以上のものが不可欠です。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでのリサイタル出演が保証され、
さらに米国有数のアーティストマネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。



クリーブランドへの出場権と準々決勝進出は、それ自体が大きな賞となります。コンクールのアーティスト育成プログラムでは、出場者がレジデンス、
メンターシップの機会、ブランディングとマーケティングに関する講座、マスタークラス、そしてジョナサン・ビス、アンジェラ・ヒューイット、ジュ・ヒョンギといったピアニストから直接フィードバックやアドバイスを受けることができます。

今夏、クリーブランドで開催されるコンクールの最終ラウンドに招待される準々決勝進出者16名は、クラシックピアノコンクールの常識をはるかに超え、
アーティストとして自らを表現することが求められます。彼らは、開会式でのポップミュージックデュオ演奏、少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏、そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場や設定での演奏が求められます。

[304 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 18:02:15.09 ID:Vyt7lhqu]

最初から最後まで音楽的な確信を伝え、ロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団とのシンコペーションを交えたあらゆる対話を楽しみました（指揮者のアンドリュー・マンゼも、あらゆる瞬間を楽しんでいました）。ベイセンバエフは、Medici.tv聴衆賞と、現代音楽の最優秀コミュニケーターに贈られるロイヤル・リバプール・フィルハーモニック協会賞も受賞しました（準決勝でのリゲティの演奏は実に魅惑的でした）。



2日前の決勝第1回コンサートで聴いた限りでは、このコンクールの優勝者は誰になるか、私には疑いようもありませんでした。21歳のイリア・オブチャレンコです。モーツァルトとシューベルトの作品における彼の演奏は、他の出場者たちをはるかに凌駕していました。昨夜の決勝第2回コンサートは、会場がダウンタウンのマウント・ロイヤル大学から、カルガリー・フィルハーモニックの本拠地であるジャック・シンガー・コンサートホールに移されました。このコンサートでは、出場者全員がジェフリー・カハネ指揮のカルガリー・フィルハーモニックと共に、主要な協奏曲を演奏することが求められました。今回も、最も強い印象を残したのはオブチャレンコでした。

オブチャレンコはチャイコフスキーの有名なピアノ協奏曲第1番変ロ短調で幕を開けた。


オブチャレンコがチャイコフスキーを選び、サーシャ・カスマン・ラウデがラフマニノフのピアノ協奏曲第3番を演奏する予定だったため、観客を喜ばせるという点では残念な選択だった。コンクールでベートーヴェンの協奏曲とロマン派の代表的な協奏曲を比較するのは無意味だ。それでも、レイチェル・ブリーンは美しく演奏し、2日前の演奏よりもはるかに良い印象を与えた。


、それ以上のものではありませんでした。第1楽章のカデンツァはせいぜい職人的な演奏で、最終楽章の終わり方はあまりにもゆっくりとした演奏でした。彼女は懸命に演奏していましたが、音楽を前進させるには至りませんでした。個人的な話ですが、ほんの数ヶ月前にフォートワースで開催されたクライバーン・コンクールに出席したことを付け加えなければなりません。優勝したのは18歳の韓国人ピアニスト、で、彼はこのラフマニノフのピアノ協奏曲第3番を驚異的

過去15年間、世界中のあらゆるレベルや能力のコンクールやフェスティバルで審査員を務めてきました。その仕事は魅力的で、常に変化に富んでいます。
ピアノコンクールには良い面と悪い面があります。ピアノ演奏は主観的なものであり、演奏者同士を比較することはできないと考えて、コンクールという概念を嫌う人も多くいます。

確かにその通りかもしれませんが、私の生徒たちにそう言ってみてください！ 概して生徒たちはこうしたイベントに参加するのが大好きで、私は結果があまり重要ではないことを彼らに理解させています。参加することが何よりも重要な要素です。なぜなら、コンクールが大きなメリットをもたらす要素があるとすれば、それは生徒の成長だからです。

特定のレパートリーを学び、一定の時間内に綿密に準備することは、生徒の成長を劇的に変える力を持っています。若い演奏者向けの8分または10分のプログラムでも、上級者向けの20分から30分のプログラムでも、私の生徒たちは例外なく全員上達します。
「でも、試験やコンサートに向けて努力すれば上達できないの？」確かにその通りですが、コンサート、試験、コンクールに何度も生徒を参加させてきた私には、コンクールへの参加が何よりも重要視されているように感じます。

コンクールは、より刺激的で「危険な」選択肢と捉えられているため、特定のタイプの生徒に魅力的に映るのかもしれません。年上の生徒は、コンクールならではの「エッジの利いた」雰囲気を好むよう

[305 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 18:32:46.68 ID:6ZlgZ/kx]

私の一人は、2022年のBBCヤング・ミュージシャン・コンテストの2次予選に進出しました。彼女はカーディフにあるロイヤル・ウェールズ音楽演劇大学で、他の25人の出場者と共に演奏し、
大学の大コンサートホールで3人の審査員の前で12分間のプログラムを演奏しました。「どんな気持ちでしたか？」と尋ねると、
彼女は「怖かったです」と答えました。「でも、すべての瞬間が楽しかったです。刺激的で、本当に『緊張感』があり、爽快でした」
しかし、私はコインの「裏側」にもいます。
審査員であることは特権であり、同時に責任でもあります。審査員団と仕事をすることが多く、それは概してより慎重な判断に基づいた結果につながると期待されます。受賞者全員の意見に同意する時もあれば、
そうでない時もあります（これは稀ですが）。
審査員団の規模が大きい場合、どのように決定を下すのでしょうか？私が関わってきたコンクールでは、各審査員がそれぞれのパフォーマンスに点数をつけ、その点数を合計して最高点を獲得した参加者が優勝者となります。
しかし、すべてのコンクールがこのように行われるわけではありません。私はここ数年、G. Henle Verlag Children's Competitionの審査員を務めてきました。他のオンラインコンクールと同様に、参加者はYouTubeにパフォーマンスを私たちはそれを視聴し、通常3点満点で各パフォーマンスに点数を付与しま以上の点数を取った参加者は決勝に進みます。決勝では、オンラインで集まり、選ばれた「ファイナリスト」の演奏を再び聴き、
優勝者候補について話し合います

参加者、特に上位候補の演奏を何度も聴き、決定に納得し、合意していることを確認する必要があります。この最終「セッション」は3〜4時間かかることもあり、参加者が500人、
600人にも及ぶとなると、容易なプロセスではありません。

数時間にわたって直接会い、それぞれの作品を互いに演奏し合い、優勝者を決めました。今年は初めて、希望した出場者には書面によるフィードバックを提供しました。フィードバックは忘れられがちな「プラス要素」の一つです。
学生が特定のコンクールで優勝できなかった理由を知りたがる時代において、審査員の意見は歓迎され、そして願わくば建設的な意見がほとんどであることを願っています。


確かにその通りかもしれませんが、私の生徒たちにそう言ってみてください！ 概して生徒たちはこうしたイベントに参加するのが大好きで、私は結果があまり重要ではないことを彼らに理解させています。参加することが何よりも重要な要素です。なぜなら、コンクールが大きなメリットをもたらす要素があるとすれば、それは生徒の成長だからです。

コンクールの中には、課題曲が決まっているところもあります。ヘンレ・コンクールは毎年1人の作曲家に焦点を当て、特定の作品集から年齢に応じた課題曲が選ばれます。
他のコンクールでは完全に自由な選択が認められており、私の生徒たちはそちらを好んでいます

[306 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 18:43:20.96 ID:OqV6Kaon]

オブチャレンコはチャイコフスキーの有名なピアノ協奏曲第1番変ロ短調で幕を開けた。この協奏曲は、何年も前にモスクワでヴァン・クライバーンを世界的な名声へと押し上げた作品である。オブチャレンコはクライバーンほどの熱狂ぶりはなかったものの、彼ならではの見事な演奏を披露した。第1楽章はゆっくりと演奏したが、そのおかげで華やかさよりも音楽の深みを強調することができた。他の部分では、卓越したテクニックと堂々とした存在感を鍵盤上で示した


オブチャレンコがチャイコフスキーを選び、サーシャ・カスマン・ラウデがラフマニノフのピアノ協奏曲第3番を演奏する予定だったため、観客を喜ばせるという点では残念な選択だった。コンクールでベートーヴェンの協奏曲とロマン派の代表的な協奏曲を比較するのは無意味だ。それでも、レイチェル・ブリーンは美しく演奏し、2日前の演奏よりもはるかに良い印象を与えた。


、それ以上のものではありませんでした。第1楽章のカデンツァはせいぜい職人的な演奏で、最終楽章の終わり方はあまりにもゆっくりとした演奏でした。彼女は懸命に演奏していましたが、音楽を前進させるには至りませんでした。個人的な話ですが、ほんの数ヶ月前にフォートワースで開催されたクライバーン・コンクールに出席したことを付け加えなければなりません。優勝したのは18歳の韓国人ピアニスト、ユチャン・リムで、彼はこのラフマニノフのピアノ協奏曲第3番を驚異的な

私の「仕事」にも、他の部分よりも面白い部分とそうでない部分が存在します。ピアノコンクールの審査員、つまりジャッジは、執筆活動と並んで私のお気に入りの仕事です。

過去15年間、世界中のあらゆるレベルや能力のコンクールやフェスティバルで審査員を務めてきました。その仕事は魅力的で、常に変化に富んでいます。
ピアノコンクールには良い面と悪い面があります。ピアノ演奏は主観的なものであり、演奏者同士を比較することはできないと考えて、コンクールという概念を嫌う人も多くいます。

確かにその通りかもしれませんが、私の生徒たちにそう言ってみてください！ 概して生徒たちはこうしたイベントに参加するのが大好きで、私は結果があまり重要ではないことを彼らに理解させています。参加することが何よりも重要な要素です。なぜなら、コンクールが大きなメリットをもたらす要素があるとすれば、それは生徒の成長だからです。

特定のレパートリーを学び、一定の時間内に綿密に準備することは、生徒の成長を劇的に変える力を持っています。若い演奏者向けの8分または10分のプログラムでも、上級者向けの20分から30分のプログラムでも、私の生徒たちは例外なく全員上達します。
「でも、試験やコンサートに向けて努力すれば上達できないの？」確かにその通りですが、コンサート、試験、コンクールに何度も生徒を参加させてきた私には、コンクールへの参加が何よりも重要視されているように感じます。

[307 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 18:47:31.25 ID:sSG33ADI0]

コンクールは、より刺激的で「危険な」選択肢と捉えられているため、特定のタイプの生徒に魅力的に映るのかもしれません。年上の生徒は、コンクールならではの「エッジの利いた」雰囲気を好むようです。

私の一人は、2022年のBBCヤング・ミュージシャン・コンテストの2次予選に進出しました。彼女はカーディフにあるロイヤル・ウェールズ音楽演劇大学で、他の25人の出場者と共に演奏し、
大学の大コンサートホールで3人の審査員の前で12分間のプログラムを演奏しました。「どんな気持ちでしたか？」と尋ねると、
彼女は「怖かったです」と答えました。「でも、すべての瞬間が楽しかったです。刺激的で、本当に『緊張感』があり、爽快でした」
しかし、私はコインの「裏側」にもいます。
審査員であることは特権であり、同時に責任でもあります。審査員団と仕事をすることが多く、それは概してより慎重な判断に基づいた結果につながると期待されます。受賞者全員の意見に同意する時もあれば、
そうでない時もあります（これは稀ですが）。
審査員団の規模が大きい場合、どのように決定を下すのでしょうか？私が関わってきたコンクールでは、各審査員がそれぞれのパフォーマンスに点数をつけ、その点数を合計して最高点を獲得した参加者が優勝者となります。
しかし、すべてのコンクールがこのように行われるわけではありません。私はここ数年、G. Henle Verlag Children's Competitionの審査員を務めてきました。他のオンラインコンクールと同様に、参加者はYouTubeにパフォーマンスを私たちはそれを視聴し、通常3点満点で各パフォーマンスに点数を付与しま以上の点数を取った参加者は決勝に進みます。決勝では、オンラインで集まり、選ばれた「ファイナリスト」の演奏を再び聴き、
優勝者候補について話し合います。多くの参加者、特に上位候補の演奏を何度も聴き、決定に納得し、合意していることを確認する必要があります。この最終「セッション」は3〜4時間かかることもあり、参加者が500人、
600人にも及ぶとなると、容易なプロセスではありません。


コンクールの中には、課題曲が決まっているところもあります。ヘンレ・コンクールは毎年1人の作曲家に焦点を当て、特定の作品集から年齢に応じた課題曲が選ばれます。
他のコンクールでは完全に自由な選択が認められており、私の生徒たちはそちらを好んでいます


ロバート・ウィリアム＆フローレンス・エイミー国際ピアノコンクールは、40年以上にわたりバーミンガムの重要な音楽センターを転々としてきましたが、
今ではより扱いやすいバーミンガム国際ピアノコンクールという名前も持ち、バーミンガム王立音楽院に落ち着きました。それなりの
回のリサイタルでファイナリストが4名に絞り込まれ、
再びリサイタルを行う必要がありました。バーミンガムのような都市で開催されるこのような重要なコンクールでは、本選は（リーズのコンクールのように）協奏曲のような華やかさを持つべきだと思います。交響楽団の学生にとっては、RBCの経験豊富なプロの指揮者の指揮のもと、プレッシャーの下で練習する絶好の機会です

[308 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 18:51:42.56 ID:72+PteqT]

必死に単発IDで貼ってて草

[309 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:05:52.81 ID:QkHFEeyv0]

1楽章のカデンツァはせいぜい職人的な演奏で、最終楽章の終わり方はあまりにもゆっくりとした演奏でした。彼女は懸命に演奏していましたが、音楽を前進させるには至りませんでした。個人的な話ですが、ほんの数ヶ月前にフォートワースで開催されたクライバーン・コンクールに出席したことを付け加えなければなりません。優勝した

香港出身でロンドンで教育を受け、現在ハーバード大学とニューイングランド音楽院に在籍する20歳のシャム氏は、若き天才だ。彼のスクリャービンの演奏は、情熱とピアニズムに加え、論理性と明晰さを体現している。
スクリャービンに必ずしも結び付けられるわけではないが、それでもなお、彼の演奏をまとめる上で不可欠な要素となっている。すべての音符が全体の流れの中で決定的な位置を占め、外向的な場面には強い必然性が感じられた。
シャム氏のベートーヴェンへの興味は確かに掻き立てられた（以前のラウンドでは作品106を提示していたが、今回は聴衆からの「投票」に助けられ、スクリャービンを選んだ）。
シャム氏にとっても、私たちにとっても、今後の演奏に期待できること


ガゼボダンスを、祝祭ムードたっぷりに披露しました。ワルツは、ニュアンス、弾力性、そして遊び心が絶妙に表現されていました。リハーサル中は
言葉の壁があったと思われていましたが（プーンさんは「ボディランゲージ」に頼っていたと答えています）、二人は明らかに息が合っていました。エネルギッシュなタランテラは息を呑むほどの一体感で、最後は華麗な花火が打ち上がりました。
観客は心からの称賛を送りました



イチェルが最後に弾いたブラームスは恩師ラルス・フォークトが結局最後になってしまったコンサートのアンコールで弾いたものだね
色々な想いを込めて選んだんでしょう

残念ながら、結果はノーだった。ケリーは5位、チョニは4位だったが、彼の温かく親しみやすい音楽スタイルは、
すぐにまた聴きたくなる魅力を放っている。最優秀賞は カザフスタン出身のアリム・ベイセンバエフ（写真上）が受賞しました。ラフマニノフの「パガニーニの主題による狂詩曲」を、
彼の電撃的で爽快な演奏は、私がこれまで生で見た中で最も興奮したものの一つでした。ベイセンバエフはこの曲の脆い現代性を強調し、鋭く切れ味鋭い演奏は、RLPOの管楽器と金管楽器と見事に調和していました。大胆で壮大な響きがホールに響き渡り、

第18変奏のベイセンバエフの演奏は、威厳と温かみのある叙情性を兼ね備えていました。彼はまさに本物です。聴衆賞と最優秀現代演奏賞も受賞したことは、審査員の決定の正当性を裏付けています。

[310 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:07:58.51 ID:nzVbVYBo0]

私のお気に入りの演奏は2日目の冒頭、銀メダリストの小林海人氏（下の写真で賞を受賞）がバルトークの送別演奏である第3協奏曲を演奏した時だった。小林氏はオーケストラとこの曲を演奏したことがなかったため、
外向的なパッセージでは彼の解釈にさらなる鋭さと鋭さが加わったのかもしれない。第2楽章の柔らかな和音は心を奪われ、続く鳥や昆虫の鳴き声は独特の鮮やかさがあった。バルトークのフィナー

暗譜しきってないコンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。
より指が本当によく自在に動いていたなと思います
だけどもクリアな音で攻めの大胆さがあったように感じました
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います

クラシックはまた違うかな。
いいところのお坊ちゃんみたいな気品のある風貌で今は知らないけど、若い頃はイケメン扱いされてたのに。
事実なのだろうか。
何かの間違いであってほしい
選定のため工場見学させて頂いたときに、シゲルカワイはヨーロッパで高く評価されているとカワイの方にお聞きしました。
教え方が悪すぎると、生徒だって苦しむ訳だしね。昔、音大を落ちたとボヤく大人のアマチュアの皆様、はい、当然落ちます。だが安心下さい。自分が上級者と勘違いする輩の9割は音大は合格しません。音大は入学者に相応しい『訓練された』テンポ感や音程感、音楽性が無い者は30回受けても100回落とします。それ以上であっても、それ以下では無いのです。
まず、ピアノが楽しめなくなる

日によって、あるいは時間によって、彼女は引っ張りだこの演奏家、作曲家、レコーディング・アーティスト、愛される教師、ポッドキャスター、そして作家です。クラシック音楽家としての経歴を持つ彼女は、大学生時代に80年代のニューヨークの音楽シーンを探求し、アイルランド音楽へ
の揺るぎない愛を発見しました。この二つの世界を繋げようとする中で、ノウルズは生涯を通じて繰り返し現れることになる概念、「間」に出会いました。彼女はこのテーマについて、「人生と音楽の境界にある場所の挑戦と活力を照らし出す」と語っています。

ノウルズは数々の功績を残しており、そのほんの一部を挙げるだけでも、「マイケル・コリンズ」のサウンドトラックでソリストを務め、「リバーダンス」、ブロードウェイの「海賊の女王」、「グリーン・バード」でフィドルを演奏、ニューヨーク・ポップスのソリストを務め、ケネディ・センターで開催されたアイルランド100フェスティバルではフィーチャリング・アーティストを務めました。

[311 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:13:31.50 ID:olOuSDoA]

ヨーロッパ、アジア、南米をツアーした数々の舞台公演やレコーディング・プロジェクトの音楽監督兼プロデューサーも務めました。彼女の作曲・編曲作品は、
ジョン・ウェラン、フルック、シカゴ・メトロポリス交響楽団、リズ・キャロル、ベオラック、バチュー、JP・コーミエ、マイケル・ブラック、ジョン・ドイル、アンサンブル・ガリレイなどによって録音されています。

ノウルズ氏はまた、NEC現代音楽芸術学科の学生アンサンブルであるアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルを率いており、アイルランドの器楽の伝統を探求しています。ノウルズ氏とアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルは、同音楽院のパフォーマンスシリーズ「NECスタジオセッション」の最新作で主役を務め、3月15日（金）に配信開始されます。エピソードの公開に先立ち、ノウルズ氏は自身のキャリアの多様な軌跡、
音楽教育者としての哲学、数々のクリエイティブなプロジェクトのバランスの取り方、若い音楽家へのアドバイスなどについて語ってくれました。

演奏を撮った時に、自分が思っていたのと違って、やけに乱暴に聞こえたり、スピードが速く感じた場合、それは間違いなく、自分の音を聴いていません

これは当然の事で野生動物のように、回りに天敵がいないかを警戒しながら、えさを食べるという動作には慣れていないからかもしれません。

結果、他人の演奏には集中して聴く事が出来るのに、自分が演奏している時には、ピアノを弾く事に神経が行ってしまうので、もはや、自分の音を聴くという事に神経が行かないのです。

正直いうと、私も１０年前は聴いていなかったと判断出来ますし、自分の生徒も実に９割は自分の音を聴いていない、もしくは聴いていない時があるのです。

ではどうすれば良いか？

自分の音を聞く一番良い方法は、とにかくゆっくり弾く事です。
そして弾いている時に、自分の音だけに集中する事です。
不思議な事に、実は自分の音を聴けているときというのは，絶対的に自分の演奏は下手聞こえます（？）

第1楽章は、重厚で深みのある低音のオクターヴで始まりました。激しい感情が感じられる楽章ですが、フォルティッシモなども決して暴力的な強さになることなく、スケールの大きな表現が印象的でした。決然とした雰囲気のまま始まる第2楽章では、その中間部での対照的にあたたかい響きが、とても美しかったです。葬送行進曲の第3楽章は、重々しさと共に洗練さが込められた音楽作りが印象的でした。第4楽章は、一気に駆け巡るといった様子で、作品全体が締めくくられました。

　休憩後の後半は、シマノフスキの作品。まずは、《マズルカOp. 50より第1巻（No.1〜4）が演奏されました。同じ「マズルカ」と言っても、
前半に聴いたショパンのものとは、だいぶ雰囲気も異なり、二人の作曲家の民族性、そして和声感の違いなどがはっきりと感じられ、興味深いものでした。たとえば第4曲での躍動感は、彼の音楽性をよく伝えるものだったと思います。

ノウルズは数々の功績を残しており、そのほんの一部を挙げるだけでも、「マイケル・コリンズ」のサウンドトラックでソリストを務め、「リバーダンス」、
ブロードウェイの「海賊の女王」、「グリーン・バード」でフィドルを演奏、ニューヨーク・ポップスのソリストを務め、ケネディ・センターで開催されたアイルランド
100フェスティバルではフィーチャリング・アーティストを務めました。ヨーロッパ、アジア、南米をツアーした数々の舞台公演やレコーディング・プロジェクトの音楽監督兼プロデューサーも務めました。彼女の作曲・編曲作品は、ジョン・ウェラン、フルック、シカゴ・メトロポリス交響楽団、
リズ・キャロル、ベオラック、バチュー、JP・コーミエ、マイケル・ブラック、ジョン・ドイル、アンサンブル・ガリレイなどによって録音されています。

[312 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:18:46.24 ID:HvlXWK+m]

ノウルズ氏はまた、NEC現代音楽芸術学科の学生アンサンブルであるアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルを率いており、
アイルランドの器楽の伝統を探求しています。ノウルズ氏とアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルは、同音楽院のパフォーマンスシリーズ「NECスタジオセッション」の最新作で主役を務め、
3月15日（金）に配信開始されます。エピソードの公開に先立ち、ノウルズ氏は自身のキャリアの多様な軌跡、音楽教育者としての哲学、数々のクリエイティブなプロジェクトのバランスの取り方、若い音楽家へのアドバイスなどについて語ってくれました。
ノウルズ氏はまた、NEC現代音楽芸術学科の学生アンサンブルであるアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルを率いており、
アイルランドの器楽の伝統を探求しています。ノウルズ氏とアイリッシュ・ミュージック・アンサンブルは、同音楽院のパフォーマンスシリーズ「NECスタジオセッション」の最新作で主役を務め、
3月15日（金）に配信開始されます。エピソードの公開に先立ち、ノウルズ氏は自身のキャリアの多様な軌跡、音楽教育者としての哲学、数々のクリエイティブなプロジェクトのバランスの取り方、若い音楽家へのアドバイスなどについて語ってくれました。

音楽の大学することを決めました。
ロングアイランドにあるニューヨーク州立大学ストーニーブルック校に進学したのですが、
そこですべてが爆発的に広がりました。ロングアイランドでニューヨーク市にとても近かったので、たくさんのライブをこなし、
様々なジャンルの音楽に触れることができたのが利点でした。古楽から現代音楽まで、あらゆる音楽を演奏していました。
バイオリンを通して、あらゆることが爆発的に広がりました。

私が偶然出会ったものの一つがアイルランド音楽でした。フィドルがあんな音を出すのを聞いたことがありませんでした。
ケンタッキー州、正確にはブルーグラスの地で育ち、カントリーやブルーグラスは大好きでしたが、演奏に惹かれたことはありませんでした。

アイリッシュ・フィドル奏者たちの演奏を聴き、たちまち心を奪われました。まるでDNAが光り輝くかのように、まさに「一目惚れ」でした。メロディー、形式、テクスチャ、そして音色において、ついに自分にとって納得のいく音楽言語を見つけたと確信したのです。
皮肉なことに、祖母が私が幼い頃に記譜した手書きの楽譜を見つけてくれた

そして作家です。クラシック音楽家としての経歴を持つ彼女は、大学生時代に80年代のニューヨークの音楽シーンを探求し、アイルランド音楽への揺るぎない愛を発見しました。
この二つの世界を繋げようとする中で、ノウルズは生涯を通じて繰り返し現れることになる概念、「間」に出会いました。彼女はこのテーマについて、「人生と音楽の境界にある場所の挑戦と活力を照らし出す」と語っています。

[313 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:21:47.97 ID:6R6Ku12A]

ノウルズは数々の功績を残しており、そのほんの一部を挙げるだけでも、「マイケル・コリンズ」のサウンドトラックでソリストを務め、「リバーダンス」、
ブロードウェイの「海賊の女王」、「グリーン・バード」でフィドルを演奏、ニューヨーク・ポップスのソリストを務め、ケネディ・センターで開催されたアイルランド100フェスティバルではフィーチャリング・アーティストを務めました。ヨーロッパ、アジア、南米をツアーした数々の舞台公演やレコーディング・プロジェクトの音楽監督兼プロデューサーも務めました。彼女の作曲・編曲作品は、ジョン・ウェラン、
フルック、シカゴ・メトロポリス交響楽団、リズ・キャロル、ベオラック、バチュー、JP・コーミエ、マイケル・ブラック、ジョン・ドイル、アンサンブル・ガリレイなどによって録音されています。

グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄


ういうトップクラスの国際コンクールに入選する子は元から飛び抜けた才能持ってるんだから、そういう才能を拾って演奏の機会を与えるような環境になってほしい。
日本国内の発表会は大抵門下生同士で身内のより合いみたいになってる。
ポーランドは親日家が多い印象
もちろん日本も含めどこの国民族にも差別主義者はいるし、異国で学ぶ努力は凄いと思います
お二人共完成度高いけど、私はユンディの音色がセンスあって好きだったなー‥
あのちょっとした素人感というか危うい感じがかえっていいのよ
日本の相撲界みたいなものなのかな？
海外出身の力士でも真剣に相撲に取り組んでいただければ素晴らしいなと相撲に関してはそう思うけど。
より指が本当によく自在に動いていたなと思います、だけどもクリアな音で攻めの大胆さがあったように感じましたこの微妙なところで１位と差がついたのかなと思います
グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う

精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄、音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う、それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う
一昔前だと出来が良くても県外進学できず、地元の大学出て教員の道へ行く方って多かった。なので教育熱心でないのに学校の先生のお子さんで東大出って結構多いです。
母親がずっと好きで地元に来た時いつも演奏見に行ってる
数年前からなんか爆増してチケットが取りづらくなったみたいだね
前、林修先生の番組？に出てて　失礼ながら初めは一般とは懸け離れた感覚の人なのかな？と思ったけど気さくな人っぽくて好感持てた

[314 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:23:01.42 ID:a+vJFrws]

誰もがみんなみんなみんなキチガイだと思っている
たぶんに書き込んでいる人間一人だけキチガイでないと思っていそう？
もしキチガイでないと本当に思っているのならその目的はいったいなんだろうか？
何も目的なくやっていそうなら今度は5ちゃんねるのこんなスレ荒らしではなく何か今後絶対に大きな大きな事件を引き起こすと予想しておこう…

[315 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:25:09.18 ID:CC8ZVpdZ]

シューベルトの作品における彼の演奏は、他の出場者たちをはるかに凌駕していました。
昨夜の決勝第2回コンサートは、会場がダウンタウンのマウント・ロイヤル大学から、カルガリー・フィルハーモニックの本拠地であるジャック・シンガー・コンサートホールに移されました。
このコンサートでは、出場者全員がジェフリー・カハネ指揮のカルガリー・フィルハーモニックと共に、主要な協奏曲を演奏することが求められました。
今回も、最も強い印象を残したのはオブチャレンコでした。

オブチャレンコはチャイコフスキーの有名なピアノ協奏曲第1番変ロ短調で幕を開けた。この協奏曲は、何年も前にモスクワでヴァン・クライバーンを世界的な名声へと押し上げた作品である。オブチャレンコはクライバーンほどの熱狂ぶりはなかったものの、彼ならではの見事な演奏を披露した。第1楽章はゆっくりと演奏したが、そのおかげで華やかさよりも音楽の深みを強調することができた。他の部分では、卓越したテクニックと堂々とした存在感を鍵盤上で示した

オブチャレンコがチャイコフスキーを選び、サーシャ・カスマン・ラウデがラフマニノフのピアノ協奏曲第3番を演奏する予定だったため、観客を喜ばせるという点では残念な選択だった。コンクールでベートーヴェンの協奏曲とロマン派の代表的な協奏曲を比較するのは無意味だ。それでも、レイチェル・ブリーンは美しく演奏し、2日前の演奏よりもはるかに良い印象を与えた。


優れたピアニストで、ラフマニノフのピアノ協奏曲を見事な演奏で披露しました。しかし、それ以上のものではありませんでした。第1楽章のカデンツァはせいぜい職人的な演奏で、
最終楽章の終わり方はあまりにもゆっくりとした演奏でした。彼女は懸命に演奏していましたが、音楽を前進させるには至りませんでした。個人的な話ですが、ほんの数ヶ月前にフォートワースで開催されたコンクールに出席したことを付け加えなければなりません。

加盟国における直近40の主要なピアノコンクールでは、82%が男性で優勝し、そのうち3分の1以上で決勝に男性のみが出場しました。一方、ヴァイオリンの世界では対照的な結果となり、
優勝者の75%が女性です。この事実を例に挙げて、クラシック音楽に内在する性差別という概念を払拭したくなります。しかし、それでも疑問が残ります。
なぜピアノは異なる音色を奏でるのでしょうか？そして、より重要なのは、より公平な未来を築くために私たちは何ができる

加盟国における直近40の主要なピアノコンクールでは、82%が男性で優勝し、そのうち3分の1以上で決勝に男性のみが出場しました。一方、ヴァイオリンの世界では対照的な結果となり、優勝者の75%が女性です。

[316 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:45:47.48 ID:4GTWdob8]

最初は小さな機会の差に思えるかもしれませんが、それがキャリア全体に大きな影響を与える可能性があります。
こうした初期の機会を公平に分配できていないとしたら、キャリアを積むピアニストのうち女性が23%未満しかいないこと、そしてコンサート、フェスティバル、レコードレーベルにおける女性の参加率が低いことの理由を説明できるかもしれません。

しかし例外があるという事実は、規則の証明にはなりません。
多くのAI画像アプリは今や、「コンサートバイオリニスト」は女性で、「コンサートピアニスト」は男性であると学習しています。
だからこそ、リーズピアノコンクールでは、データ主導のアプローチを採用したのです。
私たち自身で調査を収集するだけでなく、自身のキャリアへの影響を恐れて自らは公表しないことを選択した音楽家たちが収集した膨大なデータにもアクセスできました。その理由は理解できます。

幅広いアプローチを採用しています。ブラインド・プレセレクション、全ラウンドにおける経歴情報の最小化、
審査員への無意識の偏見に関する研修、そしてピアニスト志望者への的を絞ったキャリア支援といった取り組みを通じて、より公平な舞台の実現に尽力しています。
また、コンクールに適用される法律はないものの、弁護士と協議の上、投票プロセスの見直しも行いました。これまでのところ、審査員からのフィードバックは励みになっています。全員が、
ピアニストに対する特権と権力を理解しています。推薦状、奨学金、他のコンクールでの受賞歴などを知ると、偏見が生じるリスクが高まるため、ブラインド・リスニングは大きなメリットとなっています。さらに、レパートリー、賞、コンサートの機会における女性の参加を促進しています。
例えば、クララ・シューマンの協奏曲を本選の選択肢として提供する初のコンクールとして、また、女性作曲家による最優秀演奏にコンサートの機会を提供する新しい賞を創設しました。この賞は、公平性の擁護者であるピアニスト

その代わりに、ソーシャルメディアネットワークが公共の言説を偽情報で溢れかえらせています。
同時に、ジャーナリストはますます強まる政治的圧力にさらされています。排除や検閲、嫌がらせや暴力に至るまで、権力に責任を負わせようとする人々は沈黙させられています。権威主義的で反民主主義的な指導者たちは、報道の自由を弱め、情報空間を支配しようと躍起になっています。
これは遠い脅威ではありません。今まさに起こっています。そして、真実、説明責任、そして民主主義の核心を揺るがすものです。
今こそ、自由で独立した報道機関の必要性がかつてないほど高まっています。今後数週間、私たちは世界中の読者の皆様に、何が危機に瀕しているのかを改めて認識していただきます。ガーディアン紙の未来を守るには、日本の皆様のような読者の皆様のご支援が不可欠です

[317 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:48:25.90 ID:t9m6tvH1]

私にとって初めてのアイステッドフォッドであり、それほど大きくはありませんが、おそらく今でも市内で最も深刻なものと考えられています。私は 16 歳ですが、年齢の計算方法により 17 歳とカウントされるため、エントリーできたセクションは 17 歳以上のリサイタル賞 (2 曲以上、最大 15 分）だけでした。これは良い挑戦だろうと考えましたが、期待もゼロくらいでした。

そのため、当日は午前8時に現れなければなりませんでした（失敗した睡眠スケジュールはこれに満足していませんでした）。セクションが8時30分に始まるためです。サインインして待合室に入り、参加者たちが私よりずっと年上であることがわかります。周りに尋ねると、彼らはほとんどが私より5-6歳年上で、音楽院の学生か修士号を取得していることがわかりました

言うまでもなく、この時点で私の期待は地に落ちていましたが、その後、私はかなり愚かな決断を下しました。時間があったので、何人かの選手の演奏を聴くためにホールに入りました（主に、彼らが実際にそうなった場合に備えての肯定のため）。それほど良くありません）。実際、私はその肯定を得ることができませんでした。なぜなら、最初の人がリストの非常に優れたリゴレットの言い換えを引き裂き、その後、ショパン・シェルツィやその他の大きなリストの作品がいくつかあったからです。レベルは予想以上に高く、とても緊張してしまいました。

最悪なのは、おそらく演奏する直前に、前回の演奏の間、コンサートホールの脇で待たなければならなかったということだろう。そして、私はその男がMEPHISTO WALTZ #1を演奏するのを聞きました、そして、この人の話を聞くために私が実際にお金を払うなんてひどいことです。あまり音楽的すぎませんでしたが、フレージングは素晴らしく、技術的な安定性は非常識でした。

それで、それを乗り越えた後、私はある意味諦めて、上がって遊んだのです。今にして思えば、それはおそらく彼の話を聞いて良かったでしょう。なぜなら、私は奇妙にリラックスして、本当に上手に演奏することができたからです。


最終的にセクションで優勝したのは、審査員が何らかの理由で私のプレーをとても気に入ってくれたからです。メフィストの選手が2位となり、アイステッドフォッドでは文字通り1区間おきに優勝した。彼は実際にシドニー国際コンクールに出場していたことが判明しましたが、これはまさに正当なものです。

それは楽しい経験でしたが、私は自分が詐欺師症候群に苦しんでいるのか、それとも裁判官が実際には本当に偏っていたのか疑問に思っています。

彼の携帯電話に録音した私の友人からのドライブ上のいくつかの録音があります（誰かが興味を持っている場合）:

これは、困難がすべてではないことを知ったときのことを思い出させます。私はプロコフィエフ3 とのピアノコンクールに行き、私は私のテクニックでみんなを吹き飛ばすだろうと考えました、勝者はメンデルゾーンn1 を演奏するこの女の子でした、平凡なものは何もありませんが、彼女の実行は壮観でした

[318 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:53:35.11 ID:+Y430G9/]

ピアノで信じられないほどのコントロールを示し、フォルティッシモは決して多すぎず、すべてのラインがメロディックに歌われ、非常に感動的なパフォーマンスでした
ピアノは、特にそのオープニングで私にも大いに役立ったと思います。本当に緊張しましたが、スタインウェイ D はとても反応が良く、実際に私の言うことを聞いてくれました
最も難しい曲を演奏したり、最高のテクニックを身につけたりすることがすべてではなく、音楽性と自身の ‘voice’ が聴衆に伝わり、語りかけることが重要です。プレーは明らかに他の参加者のプレーよりも審査員の心を動かし、それがあなたが勝った理由です。その日、その審査員によって最高の評価を受けました

ウクライナ人で、1回戦でハイドンのソナタとスクリャービンの«Fantasy»の音楽を制作した経緯から注目を集めており、決勝戦ではプロコフィエフのピアノ協奏曲第3番(2番目:マリーナ・カン）のロシア語表現にも魅了され、現在オーストリアのグラーツに留学している。現在オーストリアのグラーツに留学中のマリア・イウデンコさん。


2位はアレクサンドラ・シーガルで、彼もグラーツで学び、プロコフィエフのピアノ協奏曲第3番(2位:マリーナ・カン）を選んだ。
彼女はテンポの上昇、フレージング、ディテールにおいて音楽的であり、最初のラウンドではリストの 3 つのコンサート演習

夕食は大会関係者と一緒に出され、とても温かい雰囲気で、大会というよりは祭りのような雰囲気でした。この年のコンクールでは、ロシア人のヴィタリー・ピサレンコと、
コンクール後に第2議長を務めたウクライナ人のオレナ・ミソによるウクライナ支援コンサートが開催された。
コンクールの優勝者にはオーケストラと共演する機会が与えられ、優勝者には決勝戦でソロリサイタルとセカンドピアノを演奏する機会も与えられ、主催者は優勝者を応援することに非常に熱心でした。坂本彩や鈴木龍太郎といった日本人優勝者は過去に入賞しているものの、今年の大会に日本人出場者がいなかったことは非常に残念でした。

2022年の参加規則には最低年齢制限(18歳）のみがあり、最高年齢制限はなかった
コンテストは避けるべき非常に悪いことだと非常に厳格に考えている人はたくさんいます。私個人としては、競争やエゴに真剣になりすぎることにとらわれるのではなく、プレッシャーの下で深く音楽的になることが課題である限り、それらはミュージシャンにとって有益な課題になる可能性があると考えています。

ある素晴らしいミュージシャンが別のミュージシャンよりも優れているとは言えません。個人的な主観的な好みは大きく異なるでしょう。コンテストのどの段階でも、近くに座っている人たちとチャットするのが楽しかったです。ほぼすべてのパフォーマンスが、どのようにしてこれほど幅広い感情や意見を生み出すことができるのかを見るのは、いつも興味深いことです！

音符やリズムが読めないから、先生の模範演奏を当てにして練習する子がいる。そんな子は、特に進まなかったりするよ。
かんじんなのは教え方じゃないのかね、だっていくら自分で弾けても、その技術を教えるのが講師の役目だからこの際音大出てなくても相応の勉強をして
いるなら問題ないと思いますけど。ちゃんとというと漠然としてますが、グレード４きゅ
うレベルなら音大卒レベルらしいし、音大出ても勉強してないとグレードとれない人もいるらしいし、けっこうむずかしいらしいですから。確かに…演奏が上手くても教え方がアレだったり

[319 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 19:57:57.35 ID:v3jCJIrs]

大というのは、音楽を一生の趣味にするための基礎を学ぶ学校なのですよ。
そのキッカケってとっても大切な事だと思います。その子の一生のピアノ人生にかかわるし、誰かに影響されてか、将来音大行きたいと言う子もいるでしょう。そのくらい責任ある仕事だと思うよ。たとえば、楽典あたりをレッスンに入れないで適に教えて、

スペインものとかも一部例外を除きスルーしており（本人曰く『好きだけどほとんど演奏しなかった作曲家』としてラヴェルなどを挙げてるみたいですけど）、基本的にはショパンを除いて独欧系の作曲家の曲がレパートリーの中心のようで、
その独欧系にしても(⁇)、たとえばシューマンの1番と3番ソナタは録音しても最もポピュラーであろう2番は録音していなかったり、リストの作品もロ短調ソナタと後期作品のみで練習曲系や編曲・パラフレーズ系はガン無視状態(←ロ短調ソナタと後期作品のカップリングを流行らせたのはポリーニだとか言う話もあるようですし)、ブラームスに関しては協奏曲と室内楽のみで独奏曲はスルーのようですし、バッハも”平均律”の第一巻のみと、けっこう選り好みと言うか偏っているような気がするモノの、何と言うか、「レコ芸でお馴染みのヒョーロンカ先生が喜びそうなレパートリー」っぽい感じもして”王道路線”と言えばそんな感じもする気がします

世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から最晩年の時期とも重なる訳ですし、”鉄のカーテン”の向こうのピアニストとかグールドなどの全盛期付近(？)ともカブるわけで、おそらく大きな歴史の転換点に登場した新世代のピアニストだったんだろうなぁ ←と思うわけでアリマス。
世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から最晩年の時期とも重なる訳です


芸術家、シャリアピンの街、カザンに到着したとき、私はこう思いました。「なんて不公平なんだろう。シャリアピンの音楽祭はあるのに、音楽祭はないなんて。」そして彼はホワイトライラックフェスティバルを創設しました。
そして運命のいたずらか、デニス・マツーエフが孫のアレクサンダー

[320 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:00:37.80 ID:PX2o365h]

音楽は私をある種の熱狂に駆り立てたのです。
私は今でもそのときの気持ちを覚えています。
このプレリュードにはすでにすべて、つまりチャイム、表現、他の作曲家のものと混同できないハーモニーが含まれています。
それから何年も経ったプロコフィエフ国際指揮者コンクールの第1回大会で、
私は第2番を指揮しました。

そしてその少し前に、エフゲニー・フョードロヴィチ・スヴェトラーノフが誕生日を迎え、
テレビではボリショイ劇場で彼がこの交響曲を演奏する様子が放送されました。彼の解釈にはただただ驚かされた。
1か月後、彼はサンクトペテルブルク・フィルハーモニー管弦楽団を訪れ、私は彼の演奏を生で聴きました。それは、一生忘れられない私の33歳の誕生日でした。私はバルコニーに立ってスヴェトラーノフの指揮を聴き、
彼がいかに力強く作品の劇作術を構築し、音楽がいかに鋭く響くかに驚嘆した。こうした印象が私の中で大きくなり、
その後、コンクールでラフマニノフが私に目立つ機会を与え、最終的に勝利を収めることができました。

初めての海外ツアーでは、ベオグラード交響楽団と共演し、ラフマニノフのプログラムを演奏しました。
ニコライ・ルガンスキーが第3交響曲のソリストを務め、
その後、再び第2交響曲を演奏しました。
そしてラフマニノフが私と一緒にいたとき、私のキャリアの中で多くの重要な出来事が起こりました


そのため、特にこの大会が競技者にとって良い経験を生み出す方法について、非常に温かいコメントをすでに聞き始めており、ザ・リーズは大会をユニークなものにしている多くのことに
誇りを持っています。

しかし、私は少し偏っているかもしれません。私は協奏曲の決勝戦を除くすべてのラウンドが開催されるリーズ大学に通っていました。そして、何ヶ月も前、クラシックピアノの世界にまだ
慣れ親しんでいたときに、成層圏の才能に完全に魅了されたことを覚えています

しかし、私には素晴らしいピアノ教師、ベンジャミン・フリスもいました。彼は2年ぶりにこのコンクールに参加し、ファニー・ウォーターマンの生徒でした。彼はもちろんザ・リーズを設立し
、95歳まで会長兼芸術監督を務めました。、2019年にポール・ルイスとアダム・ゲートハウスに手綱を譲っただけです。ところで、2019年にハート・オブ・ザ・ピアノからアダム・ゲートハウスのインタビューを聞くことができます。リンクは注記にあります。だからとにかく、この大会には強いつながりがあるような気がします。

2019年に98歳になった今でも、大会のあらゆるイベントでデイム・ファニーが非常に精力的に存在感を示し、常に最前列に座っていたことを覚えています。今年彼女に会えなかったのは

[321 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:08:20.51 ID:TgurceIm]

ルイスとアダム・ゲートハウスが芸術監督に就任したとき、国際的なピアノコンクールがどのようなものになり得るか、またそうあるべきかという未来に目を向ける新鮮な気持ちが芽生えました。たとえば、縁故主義やえこひいきを告発できないように投票システムが変更されました。陪審員は、無記名投票システムに依存して、競合他社と互いに話し合うことを絶対に禁じられています。

今年の素晴らしい審査員の選出には、BBC の明日のクラシック音楽スターを発掘し育成してきた実績のある芸術監督アダム ゲートハウス、審査委員長としてのデイム イモージェン クーパー、そして私のお気に入りのピアニストの一人であるスティーブン オズボーンが含まれていました。受賞者が賞品の一部として受け取るメンターシップとキャリアガイダンスに重点が置かれています。

リーズは、最も充実した音楽家を探すために膨大な量のレパートリーを必要とするという点で、常に最も要求の厳しいコンクールの 1 つです。近年、競合他社は第 2 段階に 2 つのまったく異なるプログラムを提供する必要がありますが、これは 1 の場合にのみ陪審員によって決定されますセント ラーウハウツゥン

今年は、ほとんど宣伝しようとせず、組織化に中途半端な努力を払った評議会のメンバーによって運営されていたようで、非常に残念です。今年誰が勝ったのか（それはカール・マレンでした）まで調べてみると、その情報を見つけることさえ非常に困難です。次回はもっと愛情と配慮を持って運営されることを願っています。

陪審員の一人で、非常に尊敬されているジャズミュージシャンのクレア ティールが、このイベントの重要性についてここで語っています:

最初のラウンド彼は私があまり乗り気ではなかった協奏曲の決勝でバルトークを演奏しましたが、最初のラウンドでは、私が書いた彼のハイドンを楽しみました ‘絶妙でした, そして、キャラクター&愛をにじみ出ました。とてもよく構成されています。Superb phrasing’

第 2 ラウンドでは、モーツァルトの ‘光と繊細な LH’ が気に入りました。‘ 構造的には所々ミニマリズムに似ていますが、構造は必要な場所に存在します！Lovely trills’。彼はドビュッシーの Feux d'artifice- ‘に非常に多くの微妙なニュアンスを絶対に釘付けにしましたが、キャラクターとドラマ’ に満ちていました
シェーンベルクはとても表現力豊かで素晴らしいプログラミングで、キャラクターがにじみ出ていました。この作品では売れているので、通常は少し寒くなります


シューベルトは ‘でとても美しく洗練されていましたが、より暗い、より重い感情とドラマ ’ を示す作品はそれほど得意ではないと考え始めました。たとえば、私は第 1 ラウンドの彼のスカルボにはあまり乗り気ではなく、第 2 ラウンドのドビュッシーのほとんどはすべての音符が明瞭すぎることに悩まされており、洗練されたハイドン、モーツァルト、シューベルトの世界以外では気楽さの欠如を裏切っていると感じました。バルトーク 3 番とベートーヴェン 1 番という彼の 2 つの協奏曲は、クラシック時代を超えたスタイルでの深い感情表現を避けることを示唆

[322 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:19:07.16 ID:/y2jGEgD]

10 エチュードをすべて演奏するという選択をしたことは、審査員が技術的なチョップだけでなく、深い音楽性と大規模な構造を本当に求めているコンテストの時点で間違いだと感じました。2018年、誰かがラウンド2で同じショパン練習曲を演奏して準決勝に進出したことを覚えていますが、これは個人的には、コンテストのこの段階で派手ではなく、深い音楽性を伝える精神に反していると感じています。


質が高い演奏をしていたので室内楽を含めもっとブラームスを演奏してほしかったと思います。

ヴァイオリン・ソナタやチェロ・ソナタの伴奏もすごく合っていそうなのに、弦楽器ソリストの伴奏をやっていないのが残念です。
現代音楽もしばしば演奏していましたが、思想的なところで作曲家に共感しただけではないかという気がしました。

共感していることは伝わってくるんですけど、その共感はズレてるんじゃないかな？という演奏が多々あるような気がします。

音を整然と並べる「ミスターパーフェクト」、こういうタイプは、ミケランジェリがやや近いかもしれま
せんが、それまでいなかった。

気が付くと、レパートリーは、ベートーヴェンを中心にかたよっていったのだな、と思う。録音が多いショパンでも遊び心の効いた「ワルツ集」は全曲録音を残さなかったし。残された数曲も正直面白くはない。

仰る通り、そういう音楽観、レパートリーはエリート意識の高い当時のクラシックファンに受けるものだったとは言えるでしょう。

気が付くとヴィルトゥオーゾタイプではなくなっていったのかな。むしろそういうのは不潔だと思う人に支持されるようになったような。独墺系＋ショパンがレパートリーになっていったし。あとはドビュッシーか。それが悪いわけではないのだけれども。


ブレハッチもブーニンもリウもアルゲリッチも、みんなストレートな演奏で、不思議です。

長年そこに住んでいたセルゲイ・ヴァシリエヴィチ氏に、たった一度の握手を通じて親しくなれた。
アレクサンダー・ボリソヴィチは、私物、家具、文書、そして伝説的なピアノを救いました。



非常に才能のあるピアニストに高得点を与えても、この理由でファイナルに行くことを却下されたので、かつて審査員が最後まで審査せずに、辞退して帰った事例があります。ロシア人の優秀なピアニストが長らくブーニンまで優勝できなかったのは、そういう事情があると思います。

ピアニストもそれを知っていて、ショパンコンクール用の演奏をして、入賞後は、本人の好きなスタイルに戻した例を知っています。

ショパンコンクールの当初の目的が、第一次世界大戦後の間もない時期に独立を果たしたポーランドで国際的に知名度が低かったポーランドの知名度を引き上げるという目的があり、パデレフスキー版、エキエル版の楽譜もコンクールも国家事業の一つであるので、ポロネーズ、マズルカを知っているピアニストを選ぶのは必須になっているからだと思います。

[323 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:25:45.17 ID:E4C/+jHW]

義務的に選曲するという考えを捨て、出場者に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているかを表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

単純には押すことにより鍵盤の速さが遅くなる、と言う意味と考えて良いと思います。

ただ、押しても、ゆっくり指を立てて降ろしても、鍵盤を押すスピードが同じであれば、同じ音になります。

ここが「そんなことはない、押せば違う音色になる」と考えるから話がおかしくなるのです。

このあたり、よく科学的に考えてください。

もしも「押すタッチでしか音色は変化できない」という講師があったら、100％疑って間違い無いです。

たとえそれがどこぞの一部のロシアor重量（重力）奏法指導者によるとしてでも、です。

どちらが正しいかは、現在は科学が進歩した21世紀なので、ご自身でよく考えればわかることです。

ただ、実際は鍵盤を押す、と言う動作はゆっくりならば小さい音が出ますが、やや強く押すと、ものすごく鋭い音になります。



結局は、奏法如何で音色が決定されるわけではなく、単純に押すだけでも様々な音色の音が出てしまいます。
鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました

タッチを変えるとピアノの音色は変わるでしょうか？読者の皆さんはピアノを弾かれる方ですから、もちろん音色は変わるとお考えだと思います。一方で、音響学者の中には、「ピアノの構造を考えると、ピアノの音色を変えることはできない」とおっしゃる方もいらっしゃいます。
打鍵ノイズがあるピアノの音から、ノイズだけを取り除く特殊な処理を施した音を用意します。そして、元々ノイズの入っていない音との音色の違いを、様々な人に聴いてもらいます。すると、今度は２つの音色の違いを聞き分けることができませんでした。


ピアノというのは、鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました。音色とピアノの音色が本当に変わるとすると、何がピアノの音色を決めるのでしょうか？これについては、いくつか研究があるのですが、その中で近年注目を集めている「打鍵時に生じるノイズ（雑音）」との関連についてご紹介します。

鍵盤を叩くと、机を叩くときと同様、「バン」といった雑音（ノイズ）が鳴ります。これはピアノを弾いているときには、通常それだけで聴こえにくいものです。「バン」と叩くノイズのわずか0.1秒かそれ以下の時間の後に、実際のピアノの音が鳴るので、耳は2つの音を分離して聴かずに、「混ざった一つの音」として認識



ボビロワが準決勝に進出するのを見られなかったのは残念だったが、彼女のショパン2がなぜだったのかは理解できるnd ソナタは意見を二分したかもしれません。私は、彼女が音色と音色の信じられないほど微妙で表現力豊かな変化を利用して、より一般的なリズムとハーモニーを少し強調せずに作品に構造と一貫性を与えていることに興味をそそられました。私

アリエル ラニーの決勝進出はおそらく非常に強力な2によって確実なものだったnd ラウンド - 特に彼の 2 の演奏nd book of Debussy's Images-こふにぃんすーのこふにぃんすーの2 けーらーのこふにぃのこーのmetreのなくーくーのkaが

[324 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:30:48.80 ID:l75cbBZn]

ベイセンバエフは最初のラウンドから私のお気に入りのピアニストの一人で、私のメモには「‘はとても音楽的だ」と書かれていました。にじみ出るキャラクター、ドラマ、物語、感情’
しかし、コンクール全体で優勝したのは、第 2 ラウンドのベートーヴェン ソナタ Op。111 だったのでしょうか？これは、最も貴重な音楽体験の 1 つとして記憶に残るほど、非常に超越的かつ例外的な、稀有な記憶に残るパフォーマンスの 1 つでした。
私の隣に座っていた紳士は、後で私に話しかける前に涙を拭かなければなりませんでした。
数年前、審査員だったスティーヴン オズボーンがコンサートでこの曲を演奏するのを見ましたが、とても楽しかったです。スティーヴン オズボーンは私のお気に入りのピアニストの一人です！しかし、アリムのパフォーマンスは本当に本当に深い精神的な経験でした。

アリムにこのベートーヴェンを弾いた経験について尋ねました
ラウンドを進めるにつれて神経質になっていきましたが、何人かのピアニストはコンテストを進めるにつれて自信を深め、より音楽的で表現力豊かになったようです。エリザベタ クリウチェレワもその一人でした。私はこうメモしました。私は彼女を見ていました 2nd ラウンドと準決勝のパフォーマンス（ただし、ここではポジティブな要素に焦点を当て、私が持っていたいくつかの屁理屈は省略しています！):
‘Schumann Carnaval は、このような軽いフレームに非常に強力です。表現表現が誇張されているのが素敵です。対照的なキャラクターを本当に体現しています。十分なスペースを与え、雰囲気のあるサスペンスの瞬間をうまく演出します。自信満々。技術的な困難を楽に見せます。彼女はカリスマ性とスターのような資質を持っています

ここでエリザヴェータは、このリゲティを演奏した
私が非常に驚いたのは、プレッシャーや神経に対処するための体系化された心理的戦略を誰も持っていないようだったということです。これは私がどのように教えるかに強い要素であり、ミュージシャンの最高のパフォーマンスの心理を最大化するための最先端のテクニックについての本を書いている最中であるため、私の心に近いトピックです。スポーツの世界では、この分野で行われた膨大な量の研究を最大限に活用することは完全に正常であり、文化の一部であり、ミュージシャンが恩恵を受けることができるスポーツ心理学の世界からの膨大な戦略があります-特に競争の文脈で

聴衆とどのように関わり、ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の芸術を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は語る。
後期ラウンドに進むピアニストは、アーティスト育成プログラムの恩恵を受けることになる。
これは、クラシックピアノの未来は個々のアーティストの成長と表現の

単純には押すことにより鍵盤の速さが遅くなる、と言う意味と考えて良いと思います。

[325 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:36:25.89 ID:BGTiThJA]

結局は、奏法如何で音色が決定されるわけではなく、単純に押すだけでも様々な音色の音が出てしまいます。
鍵盤がある一定の位置より下がると、ハンマーはひとりでに弦に向かって動いていくため、ハンマーが弦と衝突する直前の動きを細かくコントロールすることはできません。したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました

タッチを変えるとピアノの音色は変わるでしょうか？読者の皆さんはピアノを弾かれる方ですから、もちろん音色は変わるとお考えだと思います。一方で、音響学者の中には、「ピアノの構造を考えると、ピアノの音色を変えることはできない」とおっしゃる方もいらっしゃいます。
打鍵ノイズがあるピアノの音から、ノイズだけを取り除く特殊な処理を施した音を用意します。そして、元々ノイズの入っていない音との音色の違いを、様々な人に聴いてもらいます。すると、今度は２つの音色の違いを聞き分けることができませんでした。


したがって、ハンマーがひとりでに動き始める瞬間の鍵盤の速度が、ハンマーの速度、ひいてはハンマーが弦に衝突するエネルギーを決めます。この鍵盤の速度を速くすると、ハンマーも速く動くため、音量は大きくなりますが、それ以外にはハンマーの動きを操る術はピアノの構造上存在しないので、「音量が同じであれば、音色も一緒のはずだ」とおっしゃる方がいるわけです。

しかし、近年の音響学、心理学、脳科学の研究の結果、ピアノの音色を変えられることや、ピアノの音色を感じ取る脳の仕組みについて少しずつ明らかになってきました。音色とピアノの音色が本当に変わるとすると、何がピアノの音色を決めるのでしょうか？これについては、いくつか研究があるのですが、その中で近年注目を集めている「打鍵時に生じるノイズ（雑音）」との関連についてご紹介します。

鍵盤を叩くと、机を叩くときと同様、「バン」といった雑音（ノイズ）が鳴ります。これはピアノを弾いているときには、通常それだけで聴こえにくいものです。「バン」と叩くノイズのわずか0.1秒かそれ以下の時間の後に、実際のピアノの音が鳴るので、耳は2つの音を分離して聴かずに、「混ざった一つの音」として認識

、ピアノの音を聴いたときの方が、ヴァイオリンの音を聴いたときよりも、音を感じ取る脳細胞は強く活動するようになります。
一方で、ヴァイオリンの訓練を積むと、その逆で、ピアノの音よりもヴァイオリンの音によく強く反応するようになります。訓練によって、良く聴く音の表情を微細に感じられるように、
脳が変化するのです。

[326 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:38:16.37 ID:5gnQCvfy]

キーを打鍵することによって、指の力が鍵盤に伝わります。この力が機構上ハンマーに伝わり慣性力を得たハンマーの頭部が弦を瞬間的に打ち、弦が発音し、
これによる音波が音として人の耳に聞こえるわけです。


　これだけを考えると、打鍵から聴き手の耳に音が到達するまでのプロセスは至って単純であり、“ピアノのタッチは音に影響ないのだ”と主張する人がいるかも知れません。しかし、現実にはピアノで苦労した人はおわかりのように、タッチ（タッチの仕方を含めて）は音に微妙に、ときには大きく、影響します。
　これは、聴く人の耳に音が到達するまでに、さまざまに音（音質、音量）を左右する因子があり、それらが変化することによって聞こえる音が変わるからで、
これらの支配因子の存在を排除するわけにはい
加えて、これら以外に重要な事柄は、ピアノの音の物理的な大きさは、打鍵の加速度によって決まるということです。



これはごく短い時間を考えれば、音の大きさは打鍵速度に支配されると言って良いでしょう。鍵盤の上下の可動距離は1cm位と短いので打鍵時間（この場合鍵盤に指が触れて鍵盤の底に至るまでの時間）はごく短いと考えられますので、ピアノの音量は事実上、近似的に指による打鍵速度で決まることになります。他方、音の長さは、強音ペダル（右）を使用しない場合は、
指が鍵盤を下に押して持続している時間（持続時間）によって決まります。
本来ならばばらばらになっている音を人間が識別できない位の短時間の間に、いかにして同時に発音された複数の音にまとめて出すかがポイントです。（無論ピアノの音にはタッチのほか、ペダルの使い方が重要な影響を与えることは、周知のことです
音・和音が微妙に違って聞える原因のひとつもこの辺りにあると思います。このさらなる原因はタッチの仕方です。重音・和音はタッチの仕方によって大きく音がかわります。
減衰音ですので、強音の和音を出したい場合は、できるだけ同時に指をそろえて弾く必要があります。
ばらばらになると原理上強い音は得難いものです。加えてこの結果音色も違ったものになります。
短い音も残響の影響で裾を曳きますので普通に楽譜どおり弾かずに若干短めに弾くべきでしょう。
つまりタッチの仕方を調整することによって聴き手に聞える音楽そのものを作っています
音楽を聴く上で人間はひとつのタッチによる音だけを聴いているのではなく、
心理的には音のつながりとして自然に比較しながら聴いていると考えられますので、その意味では、ひとつのタッチによって生じた音は一連の音のつながりによってコントロールされると云えます
上記からわかるように、ピアノのタッチだけでコントロールできるのは、単音の場合は打鍵速度と持続時間だけです。
しかし重音・和音になりますと、複数の指で“同時に”打鍵しますので、普通に考えると、復数の音が同時に出るように思われがちですが、実際は人間が打鍵する限りは、時間スケールを細かくして分析的に見ますとばらばらになります（これはピアノの音が減衰音であることも一因）。これをいかに短時間に“ひとつの音のように”まとめるかがピアノの技術のひとつです

トリルは質が足りないようです。もう少し礼儀正しくして欲しい。
原子炉。第2楽章の音はあまり明瞭ではありません。第3楽章では、ベース部のハーモニーを伴うコーダが特徴です。
両方の音を強く鳴らしたときの音は豊かです。全体的な影響は良好です。
しかし、あまり完成度が高くない気がします。音の出し方が雑（控えめに言っても、ぎくしゃくしている）
品質が悪いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲 第1巻 作品13」です。 14. 35-I.それは
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブを含むコードの響きが迫力あります。

[327 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:47:04.73 ID:XPcrZjdX]

技術不足のように見えたが、第2ラウンドではうまく勝ち上がった。
しかし、その疑問を払拭することはできませんでした。技術的には少し心配です。もう少し安定
その感覚を味わいたい。第一楽章の強みは、右手の速いスタッカート和音にあります。
上昇傾向はむしろ安定していたが…（ここはプロでも曖昧になることがある）
（何よりも）。自分を表現したいという欲求もあります。
リズムも与えられます。強いて言えばマイナーになる部分の左側の部分ですね。
私はオクターブをもっと激しく演奏することを好む（ワイセンベルク、
qのように)。
全体的には悪くないようです。ただし、あまりお勧めはしません。

原子炉。 2番目の部分の音声はあまり明瞭ではありません。 3 番目の部分は、ベース セクションのハーモニーによるコーダです。
両方の音を大きく演奏すると、音が豊かになります。全体的な印象は良いです。
しかし、あまり完成していないようです。音は荒々しい（控えめに言っても唐突）
品質が低いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲」第1巻、作品13. 14. 35-Iです。これ
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブも含めたコードの響きが力強いです。
（この歌は彼のために演奏されました）。最終バージョン 14 とコードには、いくつかの顕著なバグrいがありました

彼女は1991年以来ミュンヘンとベルリンに住んでいました。 90年代には「パフォーマティブ・フォトグラフィー」やパフォーマンスによってドイツでアーティストとして知られるようになりました。彼女はドレスナー銀行奨学金を授与された。ユルゲン・ポント。 2000年以降、フランクフルト・アム・マイン近代美術館での羊の遠足パフォーマンス「Divine Hunt」など、数々の芸術イベントを実施。 2003年に彼女は国際的なフェスティバルを立ち上げました…

したがってがコンサートの第 2 部全体をラフマニノフの音楽に捧げたのは正しい判断だったと言えます。
特に今年はラフマニノフ生誕150周年の記念すべき年です。エフゲニーがこのラフマニノフのプログラムをアメリカやヨーロッパの多くの都市で演奏することは明らかです。
そしてすでに多くの国で演奏されています。

しかし、カーネギーホールでは特別な音が響きます。

私は目を閉じて、たった100年前（これは歴史上非常に短い期間ですが）に偉大な作曲家自身がまさに
この場所でピアノの前に座っていたことを想像しました。そして、おそらく長年にわたり多くの改修工事が行われ、椅子、聖歌隊席、床、ピアノが交換され、
新しい楽屋が建設され、新しい機材、マイク、ビデオカメラ、エアコンが設置されたとしても、それは問題で

ワーグナーのタンホイザーの巡礼者合唱団のドナルド・ランバートのストライド版で終わったリサイタルで、デンクはあらゆる種類の音楽が大好きで、演奏するすべての曲で新しい驚異を発見することをやめないことを熱狂的な聴衆に示しました。

モーツァルトは絶対的な啓示でした。これは、最近オーストリアの巨匠を代表することが多い肛門保持者ではなく、血が流れているモーツァルトでした。デンクはペダルを踏んで、この作品にシュトゥルム・ウント・ドランがどれほど含まれているかを本当に感謝しましょう。

[328 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:49:56.29 ID:KgvuqfLp]

ホーネンスの出場者の中にこのようにモーツァルトを演奏する人はほとんどいないと思いますが、おそらくそうすべきでしょう。

次にベートーヴェンのピアノソナタ第30番ホ長調Op。が登場しました。モーツァルトに自然に続く演奏での109。モーツァルトとベートーヴェンのソナタの間には40年以上が経過していましたが、デンクは、モーツァルトの音楽言語の限界にもかかわらず、モーツァルトとベートーヴェンの両方が同様の感情を表現していることを非常に明確にしました。いずれにせよ、昨夜私たちはベートーベンの作品1の演奏を聞きました。109は私が今まで聞いたどの曲よりも強力でした。

そして、ピアニストがベートーベンを超えるために何を演奏できるでしょうか？なぜスコット ジョプリン/ルイ ショーヴァンのぼろ布なのか ヘリオトロープブーケ, 、 もちろん。デンクはこの素敵な曲を魅力とスタイルに対する本物の感覚を持って演奏しました。そしてその後？モーツァルト、今回はクレイジーな小さなジーグ、ト長調 K。574 をもっと見ませんか。デンクは口頭でのイントロで、モーツァルトがこの奇妙な曲を書いたとき麻薬をやっていたのではないかと示唆しており、それは確かにモーツァルトの正典では奇妙である。そしてそれから2分半後、また雑巾がかかってきました。こいつ ザ グレイスフル ゴースト, 、 、 ゥィリァア ム 繝 コム に ni num

そして、そのすべてを締めくくるために、左手で地獄が解き放たれる前に、ピルグリムコーラスの厳粛なオープニングを行ってみてはいかがでしょうか。デンクは、最高のピアノでストライドピアノを叩き出すことができることを示しました。しかし、何と楽しいことか！そして、クラシック音楽のリサイタルであっても、なぜ音楽は楽しいものではないのでしょうか。

クラシック音楽に未来があるとすれば、それはジェレミー・デンクのような、どこで聴いても素晴らしい音楽を知っており、出会う人全員と共有するのが待ちきれないミュージシャン
依然として不協和音で理解できないことが多い音楽と関連付けられています。しかし、作曲家としてのシェーンベルクは、そのキャリアの中でいくつかの段階を経ました。若い頃、彼はリヒャルト・シュトラウスの作品に匹敵するサウンドとスタイルの音楽を書きました。言い換えれば、彼はワーグナーとブラームスの影響を強く受けたロマン派でした


ペレアス ウント メリザンド 1902年に作曲され、ドビュッシーがほぼ同時期に書いたオペラの基礎として使用したメーテルリンクの戯曲に基づいています。どうやらシェーンベルクはドビュッシーが同じ作品に取り組んでいるとは知らなかったようだ。シェーンベルクの作品は、リストとシュトラウスの伝統に基づく交響詩です。私の耳には、シェーンベルクの作品はすぐに、あまりにも多くの衝撃的なクライマックスで歓迎されなくなり、スコアの容赦ない苦痛もうんざりします。しかし、間違いなく、これは大規模な交響楽団にとって最高傑作であり、OSM と Payare が見事に演奏しています。ペンタトーンのエンジニアは、ホームホールであるモントリオールのメゾン交響楽団のオーケストラから豊かでスリリングなサウンド

[329 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 20:51:56.96 ID:IEieg9tX]

ホーネンスの出場者の中にこのようにモーツァルトを演奏する人はほとんどいないと思いますが、おそらくそうすべきでしょう。

次にベートーヴェンのピアノソナタ第30番ホ長調Op。が登場しました。モーツァルトに自然に続く演奏での109。モーツァルトとベートーヴェンのソナタの間には40年以上が経過していましたが、デンクは、モーツァルトの音楽言語の限界にもかかわらず、モーツァルトとベートーヴェンの両方が同様の感情を表現していることを非常に明確にしました。いずれにせよ、昨夜私たちはベートーベンの作品1の演奏を聞きました。109は私が今まで聞いたどの曲よりも強力でした。

そして、ピアニストがベートーベンを超えるために何を演奏できるでしょうか？なぜスコット ジョプリン/ルイ ショーヴァンのぼろ布なのか ヘリオトロープブーケ, 、 もちろん。デンクはこの素敵な曲を魅力とスタイルに対する本物の感覚を持って演奏しました。そしてその後？モーツァルト、今回はクレイジーな小さなジーグ、ト長調 K。574 をもっと見ませんか。デンクは口頭でのイントロで、モーツァルトがこの奇妙な曲を書いたとき麻薬をやっていたのではないかと示唆しており、それは確かにモーツァルトの正典では奇妙である。そしてそれから2分半後、また雑巾がかかってきました。こいつ ザ グレイスフル ゴースト, 、 、 ゥィリァア ム 繝 コム に ni num

そして、そのすべてを締めくくるために、左手で地獄が解き放たれる前に、ピルグリムコーラスの厳粛なオープニングを行ってみてはいかがでしょうか。デンクは、最高のピアノでストライドピアノを叩き出すことができることを示しました。しかし、何と楽しいことか！そして、クラシック音楽のリサイタルであっても、なぜ音楽は楽しいものではないのでしょうか。

クラシック音楽に未来があるとすれば、それはジェレミー・デンクのような、どこで聴いても素晴らしい音楽を知っており、出会う人全員と共有するのが待ちきれないミュージシャン
依然として不協和音で理解できないことが多い音楽と関連付けられています。しかし、作曲家としてのシェーンベルクは、そのキャリアの中でいくつかの段階を経ました。若い頃、彼はリヒャルト・シュトラウスの作品に匹敵するサウンドとスタイルの音楽を書きました。言い換えれば、彼はワーグナーとブラームスの影響を強く受けたロマン派でした


ペレアス ウント メリザンド 1902年に作曲され、ドビュッシーがほぼ同時期に書いたオペラの基礎として使用したメーテルリンクの戯曲に基づいています。どうやらシェーンベルクはドビュッシーが同じ作品に取り組んでいるとは知らなかったようだ。シェーンベルクの作品は、リストとシュトラウスの伝統に基づく交響詩です。私の耳には、シェーンベルクの作品はすぐに、あまりにも多くの衝撃的なクライマックスで歓迎されなくなり、スコアの容赦ない苦痛もうんざりします。しかし、間違いなく、これは大規模な交響楽団にとって最高傑作であり、OSM と Payare が見事に演奏しています。ペンタトーンのエンジニアは、ホームホールであるモントリオールのメゾン交響楽団のオーケストラから豊かでスリリングなサウンド

[330 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 21:02:25.14 ID:noTOHpFB]

オーケストラのための作品が展示されていたため、特に適していました。同じコンサートが週初めに
ロイ・トムソン・ホールで3回開催されましたが、このレパートリーはノースヨーク–の半分以下の小さな会場にはるかに適しています。

“Brilliant Bach” は、ジョージ ウェストン ホールにほぼ満員の聴衆を集めました。TSOコンサートマスターのジョナサン・クロウがアンサンブルを率いました。クロウはこの機会にコンサートマスター、ソリスト、mcを務め、3つの立場すべてで一流の仕事をしました。

TSOの奏者たちは、たくさんの開放弦を使って時代スタイルで公正なレンダリングを行ったが、クロウと彼の同僚は、（緩徐楽章のように）必要に応じてビブラートに横たわることを恐れなかった。

その後、バッハのブランデンブルク協奏曲第4番が登場し、クロウが再びヴァイオリンソリストとしてフィーチャーされ、フルート奏者のジュリー・ランティとレオニー・ウォールが加わりました。ランティは今シーズンの終わりに引退し、今シーズンのこれまでのコンサートでオーケストラに長年貢献したとして音楽監督のグスタボ・ヒメーノによって選ばれた。彼女がオーケストラを離れる前に、もう一度ソリストとして彼女の話を聞いて良かったです。

サラ・ジェフリーはtsoの首席オーボエ奏者であり、彼女自身も著名なソリストです。ピーター・ウンジャンとTSOとのヴォーン・ウィリアムズ’オーボエ協奏曲の彼女の録音は、おそらくこれまでに作られたこの曲の最高の録音である。この機会に、ジェフリーはバッハが決して書かなかったオーボエ協奏曲とも言える、アーノルド・メールが集めたバッハが書いたかもしれない協奏曲にソリストとして出演した。ジェフリーが見事に演奏した、忘れられがちな作品ですが、完璧にまともな作品です


もともとバッハが3人のチェンバロ独奏者のために書いたものです。ウィルフリード・フィッシャーがまとめた3台のヴァイオリンのバージョンは非常に良い音楽で、クレア・セムズやヨランダ・ブルーノと並んでクロウが美しく演奏した。残念ながら、アンサンブルの一部としてこの曲に参加したチェンバロは事実上聞こえませんでした。

最後に、TSOの奏者たちはバッハのブランデンブルク協奏曲第2番を提供した。この協奏曲にはトランペット、ヴァイオリン、フルート、オーボエの 4 人のソリストが参加しています。トランペットには最高の音楽素材がすべて提供されており、他の楽器よりも音量が大きいため、ショーのスターになるために一生懸命働く必要はありません。

この挑戦的なパートを演奏するために彼の休暇を中断した。長年にわたり、私たちはマッキャンドレスがあらゆる点で並外れた存在であることを期待するようになり、ブランデンブルク2も例外ではありませんでした。彼の演奏は申し分のないものでした 事実上 スターのマッキャンドレスは、仲間のソリストと自分のサウンドのバランスを完璧に保つように努めました。クロウは、マッキャンドレスが今シーズンの終わりに引退することを聴衆に共有しました – 私が初めて聞いた話です。ジュリー・ランティと同様に、彼もとても寂しくなるだろう

マッキャンドレスが6月に予定されているマーラー3公演に出演するため再び休暇を中断することを聴衆に伝えた。『マーラー 3』は番組に登場するときはいつでもイベントであり、アンドリュー・マッキャンドレスが最後にトランペットセクションを率いるときはなおさら

[331 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 21:12:38.68 ID:fntvzKQF]

マエストロ・ネルソン自身も、木曜日の朝に公開リハーサルで演説した際、ほぼ満員御礼の出席者に謙虚さ – とおそらく驚き – を伝えた。彼は満員のホールに、オープンなリハーサルではあったが、観客の規模を考えるとパフォーマンスのエネルギーを感じることができたと説明した。彼は、このプログラムの 3 つの作品がさまざまな音楽的アイデアを伝えるのに役立つだろうと提案しました。彼の短い言葉は、聴衆に音楽を心の共通言語として考えるきっかけを与えました。ボストン音楽院のエリザベス・サイツ教授も、金曜日のマチネのコンサート前のプレビューを行った際に、同様の驚きを表明した。

カーテンが上がると、さらに – の激しさ、熱意、創造性、そして魔法のようにシンフォニー ホールを満たす音が現れました。

番組第1 作目、 アンチョラ, 、
この楽譜はアイスランドの自然の風景からインスピレーションを得ており、ゴング、タムタム、大きなバスドラムと弦楽器を含む管楽器、金管楽器、弦楽器、打楽器が使用されており、充実したオーケストラサウンドを重ね、この質感と室内楽のような雰囲気を対比させています。楽器のグループ化。低いペダル弦と金管が開口部を示し、陰鬱な瞑想を引き出します。きらめく不気味な音は、リスナーを予感させ、釘付けにする合図をします。この作品は、作品の始まりを告げる低音と、中世の聖歌、民俗音楽、典礼音楽を彷彿とさせるパッセージの並置で記憶に残ります。曲は静寂で終わります。指揮者と出演者（およびその弓）は、数分間、沈黙の中でステージ上で凍りついたままだった。

モーツァルトの交響曲第33番変ロ長調。次はK。319でした。と対照的である アンチョラ, 、その最初の24 小節は優雅さで輝いていました。音楽のフレーズは、マエストロ・ネルソンズの熟練した指揮のもと、細心の注意を払って形成されました。第 2 楽章では、オーボエの叙情性が弦楽器と管楽器の質感を美しく中断しました。その後の対位法はユニゾンを特徴とするエンディングにつながりました。

プログラムの後半では、ブラームス’ヴァイオリン協奏曲が披露されました。ゲストアーティスト ヒラリー ハーン 堂々とした衣装を着てステージに上がり、彼女の顔は音楽的な存在感を示す表情で輝いていた。彼女の控えめな献身は、彼女の #100daysofpractice に選ばれた何千人もの YouTube フォロワーによく知られています。彼女のトレードマークであるスタイルは存在感と魅力を結びつけ、テクニックは完璧なチューニングと技術力を結びつけます。これらの特質は、この曲の 3 つの楽章すべてを通して証明されていました。彼女は微笑みながら指揮者、オーケストラのメンバー、聴衆とつながり、リスナーに彼女の心を示すジェスチャー

パフォーマンスのキャリアを超えて、AI を敵ではなくイネーブラーとして扱う新興企業 deepmusic。ai の共同創設者でもあります。パフォーマンスでは、ヴァイオリンと付属の弓が彼女の堂々としたガウンの物理的な延長のように見え、彼女は痛みと快適さの音のパレットを投影します。すべてのフレーズは意図的かつ慎重に形作られており、その結果として生じる感情の激しさは、パフォーマンス中に目に見えて涙を流すほど並外れたものになります


主題の模倣的および調性的な展開、および対照的な代替によるサポートという、形式を発展させるための通常かつ必要な手段を超えて、2種類の主題の変容が体系的に機能します。
これら 2 種類の影響は、ストレッタと反対の動き (反転、反転) です。分析されたフーガでは、それらは最も効果的な構成手段として機能し、フーガの形成の全過程とその作曲タイプを決定します。
この記事で取り上げられているフーガのうち 2 つは平均律クラヴィーア曲集 (第 1 巻の廃短調と第 2 巻のロ短調) の一部であり、3 つ目はフーガの技法の第 5 番対位法です。バッハの記念碑的作品で実現された構造的なアイデアを確認する追加として、対位法 10 の簡単な分析があります。これは、サイクルの初期のバージョンからフーガ VI を作り直したもので、もともとサイクルのテーマの対位法 5 と同じバージョンに基づいています。

新たな特徴を示しました。彼は、ジャンル特有の旋律的なメロディーの領域を離れることなく、古くてより抽象的な「リチェルカーレ」のテーマにますます頻繁に立ち戻るようになりました。
これは比喩的内容の一般的な進化と調和していました。
バッハの音楽の感情的な領域は常に高く純粋であったが、荘厳に冷静になり、知的原理の分割されない絶対的な優位性が確立された。

[332 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 22:17:09.11 ID:L/KnIGhk]

テナーとバスの対位法のメロディーを伴う 2 声のカノンです (バッハはバスのみを書きました)。 「Offering」のテーマはビオラパートによって演奏されます。ここでバッハは、1940 年代の直線的なスタイルとケーテン時代に獲得した和声学を有機的に組み合わせました。
新しい比喩的バージョンのテーマは、メロディー的に隣接するキーに継続的に上昇して c-moll に戻り、その動きの中で c、d、e、fis、gis、b、c の全音列を形成します。
ここでもバッハは未来のハーモニーの大胆な先見者として登場します。
この革新は、さまざまな国や時代の多声音楽学校の膨大な経験を一般化して融合させたいという願望と結びついています。
17 世紀のドイツの巨匠たちのやり方で特定のテーマに色を付ける、規範的な模倣の形式、さらにはルネサンスのフランドル派から受け継がれたこれらの技法や形式を象徴的に暗号化した名称などです。
リチェルカーレで、自由記述のポリフォニーにおける珍しい 6 声のフーガであり、
壮大であると同時に非常に簡潔に表現されており、華麗でいくぶん乾いたスタイルの「心の遊び」です。
前の曲と同様に、キーボード、オルガン、または室内アンサンブル（たとえば、2 つのバイオリン、ビオラ、ガンバ、2 つのチェロ）で自由に演奏できます。

アルト（リーダー）とベース（伴奏）のためのカノンで、テーマの比喩的なバージョンです。テキストの冒頭には、作者によるフランドル風の象徴的な発言があります。
聖書の格言「Quaerendo invenietis（求めよ、そうすれば見出されるだろう）」です。衛星の進入時刻は明示されておらず、演奏者自身によって発見され、暗号は4つの異なる方法で解読されます

[333 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 22:19:07.32 ID:SNSmYXkH]

これは、主題を対位法的に取り囲むようなものです。上声部（伴奏）は、リズムの増強（倍音）と転回（反転記号とフラット記号で示されます）を同時に模倣します。中声部（アルト記号）では、が比喩的に演奏されます。


テノールとバスによる対位旋律に基づく二声のカノンです（バッハはバスのみを記譜しています）。「捧げ物」の主題はアルトで演奏されます。バッハは、1940年代の線的な作風とケーテン時代の和声的獲得を有機的に融合させました。
新たな比喩的版における主題は、旋律的に隣接する調へと絶えず上昇し、c-mollへと戻り、その過程でc、d、e、fis、gis、b、cの全音列を形成します。
ここでもバッハは、未来の和声の大胆な先見者としての役割を果たしています。この革新性は、様々な国や時代のポリフォニー派の豊富な経験を一般化し、融合させようとする意欲と結びついています。
17世紀ドイツの巨匠たちの様式による主題の彩色
、カノニカルな模倣形式、そしてルネサンス期フランドル楽派から受け継がれたこれらの技法や形式を象徴的に暗号化した表記法さえも用いられています。

同じ主題によるフーガです。高音部（バッハは「主声」のみをソプラノ調で表記しました）は、厳密な5度カノンを形成します。伴奏は古フランス語調で表されます。ベースは自由に対位法的な旋律を導き、フーガの主題は終結部前のリプライズに一度だけ現れる。

リチェルカーレである。これは、自由記述のポリフォニーによる稀有な6声フーガで、壮大であると同時に極めて簡潔に表現されており、華麗でありながらややドライな様式で奏される「知のゲーム」である。
以前の曲と同様に、クラヴィーア、オルガン、あるいは室内アンサンブル（例えば、ヴァイオリン2本、ヴィオラ、ガンバ、チェロ2本）で自由に演奏することができる。


ヴィオラ（リーダー）とベース（伴奏）のためのカノンで、主題の比喩的表現に基づいている。テキストの冒頭には、作者によるフランドル風の象徴的な言葉、　聖書の格言「Quaerendo invenietis」（求めよ、汝は見出すであろう！）がある。伴奏者の登場時間は示されておらず、演奏者自身によって発見され、暗号は4つの異なる解読法で解読されます。

主題の新しいバージョンによる4声のカノンです。上声部のみが古フランス語調で記譜されています。他の3声部の導入部の時間と音程は示されていません（「探せ、そうすれば見つかるだろう！」）。
明らかにカノンは厳格であり、旋律線はどの模倣声部に対しても変化しません。この曲は、弦楽器と管楽器（例えばヴァイオリンやオーボエ、チェロやファゴットなど）の混成アンサンブルで演奏すると、特に美しく響きます。

[334 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 22:22:51.53 ID:9+bujH+g]

NACオーケストラ史上最年少の音楽監督に就任した。彼のリーダーシップの下、オーケストラは
国内最高のクラシック音楽アンサンブルの一つとしての評判を高め、多様な聴衆との関わりを深め、カナダの作曲家、アーティスト、クリエイターの革新的なパートナー
として国際的に認められました。シェリーはまた、カナダの作曲家による新作の委嘱と演奏、ツアー、ライブストリーム、絶賛された録音を通じてオーケストラの国内外の活動範囲を
拡大し、新進アーティストのための貴重な専門能力開発プログラムを作成することで、オーケストラの国家的使命を果たしました。

“アレクサンダー シェリーは並外れた指揮者であり寛大な協力者であり、カナダのアーティストや作曲家を彼のビジョンの中心に据えながら、NAC オーケストラを新たな高
みに押し上げました」と NAC 社長兼 CEO は述べています クリストファー ディーコン. 。“瀹 ハ エゥビ ケ ケ トーラノ国家 的且ノレノレオン

アレクサンダー シェリー. 。“非常に困難な時期を乗り越えて数え切れないほどのカナダのアーティストと仕事をすることで、私は表現できないほど豊かになりました。私の二人の息子はオタワで生まれました。彼らはカナダ人です。妻のゾーイと私は、この事実を誇りに思うことはできませんし、この国が築いてきた生涯にわたる友情、この国が私たちに与えてくれた思い出、私たちに示された揺るぎない寛大な精神、そして10年以上にわたるこの国にこれ以上感謝することはできません。忘れられない文化的および音楽的冒険。私たちの精神の一部は常にここに残ります。そして、注目に値する NAC オーケストラについては、私は彼らの最大のファンとしての任期を開始し、彼らの愛と賞賛をさらに深めたばかりです。深くそう。”

“NAC オーケストラを指揮しているか、次のようなコミュニティベースのアンサンブルを指導しているか オルキドストラ, 、アレキサンダーは私が今まで目撃したアーティストや聴衆と接続する
最も顕著な能力を実証,” NACオーケストラマネージングディレクターは言いました ネルソン マクドゥーガル. 。“彼は、前任者からサウンド制作の信じられないほどの遺産を持つオーケストラを継承しました ピンカス ズーカーマン, 、そして芸術的成長を形作り続け、世界クラスのアンサンブルとしての評判を新たな高みに引き上げました。私たちのミュージシャンと組織全体を代表して、NAC オーケストラに対する彼の並外れた貢献に感謝します。アレクサンダーは、このオーケストラをこれまでで最高の形に残し、彼が指導したミュージシャン、彼が擁護した画期的な録音とプ
ロジェクト、そして在任中にインスピレーションを与えた無数の聴衆に生き続ける遺産を確固たるものにしました。”

“私はアレクサンダー シェリーと 15 年間コラボレーションし、ステージを共有してきました。” は、ピアニストで NAC オーケストラのクリエイティブ パートナーであると述べました ガブリエラ
モンテロ. 。“親愛なる友人である国立芸術センター管弦楽団とともに、NAC のステージで一緒に過ごした多くの大切な瞬間がありました。私はアレクサンダーを深く尊敬し、尊敬していま
す。彼の多くの友人や同僚も同様です。ミュージシャンとして、彼は常に繊細で、素晴らしく、協力的で、自分の技術の絶対的な達人と一緒に仕事をすることが夢です。友人として、そして人間
として、彼はあらゆる意味で階級的な行為です！新しい芸術的事業において、アレクサンダーは現代の偉大な芸術的人物の一人としての遺産を維持

[335 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 22:37:10.72 ID:mgu/qrHZ]

コンサートプログラムには2つの巨大な作品が登場します。1つ目は、探求する現代的な初演です 人工 知能。2 つ目は、音楽の永遠の表現能力を強調する宝物です 感情的 知性。

ロビーで提供されていたコンサート前のプログラムにはシューベルトのプログラムが含まれていました トラウト クインテット トロント交響楽団ユースオーケストラのメンバーによる演奏。五重奏曲は挑戦的な作品です。献身的なTSYO教員コーチ、献身的な教師でもあるTSOのパフォーマーメンバー、シェーン・キムとピーター・セミノフス（ヴァイオリン）、イワン・イワノビッチ（ヴィオラ）、ルシア・ティチョ（チェロ）、クリストファー・リーブン（コントラバス）、マイルズ・ハスキンス（木管楽器）、ニコラス・ハートマン（金管楽器）、ジョセフ・ケリー（パーカッション）に敬意を表します。

TSYO 出演者自身も、パートの機能について深い理解を示し、対照的なダイナミクスを鋭く観察し、交互の演奏を尊重しました テンピ。ピアニストはコードのトップノートを巧みに発声
聴衆は立ち上がって、オーケストラのメンバーと同じように情熱を持って歌いました。TSO 音楽 監督 グスタボ ヒメノ その後、TSO がそれを可能にする多額の贈り物を受け取ったと発表しました 現代作品の委嘱. 。次に彼は、TSO オーケストラ メンバーの優れた能力をフィーチャーするという、ソリストなしでプログラミングする戦略についての洞察を提供しました。

夜のプログラムの前半では、アイスランドの作曲家が初演されました ダニエル ビャルナソン’s I Want to Be Alive―オーケストラのための三部作 （その一部は2021年にTSOによって初公開されました）。この作品は、第 1 楽章: エコー（マン ニーズ マン）、第 2 楽章: 水仙（鏡が必要）、第 3 楽章: パンドラの箱の 3 つの楽章に分かれています。熟練した作曲家であるビャルナソンは、オーケストラ、ピアノ、映画のために作曲を行ってきました。

優れたプログラムノートには作曲家が引用されています。“この作品を書いている間、私は古代の原型が現代世界でどのように共鳴するかを考えたいと思いました。特に人工知能などの技術革新のレンズを通して見ると。” 人工知能の影響について音楽業界から意見を聞くのに、音楽言語を通じて聞くこと以上に良い方法

オーケストラの各セクション間の対話が織り交ぜられ、静かに探求されています。ある時点で、ピアノにはアルペジオのような破片が奏者の間で投げ込まれます。弦楽器は、一方では温かさと叙情性、そしてパーカッションや管楽器と組み合わせるときらめくコントラストを交互に奏で、電子音楽の感覚を生み出します。

第 2 楽章では、低い金管楽器とは対照的に、幻想的で震える弦楽器が演奏されます。尋問はチェロセクションで始まり、ヴィオラが応答した。木管楽器を取り入れて、伝統的で技術的な効果音を再び対比させた宝探しを通して、自然とともに歩く感覚を作り出します。第3楽章は大げさではなく力強いです。風は声を真似る。弦は上昇し、金管は低弦と鍵盤とのコントラストを提供します。結末は 2 つの音符によって予感され、強力な効果をもたらします。聴衆を大いに喜ばせたのは、指揮者 Gimeno― が感情を込めてこの作曲家をステージ

74 (“Pathetique”)。これは作曲家の6番目で最後の交響曲であり、死の直前に初演されました。この曲は、彼の他の作品を彷彿とさせる、調子良くロマンチックな提案で輝いています The Nutcracker. 。このオーケストラは、不安から静けさまで、あらゆる感情を見事に正確に横断しました。聴衆は勇敢に、足を踏み鳴らし、さらなる要求で応えました。

ロイ・トムソン・ホールとトロント郊外を結ぶ地下鉄の帰路では、青いスウェットシャツを着て歓喜するトロント・メープルリーフスのファンの海の中

コンサート前の雑談、マチネ、そして夜の複数の公演が行われたのは天候ではなかった。むしろ、それは番組のオープニング作品の初演だったのかもしれない、 アンチョラ, 、現代クラシック作曲家アンナthorvaldsdottirによって、またはおそらく、モーツァルトの交響曲第33 番変ロ長調K。319 の陽気な優雅さ、重い心のための価値のある処方箋。

このレパートリーは、輝かしい人々によって命を吹き込まれました ボストン 交響楽団 アンドリス・ネルソンズとゲストヴァイオリニストのヒラリー・ハーンの指揮のもと、ヨハネス・ブラームス’ヴァイオリン協奏曲ニ長調作品77を演奏し、一晩は移動に値する夜を過ごした。

新たなレベルの芸術的卓越性を達成できるようにしました。彼のエネルギッシュな指揮スタイルは、NACO の洗練された情熱的なパフォーマンスと相まって、幅広い聴衆と批評家の支持
を獲得し、国際的に有名なソリストを集めました ジェームズ エーネス

[336 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 22:39:07.60 ID:xkcu6lvR]

音楽監督としてのシェリーは、大胆なプログラミングとコラボレーション、創造、革新への取り組みを通じて NAC オーケストラのアイデンティティを形成しました マクリーンさん NACO “を北
米で最も大胆なオーケストラの 1 つと呼ぶ雑誌。” カナダの創造の擁護者であるシェリーは、以下を含むいくつかの境界を押し広げるプロジェクトを追求するためにパートナーシップを築きました Life Reflected, 、4 人のカナダ人作曲家に4 人の注目すべきカナダ人女性の肖像画の制作を依頼した没入型マルチメディアコンサート体験(2016 年）; ENCOUNT3RS, これは、3 人の
カナダの振付家と 3 人のカナダの作曲家に、新しい一幕物のバレエとオリジナルの楽譜の作成を依頼しました (2017); 途切れていません, CBC と提携したマルチメディア シリーズで、4 人
のカナダ人アーティストが音楽とビデオを通じてストーリーを共有しました (2019);そして ウアク, 、モントリオールを拠点とするコロンビアのダンスアーティストと制作した、人類と地球の関係に
ついての学際的なパフォーマンス アンドレア ペーニャ そして国際的に有名なカナダの写真家 エドワード バーティンスキー (2024 年）として発表された。

シェリーと NAC オーケストラは、カナダの作曲家から 50 以上の新作を依頼しました ジョン エスタシオ,

ケベック交響曲管弦楽団 瀹 し トロント メンデルスゾーン 合唱団 克用（けういん）草州ノ アス家ノ ニ ジャック エトゥ の ト ヘスハネト、ケゥンコゥン チ シ ティ、オゥハトゥプーの互角ヨリヨリ五銖。

2025 年 5 月と 6 月に、シェリーはオーケストラのリーダーを務めます 韓国と日本ツアー, 、40 年ぶりに韓国デビューと日本復帰を果たした。シェリーとオーケストラはまた、野心的な 4 枚のアルバムを含む 12 枚の絶賛された録音をリリースし、幅広い聴衆に届きました Clara – Robert – Johannes の音楽を探求したシリーズ クララ シューマン、ロベルト シューマン, 、 および ヨハネス ブラームス. 。シェリーとNACオーケストラは、カナダ録音芸術科学アカデミーからジュノー賞クラシックアルバム オブ ザ イヤー（ラージアンサンブル）に3回ノミネートされました。NAC の 2


この作品の定義としては不十分です。なぜなら、バッハはニ短調を含むさまざまな調のオルガン用トッカータとフーガを数多く作曲しており、例えばニ短調のトッカータとフーガ BWV 538などがあるからです。

[337 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 22:45:27.26 ID:nTm7YLAU]

17 世紀後半から 18 世紀初頭にかけてのドイツのオルガン学校は、北ドイツ (ディートリッヒ・ブクステフーデなど) と南ドイツ (ヨハン・パッヘルベルなど) に分かれていました。
トッカータとフーガ ニ短調は両流派の様式的特徴を組み合わせたもので、例えば北ドイツからはスティルス・ファンタスティックスが採用されている[ 1
しかし、北方の作曲家の作品にレチタティーヴォのセクションが多数あることは稀であり、バッハは、プレリュードやニ短調カプリッチョなど、ヨハン・ハインリヒ・ブットシュテット（パッヘルベルの弟子）の作品からインスピレーションを得た可能性がある。
フーガBWV565の一節はパッヘルベルのニ短調幻想曲のフレーズを正確にコピーしたものであるが、当時は他の作曲家の主題でフーガを作ることが一般的


小さな多声音楽サイクルの特徴は、音楽素材が継続的に展開されることです (トッカータとフーガの間に中断はありません)。作品の大きさは4/4です。この形式は、トッカータ、フーガ、コーダの 3 つの部分から構成されます。後者はトッカータを反響して主題のアーチを形成します。

トッカータとフーガの唯一現存する自筆譜はヨハネス・リングによる写本である[ 5 ]。この文書が所蔵されているベルリン州立図書館の説明や、類似の書誌的説明（RISM カタログなど）によると、リングクはこ
の写本を 1740 年から 1760 年の間に作成したとのことです。また、リングクがバッハの楽譜の最初の写本を 1730 年、彼が 12 歳のときに作成したこともわかっています（この写本は現在は現存していません）。新バッハ版のためにBWV 565の楽譜を編集したディートリッヒ・キリアンは、現存する楽譜は1730年から1740年の間にリングクによって作成されたと主張している。ブライトコップフ＆ヘルテル楽譜の改
訂版の解説で、ジャン＝クロード・ツェンダーは、リングクの生前における筆跡の変化に基づいて、原稿の作成時期を1730年代前半に絞り込んだ[ 6 ]。

リングの手稿の題名ページには作品名がイタリア語で「トッカータ・コン・フーガ」と書かれており、作曲家の名前は正確にはヨハン・セバスチャン・バッハと記されている。この曲の調は「ex. d. #.」と示されています。しかし、リングクの手稿では
五線譜に変ロ音符がありません（つまり、ニ短調の調号はありません）。この意味では、リングクはこの曲をドリアン旋法で書いてい
ますが、この手稿とは異なり、BWV 565のほとんどの楽譜では調は変ロ音符です（この点が、この曲をBWV 538のトッカータとフーガと区別


論争している（最初はピーター・ウィリアムズが1981年に論文で主張した[ 7 ]、次にロルフ・ディートリッヒ・クラウスが別の本で主張
した[ 8 ]）。音楽分析により、バッハにとって極めて非典型的な、あるいは彼の音楽にはまったく見られないスタイルの要素が明らかになりました。

トッカータの冒頭の平行オクターブ（バッハの技法には見られない）
フーガにおけるサブドミナント応答（バッハでは非常にまれ）

[338 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 22:48:13.08 ID:LY0Hfr1Z]

「原始的な」和声、特に対位法による分割では、平行三度と六度が優勢である（バッハでは非常にまれ）。
この作品の最初の小節にはハ長音が含まれていますが、この音はバッハの時代のオルガンの鍵盤にはほとんどなく、作曲家もオルガン作品ではほとんど使用しませんでした。
多くの音楽学者によれば、トッカータとフーガのスタイルは18世紀後半の勇敢なスタイルに近いため、この作曲は若いバッハにとっては現代
的すぎ、中年のバッハにとっては単純すぎるという。ピーター・ウィリアムズはこの件に関して2つの提案をしました。

この曲は元々ヴァイオリンのために作曲された（そのためシンプルである）；
その後、この曲はオルガン用に書き直されましたが、必ずしもバッハによるものではありませんでした（それがこの曲の現代性を示しています）。

ウィリアムズは、BWV 565 は失われたバイオリン曲の編曲である可能性があると考えています。この意見は、フーガの主題といくつかのセクション (例: 12 〜 15 小節) が明らかに弦楽器の音楽に似ているという事実に
よって裏付けられています。バッハがヴァイオリン作品をオルガン用に少なくとも2回書き直したことも知
ヴォルフは、オクターブを書き出すことによって、この作品が想定されていたアルンシュタットの オルガンの16フィートの音域の欠如をバッハが補ったのだと主張している。ヴォルフによれば、この作品[ 10 ]の模写がヨハン・ペーター・ケルナーの仲間から出回っているという事実は、バッハの著作であることを否定するものではなく、むしろそれを支持するものである、なぜなら彼の初期の作品の多くは、まさにこの仲間の模写家たちに
よって作られた模写の形で今日まで伝わっているからである。 2000年代の音楽学者ピーター・ファン・クラネンブルグによる統計分析により、この曲はバッハの作品とは非常に異なるものであることが確認されたが、バッハ自身よりもこの曲を作曲した可能性が高い作曲家はまだ見つかっていない。

20 世紀末に、ハンス・ファギウスは次のように書いています。

トッカータは1705年頃にバッハによって作曲されたため、驚くほど現代的であることは事実です。しかし、バッハのような天才が、
高揚した気分で、ある意味では半世紀も時代を先取りしたこのユニークな作品を創作しない理由

目立つモルデントで始まり、 1オクターブ低く繰り返されます。この楽曲で最も印象的なハーモニーは減七和音です。トッカータは、テンポとテクスチャが対照的なエピソードで構成され、カデンツァで終わります。

アレグロで始まり、ニ短調の第3度（ヘ長調）のアダージョのテンポで終わり、不完全感が加わり、これがまだフィナーレではないことが明確になります。


編集4声部構成
フーガの主題は、隠されたポリフォニーの技法を使用して書かれています。この作品のさらなる模倣的発展は、旋律的表現に基づいています。
間奏部と中間部は、ヘ長調の平行調 へと変化します。フーガ曲をニ短調に戻すリプライズは、ストレッタで始まります。

コーダはいくつかの即興的な対照的なエピソードで構成されています (展開技法はトッカータから借用されています)。作品全体は変格終止で終わります。
トッカータとフーガには多くの編曲版があります。特に、ピアノ、ギター、エレキギター、ボタンアコーディオン、弦楽オーケストラ、ジャズオーケストラ、その他の演奏グループに適しています

[339 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 22:52:55.84 ID:QkVFEfaN]

Andreas Bach Buch )という単一の写本で現存しています。ヨハン・クリストフは1685年から1688年までパッヘルベルに師事し、その間に二人は親しい友人になった[
アンドレアス・バッハの本にはパッヘルベルの作品が 6 曲しか収録されていませんが、ヨハン・クリストフは
パッヘルベルの作品の他の多くのコピーを所有していました。
よく語られる歴史的逸話によると、フロベルガー、ケルル、
パッヘルベルの作品を含むそのような手稿の1つは、若きヨハン・セバスチャン・バッハによって
研究されたが、ヨハン・クリストフが彼に音符に触れることを禁じたため、密かに夜間に研究されたという[

1700年までの鍵盤音楽の歴史。ハンス・ティシュラーによる翻訳。インディアナ大学出版局。ISBN 0-253-21141-7 .元々は『 Geschichte der Orgel- und Klaviermusik bis 1700』としてカッセルの Bärenreiter-Verlag

エメリー、ワルサー。バッハ。 III. 7. ヨハン・セバスチャン・バッハ。 1. 子供時代 / ヴァルター・エメリー、クリストフ・ヴォルフ。

ヒル、ロバート・スティーブン。
1987年。メーラー手稿とアンドレアス・バッハの本: 若きヨハン・セバスチャン・バッハのサークルからの2つの鍵盤楽器アンソロジー。ハーバード大学
ノルテ、エヴァルト・ヴァレンティン。パッヘルベル。 1. ヨハン・パッヘルベル / エヴァルト・ヴァレンティン・ノルテ、ジョン・バット。
ウェルター、キャサリン・ジェーン。
1998年。ヨハン・パッヘルベル:オルガニスト、教師、作曲家。彼の生涯、作品、歴史的意義の批判的再検討、135〜150ページ。ハーバード大学、マサチューセッツ州ケンブリッジ


構成のインのオリジナル版は「プレアンブ
、弁論術における「発明について」の章を指す修辞学上の範疇である。「雄弁術」の法則と音楽作曲の法則の密接さはよく知られており、詳細に研究されてきた。 という用語は、「発見」「発明」「革新」といった意
味を強調する
みなされていた。発明には、ある種の神秘、素晴らしいもの、滑稽なもの、奇妙で風変わりなもの、そして同時に巧妙で、器用で、狡猾で、巧みで、洗
練されていて、見事なものが隠されていた。発明は『奇跡の詩
学』の一部であった。」発明品では、課題が与えられ、謎が解かれました。教育的な課題もあれば、面白い謎もありました。「教えることと見つけること――こ
うした教訓的かつ娯楽的な目的は、機知に富んだ心の自然な能力を研ぎ澄まし、あらゆる方法で強調されました。」[ロバノヴァ・M.『
西ヨーロッパの音楽
V. ゴロヴァノフは著書の中で、このジャンルの特性について次のように書いています。「このサイクルの名称であるポリフォニックな特徴。 - M., 1998年、p. [85-86]。 F. ブゾーニは、インヴェンショ
ン集の序文で次のように書いている。「芸術家は、創作にあたり、よく考え抜かれた計画に従った。…


Domajor の発明の基礎は、冒頭 (ドレミファ) に神の意志を理解するという動機が含まれ、次に (
ソルドシド) 運命、神の意志の受け入れ、事前に用意された
運命の象徴が含まれるテーマです。ここで、この
最後のシンボルは熱狂的に聞こえ、神の意志を喜んで受け入れる準備ができていることを表しています。内容（および共通のモチーフ記号）の点では、平均律クラヴィーア曲集第 1 巻のハ長
調のフーガ（プレリュードとフーガの連想イメージである「受胎告知」）に近いものです。インベンションは 6+8+8 小節の 3 部形式で書かれています。

最初のセクションでは、テーマが上下の声部で交互に演奏されます (合計 4 回 - 「C」から 2 回、「G」から 2 回) - これが最初の 2 小節を占めます。ここで、ベース（G - 下がったG）は、1オクターブ下がる特
徴的な動きであり、バッハの時代の作曲家がキリストの復活の賛美歌である「Sanctus」 - 「聖なる」 - という言葉でよく使用しました。最初の間奏曲（3〜4小節）はシーケンスとして構成さ
れており、上の声部（ラ・ソ・ファ・ミ）はメインテーマの鏡像

[340 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:02:46.00 ID:Lcw+Jevb]

「Sanctus」(「聖なる」) という言葉とともによく使用しました。

第 2 セクションは、G 長調の下声部のテーマで始まります。テーマは、最初は低音、次に高音で交互に 4 回繰り返されます (7 〜 8 小節)。 9〜10 小節目（鏡像主題）は、最初は下
声部で、次に上声部で交互に
4 回出現します。 11〜12 小節目 - 間奏 - シーケンス - 下声部でテーマの鏡像演奏が含まれ、上声部ではテーマのリ
ズムが増強され、聖体拝領のシンボルが通過します (ド# レミファ、ラシド# レ、ファ# ソ# ラシ) - 4/8 拍子が 3 回続きます。 13 小節目と 14 小節目 (A マイナーの終止と前幕部分) で、インベ
ンションの第 2 セクションが終了します。
(15 小節目)。16 小節目では、上声部ではテーマがメイン形式 (E-F-G-A) で、次に下声部でもテーマが続きます。 1
7 小節目 - 15 小節目と同様に - 鏡像テーマ。 18 小節目 - 16 小節目と同様に - メイン形式のテーマ。 19 小節目と 20 小節目の半分は間奏曲で、
上の声部でメインテーマが演奏され、下の声部ではリズム拡大の鏡像として聖体拝領のシンボル (b-la-sol-fa、re-do-b-la、fa-mi-re-mi) が 4/8 拍子 3 回


事前に警告されていた聴衆は、クルターグの曲の無調の霧の中からシューベルトの変ロ長調の主題が現れるのを熱心に聞きました。ソナタの第 1 楽章が次の 3 楽章を合わせたよりも
長い長さに展開するにつれて、ウィーンの巨匠の長さがこれほど天的に聞こえることはありませんでした。速度を落として熟考するには小さすぎるディテールはないようで、ベースの奥深く
にある不気味なソフトトリルはこれまで以上に記念品のように聞こえました。ゆったりとした集中力が夢のような雰囲気に包まれていました。

夢はアンダンテ・ソステヌートでも続き、静かにしながらも容赦のない長い列に並んでいた。夢想家は明るい長調の間奏のために目を覚ますように見えましたが、すぐにベールに包まれた瞑
想に戻りました。無重力のスケルツォはピアニストの指からひらひらと落ち、太陽の光が差し込む小川のように輝いて


今回の別の永続的な謎めいた音―an オクターブは、キーボードの中央で、ロンド フィナーレのテーマを告げました。これは、第 1 楽章のテーマ（ベートーヴェンの作品 90) と同様ですが
、より興奮して ― wrong“キーから始めてから、B に帰る道を見つけました。フラット。このピアニストは、不安から静けさ、嵐に至るまで、ロンドの多くの雰囲気のそれぞれに完全に取り組ん
でおり、これがシューベルトであり、長調と短調のあらゆる色に非常に敏感でした。この曲は、このプログラムの他のすべての作品と同様に、別の柔らかく自由な結末に向かっているように見
えましたが、変ロ長調の熱狂の最後の爆発がソナタと夜全体に感嘆符を付けました。

目を輝かせ、心を差し出しながら二度ステージに戻り、拍手を送った。その後、家の照明が上がり、実際と同じようにアンコールなしで体験が完了したことを示しました。

カーネギーホールは、モーツァルト、ロベルト シューマン、ドビュッシー、チャイコフスキーの作品を演奏するピアニストのエフィム
シューベルト、特に第 1 楽章、第 3 楽章、最終楽章には、かなり明白な間違いが数多くあったとコメントしたいと思います。彼女は、ほとんどの人が耳にするかもしれない
エレガントな方法でではありますが、1 〜 2 回自分自身を正しました。

[341 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:06:15.22 ID:ZT8Mjrge]

数年前、カーネギーホールでこの曲を演奏しているのを聞きましたが、その演奏は完璧でした。これは、解釈が美しく思慮深いものではなかったと言っているわけではありません。
しかし、ピアニストが少なくとも 10 個の間違いを犯した場合（それ以上ではないにしても、私は数えませんでした）、その曲をよく知っていてその完璧さを高く評価するリスナーの注意をそらすことになります。
振付家と 3 人のカナダの作曲家に、新しい一幕物のバレエとオリジナルの楽譜の作成を依頼しました (2017); 途切れていません, CBC と提携したマルチメディア シリーズで、4 人
のカナダ人アーティストが音楽とビデオを通じてストーリーを共有しました (2019);そして ウアク, 、モントリオールを拠点とするコロンビアのダンスアーティストと制作した、人類と地球の関係に
ついての学際的なパフォーマンス アンドレア ペーニャ そして国際的に有名なカナダの写真家 エドワード バーティンスキー (2024 年）として発表された。


ソナタの構造を反映したプログラムを提案しました。これは、単に並置されるだけでなく、時代やスタイルを超えた微妙な親族関係によって結び付けられた一連の対照的な部分です。年表 – を破棄し、スケール – の印象的なバリエーションを取り入れた彼女は、ベートーヴェン ソナタの簡潔で楕円形の表現から、シェーンベルクの表現力豊かな断絶、クルタークの結晶的な抑制、そして最後に、一連の文体的および感情的な変化を通して聴衆を導きました


…イーゴリ・パーヴロヴィチに習って最初に演奏した曲の一つの音符を見つけました。
バッハの集の最初の曲です。
前の先生とは三声の曲も演奏しました。もっと複雑な曲です。
唯一の問題は、先生がポリフォニーとは何かを説明してくれなかったことです。

でも、ポリフォニーとは実にシンプルなものです。メロディーと和声の伴奏があるホモフォニック・ハーモニー音楽とは異なり、ポリフォニーでは各声部が同等の権利を持ち、各声部がメロディーなのです。二声なら二声、三声なら三声、という具合です。

これらのメロディーを聴き、異なる声部、異なる音域における変化や変容を見つけることが、成功の半分です。
聴き手はそれらを聴
き取らなければなりません。そうすることで、和声の垂直線の中に声部同士の対話や会話が聞こえるという事実に喜びを感じるのです。

バッハは、分かりやすい技法で、優れたポリフォニー音楽を数多く作曲しました。
「アンナ・マグダレーナ・バッハの音楽帳」「小プレリュードとフーガ」「インヴェンション」は、ジュニアクラスの生徒たちによって演奏されています。
練習曲は、多くのショパン愛好家に、偉大な作曲家を見習うためにピアノ教師

を探すきっかけを与えました 。ショパンは、練習曲を実際の芸術形式にまで押し上げた最初の人物でした。

[342 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:08:31.40 ID:XrJcaZDG]

練習曲はすべて、演奏者の技術の特定の側面を訓練し洗練させるという練習曲の基本原則に忠実ですが、別の要素も存在します。それぞれの練習曲は、単調な反復練習ではな
く、独自の音楽的物語を語っています。ショパンの作品のほとんどすべてと同様に、単なる音符の演奏を超越した感情的な側面があり、それを上手に演奏するには真の名人芸が
必要です。この練習曲の新たに開拓された音楽的側面は、ロマン派のレパートリーの特徴として存続しました。他の偉大なロマン派の作曲家の中でも、リストは技術的に高度で
ありながら情熱的な演奏会用練習曲で特に有名です。 ショパンは自分の作品にほとんど名前を付けず、ほとんどの場合、作品番号と番号
で参照することを好みました。彼の練習曲も例外ではありませんでした。しかし、その情熱的なショパン風
の性質から、多くの練習曲には熱心な編集者や熱狂的なファンによって愛称が付けられています。これらのプログラムタイトルは、存在する場合には注記されている。繰り返
しになるが、ショパン自身がこれらのタイトルを考案したわけではなく、むしろそれらを不承認としていた可能性の方が高いことに 注意することが重要である。また、各練習曲が演奏者のテクニックの特定の側面に焦点を当てている一方で、すべてが共
通の糸で結ばれていることにも注目すべきである。練習曲 作品10第1番は幅広いアルペジオ和音の難しい練習曲であり、練習曲 作品25第10
番はオクターブテクニックの厳しい練習曲であるにもかかわらず、これらには共通点がある。ショパンの27の練習曲はすべて、それぞれが具
体的に焦点を当てている内容に加えて、レガート奏法を習得するための練習曲でもある。ショパンが弟子に対して最も厳しく批判したのは、「2つの音の繋ぎ方が分からない」
ということだったが、この考え方が最も顕著に表れているのは彼の練習曲である。





ショパンはという芸術形式を真に根本から刷新しました。彼はそれを、無味乾燥で技術的な練習曲から、生き生きとした感情的な物語へと変貌させ、同時にピアニストの技術を発展させました。この点において、エチュードは真に革命的なのです。
手に興味深い難しさがいくつかある。左手は比較的単純で、最初から最後まで単音八分音符を弾くだけである。しかし、右手は絶え間なく動き続け、短三度から増六度まで、音程が急速に変化するのが特徴です。同程度のサイズの音程が隣り合うことは決してなく、そのため適切なテンポで演奏するのは非常に困難です。三度の後にはほぼ必ず五度か六度が続きます。これは、大きい音程が小さい音程と同じ旋律線上にないことによってさらに難しくなります。小さい音程の2つの音符は、大きい音程の2つの音符よりも完全に低い位置にあることがよくあります。
もう一つの難しさは、音程内の繰り返される音符の扱いにあります。時折、三度の最上音符が、その直前（あるいはその前）の大きい音程の最下音符と重なることがあります。非常に孤立したトッカータのように聞こえることがあります。
メロディーが少々奇妙で、きれいな音を出すのが難

[343 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:10:59.07 ID:vjRu6I91]

出版されたこの曲は、ショパンの特徴的な要素を巧みに取り入れた、陰鬱なピアノソロです。
ショパン見られるこれらの要素は、作曲家として長年私を魅了してきました。
シンプルな構成と控えめな展開は、複雑さと質が同義ではないことを示しています。重要なのは、　十分な努力をすること、そしてその「十分な」努力を高い水準で行うことなのです。

そこで、この記事ではショパンの作品を分析してみたいと思います。必ずしもショパンのように作曲したり
、ロマン派の作曲やノクターンを書いたりするためではありません。ショパンが何をしたのか、つまり、彼がどのようにアイデアを整理し、発展させ、それらのアイデアをどのように伴奏し、どのように展開をコントロールし、そしてこれらの要素が
、今日のメディアや現代芸術音楽の作曲にどのように応用できるのかを見ていきたいと思います。
そこで、まずはの全体像を概観し、その後ショパンの主旋律とその発展戦略を詳しく見ていきたいと思います。最後に、彼の和声と、
彼が進行と半音階を用いて、いかにして混沌とした夢のような感覚を作り出しているかについて考察します。調性を軽視するわけではありませんが、強調するわけでもありません。


初期段階にあたることを示しています。実際、彼はまだワルシャワのワルシャワ高等学校（英国の中等教育機関、または米国の高等教育機関に相当）で学んでいた時期です。ただし、ワルシャワ音楽院に入学したばかりだった可能性もあります。したがって、この曲が作曲された当時、ショパンは16歳、あるいは15歳頃だったと考えられます。

作曲年が正しいと仮定すると、ノクターン第19番は若い学生にとって注目すべき作品であり、このノクターンには学生時代の作品らしい特徴がいくつも備わっている。それは、シンプルで広がりのない形式的な編曲、明確な和声の使用と明白なパート譜技法、そして簡潔な旋律の使用であり、旋律の展開は装飾的な変奏と装飾音に限定されている。ショパンが様々な技法への理解を示すかのように、作曲家としての技巧を磨くことに献身的な学生であったことは明らかである。

この記事では、編曲と形式、和声、そして旋律に関するいくつかの考察を紐解いていきたいと思います。まずは形式を構成要素に分解し
、次に和声、特により豊かな和声の多様性を可能にする技法の活用について考察し、最後に旋律につい
て考察します。この技法はショパンが後の作品にも用いることになり
、ショパンが旋律と変奏を形式の要としてどのように用いているかを見ていきます

物事はペアで起こる。そのため、もしこの作品の形式にラベルを付けるなら、二部形式と呼ぶだろう。しかし、転調や移行部の使用など、この表現には疑問が残る点がいくつかある。伝統的な二部形式は、通常、二つのパートに渡って同じ主題素材を用いる。前半では主音（I）から属音（V、あるいは相対長調のIII）へと移り、その後再び主音に戻るといった、より広範な転調スキームを通して、同じ主題素材が再構成され、織り合わされる傾向がある。

ショパンはこの二部形式の最初の部分を演奏しています。曲はホ短調(i)で始まり、ロ長調(V)へと移ります。しかし、主題1(c)に戻ると、主調も戻ってきます。主題2cと2dで曲を終えると、平行長調であるホ長調への転調がさらに行われます。

したがって、もし本当に必要であれば、この形式を二元ABではなくA-A'として考え、節制的と分類す
ることもできます。テーマの巧みな繰り返しがあり、これは古典的な変奏曲形式とそれほど変わりませんが、
はるかに小規模です。古典的な
変奏曲形式においては、曲は同じ構造（テーマ）を基盤として、変奏や順列を生み出します。内部的には、テーマは複数の部分から成りますが、
より大きなスケールでは、曲はその構造の枠組みの上に構築されます。ショパンはテーマ1a、1b、2a、2bを
与えており、これらはAと見なすことができます。その後、
彼はこのプロセスを繰り返し、テーマ1c、1d、2c、2dを与えています。

[344 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:14:55.31 ID:rl3N+KwJ]

主題1は再現されていますが、主題2も同様です。一般的に、三部形式では1つの主題のみが再現されます。

ここで三部形式について言及しているのは、19世紀に三部形式が人気を博したことを示唆しています。二部形式は、和声や転調の構造を軸に、一つあるいは複数の小さなアイデアを練り上げるプロセスを中心に構築されることが多いのに対し、
三部形式は、対照的な大きなアイデアに焦点を当てています。和声はこれらの対照と並行して、新しいテーマのために新しい音域に転調することがよくありますが、
三部形式は旋律に重点が置かれています。二部形式がより一般的だった19世紀以前は、和声、
つまり低音から上へと構築されることに重点が置かれていました。このショパンのノクターンも、旋律、つまり上から下へと構築されています。


各小節の強拍で非コード音、つまり基となるハーモニーに含まれない音符を使用する技法です。これらの音符は、基となるハーモニーに含まれる音符であるコード音へとステップで解決します。たとえば、主題 1 の提示部 (2 〜 5 小節目) の冒頭では、前打音をいくつも見ることができます。
たとえばメロディーの最初の小節では、4 拍目に前打音が使用されており、E マイナー トライアドの上で F# から E に下がっています
。F# は単純な E マイナー トライアドの音符ではありません。
メロディーの 3 小節目では、3 拍目と 4 拍目に前打音が 1 つずつ見られます。E マイナー トライアドの上では、
やはり A と C (3 拍目)、および F# と A (4 拍目) は非コード音です。ショパンはこの小節で、それぞれ G と B、E と G へとステップで解決し、一対の前打音を熱心に展開しています。

各セクションを区別するために、左手に独特の反復音型を主題と組み合わせています。主題1では、これらの音型は小節の2拍目と4拍目ごとに非和音を含みます。弱拍自体もそうですが、この非和音は拍内の「無理」な3拍子のうち2拍目にも現れます。アクセントがないため、前打音という名称は議論の余地があります。しかし、前打音に似た、特徴的な「ため息」のような、あるいは緊張を解き放つような感覚は確かに存在します。

アポジャトゥーラの抜粋をもう一度見てみると、左手に繰り返されるCbの音型が強調されているのが分かります。Cは、基となるE短調の非和音ですが、Bに解決します。
ほぼ常に基となる和音に6度を追加し、それが和音の5度に解決するのを執拗に繰り返しています


タイで繋がれた音符を指します。しかし、なぜピアノのたにおいてそうしなかったのでしょうか？
なぜ彼はその音符を再び演奏したのでしょうか？私の推測では、持続音を持たないピアノのために演奏されたからでしょう。そのため
、最初のアタックの後、ピアノの音量は減衰していきます。これは、サスペンドされた不協和音が
その力強さを失っていることを意味します。ショパンは私たちにサスペンドされた不協和音を聴いても
らいたいと考えており、だからこそ彼はしばしばこれらのサスペンドを高音域に第2音程として配置したのです。
非和音の音が前の和音に存在する伝統的な準備されたサスペンションを用いていますが、通常、非和音の音を前の拍から繋ぎません。

[345 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:17:16.49 ID:sWYxP0mw]

定義の厳密さにもよりますが、ショパンは左手に前打音のような音型を執拗に用いています。
ショパンは各セクションを区別するために、左手に独特の反復音型を主題と組み合わせています。
主題1では、これらの音型は小節の2拍目と4拍目ごとに非和音を含みます。
弱拍自体もそうですが、この非和音は拍内の「無理」な3拍子のうち2拍目にも現れます。アクセントがないため、前打音という名称は議論の余地があります。しかし、前打音に似た、特徴的な
のような、あるいは緊張を解き放つような感覚は確かに存在します。





アポジャトゥーラの抜粋をもう一度見てみると、左手に繰り返されるCbの音型が強調されているのが分かります。Cは、基となるE短調の非和音ですが、Bに解決します。
ショパンは、ほぼ常に基となる和音に6度を追加し、それが和音の5度に解決するのを執拗に繰り返しています。例えば、テーマ1の後半では、
和音はE短調から離れ始めます。そのたびに、伴奏のフィギュレーションにおけのモチーフが、基となる和音の6度と5度の間で何度も繰り返されます


これまでのソナタの広範な建築的野心とは一線を画しています。しかし、彼女が明らかにしたように、そのコンパクトなフレームの中には、露出した緊張と矛盾に満ちた表現力豊かな世
界 – が横たわっており、 – も決して広大ではありません。冒頭の楽章では、突然のコントラストと非対称性という音楽の不安な文法を暴露したが、落ち着きと優雅さで落ち着きのなさを
和らげた。彼女は、その動機となる素材に、スピーチの断片のように互いに響き合うように見える – の忘れられないジェスチャーをはっきりと語らせました。第 2 楽章の明るいカンタービレ
は、メロディアスでありながら内向きで、シューベルトの方を眺めました。ここでも構造的な深さを明らかにし、あたかも緊張が記憶として甦ったかのように、冒頭のフレーズを変換の
行為である–以前に起こったことに対する静かな反応として形作りました。アリアというよりも会話が思い出すほど、その叙情性は回顧的で未完のものを帯びていた。
ーム スールーコトヲシシ


クルターグの ‘マルタ リガトゥラージャ’ は、シェーンベルクのスコア – のより親密で密度が取り除かれた蒸留エコーのように、インターバルの後に到着しました。作曲家の妻を偲
んで書かれたこの曲は、聴感の限界に浮かんでいた。内田は原稿のページから、壊れやすく未完成なものを扱うかのようにミニチュアを演奏しているようだった。もともとチンバロム
のために考案された共鳴は、幽霊のような神聖なものになりました。音楽的意味でも感情的意味でも、2 つの声がゆっくりとした哀歌的なサスペンション – で互いに旋回しました。
ベートーヴェンのモチーフがシェーンベルクで断片化されたとすれば、ここではささやき、タッチ、静けさに洗練されました。

シューベルトも続いた アタッカ, 、あたかもクルターグの静まった断片が単により持続的なものに合体したかのように。ソナタ第21番変ロ長調は、始まったというよりも登場した。
スターン講堂のためにその建築とサウンドスケープを拡大したいという誘惑に抵抗しました。代わりに、彼女はその親密さを受け入れ、第 1 楽章がゆっくりとした急ぎのない弧で
呼吸できるようにしました。オープニングテーマは静けさから立ち上がり、ベースの低いトリルが届いても驚かず、警告なしに埋もれた記憶が浮かび上がるようにつぶやきました。

の The アンダンテ ソステヌート ゆっくりとしたテンポで動きますが、静的なものは何も感じません。内田は各フレーズを静かな激しさで形作り、息のリズムで展開するように動きのペースを
調整した。彼女のボイシングは特に洗練されました。右手のメロディーが左側の揺れる人物の上に繊細に浮かび、両者のバランスは決して硬くありませんでした。時には伴奏が表面化し、あ
たかも主題そのものよりも伴奏が持つ記憶が一時的に強固であるかのように見えました。音楽が一時的にメジャーになったとき、内田は中断された時間の感覚をそのままに、‘un-jubilatory’ の暖かさをもたらしました。オープニング素材への回帰は、過ぎ去ったものの静かな重みによって変化したように感じられました。

[346 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:21:19.73 ID:b6iAMT8F]

木管楽器は生き生きとしたバランスを提供し、コントラバスセクションはしっかりとした基礎とリズミカルな推進力を提供し、過度に繊細で洗練された雰囲気を相殺しました。
パフォーマンスは技術的には確実ではあるが、抽象化に傾いていた。彼女のタッチは、壮大なスタインウェイを幻想的で、ほとんど結晶のような楽器に変えましたが、特にこの協奏曲が
モーツァルトのオペラアリアのテーマを共有しており、独自の豊かで声の表現力を持っていることを考えると、この純粋さが時々音楽の感情的な即時性を消し去っているように見えました。

ヤナーチェクの懐かしくも活気に満ちた ムラーディー, 、前半の終わりに演奏、雰囲気の歓迎シフトを提供しました。木管楽器奏者たちは活気に満ちた相互作用で輝き、音楽的な相
性と即興的なセンスが待望の活力を注入しました。エルプフィルハーモニーのダイナミックな照明と影の効果によって強化されたこの作品は、20 世紀初頭の超現実的な魅力を呼び起こしました アバンギャルド 莠 – 前蛟龍心之アエルカツラメノクゥン

後半にはおそらくモーツァルトの最も有名な作品がフィーチャーされました ピアノ協奏曲第21番ハ長調, 、 K467。ここでは、オーケストラがよりダイナミックなコントラストを受け入れるにつれて演奏が勢いを増し、ティンパニが大胆なリズミカルな存在感を加えて全体のエネルギーを強化しました。第 1 楽章の内田自身のカデンツァは、セクション間の移行がよりスムーズになって
いたかもしれませんが、さわやかで個性的なタッチを加え、音楽に対する彼女のユニークなアプローチを示しています。ステージの近くに座っていると、彼女のタッチに時折脆さがあることがわかり、ピアノ自体が第 2 楽章でかすかに曇った ‘wolf tones’ を明らかにしました。しかし、ロンドのフィナーレでは、内田のエネルギッシュな音階のパッセージは明瞭さと輝きに満ちており、
以前の楽章の洗練された滑らかさを超えています。彼女の演奏はより生き生きとしたものに感じられ、MCO はより自由と自発性の感覚で反応し、焦点を過度に洗練されたディテールから
より自然な流れに移しました。彼らは一緒にモーツァルトの音楽の遊び心のある魅力と明るさを捉え、結論を本当に魅力的で記憶に残るものにしました。







一つあるいは複数の小さなアイデアを練り上げるプロセスを中心に構築されることが多いのに対し、
三部形式は、対照的な大きなアイデアに焦点を当てています。和声はこれらの対照と並行して、新しいテーマのために新しい音域に転調することがよくありますが、
三部形式は旋律に重点が置かれています。二部形式がより一般的だった19世紀以前は、和声、
つまり低音から上へと構築されることに重点が置かれていました。このショパンのノクターンも、旋律、つまり上から下へと構築されています。

小節の強拍で非コード音、つまり基となるハーモニーに含まれない音符を使用する技法です。これらの音符たとえばメロディーの最初の小節では、4 拍目に前打音が使用されており、E マイナー トライアドの上で F# から E に下がっています
。F# は単純な E マイナー トライアドの音符ではありません。
メロディーの 3 小節目では、3 拍目と 4 拍目に前打音が 1 つずつ見られます。E マイナー トライアドの上では、
やはり A と C (3 拍目)、および F# と A (4 拍目) は非コード音です。ショパンはこの小節で、それぞれ G と B、E と G へとステップで解決し、一対の前打音を熱心に展開しています。



各セクションを区別するために、左手に独特の反復音型を主題と組み合わせています。主題1では、これらの音型は小節の2拍目と4拍目ごとに非和音を含みます。弱拍自体もそうですが、この非和音は拍内の「無理」な3拍子のうち2拍目にも現れます。アクセントがないため、前打音という名称は議論の余地があります。しかし、前打音に似た、特徴的な「ため息」のような、あるいは緊張を解き放つような感覚は確かに存在します。

[347 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:23:26.96 ID:M9X8aAqY]

リムとの最初のリリースには、ショパンのエチュード以外の何ものも含まれていません。

当然のことながら、これらの作品はリムにとって何の困難も持たず、そのしなやかで楽なテクニックがエチュードの一つ一つを通して輝いています。しかし、音楽的に言えば、彼のショパンは
リストよりも介入主義的で気まぐれであることがわかります。内なる声は、注目を集めるアクセント、変化したダイナミクス、手間のバランスの突然の変化とともに豊富にあります。確かに、
ジョルジュ・シフラの無謀な録音ほど行き過ぎたものには程遠い。彼はヴァレンティーナ・リシツァよりもはるかに口が利かず、アレッサンドロ・デルジャバンの過負荷なディテールを避けている。しかし、彼はマウリツィオ・ポリーニ、ジョン・ブラウニング、ウラジミール・アシュケナージ、マレー・ペラヒア、フアナ・ザヤスの伝統に倣ったストレートなシューターではない。リムのアプローチを
ディスコグラフィー的な文脈で要約しなければならないとしたら、彼のショパンエチュードは、Shura Cherkassky と Abbey Simon による ‘old school’ を中心としたサイクルをよりきらめき、
衝動的に統合したものであると説明します。

たとえば、リムのイ短調エチュード作品 10 第 2 番は、ヴィルヘルム バックハウスの軽くて活発なシェラックの演奏と、左手の伴奏から現れる新たな対旋律を思い出させます。Op 10 に続き、Lim の圧倒的な ‘Black Key’ 変ト長調 No 5、ハ長調 No 7、および ‘Revolutionary’ ハ短調 No 12 に 78rpm のサーフェス スクラッチを追加すると、Ignaz Friedman の伝
説的な録音の別テイクを聞いていると誓うでしょう。リムは、彼の無頓着なヘ長調 No 8 を、ウラジミール ホロヴィッツの ‘逆アクセント’ で締めくくり、最後の 4 つの和音ではなく顕著なディ
ミヌエンドで締めくくります


ピアニズムを特徴づける純粋な音楽性を考慮すると、私のいくつかの屁理屈はほとんど重要ではありません。それでも、私は疑問に思う。リムの主観的なタッチは
何年も後も魔法のようなインスピレーションのように聞こえるのだろうか、それとも、繰り返し聞くことで目新しさが薄れる感情として現れるのだろうか？


準決勝のリサイタル全体をリストの完成に捧げる予定であるという発表 超越的なエチュード 国際的なピアノコミュニティ全体に波紋を巻き起こしました。ァイナリストの中で最も若いこの選手が、技術的な手段、音楽性、スタミナに関するこのような大胆なテストを成功裏に実現できるだろうか？答えは最も強調的で明確な ‘yes’ でし
音楽的かつ技術的な傑作を再び聴くと、リストの新しい録音であっても、それが明らかです 超越的なエチュード これは隔月で発行されるようで、lazar Berman、Claudio Arrau、
Bertrand Chamayou、その他数え切れないほどの個人的なお気に入りと並んで、ベンチマーク参照バージョンとして掲載されるアカウントであり、鮮やかな音楽制作がキャッチされています。その瞬間のインスピレーションを受けた熱気。

振り返ってみると、このリストのパフォーマンスは、あるオンライン コメンテーターが ‑ The Rach 3 と呼んだもののための単なるウォーム‘up アクトでした。ウラジーミル・ホロヴィッツとヴァン・クライバーン自身の全盛期以来、ラフマニノフのピアノ協奏曲第3番の演奏が町の話題になったことはなく、1,100万人以上のYouTube視聴者や経験豊富なプロからクライバーンの
審査員まで、ピアノコミュニティ全体が注目を集めている。おそらく、審査員長でもあった指揮者のマリン・オールソップほどこのパフォーマンスを楽しんだ人はいなかっただろう。‘

[348 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:35:00.56 ID:kncKGnC/]

権威のある器楽コンクールの一つである国際ピアノコンクールは、
アンジェラ・ヒューイット、ジャン＝イヴ・ティボーデ、故ニコラ・アンジェリッチといったアーティストのキャリアを飛躍させたことを誇りとしています。
しかしながら、輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、クリーブランドでは、
このコンクールが現状に甘んじているという意識は全くありませんでした。
今回50周年を迎えるにあたってこのコンクールは
主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直して、変化する音楽と創造の潮流に対応できる、
の受賞者を育成することを決意しています。

2024年大会には265名のピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた55名は、
これまでとは全く異なるコンクールを経験することになります。 「私たちは、ピアニストひとりひとりを一人の完成されたアーティストとして見たいのです」と、
コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語りました。


コールバーグ氏は、バッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に選曲するという考えを捨て、
出場者に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているかを表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。



第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり知られていない作曲家の作品を選び、審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受ける
。
「聴衆とどのように関わり、ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の芸術を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は語る。
後期ラウンドに進むピアニストは、アーティスト育成プログラムの恩恵を受けることになる。
これは、クラシックピアノの未来は個々のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるものだ。



開催されるコンクールの第1ラウンドは、もう一つ大きく異なる点があります。
それは、クリーブランドだけでなくパリでも開催されることです。1995年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォレス大学音楽院、
またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーで演奏しますこの2つの会場で行われることで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツとの繋がりを改めて示すことになります。

[349 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:36:25.05 ID:HEVFxF0w]

最終ラウンドのためにクリーブランドに招待される準々決勝進出者16名はクラシックピアノコンクールに求められる一般的な期待をはるかに超え、アーティストとして自らを表現することが求められます開会式でのポップミュージックデュオ演奏、
少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場やセッティングでの演奏が求められます。

これまでのラウンドと同様に、出場者は、あまり注目されていない、あるいはあまり知られていない
作曲家の作品を演奏し、その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められますコールバーグ氏は、出場者が審査員に「自分自身と、
ピアノの未来をどのように見ているか」を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一環です。

出場者は高額な賞金を期待できます。クリーブランド・コンクールの伝統の一つは、7万5000ドルのミクソン賞をはじめとする、50年にわたる高額賞金の評判です。しかし、キャリアを築くには
賞金以上のものが求められます。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、
カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでのリサイタル出演が保証され、さらに米国有数のアーティスト・マネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されることのなりました


このホールの音響と内装の両方に非常に満足していました。ちなみに、当時は単に「ミュージックホール」と呼ばれていました。開館からわずか
8年後にカーネギーホールとなりました。

しかし、もう一人のロシアの巨匠、セルゲイ・ヴァシリエヴィチ・ラフマニノフは、
カーネギーホールの歴史にさらに大きな貢献をしました。彼は指揮者、ピアニスト、そして多くの室内アンサンブルのメンバーとして、さまざまな編成でカーネギーホールで 92 回演奏しました。

したがってがコンサートの第 2 部全体をラフマニノフの音楽に捧げたのは正しい判断だったと言えます。
特に今年はラフマニノフ生誕150周年の記念すべき年です。エフゲニーがこのラフマニノフのプログラムをアメリカやヨーロッパの多くの都市で演奏することは明らかです。
そしてすでに多くの国で演奏されています。

しかし、カーネギーホールでは特別な音が響きます。

私は目を閉じて、たった100年前（これは歴史上非常に短い期間ですが）に偉大な作曲家自身がまさに
この場所でピアノの前に座っていたことを想像しました。そして、おそらく長年にわたり多くの改修工事が行われ、椅子、聖歌隊席、床、ピアノが交換され、
新しい楽屋が建設され、新しい機材、マイク、ビデオカメラ、エアコンが設置されたとしても、それは問題ではありません。

しかし、場所はそのままです。
いいですか、私は生涯ずっと音楽を勉強してきましたし、私の周りには常に数人の天才たちがいました。しかし、どういうわけか彼らは皆、
落ちぶれて、中退し、まったく普通の演奏家や教師になったり、音楽を完全に諦めたりしました...私はこれらの神童を信じていません！

[350 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:38:18.26 ID:RcWFm2qv]

90年代の初めに私が家族とともにニューヨークに移住したのをきっかけに、ジェーニャと彼の家族もここに移住しました。

しかし、私たちはモスクワでも連絡を取り合っていました。さらに、どういうわけか、1983年にモスクワ作曲家協会で行われた彼の初めてのコンサートに出席できたことを誇りに思います。当時ジェーニャは11歳でした。

それはこうでした。友人が私に電話をかけてきてこう言いました。「おじいさん、もし今夜暇なら、House of Composers に来てください。天才児がそこで演奏するんですよ。」

シャリアピンの街、カザンに到着したとき、私はこう思いました。「なんて不公平なんだろう。
シャリアピンの音楽祭はあるのに、音楽祭はないなんて。」そして彼はホワイトライラックフェスティバルを創設しました。
そして運命のいたずらか、デニス・マツーエフが孫のアレクサンダー2011年の私たちの最初のフェスティバルに連れて来てくれました。



ミュンヘン美術アカデミーで学ぶ。 80年代末から彼女はモスクワとレニングラードの非公式の文学活動に参加した。
彼女はサミズダートで出版を始めました。彼女は雑誌『Place of Printing』と『Mitya’s Magazine』の定期寄稿者でした。
彼女は1991年以来ミュンヘンとベルリンに住んでいました。
90年代には「パフォーマティブ・フォトグラフィー」やパフォーマンスによってドイツでアーティストとして知られるようになりました。彼女はドレスナー銀行奨学金を授与された。ユルゲン・ポント。 2000年以降、フランクフルト・アム・マイン近代美術館での羊の遠足パフォーマンス「Divine Hunt」など、数々の芸術イベントを実施。 2003年に彼女は国際的なフェスティバルを立ち上げました…
詳しくはこちら
I. E. レーピンは、
観客の質問に「笑っちゃうよ」「残酷だ」と答えることができるだろうか？そしてA. A. エクスターは「分からない」「暑い」と言うのでしょうか？ -それがすべてを物語っています！
長所: 珍しいテーマ、高品質の紙、ハードカバー、本のデザインが優れている。 （この点では私は2つ星を付けます）。
短所: 本はフィルムで包まれておらず、ステッカーが表紙に直接貼られています。まあ、内容は期待していたものとは違いました。
アレクサンダー・ズルビンの見解
アレクサンダー・ジュルビン：エフゲニー・キーシンのロマンティック・クラシック、
またはロマンティック・クラシック協奏曲

私は目を閉じて、たった100年前（これは歴史上非常に短い期間ですが）に偉大な作曲家自身がまさにこの場所でピアノの前に座っていたことを想像しました。
そして、おそらく長年にわたり多くの改修工事が行われ、椅子、聖歌隊席、床、ピアノが交換され、新しい楽屋が建設され、
新しい機材、マイク、ビラ、エアコンが設置されたとしても、それは問題ではありません。

ロマンティッククラシック、またはクラシックロマンティック
エフゲニのコンサート
アレクサンダー・ジュルビン
カーネギーホールでのコンサートは、どんな演奏家にとっても一種の頂点です。

あるいは、別のラウンドの集大成。

あるいはツアーのピーク。

あるいは人生の頂点

そして、たとえ特定の演奏家がカーネギーホールで毎年、あるいは年に数回演奏したとしても、ニューヨークの7番街と57丁目の角にあるこの建物には、いまだにある種の神秘的な力が存在しているのです

[351 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:39:50.67 ID:bKmxZeAO]

彼はこのホールの開館に参加し、このコンサートで皇帝アレクサンドル3世の就任式のために作曲した「荘厳行進曲」を指揮しました。

（コンサートの残りの部分はヴァルター・ダムロッシュが指揮しました。彼の父レオポルド・ダムロッシュのオラトリオ「シュラミス」とハインリヒ・シュッツのカンタータ「七つの言葉」が演奏されました。）

一緒にいたとき、私のキャリアの中で多くの重要な出来事が起こりました。


ある和音を弾くときに、当然のことながら全部の音が同じような音量もしくは音質で鳴っていれば、どう考えてもあまりきれいに聴こえることはないだろう。
1番上のメロディの音が出ていればきれいに聴こえるわけだが、それが出すぎれば和音としての厚みがなくなり、やせた音色や質感になってしまう。
一方、和音の中の比較的低いほうの響きを充実させれば、厚みのある音になるが、ただそれも行きすぎれば野暮ったく、汚く濁って聴こえてしまう。
ブラームスは比較的低い音域に、音の響きを集めた書き方をしているが、これは厚みのある暖かい音色を意識したからだと思う。
それに比べてショパンは、ずっとすっきりとした音色になるように、低い音域には音の響きを集めていない。
また、リストは全音域にわたって効果的に音を散らすことによって、ピアノという楽器が1番よく鳴るということを知り抜いていた作曲家とも言える
楽曲中にフォルテと書いてあっても、メロディだけはフォルテで、他の 音は本当になでるように小さなぽかした音で弾かなければうまくいかないこともある。
そういったコントラストの問題が大きくあるのではないかと思う。そして、印象として「暗い」と思われる理由の一つとして、
リズム感が重いということも原因の一つかもしれない。
一般的に演奏上の基礎とされているのは、しっかりとした指の動きの鍛錬によって、たちあがりがはっきりとした太い音で粒が揃っているのが良いとされています。確かに楽譜に書いてある音符をある意味において正確に表現するためには有効です。しかし、このようなタッチで実際に作品を弾いてしまうと指の訓練、例えばハノン教則本やチェルニーの練習曲を弾くのと同じタッチになり、
表現の幅がせまくなってしまいます。
音色と言うよりも強弱のみの変化にたよることとなり、特にロマン派以降の作品に要求されるような多彩な表現は不可能であると断言できます。

[352 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:42:17.74 ID:IpbyOo+9]

人間の五感において、耳の発達が一番遅れているとされ、ソルフェージュによって正しい音程や長さを判別する訓練はされていますが、音色といった、より抽象的な領域までには及んでいないように思います。はっきりとした太い音が良い音と感じてしまうのは、
あくまでも音の鳴る瞬間のみにこだわって耳を使っているためだと思います。
もし、本当にピアノという、すぐに音が減衰してしまう楽器でレガートを実現しようとするならば、音の鳴る瞬間よりも、その後の響きを聴く事が重要です

西洋人がこんな演奏をしていてはみんな中国と中国系、韓国と韓国系、それと戦争が収まったらロシアだけの国際ピアノコンクールになりそうだ
日本はどんどんどんどん貧乏になっているのでピアノを習える子がごくごく小数になりそう…(韓国は経済的に厳しいと言っても社会主義国と一緒で国威発揚で国家バックアップしていそう）



ロベルト シューマン, 、 および ヨハネス ブラームス. 。シェリーとNACオーケストラは、カナダ録音芸術科学
アカデミーからジュノー賞のクラシックアルバム オブ ザ イヤー（ラージアンサンブル）に3回ノミネートされました。NAC の 2 つの委員会、ジョセリン モーロックの委員会 私の名前は
アマンダ トッドです （the Orchestraの2017 年のアルバムより） ライフ リフレクテッド そして ゴールデンスランバーは目にキスします... による アナ ソコロヴィッチ （the Orchestraの2018 年のアルバムより） ニュー ワールズ)、ジュノー賞クラシック作曲賞を受賞。そして、シェリーの指揮の下、NACO は、次のような交響曲音楽を共有する新しい方法を受け入れまし
た NACO ライブ, オーケストラ史上初のライブストリーミングコンサートにより、地元、国内、国際的な認知度が高まりました。

専門能力開発への揺るぎない取り組みを通じて、次世代のアーティストを育成してきました。The annual NACO メンターシップ プログラム, 2021年に発足したこの作品は、
シェリーとnacオーケストラのミュージシャンの指導の下、最大50人の新進アーティストや若手アーティストにオーケストラのスキルを磨く機会を与えている。2024年、シェリーはオーケス
トラ史上初のオーケストラを設立しました 常駐指揮者プログラム, これは、有望なカナダの指揮者に 2 年間の没入型の見習い形式のトレーニングを提供します。他の貴重な取り組みを
通じて、彼は数え切れないほどのカナダの作曲家、音楽家、指揮者、その他のアーティストを指導してきました。シェリーはまた、とのコラボレーションを通じて子供たちや若者に力を与えてきました オタワ ユース オーケストラ アカデミー 瀹シーデゥイーニー の 大語

[353 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:45:19.92 ID:GbqYzQGt]

nacオーケストラのミュージシャンの指導の下、最大50人の新進アーティストや若手アーティストにオーケストラのスキルを磨く機会を与えている。2024年、シェリーはオーケストラ史上
初のオーケストラを設立しました 常駐指揮者プログラム, これは、有望なカナダの指揮者に 2 年間の没入型の見習い形式のトレーニングを提供します。他の貴重な取り組みを通じて、彼は数え切れないほどのカナダの作曲家、音楽家、指揮者、その他のアーティストを指導してきました。シェリーはまた、とのコラボレーションを通じて子供たちや若者に力を与えてきました オタワ
ユース オーケストラ アカデミー 瀹シーデゥイーニー


舞台芸術の本拠地です。NAC は、NAC オーケストラ、ダンス、イングリッシュ シアター、フレンチ シアター、先住民劇場、ポピュラー ミュージック アンド バラエティ ―
のさまざまなストリームで舞台芸術プログラムを上演、制作、制作、共同制作し、次世代の聴衆やアーティストを育成しています。カナダ全土から。NAC は、アニシナベ アルゴンキン州の
未割譲領土にある首都圏に位置オーケストラ史上最年少の音楽監督に就任した。彼のリーダーシップの下、オーケストラは国内最高のクラシック音楽アンサンブルの一つとしての評判を確立し、多様な聴衆とのつながりを築き、作曲家、アーティスト、そしてカナダのクリエイターの革新的なパートナーとして国際的に認められました。マエストロはまた、地元の作曲家による新作の
委嘱と演奏、ツアー、オンラインコンサート、絶賛されたレコーディングを通じてオーケストラの国内外の活動範囲の拡大、新進アーティストのための貴重な専門能力開発プログラムの創設など、
オーケストラの国家的使命も果たしました。

「アレクサンダー シェリーは並外れた指揮者であり、寛大な協力者であり、カナダの芸術家や作曲家をビジョンの中心に据えながら、NACオーケストラを新たな高みに引き上げました」と
説明しています クリストファー ディーコン, 、 NAC 社長 CEO。彼はオーケストラの全国的な役割の重要性を本能的に理解し、それを全面的に受け入れ、カナダの創造性を輝かせるプ

ラッ
トフォームを提供しました。彼は、NAC オーケストラと、音楽監督としての在任中にインスピレーションを与えた複数のアーティストに消えることのない足跡を残すことになるでしょう


ーケストラを率いるか、コミュニティアンサンブルを監督するか オルキドストラ, 、アレキサンダーは、アーティストや観客との関係を構築する顕著な能力を実証; 私はそれのようなものを見たことがない、と言う ネルソン マクドゥーガル, 、 NAC オーケストラ 管理 監督。彼は、前任者が残したサウンド制作の信じられないほどの遺産を持つオーケストラの手綱を引き継ぎました ピンカス ズーカーマン, 、そして芸術的発展を形作り続け、世界クラスのアンサンブルとしての評判を新たな高みに引き上げました。オーケストラのメンバーと組織全体を代表して、NAC オーケストラに対する彼の並外れた貢献に感謝します。アレクサンダーはこのオーケストラをこれまで以上に良い形で去り、彼が指導した音楽家、彼が主導した画期的な録音とプロジェクト、そして彼の任務を通じてインスピレーションを与えた無数の聴衆によって永続される遺産を強化します。って

[354 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:47:46.22 ID:GnIaA7zq]

クリエイティブパートナーは言う
ガブリエラ モンテロ. 。私たちの思い出の多くは、親愛なる友人である国立芸術センター管弦楽団のメンバーとともにNACのステージで行われました。私はアレ
クサンダーに深い賞賛と敬意を持っています。彼の多くの友人や同僚と同じように。ミュージシャンとして、彼は夢のようなコラボレーターです。常に繊細で、聡明で
、励ましの – は、彼の芸術の絶対的な達人です。友人として、そして人間として、彼はあらゆる意味で高級な人物です！彼の新たな芸術的冒険において、彼は現代
の偉大な芸術的人物の一人としての遺産を維持しながら、私たちにインスピレーションを与え、魅了し続けるでしょう。って



個人と集団の卓越性を追求し、卓越した音楽性が栄える環境を作り出し、それによってオーケストラは芸術的卓越性の新たな高みに到達することができました。彼のエネルギッシュな指揮スタイルは、NAC オーケストラの情熱的で洗練されたコンサートと相まって、世界中から有名なソリストを定期的に NAC に集めているだけでなく、多くの聴衆や批評家を魅了しています ジェームズ エーネス, ヒラリー ハーン, ジョシュア ベル 瀹 し ランラン.

音楽監督としてのアレクサンダー シェリーは、大胆なプログラミングとコラボレーション、創造、革新への欲求を通じて NAC オーケストラのアイデンティティを形成し、それが雑誌からの露出を獲得しました Maclean の 「北米で最も大胆なオーケストラの一つ」として。カナダの創造の熱烈な擁護者である指揮者は、限界を押し広げることを目的としたいくつかのプロジェクトの枠組みの中でパートナーシップを確立しま一幕物のバレエとオリジナル サウンドトラックを制作するコミッション (2017); 無条件, CBC と提携したマルチメディア シリーズで、
地元アーティスト 4 人が音楽とビデオでストーリーを共有



振動する午後に、審査員が 3 人の優れた若手アーティストを表彰しました。

シャーブルックのピアニスト、ジュリアン ガニエ, 21 歳、一等賞を獲得, 、 グランドローレイト 、 印象的な技術的熟練と音楽的感性を特徴とする、まばゆいばかりの
パフォーマンスのおかげで競争が始まります。以前の FCMS 版ですでに注目され、いくつかのコンクールで優勝したジュリアンは、同世代の有望なピアニストの一人としての地位
をますます確立しつつあります。彼の表現力豊かで微妙な演奏は審査員と一般の両方を魅了し、彼の才能の程度を裏付けました。

の The 二等賞 に起因すると考えられました ウィリアム ドレイス, 、同じく21 歳、カテゴリー内 クラシック歌唱。彼のパフォーマンスは力強く、繊細さを帯びており、芸術的に非常に
成熟した声を明らかにしました。ウィリアムは、人間味のある解釈を通じて、観客との真のつながりを確立することができ、ステージでの確かな存在感と鋭い音楽的感覚を示しました。

最後に、 三等賞 に 冉 呂砂

ミュージシャンにとって注目すべきエディション
ケベック州の若いクラシック音楽家にとって最も重要な出発点の一つとして30 年以上にわたって認められているFCMSは、その使命を果たし続けています: 卓越性を奨励し、芸術的な
大胆さを刺激し、新進のミュージシャンの出現をサポートします。第 36 回目となる今回は、7 歳から 25 歳までの 225 人以上の若いミュージシャンが、思いやりと要求の厳しい雰囲気の
中で集まりました。

[355 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:50:43.44 ID:1UJ2F+bR]

声楽、2台のピアノ、ライブエレクトロニクスのための音楽で、中世からルネサンスまでの音楽、特にヒルデガルト・フォン・
ビンゲン、バルバラ・ストロッツィ、フランチェスカ・カッチーニ –の作品にインスピレーションを得たもので、さまざまなソースのテキストをもとにチャルミンまたはブライス・デスナーがまたは編曲したものです。、完全に即興の作品とは別に。

この記録はさまざまな点で異なります。たとえば、ボーカルテクニックには、実質的に振動のない平歌、呼吸音、ささやき声などが含まれます。ピアノのライティングは研磨的なものもあれば、ミニマルで非常に無駄を省いたアルペジオで構成されたものもあります。エレクトロニクスもさまざまな方法で導入されています。時々それは簡単なドローンを提供します; 他の時には、ピアノと声の部分はリアルタイムで処理されます。電子機器はさえずり音を生成しますが、非常に腐食

バリエーションが多すぎるため、各作品を説明するのは面倒です。そこで、そのうちのいくつかについて詳しく説明します。3 番目のピース – チェ・トー・ファッティオ？ – は、カルミンとハニガンが匿名のテキストにカッチーニの音楽の断片を編曲したものです。彼は、混沌としたエレクトロニクスと、マルチトラックのボーカルと呼吸音を一種の奇妙なエレクトロポップでミックスし、その後、ボーカルとピアノのかなりゆっくりとした叙情的なパッセージにすべて 5 分以内に移行します。

一方、最後のピースは l’ の配置ですああ、永遠です ヒルデガルト・フォン

芸術的卓越性を達成できるようにしました。彼のエネルギッシュな指揮スタイルは、NACO の洗練された情熱的なパフォーマンスと相まって、幅広い聴衆と批評家の支持
を獲得し、国際的に有名なソリストを集めました ジェームズ エーネス, ヒラリー ハーン, ジョシュア ベル, 瀹 し ランラン, 、 、 莠亮子 の の estayno-ariang memomayTo の の
antoni NAC に 莠
音楽監督としてのシェリーは、大胆なプログラミングとコラボレーション、創造、革新への取り組みを通じて NAC オーケストラのアイデンティティを形成しました マクリーンさん NACO “を北
米で最も大胆なオーケストラの 1 つと呼ぶ雑誌。” カナダの創造の擁護者であるシェリーは、以下を含むいくつかの境界を押し広げるプロジェクトを追求するためにパートナーシップを築きました Life Reflected, 、4 人のカナダ人作曲家に4 人の注目すべきカナダ人女性の肖像画の制作を依頼した没入型マルチメディアコンサート体験(2016 年）; ENCOUNT3RS, これは、3 人の
カナダの振付家と 3 人のカナダの作曲家に、新しい一幕物のバレエとオリジナルの楽譜の作成を依頼しました (2017); 途切れていません, CBC と提携したマルチメディア シリーズで、4 人
のカナダ人アーティストが音楽とビデオを通じてストーリーを共有しました (2019);そして ウアク, 、モントリオールを拠点とするコロンビアのダンスアーティストと制作した、人類と地球の関係に
ついての学際的なパフォーマンス アンドレア ペーニャ そして国際的に有名なカナダの写真家 エドワード バーティンスキー (2024 年）として発表された。

[356 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:53:44.35 ID:Qk+2uVH+]

出場者より素晴らしい演奏をできるかというとタイミングや運に左右される要素が多分にあるので･･･というのが主たる理由になるんじゃないか。
エゥー ケ トーラ ハート と ん ん しまー し た ケベック交響曲管弦楽団 瀹 し トロント メンデルスゾーン 合唱団 克用（けういん）草州ノ アス家ノ ニ ジャック エトゥ の ト ヘスハネト、ケゥンコゥン チ シ ティ、オゥハトゥプーの互角ヨリヨリ五銖。

2025 年 5 月と 6 月に、シェリーはオーケストラのリーダーを務めます 韓国と日本ツアー, 、40 年ぶりに韓国デビューと日本復帰を果たした。シェリーとオーケストラはまた、野心的な 4 枚のアルバムを含む 12 枚の絶賛された録音をリリースし、幅広い聴衆に届きました Clara – Robert – Johannes の音楽を探求したシリーズ クララ シューマン、ロベルト シューマン, 、 および ヨハネス ブラームス. 。シェリーとNACオーケストラは、カナダ録音芸術科学アカデミーからジュノー賞クラシックアルバム オブ ザ イヤー（ラージアンサンブル）に3回ノミネートされました


ウィーンで開催される国際ラウンドに出場し、バーバーのソナタをはじめとする作品を演奏することを選びました。彼はこの経験を楽しんでいましたが、リーズ大会前のこのラウンドは、多くの点でコンクールの中で最も難しいとされています。それは、演奏者の数が非常に多いため、次のステージに進むのが非常に難しいからです。私は親として、またリーズ大会の準備で生徒を指導してきた者として、カラムに過度の期待をしないように勧めました。しかし、数週間待った後、リーズで開催される第2ラウンドに進む24名の出場者に選ばれたという通知が届きました。夢が現実となり、カラムは4時間以上に及ぶレパートリーを準備するという途方もない課題に直面しました。

コンクールの最終段階に課された規定の課題は、自由選択のソロ・レパートリーと、協奏曲、室内楽、現代曲の特定のリストを組み合わせたもので、これ以上ないほど過酷なものでした。若いピアニストたちは、第2ラウンド、準決勝、そして協奏曲の決勝に向けて、2つの代替曲を準備するよう求められました。準決勝と協奏曲の選曲は、各ラウンドの結果発表後に審査員によって決定されました。つまり、定められた時期にすべてが基準を満たしているように、綿密な計画を立てる必要がありました。ウォームアップコンサート、コンサルテーションレッスン、運動、睡眠、栄養、瞑想、そしてポジティブシンキングはすべて、必須の準備でした。リーズ・コンクールは、すべての出場者にとってマラソンなのです。

リーズのようなコンクールに向けて、ひたむきな献身と長時間にわたる練習が求められることは、いくら強調してもし過ぎることはありません。ピアノ以外のことに使える時間はほとんどありません。ある意味では、これは不健全なことかもしれませんが、演奏家がこの集中的な準備期間を乗り越えることができれば、若いピアニストの決意を強めることができます。この過程を乗り越え、成長できれば、より優れた演奏家、より力強いアーティストへと成長できるでしょう。


ピアニストたちは、実に魅力的な若者たちでした。出会った人全員の態度に感銘を受けました。彼らは常に優しく、互いを惜しみなく称賛し合っていました。国際コンクールに出場するピアニストは数多くいますが、彼らの世界は狭いのです。カラムは、サンタンデール・コンクールとフェロル・コンクールで親しくなったカーター・ジョンソン、ペドロ・ロペス・サラス、ジェイデン・イジク＝ズルコ、カイ＝ミン・チャン、ジュンヤン・チェンといった、第2ラウンドに進出するピアニストの半数以上を既に知っていました。彼らはコンクールが予測不可能であり、何事も当然のことではないことを理解しています。驚きは日常茶飯事であり、当然のことです。彼らは、コンクールという厳しい環境で厳しいプログラムを演奏するという精神的・肉体的ストレスに耐えうる卓越したレベルに到達するために、人生を捧げているのです。

[357 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:56:12.51 ID:f098EkGY]

ある演奏者が後期ラウンドに選ばれず、他の演奏者が選ばれると、当然のことながら抗議の声が上がりました。誰にでもお気に入りの演奏者はいますが、個人的には、ダン・タイ・ソンの生徒であるユ・ソンホが第2ラウンドを突破できなかったのが残念でした。浜松コンクールの上位入賞者の一人である牛田智治は第2ラウンドを突破しましたが、協奏曲部門のファイナリスト5名には入りませんでした。ただし、聴衆賞は受賞しました。ダン・タイ・ソンのもう一人の生徒であるカイ・ミン・チャンは、数年前のフェ​​ロール・ピアノ・コンクールでは後期ラウンドに進めなかったかもしれませんが、リーズでは素晴らしい成績を収め、特にソフィア・グバイドゥリナのシャコンヌを素晴らしい演奏で披露し、決勝に進出しました。ジュリアン・トレヴェリアンの運命はもっと劇的だった。ベスト24に残れなかった彼は、第2ラウンドのわずか数週間前に控え選手として招集され、協奏曲の決勝に進み、ロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団と首席指揮者のドミンゴ・ヒンドヤンとともにバルトークの協奏曲第3番を演奏した。

第2ラウンドでは、ショスタコーヴィチやレーガーを含むプログラムではなく、シューマンの交響的練習曲、CPEバッハのソナタ


どのプログラムを演奏するかを知らされました。中には、予定の演奏開始までわずか1日半という状況もありました。
そのため、カラムをはじめとする数名は、夜遅くまで練習に励み、すぐに会場を後にしました。

準決勝では、カレイドスコープ・チェンバー・コレクティブがピアニストたちと共演し、ラヴェルの三重奏曲、ショスタコーヴィチの五重奏曲、ベートーヴェンの幽霊三重奏曲、フォーレのヴァイオリン第1ソナタなど、実に多様な作品を演奏しました。特にエイミー・ビーチのピアノ五重奏曲作品67は心を奪われました。女性作曲家の作品を発表することへの奨励とモチベーションは、今年のリーズ・フェスティバルのいたるところで感じられましたが、決勝でクララ・シューマンの魅力的なイ短調協奏曲を演奏する参加者がいなかったのは残念でした。

このような状況下で生徒や子供たちの演奏を聴くのはストレスがたまるものです。ですから、ブラームスのヘンデル変奏曲の最後の数小節でカラムの75分間の準決勝のプログラムが終わった時、彼は大きな安堵を感じました。彼は無事にこの経験を満喫し、多くの友人やファンを獲得しました。コンクールでの演奏が直接のきっかけとなり、ドイツでのリサイタル出演のオファーも受けました。決勝進出は逃しましたが、このイベント全体は非常に有意義な経験


それほど威厳はないものの、おそらくよりエキサイティングで、ラフマニノフの捉えどころのない第4協奏曲で非常に好印象を与えた。彼女は生まれながらの演奏家で、彼女のコミュニケーション力は、バルトークの人間離れした難解な練習曲の初期の演奏で特に印象的だった。カン・ニー・ルオンは、プロコフィエフの第3協奏曲をリズミカルにタイトかつ規律正しく演奏し、その後はデュティユーのソナタやベートーヴェンの作品90など、美しい演奏を次々と披露した。カイ・ミン・チャンはベートーヴェンの第4協奏曲で賞賛に値する制御力と音楽的理解力を示し、ジュリアン・トレヴェリアンは、叙情的でありながらも濃密で非常に要求の厳しいバルトークの第3協奏曲の世界
で秀でた。

[358 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:58:02.89 ID:aprpAxnt]

競技ラウンド以外にも多くのイベントが開催されました。地域イベント、
2021年優勝者アリム・ベイセンバエフのガラ・リサイタル、
ルーシー・パーハムとデイム・ハリエット・ウォルターによる「I Clara」、個性的なピアノ
と彫刻が大都市圏の様々な場所に戦略的に配置されたリーズ・ピアノ・トレイル、親子と赤ちゃんのためのセッションや家族で一緒に歌えるシンガロング、
そしてインタラクティブな彫刻とイベントスペースが一体となった素晴らしいピアノドロームなどです。このコンクールとその関連イベントが、これから
も繁栄し、発展していくことを願っています。この3年ごと
のイベントはピアノ界の基盤となる重要な部分であり、2027年のコンクールはすでに計画

多くの人にとって、それは早計なことではないはずです。というのも、ピアニストは数え切れないほどの歌曲や室内楽作品で、小さな協奏曲に相当する演奏をしているからです。「伴奏者」と
呼ばれることは、手首の怪我にさらに悪影響を及ぼしかねません。代わりの「コラボレーティブ・ピアニスト」という呼称は、
そもそも必要かどうかは別として、まだ完全には定着していません。「『あなたは自分のことを何て呼んでいるの？』と何度も聞かれます」とアナ・ティルブルックは
言います。「ええ、ピアノを弾きます。だからピアニストです」

レーベルだけでなく、共演ピアニストの世界にも大きな変化が起こっています。
歌手と仕事をする時、熱心な音楽家はしばしばプログラムプランナー、フェスティバルディレクター
、ボーカルコーチ、ドラマトゥルク、コンサートハスラー、名手、そして心理療法士といった、10本の指を持つ万能な人物の
役目をすべて兼ね備えています。しかし、彼らが直面する課題は、かつてないほど多く、またこれほどまでに困難を極めたことはありませんでした。

まず第一に、そして最大の問題は、機会の多さ、あるいは少なさだ。「50年前なら、歌のリサイタルは若い音楽家に
とって生活の糧だったでしょう」と、オックスフォード国際歌曲祭（旧オックスフォード・リート・フェスティバル）の創設者兼芸術監督、ショルト・キノック氏は語る。「音楽クラブや協会
には、今で言う弦楽四重奏団のように、リサイタルのサーキットがありました。しかし、それは衰退し、復活の兆しは見られ
ません。年に6回のコンサートがある地域の音楽クラブでは、歌のリサイタルはほとんど行われないでしょう。もちろん、
ウィグモア・ホールは輝かしい存在であり、今でも多くの観客を集める名曲が演奏さ
れています。しかし、パンデミック以降、回復が最も遅い

おそらくその結果の一つとして、歌曲リサイタル・プログラムの創意工夫の度合いは徐々に高まって
いる。これは、一部のピアノ・ソロ・プログラムに影響
を与えてきたプレイリスト原理の影響のように見えるかもしれないが、歌曲においては、それはさらに遡り、より深いところまで遡る。私が話を聞い
たピアニスト全員が、ザ・ソングメーカーズ・アルマナックの創設者であるグラハム・ジョンソン氏を称賛した。ジョンソン氏は、質素なリサイタルを劇的可能性に満ちた世界へと変貌させた。1976年に開始されたこの長寿シリーズは、複数の歌手が出演し、単に無関係なレパートリーを寄せ集めるのではなく、関連性のあるコンセプトや劇的なテーマに基づいた、主に珍しい音楽のコンサートを上演することで、従来の型を破った。

[359 ギコ踏んじゃった 2025/05/23(金) 23:59:27.43 ID:VmOUUG2y]

「プロモーターたちは、歌曲ピアニストに対する態度を変えたと思います。シリーズ公演や建設的なプログラムを組む機会が増え
たからです」とマルコム・マルティノーは語る。「それはすべてグレアム・ジョンソンのおかげです。彼が先駆けでなければ、
私たちの世代は今のようなことは何もできなかったでしょう。ソングメーカーズ・アルマナックは、リート界全体を変えました。」

イアン・バーンサイドも同意見だ。「ザ・ソングメーカーズ・アルマナックは想像力豊かなプログラミングをしていて、様々な聴き方があること、

そして豊かな想像力、知識、そして洞察力でプログラミングできることを示していました。キャリアのある段階で、あのコンサートを聴いて非常に多くのことを学びました。」


制作の原動力となるのはピアニストであることが多いですが、そのプロセスはパートナーシップによって異なります。
ベンジャミン・アップルやリーゼ・ダヴィッドセンなど、多くのアーティストと共演しているジェームズ・ベイリューは、
歌手たちの個性や声質に大きく左右されると言います。「ベンと私は『禁断の果実』というプログラムを組んでいます。
これは様々な音楽を織り交ぜ、アダムとイブの物語を辿るものです。このプログラムは、
聴衆にその夜の文脈を伝え、導くのに役立ち、構成するのもとても楽しいです。リーゼの場合、多くの聴衆は彼女の歌声を聴きに来ているので、
ドラマチックなプログラムを組むよりも、彼女の歌声を際立たせるべきだと考えています。」

今日の英国で共演ピアニストとして生き残るには、
起業家精神が不可欠であることは間違いありません。そのおかげで、今では素晴らしい歌のフェスティバルがいくつも
毎年開催されています。ちょうど20年前、ジョセフ・ミドルトンはリーズ・リーダーを創設しました。イアン・バーンサイドは、2001年に発足したラドロー・イングリッシュ・ソング・
ウィークエンドの芸術監督です。そして、キノックは大学を卒業して王立音楽院で大学院の研究を始める間、オックスフォード・リーダー・フェスティバル（現在のオックスフォード国際歌曲祭）
を始めました。「演奏する場が欲しかったら、会場を選んで開催するというアプローチを常にとってきました」と彼は言います。「
学校にいても、部屋を予約してポスターを貼り、友人たちとコンサートをしていました。フェスティバルの初年度には、この芸術形式への関心の再燃とオックスフォード市のための新しい
フェスティバルを確立するというミッションステートメントを掲げました。 23年経った今でもそう言うと思うけど、最初はこうやって始まったんだ。
一緒に曲を作ろうと思っただけなんだ。ほとんどの曲がそういう集まりのために書かれたから、完璧なんだ。」

これらのフェスティバルのいずれかを訪れれば、
シューベルトやブラームスの人気曲から、ヴォーン・ウィリアムズやジェラルド・フィンジなどのあまり知られていない名曲、あるいはエロイーズ・ヴェルナー、
ジュディス・ウィアー、ロクサーナ・パヌフニクなどの作曲家による最新の歌曲集まで、
目が回るようなレパートリーの豊富さに気づくでしょう。

[360 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:00:57.19 ID:O4APjckc]

芸術をますます重要になる新たな領域へと押し上げることにも貢献しています。
ジョセフ・ミドルトンはこう述べています。「リーズでは、基本的にブッキングや演奏が可能な限り最高のギグを企画してきました。人々は質の高い
作品、つまり誠実さと深い愛情、そして真摯で徹底的な研究に基づいて作られたものに反応すると思います。私たちは、このフェスティバルが誰にとっても、そして境界線がないものであることを明確に示すような形で提供するよう努めています。チケット
は非常に安価に設定し、多くのコンサートを完全に無料でストリーミング配信しています。地域社会への働きかけも積極的に行い、おそらく私たちのことを聞いたこともないような人々にも
確実にリーチし、コンサートホールに足を運んでもらい、心地よい体験を提供するだけでなく、同時に自分自身についても何かを学んでもらう機会を提供しています。」このフェスティバルは、
他の多くの団体と同様に、アーツカウンシル・イングランドによる一見無意味な予算削減の犠牲になりそうでした。しかし、
この物語には少なくともハッピーエンドがあります。長く綿密な議論の末、再び資金が確保されたのです。

ティルブルックは、コンサートのプログラムにおける最近の顕著な変化を指摘する。「多様性の確保




作品群の確保に大きく依存しており、これは間違いなく新しい現象です。過去10年間で、
プログラムに取り上げられる女性や多様な作曲家の数は飛躍的に増加しました。こうした作品の調査と発掘という点では、
最近「モーツァルトと現代女性」という大規模なシリーズを立ち上げ、シア・マスグレイヴ、ジュディス・ウィアー、エロリン・ウォーレン、ドロシー・ハウエル、ドリーン・カーウィゼンといった作曲家の歌曲を研究してきました。
また、キティ・ワトリーとのプロジェクトでは、ルイーズ・ファレンクのような作曲家にまで遡り、
図書館に眠っていて私たちが知らない膨大な資料を探求してきました。」ティルブルックはまた、レベッカ・クラークに関する主要なプロジェクトにも取り組んでおり、彼女の歌は、
その時代の最高傑作の一つとしてますます認知されつつある。

ミドルトンにとって、歌はコンサートであれレコードであれ、
現代にふさわしい完璧な芸術形式だ。「歌は売りにくいとよく言われますが、歌は私たちを内なる自分と真に結びつけてくれるという点で、今の人々が求めているものにぴったりだと思います。
これらの歌詞は、文字通り私たち全員が常に心の中に抱えているものについて歌っています。また、かなり短いものが多いので、レパートリーをミックスすることも可能です。」

[361 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:03:24.89 ID:5875Tnf4]

アルバム全体を聴きたいという方にも分かりやすいようにプログラムしました。うまく機能するテーマや、隣り合わせで美しく響くキーを見つけるのに、私たちは多くの愛情と努力を費やしたので、
皆さんにもそうやって『聴いて』ほしいと思っています。しかし、個々の曲が特定のプレイリストに載ってしまう可能性もあることは承知しています。
それは、初めて知らなかった曲に出会う素晴らしい機会になるかもしれません。願わくば、その時点でアルバム全体をクリックして聴いてくれることを願っています。」

ピアニストの役割が進化してきたように、歌唱スタイルやコンサートのプレゼンテーションも進化してきた。「
外国語の歌を怖がったり、歌手が好きではないと考える聴衆がいるのは、昔からよくあることです」とマルティノーは言う。「だからこそ、安っぽくすることなく、
できるだけ親しみやすいものにする必要があるのです」。ここ一、二世代、歌手たちはより自然な方法で歌を披露してきたと彼は示唆する。「まるで夕食のテーブルを囲んで誰かが物語を語ってくれているかのように。
オペラの世界では必ずしもそうではないにしても、リート界では、ほとんど象徴的な存在だった偉大な歌手たちの時代は過ぎ去ったと思います。私にとって、それは良いことだと思います。より親しみやすく、より自然になったのです」

「コラボレーティブ・ピアニスト」になるには、一体誰が、
そしてなぜそうなるのでしょうか？まず、昼夜を問わず練習室でピアノの前に一人で座っていることを好まない、特別な気質が絶対に必要です。「12歳くらいの頃から、友達のために演奏したり、
学校のコンサートやABRSM試験の伴奏をしたり、学校の合唱団の伴奏をしたりするのが大好きでした」とティルブルックは言います。「私はいつも、
他の人と音楽を奏でること、そしてその瞬間に生まれる自然発生的な感覚を生み出すことが大好きでした。何が起こるか全く予測できない、そういうワクワク感こそが、私の情熱でした。」

演奏活動から放送、ミュージカル脚本執筆まで、多岐にわたるキャリアを持つイアン・バーンサイドにとって、すべては偶然から始まりました。「ピーター・ピアーズがオールドバラでのチャリティコンサートで私の演奏を聴き、彼のマスタークラスで演奏してみないかと尋ねてきたので、喜んで参加すると答えました。すると彼は『ブリテンの曲を知っていますか？』と尋ねました。私は全くお金がなかったので、『ええ、大好きです』と答えました。その時はブリテンの曲を一つも挙げられませんでした！でも、出かけて行っていくつか買って練習しました。ピーターと楽しい時間を過ごしまし
と詩に興味があったので、この機会が訪れた時、すぐに飛びつきました。そして、本当に楽しかったです。」

歌詞への情熱は不可欠だと彼は指摘する。声への情熱、そしてそれがどのように機能するかを理解することも同様に重要だ。
マルティノーはこう語る。「私たちの仕事は、歌う動物を愛さないとできないと思います。歌うことに伴うあらゆる気まぐれや、それに伴う勇気も理解できなければなりません。私も歌手として
訓練を受けました。プロとして歌ったことはありませんが、今でもレッスンを受けていますし、歌うことが大好きです。歌には技術と本能

[362 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:04:36.74 ID:5875Tnf4]

1つ目で最も重要なことはこれです ミケランジェロ ブオナローティによる詩の続き, 、 作品 145a。この曲は作曲家が亡くなる直前の1974年に作曲され、ミケランジェロの11のテキストがロシア語に翻訳されています。この曲はもともと声とピアノのために書かれましたが、後に作曲家がここで聴くオーケストラバージョンを作成しました。

全体は非常にショスタコーヴィチであり、少し暗いです。作曲家はすべての曲（元々は最初の行でのみ指定されていた）に「怒り」、「亡命者たちへ」、「死」、「永遠」というタイトルを付けました。ほとんどの場合、私たちがオーケストラから聞くのは、暗い気分で、怒っているショスタコーヴィチですらあります。不穏な低音弦や、華麗な金管楽器がティンパニと混ざり合ったり、高音弦が
調律されたパーカッションと決闘したりするパッセージがたくさんあります。音声の使用も同じ方向に進みます。ほとんどの場合、彼女は非常に強調されており、非常に低いです。場合によっては、声が伴っていないか、ほとんどマークされていないこともあります。陰鬱なことばかりじゃないけど。2番目の詩「マタン」は、より速く、より軽く、ほとんどノスタルジックな扱いを受けており、「
ニュイ」では弦楽器と声の美しい叙情的な文章が書かれています。そして最後にサプライズがあります。最後の詩「永遠」はまったく予想外で、非常に遊び心のあるピッコロの演奏、明るく楽しいパーカッションがたくさんあり、静かなフェードインの前に軽くて速いボーカルラインがあります。

残りは非常にうまくいっています。ゲルネは正確で、自分の声の色をテキストや音楽の雰囲気に説得力を持って適応させます。フランクのテンポは適切で、オーケストラはショスタコーヴィチに
期待されるサウンドを生み出します。弦は 1 つ可能です レガート 陰鬱ですが、特定の瞬間に必要とされるほぼパーカッシブな効果も高まります。木管楽器は素晴らしく、金管楽器の爆発は期待に応えますが、レニングラード・フィルハーモニー管弦楽団の古い録音の攻撃性とは程遠いものです。パーカッションの需要は高いです。すべてが完璧によくレンダリングされています。








2 番目のピースは 10月、 op。131、はるかに短い交響詩。これは 1967 年の 50 の注文ですe 十月革命の記念日であり、おそらく作曲家の最後の「公式」作品の 1 つです。
正直に言うと、これはショスタコーヴィチの他の作品とよく似ており、彼が自分自身をパロディしているかどうかはわかりません。作品はかなり暗く始まり、その後、より激しい対立セクションと緊張した叙情性
が続き、プロレタリアの歓喜が最初に小さな楽しい曲の形で–に爆発し、次に金管楽器とパーカッションがたくさんある古典的な「勝利主義者」のフィナーレが始まります。結論は散歩
とギャロップの中間です。かなり典型的。
引退後はクラシック音楽、オペラ、演劇について執筆することに費やしています。トロントを拠点とする彼は、1950年代のホラー映画から描かれたオペラを意味するのか、それとも長い19世紀の忘れ去られたフランスの傑作を主に意味するのか、新しいもの、珍しいもの、そして不明瞭なものに興味を持っています。かつてはラグビー選手であり審判でもあった彼は、今
ではリヒャルト・シュトラウス’・エレクトラにちなんで名付けられた猫と遊ぶことに肉体的なエネルギーを費やしています
表現できないほど豊かになりました。私の二人の息子はオタワで生まれました。彼らはカナダ人です。妻のゾーイと私は、この事実を誇りに思うことはできませんし、この国が築いてきた生涯にわたる友情、この国が私たちに与えてくれた思い出、私たちに示された揺るぎない寛大な精神、そして10年以上にわたるこの国にこれ以上感謝することはできません。忘れられない
文化的および音楽的冒険。私たちの精神の一部は常にここに残ります。そして、注目に値する

[363 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:06:29.86 ID:tPDQTg5d]

テレマンからバッハ、イザイ、ドビュッシー、ストラヴィンスキーを経て現代音楽の作曲家まで、時空を超えた音楽の旅に私たちを誘います。この芸術家はまた、特に師であるアンドリュー・ドーズが所有し、彼が受け継いだ楽器、弦楽器製作者グァダニーニのヴァイオリン「ドーズ、ロング・ティアーズ作」(1770年）の歴史を呼び起こします。このようにして、偉大なレパートリーの作品の中に、ドーズ氏のために特別に作曲されたマレー・アダスキンの作品が見つかります。なお、ロバートとそのパートナー フィリップ チウ つつぁノ出はl丶、
瀹ァヨヤユン元ガヲトシテシ ディブ アブラレテイイウリニヂ カカケガブルラレゥ、多カケレレナカケレウイニガガリヲウシヅァリィハハィ 品ウオウシヅルウルコトニニイヅンウオシンクテキマシヅル
そこにまだ到達できていないということです。

アルバムはによる音楽で始まります プルチネッラ ヴァイオリンとピアノのための編曲で、ストラヴィンスキーの時代錯誤的なアプローチを明確に強調しています。バロックにインスピレーションを得た、これ イタリア組曲 派手な文章から、より温和な丸み –darker too–、そして無限のエネルギーを経て、王室の踊りにふさわしい刺繍スタイルを見つけます。
最後の 2 つの作品は、非常にロマンチックな作曲コードを使用して、私たちを少なくとも 1 世紀前進させます。

この作品は文体的な逸脱を行っており、それ自体が音楽家の折衷主義を示しています。ストラヴィンスキーから、私たちはジャン パピノー クチュールに直接移ります。ジャン パピノー クチュール自身も、この作曲家によるフォーヴィスト的なアプローチに触発されています 春の儀式.

の 実行 ヴァイオリン独奏のための12の幻想曲 de Telemann は、バロック時代の記録における内田氏の相対的な熱狂性を、以前の – よりもさらに明確に示しています。これらの作品が現代作品ほどの熱意を持って演奏されていないことに私たちは驚いています。そこ パルティータ no 3 デ・バッハは確かに非常に生き生きとしていますが、
音符のレンダリングには繊細さが欠けており、リズムの規則性は完璧ではありません。

確立 1843– 彼の最初の成功だった。伝説によると、1839年にドイツからイギリスへ旅行していたワーグナーと妻のミンナは、乗っていたボートが激しい嵐に見舞われ、ノルウェー南東部で立ち往生したという。この経験がワーグナーにこのオペラを創作するきっかけを与えました。

ホランダー 世界中での上演回数を考えると、ワーグナーの最も人気のあるオペラです。Operabaseが過去30 年間にまとめた統計によると、28 回目ですe 世界で最も上演されたオペラは、4,932 回の公演と 1,119 回の公演でした。などの他の人気ワーグナーオペラに先駆けて上演されています トリスタンとイゾルデ （n° 37)、 タンハウザー （n° 39) および ディ ヴァルキューレ （n° 40)。

[364 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:09:49.62 ID:hjFDwy7b]

50 以上の録音が行われています。ワグネリアンはお気に入りを選ぶ際に非常に強い意見を持っています。そうは言っても、この物語の偉大なセンタはキルスティン・フラッグスタッド、アストリッド・ヴァルネ、レオニー・リサネク、アンジャ・シリヤ、ヒルデガルト・ベーレンス、グウィネス・ジョーンズ、ジュリア・ヴァラディ、シェリル・スチューダーであるということには、ほとんどの人が同意すると思います。

新しい千太を温かく迎えてください！ノルウェーのソプラノ歌手です リサ ダビッドセン。純粋な声という点では、彼女は私の耳に最適です。キャラクター描写に関して言えば、リーズ・デイヴィッドセンは前任者たちを羨ましがることは何もない。このディスクは、davidsen の最初の – とおそらく最後の – Senta を表しています。伝えられるところによると、彼女はワーグナーの他のヒロインたちを支持してそれを脇に置いていると述べたという。それは残念なことですが、彼が受けた素晴らしい歓迎が彼女の考えを変えることを願っています。

これほど力強い声でデュエットを歌うのは簡単ではありませんが、カナダのバスバリトンです ジェラルド フィンリー は並外れた繊細さを持つオランダ人である。私はたまたま彼と話し、彼のアンフォルタを聞くためにミュンヘンにいました パルジファル, 、このオスロでのレコーディングのほんの数日前に、. エレガントで温かみのあるバスバリトンが理想的です。オランダ人として、彼の模範的な劇的な鋭さと誠実さは、彼が自ら演じた役柄を忘れられないものに


エイリーク・グロトヴェットがシュトイアーマン（パイロット版）を演じた素晴らしい叙情的なテノール歌手です。スタニスラス・デ・バルベイラックのエリックも、デュオの高音域によく適応しているため、非常に優れています。ダーランドとして、ブリンドリー・シェラットのベースは最初は不安定でしたが、すぐに安定します。彼の口調は理想的には新鮮ではないかもしれないが、
センタの父親役には非常に重みがある。Anna Kissjudit の低いメゾはメアリーにとってうまく機能します。このオペラでは合唱団が非常に重要であり、ノルウェー国立歌劇場の合唱団は素晴らしいです。

この ホランダー これは、2024年8月にオスロのノルウェー国立歌劇場で行われた2つのコンサートから抜粋されたものです。録音されたサウンドは素晴らしく、周囲の騒音はほとんどなく、
拍手もありません。これが満員の家の前でのパフォーマンスだとは決して思わないでしょう。この2回の公演で、イギリスの指揮者エドワード・ガードナーがノルウェー国立歌劇場の新しい音楽監督として有望なデビューを果たします。彼はオーケストラから、常に叙情的で決して雄大ではない、エキサイティングで力強いサウンドを得ています。

声楽、2台のピアノ、ライブエレクトロニクスのための音楽で、中世からルネサンスまでの音楽、特にヒルデガルト・フォン・ビンゲン、バルバラ・ストロッツィ、フランチェスカ・カッチーニ –の作品にインスピレーションを得たもので、さまざまなソースのテキストをもとにチャルミンまたはブライス・デスナーが作曲または編曲したものです。、完全に即興の作品とは別

[365 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:11:45.30 ID:fofFg3lR]

ボーカルテクニックには、実質的に振動のない平歌、呼吸音、ささやき声などが含まれます。ピアノのライティングは研磨的なものもあれば、ミニマルで非常に無駄を省いたアルペジオで構成されたものもあります。エレクトロニクスもさまざまな方法で導入されています。時にはそれは簡単なドローンを提供します; 他の時には、ピアノと声の部分はリアルタイムで処理されます。電子機器はさえずり音を生成しますが、非常に腐食性が高い場合もあります。ある時点では、それは（歪んだ）エレクトロポップのように感じられます。魅惑的な！

バリエーションが多すぎるため、各作品を説明するのは面倒です。そこで、そのうちのいくつかについて詳しく説明します。3 番目のピース – チェ・トー・ファッティオ？ – は、カルミンとハニガンが匿名のテキストにカッチーニの音楽の断片を編曲したものです。彼は、混沌としたエレクトロニクスと、マルチトラックのボーカルと呼吸音を一種の奇妙なエレクトロポップでミックスし、その後、ボーカルとピアノのかなりゆっくりとした叙情的なパッセージにすべて 5 分以内に移行します。

一方、最後のピースは l’ の配置ですああ、永遠です ヒルデガルト・フォン・ビンゲン著、チャルミン著。所要時間はほぼ14分ですが、非常に抑制されています。ボーカルはテキストのシンプルな平易な処理を提供し、エレクトロニクスを地味に使用した非常に無駄を省いたピアノが伴奏します。とても美しく、かなり古典的な方法で。

全体として、このディスクには、2022-2023 年にサン ペ シュル ニヴェルのラ ファブリック デ オンドで録音された、非常に多様で完成した音楽が 1 時間以上含まれています。明らかに、エンジニアリングは最終結果に不可欠な部分であり、特にヘッドフォンでは興味深いことが起こります。この録音が「サラウンド」オプション付きで SACD に表示されていれば面白かった

19世紀の忘れ去られたフランスの傑作を主に意味するのか、新しいもの、珍しいもの、そして不明瞭なものに興味を持っています。かつてはラグビー選手であり審判でもあった彼は、今ではリヒャルト・シュトラウス’・エレクトラにちなんで名付けられた猫と遊ぶことに肉体的なエネルギーを費やしています。




首の怪我にさらに悪影響を及ぼしかねません。
代わりの「コラボレーティブ・ピアニスト」という呼称は、そもそも必要かどうかは別として、
まだ完全には定着していません。「『あなたは自分のことを何て呼んでいるの？』と何度も聞かれます」とアナ・ティルブルックは言います。「ええ、
ピアノを弾きます。だからピアニストです」

レーベルだけでなく、共演ピアニストの世界にも大きな変化が起こっています。歌手と仕事をする時、熱心な音楽家はしばしばプログラムプランナー、フェスティバルディレクター、　ボーカルコーチ、ドラマトゥルク、コンサートハスラー、名手、そして心理療法士といった、10本の指を持つ万能な人物の役目をすべて兼ね備えています。しかし、彼らが直面する課題は、かつてないほど多く、
またこれほどまでに困難を極めたことはありませんでした。

まず第一に、そして最大の問題は、機会の多さ、あるいは少なさだ。「50年前なら、
歌のリサイタルは若い音楽家にとって生活の糧だったでしょう」と、オックスフォード国際歌曲祭（旧オックスフォード・リート・フェスティバル）の創設者兼芸術監督、ショルト・キノック氏は語る。「音楽クラブや協会には、
今で言う弦楽四重奏団のように、リサイタルのサーキットがありました。しかし、それは衰退し、復活の兆しは見られません。年に6回のコンサートがある地域の音楽クラブでは、歌のリサイタルはほとんど行われないでしょう。
もちろん、ウィグモア・ホールは輝かしい存在であり、今でも多くの観客を集める名曲が演奏されています。
しかし、パンデミック以降、回復が最も遅いのは、このホール

プログラムの創意工夫の度合いは徐々に高まっている。
これは、一部のピアノ・ソロ・プログラムに影響を与えてきたプレイリスト原理の影響のように見えるかもしれないが、
歌曲においては、それはさらに遡り、より深いところまで遡る。私が話を聞いたピアニスト全員が、ザ・ソングメーカーズ・アルマナックの創設者であるグラハム・ジョンソン氏を称賛した。
ジョンソン氏は、質素なリサイタルを劇的可能性に満ちた世界へと変貌させた。1976年に開始されたこの長寿シリーズは、複数の歌手が出演し、単に無関係なレパートリーを寄せ集めるのではなく、関連性のあるコンセプトや劇的なテーマに基づいた、
主に珍しい音楽のコンサートを上演することで、従来の型を破った。

[366 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:13:37.85 ID:nXMHy8Vv]

プロモーターたちは、歌曲ピアニストに対する態度を変えたと思います。シリーズ公演や建設的なプログラムを組む機会が増えたからです」とマルコム・マルティノーは語る。「それはすべてグレアム・ジョンソンのおかげです。
彼が先駆けでなければ、私たちの世代は今のようなことは何もできなかったでしょう。ソングメーカーズ・アルマナックは、リート界全体を変えました。」

イアン・バーンサイドも同意見だ。「ザ・ソングメーカーズ・アルマナックは想像力豊かなプログラミングをしていて、様々な聴き方があること、
そして豊かな想像力、知識、そして洞察力でプログラミングできることを示していました。キャリアのある段階で、あのコンサートを聴いて非常に多くのことを学びました。」

若い時期のピアノ協奏曲２番は特に見事ですが、2010年以降でも質が高い演奏をしていたので室内楽を含めもっとブラームスを演奏してほしかったと思います。

ヴァイオリン・ソナタやチェロ・ソナタの伴奏もすごく合っていそうなのに、弦楽器ソリストの伴奏をやっていないのが残念です。
現代音楽もしばしば演奏していましたが、思想的なところで作曲家に共感しただけではないかという気がしました。

共感していることは伝わってくるんですけど、その共感はズレてるんじゃないかな？という演奏が多々あるような気がします。

音を整然と並べる「ミスターパーフェクト」、こういうタイプは、ミケランジェリがやや近いかもしれま
せんが、それまでいなかった。
加えて若い頃のポリーニには、ある種の活力、エネルギー、ある種のエロスもあったと思う。
ただ同時に、秩序だった構築された世界を求めるようなところ、というと語弊はあるが、いわゆる「遊び心の効いた曲」は避けてきたようなところもあり、
気が付くと、レパートリーは、ベートーヴェンを中心にかたよっていったのだな、と思う。録音が多いショパンでも遊び心の効いた「ワルツ集」は全曲録音を残さなかったし。残された数曲も正直面白くはない。

仰る通り、そういう音楽観、レパートリーはエリート意識の高い当時のクラシックファンに受けるものだったとは言えるでしょう。

気が付くとヴィルトゥオーゾタイプではなくなっていったのかな。むしろそういうのは不潔だと思う人に支持されるようになったような。独墺系＋ショパンがレパートリーになっていったし。あとはドビュッシーか。それが悪いわけではないのだけれども。


ブレハッチもブーニンもリウもアルゲリッチも、みんなストレートな演奏で、不思議です。
反田さんなんかは、ちょっと穿った演奏をする方ですが、その演奏には芯がありました。しかし、リウさんはすごくど真ん中に正直な演奏をされるので、芯があるのかないのかようわからんといった具合です。
やはり私個人の意見では反田さん推しですが、ストレートな表現は、ショパンそのものを滲ませるなとも思えます。

なんでショパコンってああいうタイプが優勝し易いのでしょうか？
偉大な演奏家を生むという意味では、直球な演奏をした方を優勝させることは、その芯があるのかないのか良くわからないために、大変リスクのある選択だと思います。
反田さんのほうが普通にショパンらしい演奏だとは思います。特にマズルカなど小品の演奏はかつての名ピアニストに匹敵するレベルの極めて高い完成度があります。 でも反田さんの解釈は古いんです。かつての名ピアニストに匹敵するというのは、すなわち古いという意味でもあると感じます。 リウのようなピアニズムがこれから主流になっていくのではないでしょうか。近年の藤田真央さんもリウと同じ傾向です。ただ藤田さんはリウより閃き重視で一貫性に乏しいところがるあるように思えるのに自分はあまり好きではありません。（音が出た瞬間は素晴らしいのに、前後の関係が繋がっていないように聞こえがち、ということ）

特に最終章のエンディング部分のあの速さでの技術は他にはなくしかもアイディア満載であった。
三次予選最後に演奏した作品2の独奏版はおそらく一番の名演なのでは。

アラウのオケ付きの演奏も素晴らしいが独奏版でこんな凄い演奏は聴いたことなかった。
あと感じるのはファツィオリをあそこまで響かせた演奏は彼の技術力だと思う。ファツィオリの音の素晴らしい響きの見本を彼が作ってくれていたと言ってもいいだろう。
二人のショパコン1番、全く真逆の演奏。優劣なんて決められるはずはない。今回は審査員たちがリウの方が好みだったんでしょう。
確かに面白いですから。彼は独特のリズムを体内に持ってるらしく、聴いていてはっとすることがある。ただ慣れると飽きる。自分は今これを聴いてもさっぱり面白くなくなっている。今後どうなるか？

[367 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:14:35.48 ID:nXMHy8Vv]

プログラム制作の原動力となるのはピアニストであることが多いですが、そのプロセスはパートナーシップによって異なります。ベンジャミン・アップルやリーゼ・ダヴィッドセンなど、
多くのアーティストと共演しているジェームズ・ベイリューは、歌手たちの個性や声質に大きく左右されると言います。「ベンと私は『禁断の果実』というプログラムを組んでいます。

彼の録音レパートリーを見ると、サン=サーンスやフォーレやラヴェルみたいな”チャラチャラしたフランスもの”とか、チャイコフスキーやラフマニノフやスクリャービンみたいな”甘ったるいロシアもの”とか、北欧や東欧やスペインものとかも一部例外を除きスルーしており（本人曰く『好きだけどほとんど演奏しなかった作曲家』としてラヴェルなどを挙げてるみたいですけど）、基本的にはショパンを除いて独欧系の作曲家の曲がレパートリーの中心のようで、
その独欧系にしても(⁇)、たとえばシューマンの1番と3番ソナタは録音しても最もポピュラーであろう2番は録音していなかったり、リストの作品もロ短調ソナタと後期作品のみで練習曲系や編曲・パラフレーズ系はガン無視状態(←ロ短調ソナタと後期作品のカップリングを流行らせたのはポリーニだとか言う話もあるようですし)、ブラームスに関しては協奏曲と室内楽のみで独奏曲はスルーのようですし、バッハも”平均律”の第一巻のみと、けっこう選り好みと言うか偏っているような気がするモノの、何と言うか、「レコ芸でお馴染みのヒョーロンカ先生が喜びそうなレパートリー」っぽい感じもして”王道路線”と言えばそんな感じもする気がしますし、(当時の)近・現代音楽もちょくちょく録音している点も”ポリーニらしさ”と言える気もしますし。

世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から最晩年の時期とも重なる訳ですし、”鉄のカーテン”の向こうのピアニストとかグールドなどの全盛期付近(？)ともカブるわけで、おそらく大きな歴史の転換点に登場した新世代のピアニストだったんだろうなぁ ←と思うわけでアリマス。
世代的に見ると、生まれは1942年ということで、当時はたとえばラフマニノフの最晩年の時期であり、キャリア初期のころはいわゆる”黄金時代のピアニスト”の中で長命な奏者の晩年から最晩年の時期とも重なる訳ですし、”鉄のカーテン”の向こうのピアニストとかグールドなどの全盛期付近(？)ともカブるわけで、おそらく大きな歴史の転換点に登場した新世代のピアニストだったんだろうなぁ ←と思うわけでアリマス。

演奏に関しては、どの時期の演奏でも乱暴な打鍵やペダリングが耳障りではありますけど(←少し誇張)、壮年期以降の(ハズレの)演奏・録音を聴いても一聴して分かるようなミスタッチとか譜読みミスはかなり少ない方で、相当に几帳面な仕事をする奏者だと思っていますし、
クラシックのピアニストの中ではリズム・拍節の表現が相当にキッチリとしており（←というか、他の連中がリズムや拍節にルーズ過ぎるだけって話かも知れませんけど）、これが「機械的」などと称される要因の一つではないかと思ったりします。

ただ聴いているだけでは音楽の本質を見極めることは不可能。本当に音楽が好きならば自分で演奏したいと思うのが普通。それさえも思わないなら音楽センスがないといっても過言ではない。ひとつでも楽器ができない人は音楽を語らないで欲しい。
技術が無いのにやってる先生沢山いる
指練習と作曲と本来の曲、このうち作曲はどうしても時間が延びます。その時は、全曲弾くと時間が足らないので「今日は全部できないのでここから見てください」と頼みます。色々持ち込んでいるうちに今はこれで定着しています。
30分で先生のフル回転利用しようとしたらとても時間が足りませんよね
それに加えて音価に無頓着で離鍵のタイミングがルーズなので全体的に締まりの無い演奏をするという印象が強い人です。

離鍵のタイミングに無頓着なのは名盤と呼ばれる「ペトルーシュカからの３章」の録音ですら感じられます。
また休符の表現が甘すぎます。ペダルを上げるタイミングも遅いです。

[368 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:18:06.25 ID:6f0aF3L1]

共演ピアニストとして生き残るには、起業家精神が不可欠であることは間違いありません。そのおかげで、
今では素晴らしい歌のフェスティバルがいくつも毎年開催されています。ちょうど20年前、ジョセフ・ミドルトンはリーズ・リーダーを創設しました。
イアン・バーンサイドは、2001年に発足したラドロー・イングリッシュ・ソング・ウィークエンドの芸術監督です。そして、キノックは大学を卒業して王立音楽院で大学院の研究を始める間、
オックスフォード・リーダー・フェスティバル（現在のオックスフォード国際歌曲祭）を始めました。「演奏する場が欲しかったら、会場をした。フェスティバルの初年度には、この芸術形式への関心の再燃とオックスフォード市のための新しいフェスティバルを確立するというミッションステートメントを掲げました。 23年経った今でもそう言うと思うけど、
最初はこうやって始まったんだ。一緒に曲を作ろうと思っただけなんだ。ほとんどの曲がそういう集まりのために書かれたから、完璧なんだ。」



これらのフェスティバルのいずれかを訪れれば、シューベルトやブラームスの人気曲から、ヴォーン・ウィリアムズやジェラルド・フィンジなどのあまり知られていない名曲、
あるいはエロイーズ・ヴェルナー、ジュディス・ウィアー、ロクサーナ・パヌフニクなどの作曲家による最新の歌曲集まで、目が回るようなレパートリーの豊富さに気づくでしょう。

フェスティバルは、芸術をますます重要になる新たな領域へと押し上げることにも貢献しています。ジョセフ・ミドルトンはこう述べています。「リーズでは、基本的にブッキングや演奏が可能な限り
最高のギグを企画してきました。人々は質の高い作品、つまり誠実さと深い愛情、そして真摯で徹底的な研究に基づいて作られたものに反応すると思います。私たちは、このフェスティバルが誰にとっても、
そして境界線がないものであることを明確に示すような形で提供するよう努めています。チケットは非常に安価に設定し、多くのコンサートを完全に無料でストリーミング配信しています。


暗譜しきってないコンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。
より指が本当によく自在に動いていたなと思います
だけどもクリアな音で攻めの大胆さがあったように感じました
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います

日本の相撲界みたいなものなのかな？
海外出身の力士でも真剣に相撲に取り組んでいただければ素晴らしいなと相撲に関してはそう思うけど。
クラシックはまた違うかな。
いいところのお坊ちゃんみたいな気品のある風貌で今は知らないけど、若い頃はイケメン扱いされてたのに。
事実なのだろうか。
何かの間違いであってほしい
選定のため工場見学させて頂いたときに、シゲルカワイはヨーロッパで高く評価されているとカワイの方にお聞きしました。
教え方が悪すぎると、生徒だって苦しむ訳だしね。昔、音大を落ちたとボヤく大人のアマチュアの皆様、はい、当然落ちます。だが安心下さい。自分が上級者と勘違いする輩の9割は音大は合格しません。音大は入学者に相応しい『訓練された』テンポ感や音程感、音楽性が無い者は30回受けても100回落とします。それ以上であっても、それ以下では無いのです。
まず、ピアノが楽しめなくなるし、苦痛になるでしょ

音楽を自由に楽しく受け狙いでサービス精神で演奏するのもアリだけど
古典音楽の世界はそれでは聴衆はうならないからな
やっぱり作曲家、先駆者、聴衆、一緒に演奏をする人たちに
にたいしてどれだけ謙虚な気持ちをもって深く音楽を理解し音を大事にして演奏するか
これはジャズの世界でも言えることだけど
プロの演奏家はそれが重要だもんね

つっても過去の優勝者
細かったけどなあ
細かったけど、皆年齢とともに
恰幅よくなるって感じかと思ってたわ
反田さんの場合は日本人だとどうしても小柄だから

グローバルになりすぎて
それぞれの国の特質が少しずつ薄れていってはいると思う
それに比例して保守傾向もつよまってもいるのが昨今だが
ネットの発達や人種が混ざった影響で国家間の民族アイデンティティが
ボーダレスになってしまったので、魂を貫く精神性、歴史観、古来から続く文化とかも非常に希薄
音楽がどんどんカジュアル化してはいると思う
それが実に顕著にあらわれてるのがアメリカだと思う

[369 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:20:50.22 ID:/G4hX2XA]

地域社会への働きかけも積極的に行い、おそらく私たちのことを聞いたこともないような人々にも確実にリーチし、コンサートホールに足を運んでもらい、心地よい体験を提供するだけでなく、同時に自分自身についても何かを学んでもらう機会を提供しています。」このフェスティバルは、
他の多くの団体と同様に、アーツカウンシル・イングランドによる一見無意味



ティルブルックは、コンサートのプログラムにおける最近の顕著な変化を指摘する。「多様性の確保、特に女性や多様な作曲家を確実に含めることが重要だと考えています。現在、
フェスティバルやコンサートホールへの資金提供は、幅広い作品群の確保に大きく依存しており、これは間違いなく新しい現象です。過去10年間で、プログラムに取り上げられる女性や多様な作曲家の数は飛躍的に増加しました。
こうした作品の調査と発掘という点では、最近「モーツァルトと現代女性」という大規模なシリーズを立ち上げ、シア・マスグレイヴ、ジュディス・ウィアー、エロリン・ウォーレン、ドロシー・ハウエル、
ドリーン・カーウィゼンといった作


ミドルトンにとって、歌はコンサートであれレコードであれ、現代にふさわしい完璧な芸術形式だ。「歌は売りにくいとよく言われますが、歌は私たちを内なる自分と真に結びつけてくれるという点で、
今の人々が求めているものにぴったりだと思います。
これらの歌詞は、文字通り私たち全員が常に心の中に抱えているものにつ


アン・トレヴェリアンは、叙情的でありながらも濃密で非常に要求の厳しいバルトークの第3協奏曲の世界で秀でた。
最終的に、審査員が適切な受賞者を選んだことに疑いの余地はありませんでした。
ジェイデン・イジク＝ズルコが第1位を獲得したのです。
特にン・チェンは既にアスコナス・ホルトと契約を交わしており、永続的なキャリアに必要な多くの要素を示しています。位はカン・ニー・ルオン、第4
位はカイ＝ミン・チャン、第5位はジュリアン・トレヴェリアンでした。

2021年と同様に、競技ラウンド以外にも多くのイベントが開催されました。地域イベント、2021年優勝者アリム・ベイセンバエフのガラ・リサイタル、
ルーシー・パーハムとデイム・ハリエット・ウォルターによる「I Clara」、個性的なピアノと彫刻が大都市圏の様々な場所に戦略的に配置されたリーズ・ピアノ・トレイル
、親子と赤ちゃんのためのセッションや家族で一緒に歌えるシンガロング、そしてインタラクティブな彫刻とイベントスペースが一体となった素晴らしいピアノ
ドロームなどです。このコンクールとその関連イベントが、これからも繁栄し、発展していくことを願っています

[370 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:22:07.49 ID:3zCbozxp]

トレヴェリアンは、叙情的でありながらも濃密で非常に要求の厳しいバルトークの第3協奏曲の世界で秀でた。
最終的に、審査員が適切な受賞者を選んだことに疑いの余地はありませんでした。ジェイデン・イジク＝ズルコが第1位を獲得したのです。特にラフマニノフの「ソナタ第1番」とラヴェルの「ミロワール」は力強い演奏でした。第2位のジュンヤン・チェンは既にアスコナス・ホルトと契約を交わしており、永続的な
キャリアに必要な多くの要素を示しています。第3位はカン・ニー・ルオン、第4位はカイ＝ミン・チャン、
第5位はジュリアン・トレヴェリアンでした。

2021年と同様に、競技ラウンド以外にも多くのイベントが開催されました。地域
イベント、2021年優勝者アリム・ベイセンバエフのガラ・リサイタル、ルーシー・パーハムとデイム・ハリエット・ウォルターによる「
I Clara」、個性的なピアノと彫刻が大都市圏の様々な場所に戦略的に配置されたリーズ・ピアノ・トレイル、
親子と赤ちゃんのためのセッションや家族で一緒に歌える
シンガロング、そしてインタラクティブな彫刻とイベントスペースが一体となった素晴らしいピアノドロームなどです。このコンクールとその関連イベントが、
これからも繁栄し、発展していくことを願っています。この3年ごとのイベントはピアノ界の基盤となる重要な部分で


演奏者がステージに上がるのを待つ時間は、ある種の期待感を抱かせるものだからです。満員のホール、観客席のスクリーンに映し出される演奏者の横顔のクローズアップ、
そしてステージ上のカメラの動き（各演奏はmedici.tvとYouTubeでライブ配信されました）は、出場者と縁のある観客にとっては、まさに緊張の連続です。個人的には、このコンクールは
特別な意味を持つものでした。長男のカラムが、最初の366人の出場者の中から、最終選考会に招待された24人のピアニストの一人に選ばれたのです。
家族の一員がその全過程を経験するのは、並外れた道のりでした。カラムは最初のリサイタルを編集なしのワンテイクで録音する必要があり、これは忠実にアダム・ゲートハウス、カティア・アペキシェヴァ、クレア・ハモンド
、チャールズ・オーウェン、ルーシー・パーハムからなる審査員に（映像なしの音声のみで）聴取されました。審査員たちは名前
を全く決めておらず、国際ラウンドに参加する64名の「盲目の」ピアニストを選出しました。決勝戦は2024年4月にベルリン、北京、ニューヨーク、パリ、ソウル、ウィーンの6都市で
開催されました。このラウンドには、アダム・ゲートハウスに加え、ニノ・グヴェタゼ、トム・ポスター、小川典子が参加しました。この時点では観客はいませんでした。

[371 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:25:54.21 ID:j4yod1Q/]

第2ラウンドでは、ショスタコーヴィチやレーガーを含むプログラムではなく、シューマンの交響的練習曲、CPEバッハのソナタ、そしてリリ・ブーランジェの曲を演奏するよう告げられ、カラムは勇気を振り絞って演奏しました。彼の演奏予定は週末に迫っており、金曜日の夜11時半に準決勝進出者として彼の名前が読み上げられると、会場は歓喜に包まれました。20分後、選ばれた10名の準決勝進出者は、どのプログラムを演奏するかを知らされました。中には、予定の演奏開始までわずか1日半という状況もありました。

カレイドスコープ・チェンバー・コレクティブがピアニストたちと共演し、
ラヴェルの三重奏曲、ショスタコーヴィチの五重奏曲、ベートーヴェンの幽霊三重奏曲、フォーレのヴァイオリン第1ソナタなど、
実に多様な作品を演奏しました。特にエイミー・ビーチのピアノ五重奏曲作品67は心を奪われました。女性作曲家の作品を発表することへの奨励とモチベーションは、今年のフェスティバルのいたるところで感じられましたが、決勝でクララ・シューマン
の魅力的なイ短調協奏曲を演奏する参加者がいなかったのは残念でした。

このような状況下で生徒や子供たちの演奏を聴くのはストレスがたまるものです。ですから、
ブラームスのヘンデル変奏曲の最後の数小節でカラムの75分間の準決勝のプログラムが終わった時、彼は大きな安堵を感じました。彼は無事にこの経験を満喫し、
多くの友人やファンを獲得しました。コンクールでの演奏が直接のきっかけとなり、ドイツでのリサイタル出演のオファーも受けました。決勝進出は
逃しましたが、このイベント全体は非常に有意義な経験となりました。

カレイドスコープ・チェンバー・コレクティブがピアニストたち
と共演し、ラヴェルの三重奏曲、ショスタコーヴィチの五重
奏曲、ベートーヴェンの幽霊三重奏曲、フォーレの
ヴァイオリン第1ソナタなど、実に多様な作品を演奏しました。特にエイミー・ビーチのピアノ五重奏曲作品67は心を奪われました。女性作曲家の作品を発表
することへの奨励とモチベーションは、今年のリーズ・フェスティバルのいたるところで感じられましたが、決勝魅力的短調協奏曲を演奏する参加者がいなかったのは残念でした。

このような状況下で生徒や子供たちの演奏を聴くのはストレスがたまるものです。ですから、
ブラームスのヘンデル変奏曲の最後の数小節でカラムの75分間の準決勝のプログラムが
終わった時、彼は大きな安堵を感じました。彼は無事にこの経験を満喫し、多くの友人やファンを獲得しました。コンクールでの演奏が直接のきっかけとなり、ドイツでのリサイタル出演の
オファーも受けました。決勝進出は逃しましたが、その枠組みからはなかなか
このイベント全体は非常に有意義な経験となりました。

[372 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:39:46.94 ID:A5O9Hh/G]

ピアノ協奏曲をフィーチャーした2部構成のファイナルを、どのようにして完全に満足のいく2つのプログラムとして成立させるのか？まず、
幅広い協奏曲の選択肢を提示し、各ピアニストに2曲ずつ選んでもらい、最もコントラストの効いたものを選ぶ。
そして、才能あふれるドミンゴ・ヒンドヤンと、彼が2021年から首席指揮者を務めているロイヤル・リヴァプール・フィルハーモニー管弦楽団をパートナーとして迎える。


解釈のレベルはそれぞれ異なっていたものの、20代のファイナリスト5人は、共演者や指揮者と一体となって
演奏していたという事実は変わりません。この演奏には両方の要素が不可欠ですが、ヒンドヤン率いるオーケストラが
絶えず魔法をかけ続けなければ、これほどまでに目がくらむような衝撃は得られなかったでしょう。

だが、決勝進出者の非常に異なる功績を総括する前に、なぜブラッドフォードなのか。それは、リーズのタウンホール
が現在改修工事中だからである（以前のラウンドは
忠実なパートナーであるそこの大学で行われた）。セントジョージホール（下の写真）は、
私が書いた、街の建築の最高と最低に関する優れたガイドブック、ジョージ・
シーランの『ブラッドフォード 50 ビルディング』によれば、1850 年当時の雰囲気を高めた最初の民衆娯楽施設であり、「工場、鋳物工場、醸造所、ビアハウス、
酒類販売店、そして粗末な住宅が密集した不健全な混在」だった。1851 年から 1853 年にかけてロックウッド & モーソンによってイタリア風パラディオ様式で建設されたこのホールは、
シーランの本が 2017 年に出版された時点では「空っぽで荒廃した」状態であった。それ以来、全面的な改装が行われ、広々とした玄関エリアと明るい色彩の講堂が設けられました。

ブラッドフォードで、かつての壮麗さを取り戻した他の建物には、同じ建築家による、後期のベネチアン ゴシック スタイルのウール取引所があり、現在は英国で最も目立つ場所にあるウォーターストーンズ (下の写真) が入っ
ています。そして、これが悪くない書店だと思うなら、市から 4 マイル離れたモデル村ソルテアにあるメインの工場の驚くべき改装の一部に、別の書店があり、
その横にはブラッドフォード出身のデイヴィッド ホックニーの
作品を部分的に展示する巨大な展示スペースがあり、彼の財政的支援が奇跡を起こすのに貢献しました (入場無料)。ブラッドフォード自体には最良と最悪の両方があり、リーズが多くの資金とナイトライフを吸い上げてしまいました。2025 年に英国文化
都市になっても、十分には変わらないでしょう (まだ EU
内にいたら何が達成できたか想像してみてください)。その多くがまだ空っぽのままのビクトリア朝の壮麗さの間には、電子タバコや携帯電話の店、ネイル バー、リーズ郊外の飲み屋が並ぶ中心街があります。ホームレスが目立ち、
パキスタンのイスラム教徒コミュニティだけが健全そうに見える（素晴らしくてお得なレストランの中


土曜日のセントジョージホールでは、繁栄が目の前に広がっていた。
ヒンドヤンのスタイリッシュな指揮を考えると、華やかさも感じられた。バルビローリがこのホールをヨーロッパ最高
と評したのは誇張だったかもしれない。ややドライではあるものの、ヒンドヤンは
ロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団から滑らかで雰囲気のあるピアニシムを引き出していた。初日の夜は、部外者（予備リスト）

のイギリス人ピアニスト、ジュリアン・トレヴェリアンが、バルトークのノスタルジックな白鳥の歌、ピアノ協奏曲第3番
を華麗に選曲したことで始まった

[373 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:41:26.67 ID:pQcfif40]

この演奏には両方の要素が不可欠ですが、
ヒンドヤン率いるオーケストラが絶えず魔法をかけ続けなければ、これほどまでに目がくらむような衝撃は得られなかったでしょう。

だが、決勝進出者の非常に異なる功績を総括する前に、なぜブラッドフォードなのか。それは、リーズのタウンホールが現在改修工事中だからである（以前のラウンドは忠実なパートナーであるそこの大学で行われた）。
セントジョージホール（下の写真）は、私が書いた、街の建築の最高と最低に関する優れたガイドブック、ジョージ・シーランの『ブラッドフォード 50
ビルディング』によれば、1850 年当時の雰囲気を高めた最初の民衆娯楽施設であり、「工場、鋳物工場、醸造所、ビアハウス、酒類販売店、そして粗末な住宅が密集した不健全な混在」だった。
1851 年から 1853 年にかけてロックウッド & モーソンによってイタリア風パラディオ様式で建設されたこのホールは、シーランの本が 2017 年に出版された時点では「空っぽで荒廃した」
状態であった。それ以来、全面的な改装が行われ、広々とした玄関エリアと明るい色彩の講堂が設けられました。

ブラッドフォードで、かつての壮麗さを取り戻した他の建物には、同じ建築家による、後期のベネチアン ゴシック スタイルのウール取引所があり、
現在は英国で最も目立つ場所にあるウォーターストーンズ (下の写真) が入っています。そして、これが悪くない書店だと思うなら、市から 4 マイル離れたモデル村ソルテアにあるメインの工場の驚くべき改装の一部に、別の書店があり、
その横にはブラッドフォード出身のデイヴィッド ホックニーの作品を部分的に展示する巨大な展示スペースがあり、彼の財政的支援が奇跡を起こすのに貢献しました (入場無料)。ブラッドフォード自体には最良と最悪の両方があり、リーズが多くの資金とナイトライフを吸い上げてしまいました。2025 年に英国文化都市になっても、十分には変わらないでしょう (
まだ EU 内にいたら何が達成できたか想像してみてください)。その多くがまだ空っぽのままのビクトリア朝の壮麗さの間には、電子タバコや携帯電話の店、ネイル バー、リーズ郊外の飲み屋が並ぶ
中心街があります。ホームレスが目立ち、パキスタンのイスラム教徒コミュニティだけが健全そうに見える（素晴らしくてお得なレストランの中には、セルフサービスの Karachi と、土曜日の午後 5 時には混雑する派手な International がある）。

金曜日と土曜日のセントジョージホールでは、繁栄が目の前に広がっていた。ヒンドヤンのスタイリッシュな指揮
を考えると、華やかさも感じられた。バルビローリがこのホールをヨーロッパ最高と評したのは誇張だったかもしれない。ややドライではあるものの、ヒンドヤン
はロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団から滑らかで雰囲気のあるピアニシムを引き出していた。初日の夜は、部外者（予備リスト）のイギリス人ピアニスト、ジュリアン・トレヴェリアンが、バルトークのノスタルジックな白鳥の歌、ピアノ協奏曲第3番を華麗に選曲したことで始まった。第1楽章の扱いはメゾフォルティスト過ぎてニュアンスが足りなかったが、緩徐楽章のアメリカン・カントリー
・アイドルではオーケストラとの魔法のような一体感が生まれ、フィナーレの早変わりするダンスもすべてうまくまとまっていた。 (下の写真はファイナリスト5名:トレヴェリアン、カン・ニー・
ルオン、ジェイデン・イジク=ズルコ、ジュンヤン・チェン、カイ=ミン・チャン)。

しかしベトナムのカン・ニー・ルオン同様、トレヴェリアンも鍵盤から十分な音の魔法を引き出せなかった。ルオンのおかげでプロコフィエフのピアノ
協奏曲第3番のすべての要素が完璧に整ったが、作品には作曲家に匹敵する、活気があり、時折思索的な個性が必要だ。この2人に続くピアニストはすぐにさらなる可能性を示した。台湾系中国人の

[374 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:44:11.54 ID:KnPTEi20]

協奏曲第4番の静かな冒頭の和音の前に完全な静寂をもたらしている。この作品は私に新鮮な衝撃を与えた。よくあることだが、素晴らしいが決まりきったことであり、それはヒンドヤンとRLPOの功績でもあり、最初のオーケストラのトゥッティはとても自然に響いた。


これは私にとって初めてのアイステズヴォッドです。規模はそれほど大きくないのですが、それでも市内で最も本格的なアイステズヴォッドの一
つだと考えられています。私は1ですが、年齢の計算方法により17歳とみなされ、出場できるのは17歳以上リサイタル賞（2曲以上、最長15分）のみでした。これは良いチャレンジになるだろうと思い、期待もほぼゼロでした。

当日は朝8時に会場に着かなければなりませんでした（私の乱れた睡眠スケジュールは大変でした）。というのも、
審査は8時半から始まるからです。受付を済ませて、出場者待合室に入ると、
皆私よりずっと年上ばかりでした。周りに聞いてみると、ほとんどが私より5〜6歳年上で、音楽大学の学生か修士課程の学生（？！？！？）でした。

言うまでもなく、この時点で私の期待は大きく膨らんでいました。そして、かなり愚かな決断をしました。
時間があったので、ホールに行って何人かの演奏を聴いてみることにしたのです（主に、彼らが本当にそれほど上手ではない場合に備えて確認するためでした）。ところが、
最初の演奏者がリストの「リゴレット」の素晴らしいパラフレーズを弾ききったため、
その確認は得られませんでした。その後、ショパンのスケルツォやリストの名曲がいくつか演奏されました。予想をはるかに超えるレベルの高さで、結果的にかなり緊張してしまいました。

一番ひどかったのは、演奏する直前、前の演奏が終わるまでコンサートホールの脇で待たなければならなかったことだった。そして、その人が演奏する「メフィスト・ワルツ第1番」を聴いたんだ。マジかよ、
この人の演奏を聴くためなら金を払ってもいいくらいだ。音楽的すぎるわけじゃないけど、フレージングは​​素晴らしく、技術的な安定性も抜群だった。

それで、それをじっと聞いていた後、諦めてステージに上がって演奏することにしました。今思えば、彼の演奏を聴いて良かったのかもしれません。妙にリラックスできて、結果的にすごく上手く演奏できたんです。

これが私の（正直に言って、まったく貧血気味の）プログラムです。

ショパン 作品25 第7番 ハ長調 (チェロの遅い曲)

ラヴェルの「貴族と感傷的なワルツ」より第7番（この曲はミスが多すぎました… 完成していませんでした、笑）

ガーシュイン/ワイルド・エチュード第4番 - エンブレイサブル・ユー

ええ、結局、審査員がどういうわけか私の演奏をすごく気に入ってくれたおかげで、その部門で優勝することができました。メフィストの人は2位で、その後アイステズフォッドの他の部門も全部優勝しました。実は彼はシドニー国際コンクールにも出場していたんです。本当に本物だったんですね。

[375 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:46:51.64 ID:HQCckRL+]

この曲は、難しさが全てではないと学んだ時のことを思い出させます。プロコフィエフ3番でピアノコンクールに出場し、自分のテクニックで皆を圧倒しようと考えていました。優勝したのはメンデルスゾーン1番を弾いていた女の子でした​​。特に変わったところはありませんでしたが、彼女の演奏は素晴らしく、すべての連弾が滑らかで軽やかで、まるでピアノの上で踊っているかのようでした。彼女は喜びに満ち溢れ、演奏に溢れていました。その日、私は音楽は曲の難しさではないと学び

ういうわけで、私は審査員が実際は非常に優秀であると思うのですが、難しい作品に騙されず、最も難しい作品を作った人に一等賞を与えるには経験と知識が必要です。

ピアノのコントロールが素晴らしく、フォルティッシモも決して過剰ではなく、すべてのラインがメロディアスに歌われ、とても感動的な演奏でした


かなり荘厳な響きだと思います。キーシンやアルゲリッチって意外とハイフィンガーですよね。(日本のハイフィンガーの様に手を固くはしていないけど。)
皆それぞれ体格や指のサイズも違うのに、「こういった奏法がロシア奏法！」というのは間違いです。
ロシアン・ピアニズムを勘違いして翻訳してるだけだと思います。
例えば、日本人で多く見られるのは、先生に「ここはこう弾いて」「ここは手をこうあげて」「メトロノームの様に正確なテンポで」と言われ、まるでお人形の様に先生の言われた事を完璧に弾けてしまう日本の子供達！
例えば、これこそジャパニーズ・ピアニズムだと思うのですが、文化も体格も違う外国人が真似しようとして出来ると思いますか？
出来ないです。何故なら、大体の外国の子は、「ただ機械的に言われた通りにやる」事は何故か出来ない子が多い。不器用というか、自分が納得いかないと出来ないという特質を持っています。だから、外国の教師はレベル高い人多いです。音楽の本質を教師にしっかり理解させないと、皆ついてこないからです。
けれど、日本人が外国人教師に習っても、やはり「言われた通り、まじめに真似して弾く」になってしまいます。外国人は、「なんて器用なの？」と思うそうですが、じゃあこのジャパニーズ・メソードを教えるっていっても難しいのではないのでしょうか？

一般的には豊かな音色と力強い表現力を特徴とするピアノの演奏法を指します。具体的なテクニックとしては、手の形を保ちつつ、腕全体を使って深く鍵盤を打つことで、豊かな倍音と大きな音量を出すことが挙げられます。

[376 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:49:39.30 ID:mfhY5Lr7]

々のピアニストによってその解釈や実践方法は異なります。また、ロシア奏法という言葉自体が、特定の学派や教育体系を指すわけではなく、あくまで一つの演奏スタイルを表す概念であるため、明確な定義や決まったフォームは存在しません。そのため、手元を見ても一概には判断できないと言えます。 ※この回答はOpenAIのGPT-4で作成されており、最新の情報や完全な正確性等を保証するものではありません。

「才能のない人」には、もう練習しなくていいよ。と言う気持ちになってしまう。 音大に来てまで習っているけど 本質的なニュアンスが掴めてない。そんな子に、厳しい話、音楽で食べていくのは難しいから、と。教える気にならないのです。

「1教えて10分かる人間にしか教えたくない。そういうのしかプロにならないのは最初から分かってる。
君はせいぜい3か4？断言する。君は絶対プロになれない。だからこの時間は無駄なんだ。」

第三部からな問題発言が多い奴ってのは得てして主語がデカくて極端批評が多いアカウント、炎上しそうな中流ピアノアカウントの投稿へのいいねやリポスト、リプライを頻繁に飛ばすアカウントに注意
あと、それを煽った隆法とフカミカといろいろ未満もターゲットにされてるね
ちょっと前にはるこが警告ポスト書いてた詰めが甘いってか単なる馬鹿本垢でホロヨイと同じ事やってたら意味ないだろ。チェロおじさん見習った方が良いよ。あの性格じゃSNS向いてなさ過ぎる。ホロヨイもしつこいな。本垢でホロヨイと同じ事やってたら意味ないだろ。チェロおじさん見習った方が良いよ。
あの性格じゃSNS向いてなさ過ぎる。>>92Pが悪かったのは言い方だけで、主張の内容は寄ってきた奴らが間違ってただろ言い方は悪かったってPも認めてたじゃんいくらPが憎くても批判するなら冷静にやり取り読み取った方が良いよ>Pが悪かったのは言い方だけで、主張の内容は寄ってきた奴らが間違ってただろ言い方は悪かったってPも認めてたじゃん
いくらPが憎くても批判するなら冷静にやり取り読み取った方が良いよ





好みが古いというより、まあそれもあるかもしれないけど、自分の耳で評価ができないんだろうね
まだあまり知られていない人でも好きとかおすすめとかあったら発信するといい気がするよ

若手だからというだけで聴かないとかは意味わからないかな
好みが古いというより、まあそれもあるかもしれないけど、自分の耳で評価ができないんだろうね
まだあまり知られていない人でも好きとかおすすめとかあったら発信するといい気がするよ

若手だからというだけで聴かないとかは意味わからないかな
仙人的な自己満足の修行したいなら、それは勝手だけど
5ch入り浸ってるし、顕示欲はいっばしにありそうだよ？
認められたいなら地道にリアル活動実績を作ることをお薦め。
まずはきちんと他人との関わり方を学ばないと何もできないよ。
自分の演奏を聴いて「ボクの考えるさいこうのじゅうじつ！」って人もいるのかもね。
自分は他の人の演奏で感動するほうが自分の成長につながるように感じるし、自分の演奏は人に届けたい

[377 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:52:05.93 ID:k9AOY73H]

皆それぞれ体格や指のサイズも違うのに、「こういった奏法がロシア奏法！」というのは間違いです。
ロシアン・ピアニズムを勘違いして翻訳してるだけだと思います。



例えば、日本人で多く見られるのは、先生に「ここはこう弾いて」「ここは手をこうあげて」「メトロノームの様に正確なテンポで」と言われ、まるでお人形の様に先生の言われた事を完璧に弾けてしまう日本の子供達！
例えば、これこそジャパニーズ・ピアニズムだと思うのですが、文化も体格も違う外国人が真似しようとして出来ると思いますか？
出来ないです。何故なら、大体の外国の子は、「ただ機械的に言われた通りにやる」事は何故か出来ない子が多い。不器用というか、自分が納得いかないと出来ないという特質を持っています。



だから、外国の教師はレベル高い人多いです。音楽の本質を教師にしっかり理解させないと、皆ついてこないからです。
けれど、日本人が外国人教師に習っても、やはり「言われた通り、まじめに真似して弾く」になってしまいます。外国人は、「なんて器用なの？」と思うそうですが、じゃあこのジャパニーズ・メソードを教えるっていっても難しいのではないのでしょうか？

一般的には豊かな音色と力強い表現力を特徴とするピアノの演奏法を指します。具体的なテクニックとしては、手の形を保ちつつ、腕全体を使って深く鍵盤を打つことで、豊かな倍音と大きな音量を出すことが挙げられます。
しかし、ロシア奏法と一言で言っても、ホロヴィッツやアルゲリッツ、キーシンなど、個々のピアニストによってその解釈や実践方法は異なります。また、ロシア奏法という言葉自体が、特定の学派や教育体系を指すわけではなく、あくまで一つの演奏スタイルを表す概念であるため、

世界中のオケから呼ばれてて今どこの国にいるんだろう？って程のピアニスト。天才だけでなくあの音色を出すためにものすごい努力と練習をされている。
言動から天才肌なのは伝わった。だからこそ理解できない部分もあった。態度とか。本当に凄い人ってそんなもんなんだろうけど。



知識ないのに茶化したコメントするやつって本当に邪魔
実社会でもつまらない人程度が低い人扱いされてるんだろう

[378 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:53:58.78 ID://PHjwCL]

極端にいえば、この圧力がかかる状態から、腕を上げて下しているのが昔ヨーロッパから日本に来て、いまも日本の中でやられているピアノを弾く体遣い。

特に日本人は
腹筋からくる力を腕に伝え動かします。


そして
今度はそこから膝においた手で上半身を支えたまま軽く上体を起こそうとします。
すると、圧力はまたあがります。
この背部から腕にまで伸ばす力で圧をかけているのが、海外の脱力奏法です。

慣れると背部を伸ばす腕から指に力を加えることは、
見た目は丸い姿勢でもできるようになります。

腕を高く上げなくても、すぐ、下に力を加えられます。

慣れるほど流れるようにも素早く動かすこともできます。


筋は力を伝える伝達器官であり、末端の力を抜けば抜くほど、早く、スムーズに動かせるようになります。

鞭をふったとき、先端が音速をこえるようになりますがそれが、鞭の柄が体幹、特にピアノなら背筋、そして末端が指先と思うとわかりやすいやもしれません。

鞭の場合は何度も振る力がいりますが
人間の場合はちょっと伸ばしていれば、常にその力が入り続けるので あとはちょっと動かすだけで済むのです。

音量を上げるとき、その打鍵時の【トルク】をより大きくするためには、重力による腕の落下のスピードでは事足りないので、自身の力をたくさん使います。そのため、「脱力」という表現は誤りでしょう。
参考3（高速オクターブ連打の場合）:


この方向では、リズムはイントネーションの完全性を生み出し、音の機能的なつながりを整理し、音楽のイメージを作り出す独自の能力を持っています。
すると、音楽プロセスの発展の劇的な機能である音楽の波が、動機、フレーズ、テクスチャのセルといったイントネーション構文の個々の単位になるのは驚くことではありません。
音楽の波動において、モノフォニックな表現のダイナミクスが 1 つの感情の発展に左右される場合、
ピアニストの注意を個々の表現の細部に切り替えると、流れは瞬間と気分のリズミカルな変化、感情のさまざまなニュアンスに例えられます。


音楽プロセスの特殊性はピアニストの影響によって表現され、
ピアニストは音の関係の特性（旋律、メトロポリスリズムの構成、和声の充填、旋律、ダイナミックパターン、テンポの特徴、発展のダイナミックプロファイル、アゴギクス、ダイナミクス、アーティキュレーション、作曲の構造）を改善し、
イントネーションとテクスチャの発展のプロフォームに従って修正および一般化できるようにします。




疑いなく、あらゆる演奏行為は、作曲の研究、必要な演奏技術の向上、音楽的記憶、注意、アイデア、感覚の活性化と結びついてのみ可能となります


揮者と一体となって演奏していたという事実は変わりません。この演奏には両方の要素が不可欠ですが、
ヒンドヤン率いるオーケストラが絶えず魔法をかけ続けなければ、これほどまでに目がくらむような衝撃は得られなかったでしょう。

[379 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:57:14.46 ID:iglOVF9h]

だが、決勝進出者の非常に異なる功績を総括する前に、なぜブラッドフォードなのか。それは、リーズのタウンホールが現在改修工事中だからである（以前のラウンドは忠実なパートナーであるそこの大学で行われた）。
セントジョージホール（下の写真）は、私が書いた、街の建築の最高と最低に関する優れたガイドブック、ジョージ・シーランの『ブラッドフォード 50
ビルディング』によれば、1850 年当時の雰囲気を高めた最初の民衆娯楽施設であり、「工場、鋳物工場、醸造所、ビアハウス、酒類販売店、そして粗末な住宅が密集した不健全な混在」だった。
1851 年から 1853 年にかけてロックウッド & モーソンによってイタリア風パラディオ様式で建設されたこのホールは、シーランの本が 2017 年に出版された時点では「空っぽで荒廃した」
状態であった。それ以来、全面的な改装が行われ、広々とした玄関エリアと明るい色彩の講堂が設けられました。




ブラッドフォードで、かつての壮麗さを取り戻した他の建物には、同じ建築家による、後期のベネチアン ゴシック スタイルのウール取引所があり、
現在は英国で最も目立つ場所にあるウォーターストーンズ (下の写真) が入っています。そして、これが悪くない書店だと思うなら、市から 4 マイル離れたモデル村ソルテアにあるメインの工場の驚くべき改装の一部に、別の書店があり、
その横にはブラッドフォード出身のデイヴィッド ホックニーの作品を部分的に展示する巨大な展示スペースがあり、彼の財政的支援が奇跡を起こすのに貢献しました (入場無料)。ブラッドフォード自体には最良と最悪の両方があり、リーズが多くの資金とナイトライフを吸い上げてしまいました。2025 年に英国文化都市になっても、十分には変わらないでしょう (
まだ EU 内にいたら何が達成できたか想像してみてください)。その多くがまだ空っぽのままのビクトリア朝の壮麗さの間には、電子タバコや携帯電話の店、ネイル バー、リーズ郊外の飲み屋が並ぶ
中心街があります。ホームレスが目立ち、パキスタンのイスラム教徒コミュニティだけが健全そうに見える（素晴らしくてお得なレストランの中には、セルフサービスの Karachi と、土曜日の午後 5 時には混雑する派手な International がある）。

金曜日と土曜日のセントジョージホールでは、繁栄が目の前に広がっていた。ヒンドヤンのスタイリッシュな指揮
を考えると、華やかさも感じられた。バルビローリがこのホールをヨーロッパ最高と評したのは誇張だったかもしれない。ややドライではあるものの、ヒンドヤン
はロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団から滑らかで雰囲気のあるピアニシムを引き出していた。初日の夜は、部外者（予備リスト）のイギリス人ピアニスト、ジュリアン・トレヴェリアンが、バルトークのノスタルジックな白鳥の歌、ピアノ協奏曲第3番を華麗に選曲したことで始まった。第1楽章の扱いはメゾフォルティスト過ぎてニュアンスが足りなかったが、緩徐楽章のアメリカン・カントリー
・アイドルではオーケストラとの魔法のような一体感が生まれ、フィナーレの早変わりするダンスもすべてうまくまとまっていた。 (下の写真はファイナリスト5名:トレヴェリアン、カン・ニー・
ルオン、ジェイデン・イジク=ズルコ、ジュンヤン・チェン、カイ=ミン・チャン)。


チャンは詩人で、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第4番の静かな冒頭の和音の前に完全な静寂をもたらしている。この作品は私に新鮮な衝撃を与えた。よくあることだが、素晴らしいが決まりきったことであり、それはヒンドヤンとRLPOの功績でもあり、最初のオーケストラのトゥッティはとても自然に響いた

[380 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 00:59:49.81 ID:2IDXw2NZ]

ソリスト、指揮者、オーケストラの共同作業による最大の成果は、適切な色彩と表現力の強さによって、軽妙な中央楽章が深く心を奪われる演奏になり得ることを私たちに納得させたことです。
テーマ的には陳腐に聞こえることが多いのですが、その強迫的なメランコリーは、まさに古き良きラフマニノフの演奏のようでした。

それは二夜連続の大きなサプライズでした。今年の音楽祭が男女平等を強調する方向へ向かっていることを考えると、陳が首位を獲得してもおかしく
なかったでしょう。しかし最終的に、審査員長のイモージェン・クーパー氏、芸術監督のアダム・ゲートハウス氏、エレノア・アルベルガ氏（彼女のピアノ協奏曲は2021年の受賞者アリム・ベイシンバエフ氏によるもので、最近ヒンドヤンとRLPOによって初演されました）、マリアム・バタシュヴィリ氏、アドリアン・ブレンデル氏、サ・チェン氏、ティル・フェルナー氏、イングリッド・
フリター氏、そしてパベル・コレスニコフ氏という錚々たる面々がイジク＝ズルコ氏を選び、陳氏（下の写真）が2位を獲得しました。トレヴェリアン氏は5位、チャン氏は4位、ルオン氏は3位でした。最後の2つの順番は逆にしたかったのですが、以前の予選には参加しておらず、ソロ・レパートリー（現代音楽も豊富で、これも重要なポイントです）とカレイドスコープ
・チェンバー・コレクティブの著名なメンバーによる室内楽が競い合う準決勝を観戦して、追いつくのにかなりの時間が必要でした。他の賞も素晴らしいコンクールのウェブサイトに掲載されており、

見どころはたくさんあります


これは私にとって初めてのアイステズヴォッドです。規模はそれほど大きくないのですが、それでも市内で最も本格的なアイステズヴォッドの一
つだと考えられています。私は1ですが、年齢の計算方法により17歳とみなされ、出場できるのは17歳以上リサイタル賞（2曲以上、最長15分）のみでした。これは良いチャレンジになるだろうと思い、期待もほぼゼロでした。

当日は朝8時に会場に着かなければなりませんでした（私の乱れた睡眠スケジュールは大変でした）。というのも、審査は8時半から始まるからです

とても柔らかく豊かで深くて驚きました。 音楽的でセンスの良いルバートだと思いました。 エチュードOp.10-1は非常にダイナミックですが、技術的な粗が目立ちました。

ミスタッチは多く技術的にやや苦しいのが分かりました。 もう少し易しい曲で勝負するという戦術もあっただろうにと思うのですが

ピアノが箱鳴りしていて良い音色です。閃きや感動には乏しいですが標準的で良い演奏だと 思いました。 エチュードOp.10-8は標準的なテンポで音の粒も揃っていて、表現の工夫もあり音楽的で良い演奏だと思います。

主部は迫力がありこの曲にありがちな音の濁りはかなり抑えられているという印象でした。 中間部の旋律は夢想的で美しく歌わせていて良い演奏だったと思います。

難所で腕が鳴るタイプのようです。このような演奏はどのように評価すればよいのか、扱いに困ります。 評価Cでとりあえず保留としておきます。通過するかどうかはこの後の出場者の演奏次第ではないかと思います。

ダイナミックな部分でも音色が豊かで表現の振幅が大きく本当に素敵な演奏です。 エチュードOp.10-1は冒頭で大きなミスタッチがあり、全体的に技術的に苦しいという印象

情熱的でダイナミックな演奏ですが、やや粗いと思いました。 ノクターンの表現は良いのですが、エチュード2曲が弾けていないことを考えると

テンポルバートを多用した濃厚なロマンティシズムが漂う演奏でした。 技術的には粗があり精度は高くないと思います。 このような演奏は好き嫌いがかなり分かれると思いますし、正直に言うと個人的には好きではありません

[381 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 01:01:39.16 ID:Nkjqf/6c]

言うまでもなく、この時点で私の期待は大きく膨らんでいました。そして、かなり愚かな決断をしました。
時間があったので、ホールに行って何人かの演奏を聴いてみることにしたのです（主に、彼らが本当にそれほど上手ではない場合に備えて確認するためでした）。ところが、
最初の演奏者がリストの「リゴレット」の素晴らしいパラフレーズを弾ききったため、その確認は得られませんでした。その後、ショパンのスケルツォやリストの名曲がいくつか演奏されました。予想をはるかに超えるレベルの高さで、結果的にかなり緊張してしまいました。

一番ひどかったのは、演奏する直前、前の演奏が終わるまでコンサートホールの脇で待たなければならなかったことだった。そして、その人が演奏する「メフィスト・ワルツ第1番」を聴いたんだ。マジかよ、この人の演奏を聴くためなら金を払ってもいいくらいだ。音楽的すぎるわけじゃないけど、フレージングは​​素晴らしく、技術的な安定性も抜群だった。

それで、それをじっと聞いていた後、諦めてステージに上がって演奏することにしました。今思えば、彼の演奏を聴いて良かったのかもしれません。妙にリラックスできて、結果的にすごく上手く演奏できたんです。

これが私の（正直に言って、まったく貧血気味の）プログラムです。

ショパン 作品25 第7番 ハ長調 (チェロの遅い曲)

ラヴェルの「貴族と感傷的なワルツ」より第7番（この曲はミスが多すぎました… 完成していませんでした、笑）

ガーシュイン/ワイルド・エチュード第4番 - エンブレイサブル・ユー

ええ、結局、審査員がどういうわけか私の演奏をすごく気に入ってくれたおかげで、その部門で優勝することができました。メフィストの人は2位で、その後アイステズフォッドの他の部門も全部優勝しました。実は彼はシドニー国際コンクールにも出場していたんです。本当に本物だったんですね。




要するに、楽しい経験だったが、私がインポスター症候群にかかっているのか、それとも審査員が実際に非常に偏見を持っていたのか疑問が残る。


この曲は、難しさが全てではないと学んだ時のことを思い出させます。プロコフィエフ3番でピアノコンクールに出場し、自分のテクニックで皆を圧倒しようと考えていました。優勝したのはメンデルスゾーン1番を弾いていた女の子でした​​。特に変わったところはありませんでしたが、彼女の演奏は素晴らしく、すべての連弾が滑らかで軽やかで、まるでピアノの上で踊っているかのようでした。彼女は喜びに満ち溢れ、演奏に溢れていました。

芯がしっかりしたシャープで冴えた音色でありながら、響きは豊かでとても深い。
ノクターンはこの音色が夢想的な雰囲気を出していて、深くロマンティックで気品に満ちた素晴らしい演奏でした。

輝かしく冴えた音色、心にストレートに入ってくる純粋な音楽性、抜群のテクニック、ミスタッチの少なさ（安定度）、 作品全体を見通す優れたバランス感覚など
そのような中、最も分かりやすいのは「音色」と「音の質感」です。これが目立っていると、演奏開始から一瞬で聴く人の心を奪います
「ああ、やっぱりショパンは音がきれいでなければ」、「音が美しいというのは一番の強みだ」ということを改めて感じさせてくれます。

カリスマ性、スター性については、予備予選だけでは分からない部分が多く、10月からの本番で徐々にその人ならではの雰囲気が分かってくると思います。 これと関連することですが、見た目の感じよさといったものが意外に重要だったりします。 （見た目の感じが良ければ「あばたもえくぼ」になる一方、見た目の印象が悪ければ「坊主憎けりゃ袈裟まで憎い」となりますし、 「ショパン的ではない」という問答無用の最終兵器的な切り札で一蹴される危険さえあります。日本人でこのような人が出ないことを切に願います。

[382 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 01:03:49.53 ID:yH5Zqlq1]

私は審査員が実際は非常に優秀であると思うのですが、難しい作品に騙されず、最も難しい作品を作った人に一等賞を与えるには経験と知識が必要です。

ピアノのコントロールが素晴らしく、フォルティッシモも決して過剰ではなく、すべてのラインがメロディアスに歌われ、とても感動的な演奏でした

これは私にとって初めてのアイステズヴォッドです。規模はそれほど大きくないのですが、それでも市内で最も本格的なアイステズヴォッドの一
つだと考えられています。私は1ですが、年齢の計算方法により17歳とみなされ、出場できるのは17歳以上リサイタル賞（2曲以上、最長15分）のみでした。これは良いチャレンジになるだろうと思い、期待もほぼゼロでした。

当日は朝8時に会場に着かなければなりませんでした（私の乱れた睡眠スケジュールは大変でした）。というのも、審査は8時半から始まるからです。受付を済ませて、出場者待合室に入ると、
皆私よりずっと年上ばかりでした。周りに聞いてみると、ほとんどが私より5〜6歳年上で、音楽大学の学生か修士課程の学生（？！？！？）でした。

言うまでもなく、この時点で私の期待は大きく膨らんでいました。そして、かなり愚かな決断をしました。
時間があったので、ホールに行って何人かの演奏を聴いてみることにしたのです（主に、彼らが本当にそれほど上手ではない場合に備えて確認するためでした）。ところが、
最初の演奏者がリストの「リゴレット」の素晴らしいパラフレーズを弾ききったため、その確認は得られませんでした。その後、ショパンのスケルツォやリストの名曲がいくつか演奏されました。予想をはるかに超えるレベルの高さで、結果的にかなり緊張してしまいました。

一番ひどかったのは、演奏する直前、前の演奏が終わるまでコンサートホールの脇で待たなければならなかったことだった。そして、その人が演奏する「メフィスト・ワルツ第1番」を聴いたんだ。マジかよ、この人の演奏を聴くためなら金を払ってもいいくらいだ。音楽的すぎるわけじゃないけど、フレージングは​​素晴らしく、技術的な安定性も抜群だった。

それで、それをじっと聞いていた後、諦めてステージに上がって演奏することにしました。今思えば、彼の演奏を聴いて良かったのかもしれません。妙にリラックスできて、結果的にすごく上手く演奏できたんです。



目の覚めるようなシャープで冴えた音色、低音は深く厚みがあり、素晴らしい音色の持ち主です。 ノクターンOp.27-1は深い音色で深い情感を湛えながら、ピアノを歌わせていて美しい演奏でした。

落ち着いた優しく癒される演奏・・・電気が走る感動というのとは違って、やや地味で、良さが分かるのに時間がかかりますが （前者がイケメン男性、後者が性格の良い優しい男性と例えると分かりやすいでしょうか）、なかなか懐が深い感じの演奏です。

テンポは安定し粒が揃い、そして迫力十分。僕の頭の中にはポリーニの演奏が刷り込まれていますが、 そのポリーニの弾くOp.25-11の音像にかなり近い演奏でした。
技術的には他の追随を許さない完成度の高さでした。抜群の安定感と技術レベルの高さ

[383 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 01:07:10.21 ID:LyRIo1vw]

輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、
クリーブランドでは、このコンクールが現状に甘んじる雰囲気は全くありません。50周年を迎えるにあたり、コンクールは主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、
変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

2024年大会には265名のピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた55名は、これまでとはかなり
異なるコンクールを経験することになる。「私たちは、各ピアニストを一人のアーティストとして見たいのです」と、コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語る。彼はバッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に演奏するという
考え方を捨て、出場者に「自分自身の個性と、ピアノの未来像を表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「彼らの芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

2024年のコンクールでは、第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり演奏されていない作曲家の作品を選択することが求められ、
審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受けます。「聴衆とどのように関わり、
ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の作品を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は述べています。後期ラウンドに進むピアニストは、クラシックピアノの未来は個々
のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるアーティスト育成プログラムの恩恵を受けることができます。


4月に開催されますが、もう一つ大きく異なる点があります。それは、クリーブランドだけでなくパリでも開催されることです。1995年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し、第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォーレス大学音楽院、またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーのいずれかで演奏します。この2つの会場で開催することで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツを再び意識したものになります。

今夏、クリーブランドで開催されるコンクールの最終ラウンドに招待される準々決勝進出者16名は、クラシックピアノコンクールの常識をはるかに超え、アーティストとして自らを表現することが求められます。彼らは、開会式でのポップミュージックデュオ演奏、少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏、そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場や設定での演奏が求められます。

これまでのラウンドと同様に、出場者は、あまり知られていない、あるいはあまり知られていない作曲家の作品を演奏し、
その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められます。コールバーグは、出場者が審査員に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているか」
を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一部です。

優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでの
リサイタル出演が保証され、さらに米国有数のアーティストマネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。

クリーブランドへの出場権と準々決勝進出は、それ自体が大きな賞となります。コンクールのアーティスト育成プログラムでは、出場者がレジデンス、
メンターシップの機会、ブランディングとマーケティングに関する講座、マスタークラス、そしてジョナサン・ビス、アンジェラ・ヒューイット、
ジュ・ヒョンギといったピアニストから直接フィードバックやアドバイスを受けることができます。

[384 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 01:27:28.27 ID:GBdRkebP]

もっと体感しやすい方法は、例えば録音機、もしくはビデオカメラで、演奏を撮った時に、自分が思っていたのと違って、やけに乱暴に聞こえたり、スピードが速く感じた場合、それは間違いなく、自分の音を聴いていません。

実は、人間というものは、何かに没頭している時には、その一つにしか神経が行かない動物なのです。

これは当然の事で野生動物のように、回りに天敵がいないかを警戒しながら、えさを食べるという動作には慣れていないからかもしれません。

結果、他人の演奏には集中して聴く事が出来るのに、自分が演奏している時には、ピアノを弾く事に神経が行ってしまうので、もはや、自分の音を聴くという事に神経が行かないのです。

正直いうと、私も１０年前は聴いていなかったと判断出来ますし、自分の生徒も実に９割は自分の音を聴いていない、もしくは聴いていない時があるのです。

ではどうすれば良いか？

自分の音を聞く一番良い方法は、とにかくゆっくり弾く事です。
そして弾いている時に、自分の音だけに集中する事です。
不思議な事に、実は自分の音を聴けているときというのは，絶対的に自分の演奏は下手聞こえます（？）
チョー優秀な講師陣が活躍するピアノ教室ナリ⭐
腕試しに受験してみてオヌヌメとりあえず取り急ぎ。
　前半最後は、同じくショパンの「葬送ソナタ」として有名な、《ピアノ・ソナタ第2番Op.35》です。第1楽章は、重厚で深みのある低音のオクターヴで始まりました。激しい感情が感じられる楽章ですが、フォルティッシモなども決して暴力的な強さになることなく、スケールの大きな表現が印象的でした。決然とした雰囲気のまま始まる第2楽章では、その中間部での対照的にあたたかい響きが、とても美しかったです。葬送行進曲の第3楽章は、重々しさと共に洗練さが込められた音楽作りが印象的でした。第4楽章は、一気に駆け巡るといった様子で、作品全体が締めくくられました。

　休憩後の後半は、シマノフスキの作品。まずは、《マズルカOp. 50より第1巻（No.1〜4）が演奏されました。同じ「マズルカ」と言っても、
前半に聴いたショパンのものとは、だいぶ雰囲気も異なり、二人の作曲家の民族性、そして和声感の違いなどがはっきりと感じられ、興味深いものでした。たとえば第4曲での躍動感は、彼の音楽性をよく伝えるものだったと思います。
この微妙なところで１位と差がついたのかなと思います
暗譜しきってないコンチェルトとか披露したり、自分が間違えたのに、オケが悪い！とか言ったり、
残念な方になってしまった印象。

>>364　
ファイナリストになるということは、そのピアニストが世界でもトップクラスのショパンの演奏者であることを証明するものです。オリンピックや世界大会でベスト16に入るレベルと言えます。

ショパンコンクールの優勝者は、クラシック音楽界だけでなく、音楽界全体で見てもスーパースターの仲間入りを果たすと言えます。オリンピック金メダリストレベルの評価となります。

優勝した方は、スーパースターになるべくしてなるので、ショパンコンクールでの影響もあると思いますが、遅かれ早かれ世間に見つかって、才能を認める人は多いと思います。

また、ピアニストはかの有名な「ウサイン・ボルト」のような人間がゴロゴロいる世界なので、オリンピック金メダルどころでは済まないのではないでしょうか？５年に一度しか開催されませんし、

その分出演者のクオリティは高くなっています。ブーニンやポリーニなどの規格外な人も２・３回に一人ほど出てきますので、そういうことでしょう。

演奏家のコンクールというのは、所詮は新人の発掘を目的にした登竜門であって、実力世界一を決める

[385 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 01:32:15.78 ID:8jrFX/Ac]

揮者と一体となって演奏していたという事実は変わりません。この演奏には両方の要素が不可欠ですが、
ヒンドヤン率いるオーケストラが絶えず魔法をかけ続けなければ、これほどまでに目がくらむような衝撃は得られなかったでしょう。

だが、決勝進出者の非常に異なる功績を総括する前に、なぜブラッドフォードなのか。それは、リーズのタウンホールが現在改修工事中だからである（以前のラウンドは忠実なパートナーであるそこの大学で行われた）。
セントジョージホール（下の写真）は、私が書いた、街の建築の最高と最低に関する優れたガイドブック、ジョージ・シーランの『ブラッドフォード 50
ビルディング』によれば、1850 年当時の雰囲気を高めた最初の民衆娯楽施設であり、「工場、鋳物工場、醸造所、ビアハウス、酒類販売店、そして粗末な住宅が密集した不健全な混在」だった。
1851 年から 1853 年にかけてロックウッド & モーソンによってイタリア風パラディオ様式で建設されたこのホールは、シーランの本が 2017 年に出版された時点では「空っぽで荒廃した」
状態であった。それ以来、全面的な改装が行われ、広々とした玄関エリアと明るい色彩の講堂が設けられました。

ブラッドフォードで、かつての壮麗さを取り戻した他の建物には、同じ建築家による、後期のベネチアン ゴシック スタイルのウール取引所があり、
現在は英国で最も目立つ場所にあるウォーターストーンズ (下の写真) が入っています。そして、これが悪くない書店だと思うなら、市から 4 マイル離れたモデル村ソルテアにあるメインの工場の驚くべき改装の一部に、別の書店があり、
その横にはブラッドフォード出身のデイヴィッド ホックニーの作品を部分的に展示する巨大な展示スペースがあり、彼の財政的支援が奇跡を起こすのに貢献しました (入場無料)。ブラッドフォード自体には最良と最悪の両方があり、リーズが多くの資金とナイトライフを吸い上げてしまいました。2025 年に英国文化都市になっても、十分には変わらないでしょう (
まだ EU 内にいたら何が達成できたか想像してみてください)。その多くがまだ空っぽのままのビクトリア朝の壮麗さの間には、電子タバコや携帯電話の店、ネイル バー、リーズ郊外の飲み屋が並ぶ
中心街があります。ホームレスが目立ち、パキスタンのイスラム教徒コミュニティだけが健全そうに見える（素晴らしくてお得なレストランの中には、セルフサービスの Karachi と、土曜日の午後 5 時には混雑する派手な International がある）。

金曜日と土曜日のセントジョージホールでは、繁栄が目の前に広がっていた。ヒンドヤンのスタイリッシュな指揮
を考えると、華やかさも感じられた。バルビローリがこのホールをヨーロッパ最高と評したのは誇張だったかもしれない。ややドライではあるものの、ヒンドヤン
はロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団から滑らかで雰囲気のあるピアニシムを引き出していた。初日の夜は、部外者（予備リスト）のイギリス人ピアニスト、ジュリアン・トレヴェリアンが、バルトークのノスタルジックな白鳥の歌、ピアノ協奏曲第3番を華麗に選曲したことで始まった。第1楽章の扱いはメゾフォルティスト過ぎてニュアンスが足りなかったが、緩徐楽章のアメリカン・カントリー
・アイドルではオーケストラとの魔法のような一体感が生まれ、フィナーレの早変わりするダンスもすべてうまくまとまっていた。 (下の写真はファイナリスト5名:トレヴェリアン、カン・ニー・
ルオン、ジェイデン・イジク=ズルコ、ジュンヤン・チェン、カイ=ミン・チャン)。

しかしベトナムのカン・ニー・ルオン同様、トレヴェリアンも鍵盤から十分な音の魔法を引き出せなかった。ルオンのおかげでプロコフィエフのピアノ
協奏曲第3番のすべての要素が完璧に整ったが、作品には作曲家に匹敵する、活気があり、時折思索的な個性が必要だ。この2人に続くピアニストはすぐにさらなる可能性を示した。台湾系中国人の

カイ=ミン・チャンは詩人で、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第4番の静かな冒頭の和音の前に完全な静寂をもたらしている。この作品は私に新鮮な衝撃を与えた。よくあることだが、素晴らしいが決まりきったことであり、それはヒンドヤンとRLPOの功績でもあり、最初のオーケストラのトゥッティはとても自然に響いた。


音の聞こえ方に関する言及が中ほどにありますが、場所によって聞こえ方が違うのは当たり前だろうって、文章読む限り頭もよくなさそうだし、このレベルの頭の持ち主がヒエラルキーの上の方にいれるなら、ちょっとね。。
音楽は最後は頭脳がものを言いますから。

韓国や中国の国内事情はよく知りませんが、日本は合理性、論理的帰結というのが欠け落ちている人が多いと感じています？

[386 !id:none 2025/05/24(土) 01:33:43.40 ID:WZOg7NSU]

ジェスチャーをしてもう1曲。ラ・カンパネラ」で始まるや否や、客席からどよめきとどよめきが起こった。

はピアノ音とヴァイオリン音を聴く場合、ピアノの訓練を積むと、ピアノの音を聴いたときの方が、ヴァイオリンの音を聴いたときよりも、音を感じ取る脳細胞は強く活動するようになります。
一方で、ヴァイオリンの訓練を積むと、その逆で、ピアノの音よりもヴァイオリンの音によく強く反応するようになります。訓練によって、良く聴く音の表情を微細に感じられるように、
脳が変化するのです。

これは言いかえると、必ずしも音楽家ではない聴衆の方の耳には、わずかな音色の違いは感じ取りにくい可能性があることを意味します。
では、膨大な練習時間を費やしてわずかな音色を変化させることは、音色の差を感じられる、ごく限られた聴衆のためだけのものなのでしょうか？

キーを打鍵することによって、指の力が鍵盤に伝わります。この力が機構上ハンマーに伝わり慣性力を得たハンマーの頭部が弦を瞬間的に打ち、弦が発音し、
これによる音波が音として人の耳に聞こえるわけです。
　これだけを考えると、打鍵から聴き手の耳に音が到達するまでのプロセスは至って単純であり、“ピアノのタッチは音に影響ないのだ”と主張する人がいるかも知れません。しかし、現実にはピアノで苦労した人はおわかりのように、タッチ（タッチの仕方を含めて）は音に微妙に、ときには大きく、影響します。
　これは、聴く人の耳に音が到達するまでに、さまざまに音（音質、音量）を左右する因子があり、それらが変化することによって聞こえる音が変わるからで、
これらの支配因子の存在を排除するわけにはい
加えて、これら以外に重要な事柄は、ピアノの音の物理的な大きさは、打鍵の加速度によって決まるということです。
これはごく短い時間を考えれば、音の大きさは打鍵速度に支配されると言って良いでしょう。鍵盤の上下の可動距離は1cm位と短いので打鍵時間（この場合鍵盤に指が触れて鍵盤の底に至るまでの時間）はごく短いと考えられますので、ピアノの音量は事実上、近似的に指による打鍵速度で決まることになります。他方、音の長さは、強音ペダル（右）を使用しない場合は、
指が鍵盤を下に押して持続している時間（持続時間）によって決まります。
本来ならばばらばらになっている音を人間が識別できない位の短時間の間に、いかにして同時に発音された複数の音にまとめて出すかがポイントです。（無論ピアノの音にはタッチのほか、ペダルの使い方が重要な影響を与えることは、周知のことです
音・和音が微妙に違って聞える原因のひとつもこの辺りにあると思います。このさらなる原因はタッチの仕方です。重音・和音はタッチの仕方によって大きく音がかわります。
減衰音ですので、強音の和音を出したい場合は、できるだけ同時に指をそろえて弾く必要があります。
ばらばらになると原理上強い音は得難いものです。加えてこの結果音色も違ったものになります。
短い音も残響の影響で裾を曳きますので普通に楽譜どおり弾かずに若干短めに弾くべきでしょう。
つまりタッチの仕方を調整することによって聴き手に聞える音楽そのものを作っています
音楽を聴く上で人間はひとつのタッチによる音だけを聴いているのではなく、
心理的には音のつながりとして自然に比較しながら聴いていると考えられますので、その意味では、ひとつのタッチによって生じた音は一連の音のつながりによってコントロールされると云えます
上記からわかるように、ピアノのタッチだけでコントロールできるのは、単音の場合は打鍵速度と持続時間だけです。
しかし重音・和音になりますと、複数の指で“同時に”打鍵しますので、普通に考えると、復数の音が同時に出るように思われがちですが、実際は人間が打鍵する限りは、時間スケールを細かくして分析的に見ますとばらばらになります（これはピアノの音が減衰音であることも一因）。これをいかに短時間に“ひとつの音のように”まとめるかがピアノの技術のひとつです。


こればかりは、審査員の好みもあります。仕方ありません。そもそも、コンクールなんてもののせいで、最近は出てくる人出てくる人皆似たような演奏でおもしろくもなんともありません。


上手いから…なんです。社会では、自分ができるものは自分でやる、自分でできないものは他人にお願いする ＝ 判断力・コミュニケーション能力 が高い人が評価もされます
楽器を何一つ演奏できないなら音楽を語るのは無理な事。
語る資格はない。そもそもお前もきめんどうしだの自分に対して暴言吐いてきた訳でもない何でもない
不正審査は絶対ダメ
それに乗っかる演奏者はもっとダメ

[387 !id:none 2025/05/24(土) 01:35:03.93 ID:WZOg7NSU]

彼の指の動きは良かったが、私は彼の音楽性に疑問を抱いていた。
なれ。最初の曲は作品10です。 57. ベーゼンドルファー
このホルンの重厚で時代楽器らしい音色はベートーベンによく合います。
第一楽章のトリルは質が足りないようです。もう少し礼儀正しくして欲しい。
原子炉。第2楽章の音はあまり明瞭ではありません。第3楽章では、ベース部のハーモニーを伴うコーダが特徴です。
両方の音を強く鳴らしたときの音は豊かです。全体的な影響は良好です。
しかし、あまり完成度が高くない気がします。音の出し方が雑（控えめに言っても、ぎくしゃくしている）
品質が悪いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲 第1巻 作品13」です。 14. 35-I.それは
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブを含むコードの響きが迫力あります。
（この歌は彼のために歌われました）。最後の第14変奏とコーダにいくつか注目すべき誤りがありました。
お気の毒に。
次はバラード第1番、作品あまり良くないです。技術だけ
目立ちすぎて曲のインパクトが薄れたように感じました。間違いもかなりあります。 （
ちなみに、最初の2曲が終わった後には拍手がありました（コンテストではよくあることですが、
(拍手は禁止)、ただしこの曲の後はダメです。 ）
最後は一柳澄さんの委嘱作品「ピアノのための心象風景」でした。簡単に言えば
よく分からない曲です（もちろん今日初めて聞きました）。アバンギャルド（すでに前衛）
形がなく、技術的な強みも欠けていたのに、審査員の基準は何だったのでしょうか?
彼らはそれを評価すると思います。スコアでプレイするかどうかはチェックしません。
（審査員はそれを聞いてスコアを見ます。）それでは、私の感想を述べさせていただきます。
しかし、ベーゼンドルファーの高音はあまり美しくなく、現代音楽には適していません。
私にはこの仕事は向いていないと感じました。パフォーマンスについては、どう考えたらいいのかよく分かりません。
全体的な印象は1回目と同じです。

私はこの曲はあまり得意ではない（ポロ
最高峰と考えられているにもかかわらず、パフォーマンスは劣っているように見えました。技術的な明確さ
それほど素晴らしいものでもありません。
最後の曲は、作品10です。 28. かなり良かったと思います。
（スクリャービンについてはあまりよく知りません。）
全体的には、まだ少し「良くない」です。

技術不足のように見えたが、第2ラウンドではうまく勝ち上がった。
しかし、その疑問を払拭することはできませんでした。技術的には少し心配です。もう少し安定
その感覚を味わいたい。第一楽章の強みは、右手の速いスタッカート和音にあります。
上昇傾向はむしろ安定していたが…（ここはプロでも曖昧になることがある）
（何よりも）。自分を表現したいという欲求もあります。
リズムも与えられます。強いて言えばマイナーになる部分の左側の部分ですね。
私はオクターブをもっと激しく演奏することを好む（ワイセンベルク、
qのように)。
全体的には悪くないようです。ただし、あまりお勧めはしません。

原子炉。 2番目の部分の音声はあまり明瞭ではありません。 3 番目の部分は、ベース セクションのハーモニーによるコーダです。
両方の音を大きく演奏すると、音が豊かになります。全体的な印象は良いです。
しかし、あまり完成していないようです。音は荒々しい（控えめに言っても唐突）
品質が低いと感じました。
次はブラームスの「パガニーニの主題による変奏曲」第1巻、作品13. 14. 35-Iです。これ
いくつか間違いはありますが、よくできています。オクターブも含めたコードの響きが力強いです。
（この歌は彼のために演奏されました
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

[388 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 01:39:49.78 ID:zn/T6Saq]

本当にびっくりしました。まさに天才たちの学校、しかもその天才たちが思う存分、才能を伸ばせる環境が与えられていることに驚きました単刀直入に言えば、耳の悪い奴が多すぎる。

彼らのインタビューを読むと、ショパコンで彼らが上位入賞できたのは「彼らが日本人だから」「日本での指導力が上がったから」ではなく【日本の遅れた没個性指導から離れ、自身の演奏を尊重

音楽は下手な奏者が量産されるのでしょう
本当に受賞歴（※社会的に通用するもの）がたくさんある人は、それをひけらかしたりしないものです。

また、本当に実力を備えた人は他人をいたずらに貶めることもしないでしょう。穢らわしい奴は放っておけばいいのです。彼（彼女）はどうせどこへ行っても大成も成功もしないし尊敬されることもないのです。本人はそれが喉から手が出るほどほしいのでしょうが、力がないのだから仕方ありません、だからここで他人を罵って悪態つくよりほかはないのです。

インタビュー記事を見てわたしは心から感激したのです。こんな指導者が１人でもいればこの国の音楽は伸びるだろうな。
インフラは金さえかければいいものがいくらでもすぐにでもできるでしょうが、人材は簡単にはいかないですからね、ここは本当に羨ましい。てか、のんきにインタビューしてる暇あったら見習えよと言いたい。

一理ありますね。
日本人は基本的に真面目にコツコツ積み上げる人が多いとは思うのですが、なんだか、先生の頭越しに勝手にハングリーになるのは申し訳ない、先生の許可をいただかなければ上を目指すのも憚られる、、みたいな変な謙虚さが漂っているように見えますピアノ界は。上を目指そうと思っても、上を目指すにはこうしなさいね、という先生の言いつけをしっかり守って先生の言う通りにする、というか、それ以上のことをしない、というか。

そもそも他国の言語を学ぶとは、その相手と実際にコミュニケーションをとるということが前提なわけである。英語を学ぶために英語を学んでいるのではない。では一体、今の日本人に本当に英会話能力を必要としている人はどれくらい居るのだろうか。

ピアノ奏法を学ぶ、そしてコンクールなどで実力を発揮する。
で、その先は？？
日本の社会はクラシック音楽の環境にどういう目的と必要性を求めているのだろうかねー。


裕福な国では 優秀なプロのアーティストが生まれない、と聞いた事がありますが。
芸事における大変な努力をしなくとも 仕事はあり、そこそこ豊かな暮らしをしていけるからだ、とも


裕福な国では 優秀なプロのアーティストが生まれない、と聞いた事があります。
芸事における大変な努力をしなくとも 仕事はあり、そこそこ豊かな暮らしをしていけるからだ、とも。

[389 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 01:49:02.07 ID:5SxkMja6]

福な国では 優秀なプロのアーティストが生まれない、と聞いた事がありますが。
芸事における大変な努力をしなくとも 仕事はあり、そこそこ豊かな暮らしをしていけるからだ、とも。。

もう、そういう（文化的な）表彰や権威みたいなものを 日本の多くの人が必要としなくなったからでは？
（スポーツになら求めるが・・・）
たまに出た才能ある若者を国ぐるみで大切に育み、世界に出そう、などという思考があるとは思えません。


ショパンもリストもなし！）。その活気は際立っていましたが、ソリスト、指揮者、オーケストラの共同作業による最大の成果は、適切な色彩と表現力の強さによって、軽妙な中央楽章が深く心を奪われる演奏になり得ることを私たちに納得させたことです。
テーマ的には陳腐に聞こえることが多いのですが、その強迫的なメランコリーは、まさに古き良きラフマニノフの演奏のようでした。

それは二夜連続の大きなサプライズでした。今年の音楽祭が男女平等を強調する方向へ向かっていることを考えると、陳が首位を獲得してもおかしく
なかったでしょう。しかし最終的に、審査員長のイモージェン・クーパー氏、芸術監督のアダム・ゲートハウス氏、エレノア・アルベルガ氏（彼女のピアノ協奏曲は2021年の受賞者アリム・ベイシンバエフ氏によるもので、最近ヒンドヤンとRLPOによって初演されました）、マリアム・バタシュヴィリ氏、アドリアン・ブレンデル氏、サ・チェン氏、ティル・フェルナー氏、イングリッド・
フリター氏、そしてパベル・コレスニコフ氏という錚々たる面々がイジク＝ズルコ氏を選び、陳氏（下の写真）が2位を獲得しました。トレヴェリアン氏は5位、チャン氏は4位、ルオン氏は3位でした。最後の2つの順番は逆にしたかったのですが、以前の予選には参加しておらず、ソロ・レパートリー（現代音楽も豊富で、これも重要なポイントです）とカレイドスコープ
・チェンバー・コレクティブの著名なメンバーによる室内楽が競い合う準決勝を観戦して、追いつくのにかなりの時間が必要でした。他の賞も素晴らしいコンクールのウェブサイトに掲載されており、

見どころはたくさんあります。最高レベルのコンサートプログラムとして、見事に機能した2夜に感謝の意を表するしかありません。

[390 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 01:55:09.50 ID:iPN2nswb]

練習曲から、生き生きとした感情的な物語へと変貌させ、同時にピアニストの技術を発展させました。この点において、エチュードは真に革命的なのです。
手に興味深い難しさがいくつかある。左手は比較的単純で、最初から最後まで単音八分音符を弾くだけである。しかし、右手は絶え間なく動き続け、短三度から増六度まで、音程が急速に変化するのが特徴です。同程度のサイズの音程が隣り合うことは決してなく、そのため適切なテンポで演奏するのは非常に困難です。三度の後にはほぼ必ず五度か六度が続きます。これは、大きい音程が小さい音程と同じ旋律線上にないことによってさらに難しくなります。小さい音程の2つの音符は、大きい音程の2つの音符よりも完全に低い位置にあることがよくあります。
もう一つの難しさは、音程内の繰り返される音符の扱いにあります。時折、三度の最上音符が、その直前（あるいはその前）の大きい音程の最下音符と重なることがあります。
この技術的な難しさによって、解釈は特に難しくなります。そして、この標題は、音程の急速な進行に由来しており、レガートで演奏しないと、
非常に孤立したトッカータのように聞こえることがあります。


死後に出版されたこの曲は、ショパンの特徴的な要素を巧みに取り入れた、陰鬱なピアノソロです。
ショパン見られるこれらの要素は、作曲家として長年私を魅了してきました。
シンプルな構成と控えめな展開は、複雑さと質が同義ではないことを示しています。重要なのは、　十分な努力をすること、そしてその「十分な」努力を高い水準で行うことなのです。

そこで、この記事ではショパンの作品を分析してみたいと思います。必ずしもショパンのように作曲したり
、ロマン派の作曲やノクターンを書いたりするためではありません。ショパンが何をしたのか、つまり、彼がどのようにアイデアを整理し、発展させ、それらのアイデアをどのように伴奏し、どのように展開をコントロールし、そしてこれらの要素が
、今日のメディアや現代芸術音楽の作曲にどのように応用できるのかを見ていきたいと思います。
そこで、まずはの全体像を概観し、その後ショパンの主旋律とその発展戦略を詳しく見ていきたいと思います。最後に、彼の和声と、
彼が進行と半音階を用いて、いかにして混沌とした夢のような感覚を作り出しているかについて考察します。調性を軽視するわけではありませんが、強調するわけでもありません。


初期段階にあたることを示しています。実際、彼はまだワルシャワのワルシャワ高等学校（英国の中等教育機関、または米国の高等教育機関に相当）で学んでいた時期です。ただし、ワルシャワ音楽院に入学したばかりだった可能性もあります。したがって、この曲が作曲された当時、ショパンは16歳、あるいは15歳頃だったと考えられます。

作曲年が正しいと仮定すると、ノクターン第19番は若い学生にとって注目すべき作品であり、このノクターンには学生時代の作品らしい特徴がいくつも備わっている。それは、シンプルで広がりのない形式的な編曲、明確な和声の使用と明白なパート譜技法、そして簡潔な旋律の使用であり、旋律の展開は装飾的な変奏と装飾音に限定されている。ショパンが様々な技法への理解を示すかのように、作曲家としての技巧を磨くことに献身的な学生であったことは明らかである。

[391 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 01:57:41.03 ID:BZaq3i8N]

編曲と形式、和声、そして旋律に関するいくつかの考察を紐解いていきたいと思います。まずは形式を構成要素に分解し
、次に和声、特により豊かな和声の多様性を可能にする技法の活用について考察し、最後に旋律につい
て考察します。この技法はショパンが後の作品にも用いることになり
、ショパンが旋律と変奏を形式の要としてどのように用いているかを見ていきます

物事はペアで起こる。そのため、もしこの作品の形式にラベルを付けるなら、二部形式と呼ぶだろう。しかし、転調や移行部の使用など、この表現には疑問が残る点がいくつかある。伝統的な二部形式は、通常、二つのパートに渡って同じ主題素材を用いる。前半では主音（I）から属音（V、あるいは相対長調のIII）へと移り、その後再び主音に戻るといった、より広範な転調スキームを通して、同じ主題素材が再構成され、織り合わされる傾向がある。

ショパンはこの二部形式の最初の部分を演奏しています。曲はホ短調(i)で始まり、ロ長調(V)へと移ります。しかし、主題1(c)に戻ると、主調も戻ってきます。主題2cと2dで曲を終えると、平行長調であるホ長調への転調がさらに行われます。

したがって、もし本当に必要であれば、この形式を二元ABではなくA-A'として考え、節制的と分類す
ることもできます。テーマの巧みな繰り返しがあり、これは古典的な変奏曲形式とそれほど変わりませんが、
はるかに小規模です。古典的な
変奏曲形式においては、曲は同じ構造（テーマ）を基盤として、変奏や順列を生み出します。内部的には、テーマは複数の部分から成りますが、
より大きなスケールでは、曲はその構造の枠組みの上に構築されます。ショパンはテーマ1a、1b、2a、2bを
与えており、これらはAと見なすことができます。その後、
彼はこのプロセスを繰り返し、テーマ1c、1d、2c、2dを与えています。

二部形式は、和声や転調の構造を軸に、一つあるいは複数の小さなアイデアを練り上げるプロセスを中心に構築されることが多いのに対し、
三部形式は、対照的な大きなアイデアに焦点を当てています。和声はこれらの対照と並行して、新しいテーマのために新しい音域に転調することがよくありますが、
三部形式は旋律に重点が置かれています。二部形式がより一般的だった19世紀以前は、和声、
つまり低音から上へと構築されることに重点が置かれていました。このショパンのノクターンも、旋律、つまり上から下へと構築されています。

小節の強拍で非コード音、つまり基となるハーモニーに含まれない音符を使用する技法です。これらの音符は、基となるハーモニーに含まれる音符であるコード音へとステップで解決します。たとえば、主題 1 の提示部 (2 〜 5 小節目) の冒頭では、前打音をいくつも見ることができます。
たとえばメロディーの最初の小節では、4 拍目に前打音が使用されており、E マイナー トライアドの上で F# から E に下がっています
。F# は単純な E マイナー トライアドの音符ではありません。
メロディーの 3 小節目では、3 拍目と 4 拍目に前打音が 1 つずつ見られます。E マイナー トライアドの上では、
やはり A と C (3 拍目)、および F# と A (4 拍目) は非コード音です。ショパンはこの小節で、それぞれ G と B、E と G へとステップで解決し、一対の前打音を熱心に展開しています。

各セクションを区別するために、左手に独特の反復音型を主題と組み合わせています。主題1では、これらの音型は小節の2拍目と4拍目ごとに非和音を含みます。弱拍自体もそうですが、この非和音は拍内の「無理」な3拍子のうち2拍目にも現れます。アクセントがないため、前打音という名称は議論の余地があります。しかし、前打音に似た、特徴的な「ため息」のような、あるいは緊張を解き放つような感覚は確かに存在します。

[392 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 02:00:21.18 ID:dTJSctBQ]

最初のアタックの後、ピアノの音量は減衰していきます。これは、サスペンドされた不協和音が
その力強さを失っていることを意味します。ショパンは私たちにサスペンドされた不協和音を聴いても
らいたいと考えており、だからこそ彼はしばしばこれらのサスペンドを高音域に第2音程として配置したのです。
非和音の音が前の和音に存在する伝統的な準備されたサスペンションを用いていますが、通常、非和音の音を前の拍から繋ぎません。
その代わりに、ピアノは持続音を持たない楽器であるため、不協和音を強調するために、非和音の音を頻繁に繰り返し演奏します。
定義の厳密さにもよりますが、ショパンは左手に前打音のような音型を執拗に用いています。
ショパンは各セクションを区別するために、左手に独特の反復音型を主題と組み合わせています。
主題1では、これらの音型は小節の2拍目と4拍目ごとに非和音を含みます。
弱拍自体もそうですが、この非和音は拍内の「無理」な3拍子のうち2拍目にも現れます。アクセントがないため、前打音という名称は議論の余地があります。しかし、前打音に似た、特徴的な
のような、あるいは緊張を解き放つような感覚は確かに存在します。





アポジャトゥーラの抜粋をもう一度見てみると、左手に繰り返されるCbの音型が強調されているのが分かります。Cは、基となるE短調の非和音ですが、Bに解決します。
ショパンは、ほぼ常に基となる和音に6度を追加し、それが和音の5度に解決するのを執拗に繰り返しています。例えば、テーマ1の後半では、
和音はE短調から離れ始めます。そのたびに、伴奏のフィギュレーションにおけのモチーフが、基となる和音の6度と5度の間で何度も繰り返されます。







これは謂わば受験勉強で、実際の英会話にはこんな用語は出て来ないのである。もちろん英会話を学ぶにあたって文法は必要ないと言っているのではない。そうではなく、最初から英会話を学ぶのが目的ならもっと違う学習方法があったはずなのである。そして、そもそも他国の言語を学ぶとは、その相手と実際にコミュニケーションをとるということが前提なわけである。英語を学ぶために英語を学んでいるのではない。では一体、今の日本人に本当に英会話能力を必要としている人はどれくらい居るのだろうか。

音楽の卓越性を皆さんと共有し続けられるよう、全力を尽くします。
ツアー期間中は、個々の活動とのバランスを取りながら、ドーバー・カルテットとして最高の芸術性で演奏を続けられるよう、演奏活動に注力していきます。この内省の期間を経て、共に創り出す魔法への感謝の気持ちがさらに深まったことを誇りに思います。ツアーで皆さんにお会いできるのが待ちきれません。
そして、私たちの旅路を共に歩んでくださったすべての方々に心から感謝しています。」

[393 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 02:15:58.81 ID:kVXXlSqv]

ソナタの広範な建築的野心とは一線を画しています。しかし、彼女が明らかにしたように、そのコンパクトなフレームの中には、露出した緊張と矛盾に満ちた表現力豊かな世
界 – が横たわっており、 – も決して広大ではありません。冒頭の楽章では、突然のコントラストと非対称性という音楽の不安な文法を暴露したが、落ち着きと優雅さで落ち着きのなさを
和らげた。彼女は、その動機となる素材に、スピーチの断片のように互いに響き合うように見える – の忘れられないジェスチャーをはっきりと語らせました。第 2 楽章の明るいカンタービレ
は、メロディアスでありながら内向きで、シューベルトの方を眺めました。ここでも構造的な深さを明らかにし、あたかも緊張が記憶として甦ったかのように、冒頭のフレーズを変換の
行為である–以前に起こったことに対する静かな反応として形作りました。アリアというよりも会話が思い出すほど、その叙情性は回顧的で未完のものを帯びて

‘マルタ リガトゥラージャ’ は、シェーンベルクのスコア – のより親密で密度が取り除かれた蒸留エコーのように、インターバルの後に到着しました。作曲家の妻を偲
んで書かれたこの曲は、聴感の限界に浮かんでいた。内田は原稿のページから、壊れやすく未完成なものを扱うかのようにミニチュアを演奏しているようだった。もともとチンバロム
のために考案された共鳴は、幽霊のような神聖なものになりました。音楽的意味でも感情的意味でも、2 つの声がゆっくりとした哀歌的なサスペンション – で互いに旋回しました。
ベートーヴェンのモチーフがシェーンベルクで断片化されたとすれば、ここではささやき、タッチ、静けさに洗練されました。

シューベルトも続いた アタッカ, 、あたかもクルターグの静まった断片が単により持続的なものに合体したかのように。ソナタ第21番変ロ長調は、始まったというよりも登場した。
スターン講堂のためにその建築とサウンドスケープを拡大したいという誘惑に抵抗しました。代わりに、彼女はその親密さを受け入れ、第 1 楽章がゆっくりとした急ぎのない弧で
呼吸できるようにしました。オープニングテーマは静けさから立ち上がり、ベースの低いトリルが届いても驚かず、警告なしに埋もれた記憶が浮かび上がるようにつぶやきました。

の The アンダンテ ソステヌート ゆっくりとしたテンポで動きますが、静的なものは何も感じません。内田は各フレーズを静かな激しさで形作り、息のリズムで展開するように動きのペースを
調整した。彼女のボイシングは特に洗練されました。右手のメロディーが左側の揺れる人物の上に繊細に浮かび、両者のバランスは決して硬くありませんでした。時には伴奏が表面化し、あ
たかも主題そのものよりも伴奏が持つ記憶が一時的に強固であるかのように見えました。音楽が一時的にメジャーになったとき、内田は中断された時間の感覚をそのままに、‘un-jubilatory’ の暖かさをもたらしました。オープニング素材への回帰は、過ぎ去ったものの静かな重みによって変化したように感じられました。



トリオは、あたかも音楽が別の思考領域に一時的に足を踏み入れたかのように、一時的に固定されていないように感じました。フィナーレでは、内田がしなやかなペースを維持し、音楽の
放浪的なキャラクターが自然に出現できるようにしました。この楽章は長調と短調の間を行き来し、転調は方向性というよりもとらえどころのない暗示を帯びていました。不安定な瞬間がいく
つかちらつきましたが、それらはほとんど重要ではありませんでした。連続性の感覚は、明確かつ永続的に感じられる一連のエピソードの中で決して壊れることはありませんでした。の The プレスト coda h l 集大成と死 出はlanaku

[394 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 02:27:22.03 ID:cCOApR/2]

過度に繊細で洗練された雰囲気を相殺しました。
パフォーマンスは技術的には確実ではあるが、抽象化に傾いていた。彼女のタッチは、壮大なスタインウェイを幻想的で、ほとんど結晶のような楽器に変えましたが、特にこの協奏曲が
モーツァルトのオペラアリアのテーマを共有しており、独自の豊かで声の表現力を持っていることを考えると、この純粋さが時々音楽の感情的な即時性を消し去っているように見えました。

ヤナーチェクの懐かしくも活気に満ちた ムラーディー, 、前半の終わりに演奏、雰囲気の歓迎シフトを提供しました。木管楽器奏者たちは活気に満ちた相互作用で輝き、音楽的な相
性と即興的なセンスが待望の活力を注入しました。エルプフィルハーモニーのダイナミックな照明と影の効果によって強化されたこの作品は、20 世紀初頭の超現実的な魅力を呼び起こしました アバンギャルド 莠 – 前蛟龍心之アエルカツラメノクゥン

後半にはおそらくモーツァルトの最も有名な作品がフィーチャーされました ピアノ協奏曲第21番ハ長調, 、 K467。ここでは、オーケストラがよりダイナミックなコントラストを受け入れるにつれて演奏が勢いを増し、ティンパニが大胆なリズミカルな存在感を加えて全体のエネルギーを強化しました。第 1 楽章の内田自身のカデンツァは、セクション間の移行がよりスムーズになって
いたかもしれませんが、さわやかで個性的なタッチを加え、音楽に対する彼女のユニークなアプローチを示しています。ステージの近くに座っていると、彼女のタッチに時折脆さがあることがわかり、ピアノ自体が第 2 楽章でかすかに曇った ‘wolf tones’ を明らかにしました。しかし、ロンドのフィナーレでは、内田のエネルギッシュな音階のパッセージは明瞭さと輝きに満ちており、
以前の楽章の洗練された滑らかさを超えています。彼女の演奏はより生き生きとしたものに感じられ、MCO はより自由と自発性の感覚で反応し、焦点を過度に洗練されたディテールから
より自然な流れに移しました。彼らは一緒にモーツァルトの音楽の遊び心のある魅力と明るさを捉え、結論を本当に魅力的で記憶に残るものにしました。




一つあるいは複数の小さなアイデアを練り上げるプロセスを中心に構築されることが多いのに対し、
三部形式は、対照的な大きなアイデアに焦点を当てています。和声はこれらの対照と並行して、新しいテーマのために新しい音域に転調することがよくありますが、
三部形式は旋律に重点が置かれています。二部形式がより一般的だった19世紀以前は、和声、
つまり低音から上へと構築されることに重点が置かれていました。このショパンのノクターンも、旋律、つまり上から下へと構築されています。

小節の強拍で非コード音、つまり基となるハーモニーに含まれない音符を使用する技法です。これらの音符は、基となるハーモニーに含まれる音符であるコード
音へとステップで解決します。たとえば、主題 1 の提示部 (2 〜 5 小節目) の冒頭では、前打音をいくつも見ることができます。
たとえばメロディーの最初の小節では、4 拍目に前打音が使用されており、E マイナー トライアドの上で F# から E に下がっています
。F# は単純な E マイナー トライアドの音符ではありません。
メロディーの 3 小節目では、3 拍目と 4 拍目に前打音が 1 つずつ見られます。E マイナー トライアドの上では、
やはり A と C (3 拍目)、および F# と A (4 拍目) は非コード音です。ショパンはこの小節で、それぞれ G と B、E と G へとステップで解決し、一対の前打音を熱心に展開しています。



各セクションを区別するために、左手に独特の反復音型を主題と組み合わせています。主題1では、これらの音型は小節の2拍目と4拍目ごとに非和音を含みます。弱拍自体もそうですが、この非和音は拍内の「無理」な3拍子のうち2拍目にも現れます。アクセントがないため、前打音という名称は議論の余地があります

[395 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 02:32:30.09 ID:0UsAxhpm]

しなやかで楽なテクニックがエチュードの一つ一つを通して輝いています。しかし、音楽的に言えば、彼のショパンは
リストよりも介入主義的で気まぐれであることがわかります。内なる声は、注目を集めるアクセント、変化したダイナミクス、手間のバランスの突然の変化とともに豊富にあります。確かに、
ジョルジュ・シフラの無謀な録音ほど行き過ぎたものには程遠い。彼はヴァレンティーナ・リシツァよりもはるかに口が利かず、アレッサンドロ・デルジャバンの過負荷なディテールを避けている。しかし、彼はマウリツィオ・ポリーニ、ジョン・ブラウニング、ウラジミール・アシュケナージ、マレー・ペラヒア、フアナ・ザヤスの伝統に倣ったストレートなシューターではない。リムのアプローチを
ディスコグラフィー的な文脈で要約しなければならないとしたら、彼のショパンエチュードは、Shura Cherkassky と Abbey Simon による ‘old school’ を中心としたサイクルをよりきらめき、
衝動的に統合したものであると説明します。

たとえば、リムのイ短調エチュード作品 10 第 2 番は、ヴィルヘルム バックハウスの軽くて活発なシェラックの演奏と、左手の伴奏から現れる新たな対旋律を思い出させます。Op 10 に続き、Lim の圧倒的な ‘Black Key’ 変ト長調 No 5、ハ長調 No 7、および ‘Revolutionary’ ハ短調


ピアニズムを特徴づける純粋な音楽性を考慮すると、私のいくつかの屁理屈はほとんど重要ではありません。それでも、私は疑問に思う。リムの主観的なタッチは
何年も後も魔法のようなインスピレーションのように聞こえるのだろうか、それとも、繰り返し聞くことで目新しさが薄れる感情として現れるのだろうか？


準決勝のリサイタル全体をリストの完成に捧げる予定であるという発表 超越的なエチュード 国際的なピアノコミュニティ全体に波紋を巻き起こしました。ァイナリストの中で最も若いこの選手が、技術的な手段、音楽性、スタミナに関するこのような大胆なテストを成功裏に実現できるだろうか？答えは最も強調的で明確な ‘yes’ でし
音楽的かつ技術的な傑作を再び聴くと、リストの新しい録音であっても、それが明らかです 超越的なエチュード これは隔月で発行されるようで、lazar Berman、Claudio Arrau、
Bertrand Chamayou、その他数え切れないほどの個人的なお気に入りと並んで、ベンチマーク参照バージョンとして掲載されるアカウントであり、鮮やかな音楽制作がキャッチされています。その瞬間のインスピレーションを受けた熱気。

振り返ってみると、このリストのパフォーマンスは、あるオンライン コメンテーターが ‑ The Rach 3


裕福な国では 優秀なプロのアーティストが生まれない、と聞いた事がありますが。
芸事における大変な努力をしなくとも 仕事はあり、そこそこ豊かな暮らしをしていけるからだ、とも。。

もう、そういう（文化的な）表彰や権威みたいなものを 日本の多くの人が必要としなくなったからでは？
（スポーツになら求めるが・・・）
たまに出た才能ある若者を国ぐるみで大切に育み、世界に出そう、などという思考があるとは思えません。

裕福な国では 優秀なプロのアーティストが生まれない、と聞いた事があります。
芸事における大変な努力をしなくとも 仕事はあり、そこそこ豊かな暮らしをしていけるからだ、とも。

[396 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 02:36:32.53 ID:auE85iAR]

ホールの音響と内装の両方に非常に満足していました。ちなみに、当時は単に「ミュージックホール」と呼ばれていました。開館からわずか
8年後にカーネギーホールとなりました。

しかし、もう一人のロシアの巨匠、セルゲイ・ヴァシリエヴィチ・ラフマニノフは、
カーネギーホールの歴史にさらに大きな貢献をしました。彼は指揮者、ピアニスト、そして多くの室内アンサンブルのメンバーとして、さまざまな編成でカーネギーホールで 92 回演奏しました。

したがってがコンサートの第 2 部全体をラフマニノフの音楽に捧げたのは正しい判断だったと言えます。
特に今年はラフマニノフ生誕150周年の記念すべき年です。エフゲニーがこのラフマニノフのプログラムをアメリカやヨーロッパの多くの都市で演奏することは明らかです。
そしてすでに多くの国で演奏されています。

しかし、カーネギーホールでは特別な音が響きます。

私は目を閉じて、たった100年前（これは歴史上非常に短い期間ですが）に偉大な作曲家自身がまさに
この場所でピアノの前に座っていたことを想像しました。そして、おそらく長年にわたり多くの改修工事が行われ、椅子、聖歌隊席、床、ピアノが交換され、
新しい楽屋が建設され、新しい機材、マイク、ビデオカメラ、エアコンが設置されたとしても、それは問題ではありません。

しかし、場所はそのままです。
いいですか、私は生涯ずっと音楽を勉強してきましたし、私の周りには常に数人の天才たちがいました。しかし、どういうわけか彼らは皆、
落ちぶれて、中退し、まったく普通の演奏家や教師になったり、音楽を完全に諦めたりしました...私はこれらの神童を信じていません！

- しかし、これは別のケースです。おいで、と友人は言った。

そして私は来ました。

そして、私はそれを後悔しませんでした。

このコンサートで、私は突然、本当の奇跡を目にしました。まるで開拓者のネクタイを締めているような若い少年が、完全に大人の、円熟したピアニストのように演奏したのです。
プログラムは複雑で、バッハ、モーツァルト、ショパン、プロコフィエフだったと思います。すべては覚えていませんが、素晴らしい響きでした...コンサートの後、私は舞台裏に行き、アンナ・パブロヴナ・カントル、彼の先生、ジェーニャの家族に会い、彼ら全員に敬意を表しました。



一般的には豊かな音色と力強い表現力を特徴とするピアノの演奏法を指します。具体的なテクニックとしては、手の形を保ちつつ、腕全体を使って深く鍵盤を打つことで、豊かな倍音と大きな音量を出すことが挙げられます。しかし、ロシア奏法と一言で言っても、ホロヴィッツやアルゲリッツ、キーシンなど、個々のピアニストによってその解釈や実践方法は異なります。また、ロシア奏法という言葉自体が、特定の学派や教育体系を指すわけではなく、あくまで一つの演奏スタイルを表す概念であるため、明確な定義や決まったフォームは存在しません。そのため、手元を見ても一概には判断できないと言えます

[397 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 02:42:18.10 ID:cdZ6zB8/]

和音を弾くときに、当然のことながら全部の音が同じような音量もしくは音質で鳴っていれば、どう考えてもあまりきれいに聴こえることはないだろう。
1番上のメロディの音が出ていればきれいに聴こえるわけだが、それが出すぎれば和音としての厚みがなくなり、やせた音色や質感になってしまう。
一方、和音の中の比較的低いほうの響きを充実させれば、厚みのある音になるが、ただそれも行きすぎれば野暮ったく、汚く濁って聴こえてしまう。
ブラームスは比較的低い音域に、音の響きを集めた書き方をしているが、これは厚みのある暖かい音色を意識したからだと思う。
それに比べてショパンは、ずっとすっきりとした音色になるように、低い音域には音の響きを集めていない。
また、リストは全音域にわたって効果的に音を散らすことによって、ピアノという楽器が1番よく鳴るということを知り抜いていた作曲家とも言える
楽曲中にフォルテと書いてあっても、メロディだけはフォルテで、他の 音は本当になでるように小さなぽかした音で弾かなければうまくいかないこともある。
そういったコントラストの問題が大きくあるのではないかと思う。そして、印象として「暗い」と思われる理由の一つとして、
リズム感が重いということも原因の一つかもしれない。
一般的に演奏上の基礎とされているのは、しっかりとした指の動きの鍛錬によって、たちあがりがはっきりとした太い音で粒が揃っているのが良いとされています。確かに楽譜に書いてある音符をある意味において正確に表現するためには有効です。しかし、このようなタッチで実際に作品を弾いてしまうと指の訓練、例えばハノン教則本やチェルニーの練習曲を弾くのと同じタッチになり、
表現の幅がせまくなってしまいます。
音色と言うよりも強弱のみの変化にたよることとなり、特にロマン派以降の作品に要求されるような多彩な表現は不可能であると断言できます。
人間の五感において、耳の発達が一番遅れているとされ、ソルフェージュによって正しい音程や長さを判別する訓練はされていますが、音色といった、より抽象的な領域までには及んでいないように思います。はっきりとした太い音が良い音と感じてしまうのは、
あくまでも音の鳴る瞬間のみにこだわって耳を使っているためだと思います。
もし、本当にピアノという、すぐに音が減衰してしまう楽器でレガートを実現しようとするならば、音の鳴る瞬間よりも、その後の響きを聴く事が重要です

西洋人がこんな演奏をしていてはみんな中国と中国系、韓国と韓国系、それと戦争が収まったらロシアだけの国際ピアノコンクールになりそうだ
日本はどんどんどんどん貧乏になっているのでピアノを習える子がごくごく小数になりそう…(韓国は経済的に厳しいと言っても社会主義国と一緒で国威発揚で国家バックアップしていそう）


アヴデーエワは優勝後バッハ、シューベルト、プロコフィエフ、ヴァインベルクなどを録音し、ラ・ロック・ダンテロン・ピアノ音楽祭にも毎年出場。
アルゲリッチ、クレーメルらと共演しています。2位のゲニューシャスも同様、2015年にはチャイコフスキーコンクールでも2位に入り実力を発揮、
その後ショパン、ブラームス、ベートーヴェンなどを録音最近ではラフマニノフの前奏曲集を入れています。同じく2位のヴンダーは
アシュケナージの指揮でチャイコフスキーとショパンの協奏曲を入れた上にショパンの作品集を精力的に録音しています。


3位に入ったトリフォノフはベルリンフィルとの共演が多くあり、録音にはショパン、ラフマニノフ、バッハ、リスト、スクリャービンなど多くの録音があります。
何を持って上下を比べたら良いのか分かりませんが、少なくとも話題性や商業的にはショパン国際ピアノコンクールでしょう。
特に日本ではショパンの曲が人気なのも関係しそうです。話題性としてもリアルタイムでのライブ配信、マスメディアでの取り上げ方や情報量、入賞者のコンサートツアーも盛んのようです。

[398 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 02:46:49.86 ID:GEtmtWtk]

バリエーションが多すぎるため、各作品を説明するのは面倒です。そこで、そのうちのいくつかについて詳しく説明します。3 番目のピース – チェ・トー・ファッティオ？ – は、カルミンとハニガンが匿名のテキストにカッチーニの音楽の断片を編曲したものです。彼は、混沌としたエレクトロニクスと、マルチトラックのボーカルと呼吸音を一種の奇妙なエレクトロポップでミックスし、その後、ボーカルとピアノのかなりゆっくりとした叙情的なパッセージにすべて 5 分以内に移行します。

一方、最後のピースは l’ の配置ですああ、永遠です ヒルデガルト・フォン・ビンゲン著、チャルミン著。所要時間はほぼ14分ですが、非常に抑制されています。ボーカルはテキストのシンプルな平易な処理を提供


他の出場者より素晴らしい演奏をできるかというとタイミングや運に左右される要素が多分にあるので･･･というのが主たる理由になるんじゃないか。
エゥー ケ トーラ ハート と ん ん しまー し た ケベック交響曲管弦楽団 瀹 し トロント メンデルスゾーン 合唱団 克用（けういん）草州ノ アス家ノ ニ ジャック エトゥ の ト ヘスハネト、ケゥンコゥン チ シ ティ、オゥハトゥプーの互角ヨリヨリ五銖。

2025 年 5 月と 6 月に、シェリーはオーケストラのリーダーを務めます 韓国と日本ツアー, 、40 年ぶりに韓国デビューと日本復帰を果たした。シェリーとオーケストラはまた、野心的な 4 枚のアルバムを含む 12 枚の絶賛された録音をリリースし、幅広い聴衆に届きました Clara – Robert – Johannes の音楽を探求したシリーズ クララ シューマン、ロベルト シューマン, 、 および ヨハネス ブラームス. 。シェリーとNACオーケストラは、カナダ録音芸術科学アカデミーからジュノー賞クラシックアルバム オブ ザ イヤー（ラージアンサンブル）に3回ノミネートされました

、ウィーンで開催される国際ラウンドに出場し、バーバーのソナタをはじめとする作品を演奏することを選びました。彼はこの経験を楽しんでいましたが、リーズ大会前のこのラウンドは、多くの点でコンクールの中で最も難しいとされています。それは、演奏者の数が非常に多いため、次のステージに進むのが非常に難しいからです。私は親として、またリーズ大会の準備で生徒を指導してきた者として、カラムに過度の期待をしないように勧めました。しかし、数週間待った後、リーズで開催される第2ラウンドに進む24名の出場者に選ばれたという通知が届きました。夢が現実となり、カラムは4時間以上に及ぶレパートリーを準備するという途方もない課題に直面しました。

コンクールの最終段階に課された規定の課題は、自由選択のソロ・レパートリーと、協奏曲、室内楽、現代曲の特定のリストを組み合わせたもので、これ以上ないほど過酷なものでした。若いピアニストたちは、第2ラウンド、準決勝、そして協奏曲の決勝に向けて、2つの代替曲を準備するよう求められました。準決勝と協奏曲の選曲は、各ラウンドの結果発表後に審査員によって決定されました。つまり、定められた時期にすべてが基準を満たしているように、綿密な計画を立てる必要がありました。ウォームアップコンサート、コンサルテーションレッスン、運動、睡眠、栄養、瞑想、そしてポジティブシンキングはすべて、必須の準備でした。リーズ・コンクールは、すべての出場者にとってマラソンなのです。

コンクールに向けて、ひたむきな献身と長時間にわたる練習が求められることは、いくら強調してもし過ぎることはありません。ピアノ以外のことに使える時間はほとんどありません。ある意味では、これは不健全なことかもしれませんが、演奏家がこの集中的な準備期間を乗り越えることができれば、若いピアニストの決意を強めることができます。この過程を乗り越え、成長できれば、より優れた演奏家、より力強いアーティストへと成長できるでしょう。

ピアニストたちは、実に魅力的な若者たちでした。出会った人全員の態度に感銘を受けました。彼らは常に優しく、互いを惜しみなく称賛し合っていました

[399 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 03:04:45.64 ID:dgLRRQgd]

ピアニストの半数以上を既に知っていました。彼らはコンクールが予測不可能であり、何事も当然のことではないことを理解しています。驚きは日常茶飯事であり、当然のことです。彼らは、コンクールという厳しい環境で厳しいプログラムを演奏するという精神的・肉体的ストレスに耐えうる卓越したレベルに到達するために、人生を捧げているのです。

リーズでは、ある演奏者が後期ラウンドに選ばれず、他の演奏者が選ばれると、当然のことながら抗議の声が上がりました。誰にでもお気に入りの演奏者はいますが、個人的には、ダン・タイ・ソンの生徒であるユ・ソンホが第2ラウンドを突破できなかったのが残念でした。浜松コンクールの上位入賞者の一人である牛田智治は第2ラウンドを突破しましたが、協奏曲部門のファイナリスト5名には入りませんでした。ただし、聴衆賞は受賞しました。ダン・タイ・ソンのもう一人の生徒であるカイ・ミン・チャンは、数年前のフェ​​ロール・ピアノ・コンクールでは後期ラウンドに進めなかったかもしれませんが、リーズでは素晴らしい成績を収め、特にソフィア・グバイドゥリナのシャコンヌを素晴らしい演奏で披露し、決勝に進出しました。ジュリアン・トレヴェリアンの運命はもっと劇的だった。ベスト24に残れなかった彼は、第2ラウンドのわずか数週間前に控え選手として招集され、協奏曲の決勝に進み、ロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団と首席指揮者のドミンゴ・ヒンドヤンとともにバルトークの協奏曲第3番を演奏した。

第2ラウンドでは、ショスタコーヴィチやレーガーを含むプログラムではなく、シューマンの交響的練習曲、

カレイドスコープ・チェンバー・コレクティブがピアニストたちと共演し、ラヴェルの三重奏曲、ショスタコーヴィチの五重奏曲、ベートーヴェンの幽霊三重奏曲、フォーレのヴァイオリン第1ソナタなど、実に多様な作品を演奏しました。特にエイミー・ビーチのピアノ五重奏曲作品67は心を奪われました。女性作曲家の作品を発表することへの奨励とモチベーションは、今年のリーズ・フェスティバルのいたるところで感じられましたが、決勝でクララ・シューマンの魅力的なイ短調協奏曲を演奏する参加者がいなかったのは残念でした。

このような状況下で生徒や子供たちの演奏を聴くのはストレスがたまるものです。ですから、ブラームスのヘンデル変奏曲の最後の数小節でカラムの75分間の準決勝のプログラムが終わった時、彼は大きな安堵を感じました。彼は無事にこの経験を満喫し、多くの友人やファンを獲得しました。コンクールでの演奏が直接のきっかけとなり、ドイツでのリサイタル出演のオファーも受けました



人間離れした難解な練習曲の初期の演奏で特に印象的だった。カン・ニー・ルオンは、プロコフィエフの第3協奏曲をリズミカルにタイトかつ規律正しく演奏し、その後はデュティユーのソナタやベートーヴェンの作品90など、美しい演奏を次々と披露した。カイ・ミン・チャンはベートーヴェンの第4協奏曲で賞賛に値する制御力と音楽的理解力を示し、ジュリアン・トレヴェリアンは、叙情的でありながらも濃密で非常に要求の厳しいバルトークの第3協奏曲の世界
で秀でた

[400 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 03:07:00.23 ID:cMO7qHQ1]

ｷﾁｶﾞｲ

[401 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 03:35:46.74 ID:rqb79bN2]

制作の原動力となるのはピアニストであることが多いですが、そのプロセスはパートナーシップによって異なります。
ベンジャミン・アップルやリーゼ・ダヴィッドセンなど、多くのアーティストと共演しているジェームズ・ベイリューは、
歌手たちの個性や声質に大きく左右されると言います。「ベンと私は『禁断の果実』というプログラムを組んでいます。
これは様々な音楽を織り交ぜ、アダムとイブの物語を辿るものです。このプログラムは、
聴衆にその夜の文脈を伝え、導くのに役立ち、構成するのもとても楽しいです。リーゼの場合、多くの聴衆は彼女の歌声を聴きに来ているので、
ドラマチックなプログラムを組むよりも、彼女の歌声を際立たせるべきだと考えています。」

今日の英国で共演ピアニストとして生き残るには、
起業家精神が不可欠であることは間違いありません。そのおかげで、今では素晴らしい歌のフェスティバルがいくつも
毎年開催されています。ちょうど20年前、ジョセフ・ミドルトンはリーズ・リーダーを創設しました。イアン・バーンサイドは、2001年に発足したラドロー・イングリッシュ・ソング・
ウィークエンドの芸術監督です。そして、キノックは大学を卒業して王立音楽院で大学院の研究を始める間、オックスフォード・リーダー・フェスティバル（現在のオックスフォード国際歌曲祭）
を始めました。「演奏する場が欲しかったら、会場を選んで開催するというアプローチを常にとってきました」と彼は言います。「
学校にいても、部屋を予約してポスターを貼り、友人たちとコンサートをしていました。フェスティバルの初年度には、この芸術形式への関心の再燃とオックスフォード市のための新しい
フェスティバルを確立するというミッションステートメントを掲げました。 23年経った今でもそう言うと思うけど、最初はこうやって始まったんだ。
一緒に曲を作ろうと思っただけなんだ。ほとんどの曲がそういう集まりのために書かれたから、完璧なんだ。」

これらのフェスティバルのいずれかを訪れれば、
シューベルトやブラームスの人気曲から、ヴォーン・ウィリアムズやジェラルド・フィンジなどのあまり知られていない名曲、あるいはエロイーズ・ヴェルナー、
ジュディス・ウィアー、ロクサーナ・パヌフニクなどの作曲家による最新の歌曲集まで、
目が回るようなレパートリーの豊富さに気づくでしょう。

フェスティバルは、芸術をますます重要になる新たな領域へと押し上げることにも貢献しています。
ジョセフ・ミドルトンはこう述べています。「リーズでは、基本的にブッキングや演奏が可能な限り最高のギグを企画してきました。人々は質の高い
作品、つまり誠実さと深い愛情、そして真摯で徹底的な研究に基づいて作られたものに反応すると思います。私たちは、このフェスティバルが誰にとっても、そして境界線がないものであることを明確に示すような形で提供するよう努めています。チケット
は非常に安価に設定し、多くのコンサートを完全に無料でストリーミング配信しています。地域社会への働きかけも積極的に行い、おそらく私たちのことを聞いたこともないような人々にも
確実にリーチし、コンサートホールに足を運んでもらい、心地よい体験を提供するだけでなく、同時に自分自身についても何かを学んでもらう機会を提供しています。」このフェスティバルは、
他の多くの団体と同様に、アーツカウンシル・イングランドによる一見無意味な予算削減の犠牲になりそうでした。しかし、
この物語には少なくともハッピーエンドがあります。長く綿密な議論の末、再び資金が確保されたのです。

はラドゥ・ルプーと辻井伸行の二人くらいです。ということでショパン・コンクールの方が上なのではないかなと思います。
チョソンジン、何故こんなにも音に伸びがなく華やかさに欠ける音でありながら評価されているんですか。賞歴も信じられません。。

アウェーのアシュケナージ(ソ連)がホームのハラシェヴィチ(ポーランド)に負けた回です。きわめて中東の笛くさい回でしたwアシュケナージがいてハラシェヴィチがいて3位が中国のフー・ツォン。その後の活躍をみればアシュケナージがダントツですがハラシェヴィチもフー・ツォンも世界の一線にいました。特にアシュケナージとハラシェヴィチが同じ回だったというのはレベルの高い回だったと思います。

[402 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 03:44:59.96 ID:Joz5gl4W]

ミドルトンは続ける。「キャロリン・サンプソンとレコーディングをする際には、
最初からアルバム全体を聴きたいという方にも分かりやすいようにプログラムしました。うまく機能するテーマや、隣り合わせで美しく響くキーを見つけるのに、私たちは多くの愛情と努力を費やしたので、
皆さんにもそうやって『聴いて』ほしいと思っています。しかし、個々の曲が特定のプレイリストに載ってしまう可能性もあることは承知しています。
それは、初めて知らなかった曲に出会う素晴らしい機会になるかもしれません。願わくば、その時点でアルバム全体をクリックして聴いてくれることを願っています。」

ピアニストの役割が進化してきたように、歌唱スタイルやコンサートのプレゼンテーションも進化してきた。「
外国語の歌を怖がったり、歌手が好きではないと考える聴衆がいるのは、昔からよくあることです」とマルティノーは言う。「だからこそ、安っぽくすることなく、
できるだけ親しみやすいものにする必要があるのです」。ここ一、二世代、歌手たちはより自然な方法で歌を披露してきたと彼は示唆する。「まるで夕食のテーブルを囲んで誰かが物語を語ってくれているかのように。
オペラの世界では必ずしもそうではないにしても、リート界では、ほとんど象徴的な存在だった偉大な歌手たちの時代は過ぎ去ったと思います。私にとって、それは良いことだと思います。より親しみやすく、より自然になったのです」

「コラボレーティブ・ピアニスト」になるには、一体誰が、
そしてなぜそうなるのでしょうか？まず、昼夜を問わず練習室でピアノの前に一人で座っていることを好まない、特別な気質が絶対に必要です。「12歳くらいの頃から、友達のために演奏したり、
学校のコンサートやABRSM試験の伴奏をしたり、学校の合唱団の伴奏をしたりするのが大好きでした」とティルブルックは言います。「私はいつも、
他の人と音楽を奏でること、そしてその瞬間に生まれる自然発生的な感覚を生み出すことが大好きでした。何が起こるか全く予測できない、そういうワクワク感こそが、私の情熱でした。」

演奏活動から放送、ミュージカル脚本執筆まで、多岐にわたるキャリアを持つイアン・バーンサイドにとって、すべては偶然から始まりました。「ピーター・ピアーズがオールドバラでのチャリティコンサートで私の演奏を聴き、彼のマスタークラスで演奏してみないかと尋ねてきたので、喜んで参加すると答えました。すると彼は『ブリテンの曲を知っていますか？』と尋ねました。私は全くお金がなかったので、『ええ、大好きです』と答えました。その時はブリテンの曲を一つも挙げられませんでした！でも、出かけて行っていくつか買って練習しました。ピーターと楽しい時間を過ごしまし
と詩に興味があったので、この機会が訪れた時、すぐに飛びつきました。そして、本当に楽しかったです。」

歌詞への情熱は不可欠だと彼は指摘する。声への情熱、そしてそれがどのように機能するかを理解することも同様に重要だ。
マルティノーはこう語る。「私たちの仕事は、歌う動物を愛さないとできないと思います。歌うことに伴うあらゆる気まぐれや、それに伴う勇気も理解できなければなりません。私も歌手として
訓練を受けました。


これは謂わば受験勉強で、実際の英会話にはこんな用語は出て来ないのである。もちろん英会話を学ぶにあたって文法は必要ないと言っているのではない。そうではなく、最初から英会話を学ぶのが目的ならもっと違う学習方法があったはずなのである。そして、そもそも他国の言語を学ぶとは、その相手と実際にコミュニケーションをとるということが前提なわけである。英語を学ぶために英語を学んでいるのではない。では一体、今の日本人に本当に英会話能力を必要としている人はどれくらい居るのだろうか。

ピアノ奏法を学ぶ、そしてコンクールなどで実力を発揮する。
で、その先は？？
日本の社会はクラシック音楽の環境にどういう目的と必要性を求めているのだろうかねー。

ただこの人、明らかにアルゲリッチの模倣なんですよね。彼がショパンコンクールで優勝した時の審査員がアルゲリッチで縁があるんですけどね。

曲の解釈とかペースがアルゲリッチとほとんど同じでアルゲリッチの解釈をベースに自分らしさを加えているという感じ。しかし繊細なピアノタッチで美しいショパンを弾きます。

[403 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 08:59:11.62 ID:VzuUE+U8]

仙台(6/14~)エリアが辞退した
グオちゃんは6/4~14のイトゥルビにもエントリー中でこちらで勝ち上がれば仙台辞退する可能性高い

[404 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 09:06:14.61 ID:VzuUE+U8]

エリアはマラガ(6/7~15)出場の方を優先したと思われる
https://concursopianociudaddemalaga.com/en/los-24-seleccionados-english/

[405 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 09:43:25.18 ID:VzuUE+U8]

ヤンルイは仙台来るつもりなのかなぁ
出場すればファイナルは確実だし優勝候補筆頭
クライバーンのユデニッチ門下でクリクリの次に上手だと思う
鬼太郎は変に落ち着いちゃって良いところ(パッション)が消えた気がしてる

[406 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:09:43.84 ID:6cbIuiBF]

おはようございます
ヤンルイ仙台に来てほしい
昨日は荒らし酷かったね
これたぶん1人でやってる？狂ってる

[407 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:11:55.35 ID:VzuUE+U8]

今日のタンホイザーはイマイチの出来かも

[408 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:16:14.29 ID:VzuUE+U8]

新曲は良いね

[409 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:26:58.25 ID:VzuUE+U8]

>>406
おはようございます
話通じるような相手じゃないし仕方ないよね
寝てる？と思われる時間にちょこちょこレスするしかないかなと思ってる
発表の頃にはまた起きてきて荒らすんじゃないかな
色々コンペ情報貼っても埋もれちゃうのが残念

[410 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:31:46.21 ID:LHlYZQc6]

若い時期のピアノ協奏曲２番は特に見事ですが、2010年以降でも質が高い演奏をしていたので室内楽を含めもっとブラームスを演奏してほしかったと思います。

ヴァイオリン・ソナタやチェロ・ソナタの伴奏もすごく合っていそうなのに、弦楽器ソリストの伴奏をやっていないのが残念です。
現代音楽もしばしば演奏していましたが、思想的なところで作曲家に共感しただけではないかという気がしました。

共感していることは伝わってくるんですけど、その共感はズレてるんじゃないかな？という演奏が多々あるような気がします。

音を整然と並べる「ミスターパーフェクト」、こういうタイプは、ミケランジェリがやや近いかもしれま
せんが、それまでいなかった。
加えて若い頃のポリーニには、ある種の活力、エネルギー、ある種のエロスもあったと思う。
ただ同時に、秩序だった構築された世界を求めるようなところ、というと語弊はあるが、いわゆる「遊び心の効いた曲」は避けてきたようなところもあり、
気が付くと、レパートリーは、ベートーヴェンを中心にかたよっていったのだな、と思う。録音が多いショパンでも遊び心の効いた「ワルツ集」は全曲録音を残さなかったし。残された数曲も正直面白くはない。

仰る通り、そういう音楽観、レパートリーはエリート意識の高い当時のクラシックファンに受けるものだったとは言えるでしょう。

気が付くとヴィルトゥオーゾタイプではなくなっていったのかな。むしろそういうのは不潔だと思う人に支持されるようになったような。独墺系＋ショパンがレパートリーになっていったし。あとはドビュッシーか。それが悪いわけではないのだけれども。かそのから武蔵浦和


ブレハッチもブーニンもリウもアルゲリッチも、みんなストレートな演奏で、不思議です。
反田さんなんかは、ちょっと穿った演奏をする方ですが、その演奏には芯がありました。しかし、リウさんはすごくど真ん中に正直な演奏をされるので、芯があるのかないのかようわからんといった具合です。
やはり私個人の意見では反田さん推しですが、ストレートな表現は、ショパンそのものを滲ませるなとも思えます。

なんでショパコンってああいうタイプが優勝し易いのでしょうか？
偉大な演奏家を生むという意味では、直球な演奏をした方を優勝させることは、その芯があるのかないのか良くわからないために、大変リスクのある選択だと思います。
反田さんのほうが普通にショパンらしい演奏だとは思います。特にマズルカなど小品の演奏はかつての名ピアニストに匹敵するレベルの極めて高い完成度があります。 でも反田さんの解釈は古いんです。かつての名ピアニストに匹敵するというのは、すなわち古いという意味でもあると感じます。 リウのようなピアニズムがこれから主流になっていくのではないでしょうか。近年の藤田真央さんもリウと同じ傾向です。ただ藤田さんはリウより閃き重視で一貫性に乏しいところがるあるように思えるのに自分はあまり好きではありません。（音が出た瞬間は素晴らしいのに、前後の関係が繋がっていないように聞こえがち、ということ）

特に最終章のエンディング部分のあの速さでの技術は他にはなくしかもアイディア満載であった。
三次予選最後に演奏した作品2の独奏版はおそらく一番の名演なのでは。

アラウのオケ付きの演奏も素晴らしいが独奏版でこんな凄い演奏は聴いたことなかった。
あと感じるのはファツィオリをあそこまで響かせた演奏は彼の技術力だと思う。ファツィオリの音の素晴らしい響きの見本を彼が作ってくれていたと言ってもいいだろう。
二人のショパコン1番、全く真逆の演奏。優劣なんて決められるはずはない。今回は審査員たちがリウの方が好みだったんでしょう。
確かに面白いですから。彼は独特のリズムを体内に持ってるらしく、聴いていてはっとすることがある。ただ慣れると飽きる。自分は今これを聴いてもさっぱり面白くなくなっている。今後どうなるか？

[411 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:32:51.85 ID:6cbIuiBF]

ヤンルイとスタリコフは聴いてる人他にも居そうなのにここまで荒らされるとなかなか人が戻って来ないですね
今更だけどエリコン別スレ立てるのが良かったかも

[412 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:34:24.52 ID:VzuUE+U8]

ショートスリーパーは戻ってきた

[413 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:36:11.72 ID:ClzJQdh7]

ちなみに、これは私にとって初めてのアイステズヴォッドです。規模はそれほど大きくないのですが、それでも市内で最も本格的なアイステズヴォッドの一
つだと考えられています。私は1ですが、年齢の計算方法により17歳とみなされ、出場できるのは17歳以上リサイタル賞（2曲以上、最長15分）のみでした。これは良いチャレンジになるだろうと思い、期待もほぼゼロでした。

当日は朝8時に会場に着かなければなりませんでした（私の乱れた睡眠スケジュールは大変でした）。というのも、審査は8時半から始まるからです。受付を済ませて、出場者待合室に入ると、
皆私よりずっと年上ばかりでした。周りに聞いてみると、ほとんどが私より5〜6歳年上で、音楽大学の学生か修士課程の学生（？！？！？）でした。

言うまでもなく、この時点で私の期待は大きく膨らんでいました。そして、かなり愚かな決断をしました。
時間があったので、ホールに行って何人かの演奏を聴いてみることにしたのです（彼らが本当にそれほど上手ではない場合に備えて確認するためでした）。ところが、
最初の演奏者がリストの「リゴレット」の素晴らしいパラフレーズを弾ききったため、その確認は得られませんでした。その後、ショパンのスケルツォやリストの名曲がいくつか演奏されました。予想をはるかに超えるレベルの高さで、結果的にかなり緊張してしまいました。

一番ひどかったのは、演奏する直前、前の演奏が終わるまでコンサートホールの脇で待たなければならなかったことだった。そして、その人が演奏する「メフィスト・ワルツ第1番」を聴いたんだ。マジかよ、この人の演奏を聴くためなら金を払ってもいいくらいだ。音楽的すぎるわけじゃないけど、フレージングは​​素晴らしく、技術的な安定性も抜群だったが

それで、それをじっと聞いていた後、諦めてステージに上がって演奏することにしました。今思えば、彼の演奏を聴いて良かったのかもしれません。妙にリラックスできて、結果的にすごく上手く演奏できたんですが、

これが私の（正直に言って、まったく貧血気味の）プログラムです。

ショパン 作品25 第7番 ハ長調 (チェロの遅い曲)

ラヴェルの「貴族と感傷的なワルツ」より第7番（この曲はミスが多すぎました… 完成していませんでした、笑）

ガーシュイン/ワイルド・エチュード第4番 - エンブレイサブル・ユー

ええ、結局、審査員がどういうわけか私の演奏をすごく気に入ってくれたおかげで、その部門で優勝することができました。メフィストの人は2位で、その後アイステズフォッドの他の部門も全部優勝しました。実は彼はシドニー国際コンクールにも出場していたんです。本当に本物だったんですね。

要するに、楽しい経験だったが、私がインポスター症候群にかかっているのか、それとも審査員が実際に非常に偏見を持っていたのか疑問が残る。


この曲は、難しさが全てではないと学んだ時のことを思い出させます。プロコフィエフ3番でピアノコンクールに出場し、自分のテクニックで皆を圧倒しようと考えていました。優勝したのはメンデルスゾーン1番を弾いていた女の子でした​​。特に変わったところはありませんでしたが、彼女の演奏は素晴らしく、すべての連弾が滑らかで軽やかで、まるでピアノの上で踊っているかのようでした。彼女は喜びに満ち溢れ、演奏に溢れていました。その日、私は音楽は曲の難しさではないと学び

ういうわけで、私は審査員が実際は非常に優秀であると思うのですが、難しい作品に騙されず、最も難しい作品を作った人に一等賞を与えるには経験と知識が必要です。

コントロールが素晴らしく、フォルティッシモも決して過剰ではなく、すべてのラインがメロディアスに歌われ、とても感動的な演奏でした


そほ先からソリストおよび室内楽奏者として活躍するリンクは、ヨハンセン国際コンクールやユーディ・メニューイン国際ヴァイオリンコンクールなど、数々のコンクールで最高賞を受賞

[414 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:38:08.89 ID:fcJAhCep]

最も重要なことはこれです ミケランジェロ ブオナローティによる詩の続き, 、 作品 145a。この曲は作曲家が亡くなる直前の1974年に作曲され、ミケランジェロの11のテキストがロシア語に翻訳されています。この曲はもともと声とピアノのために書かれましたが、後に作曲家がここで聴くオーケストラバージョンを作成しました。

全体は非常にショスタコーヴィチであり、少し暗いです。作曲家はすべての曲（元々は最初の行でのみ指定されていた）に「怒り」、「亡命者たちへ」、「死」、「永遠」というタイトルを付けました。ほとんどの場合、私たちがオーケストラから聞くのは、暗い気分で、怒っているショスタコーヴィチですらあります。不穏な低音弦や、華麗な金管楽器がティンパニと混ざり合ったり、高音弦が
調律されたパーカッションと決闘したりするパッセージがたくさんあります。音声の使用も同じ方向に進みます。ほとんどの場合、彼女は非常に強調されており、非常に低いです。場合によっては、声が伴っていないか、ほとんどマークされていないこともあります。陰鬱なことばかりじゃないけど。2番目の詩「マタン」は、より速く、より軽く、ほとんどノスタルジックな扱いを受けており、「
ニュイ」では弦楽器と声の美しい叙情的な文章が書かれています。そして最後にサプライズがあります。最後の詩「永遠」はまったく予想外で、非常に遊び心のあるピッコロの演奏、明るく楽しいパーカッションがたくさんあり、静かなフェードインの前に軽くて速いボーカルラインがあります。

残りは非常にうまくいっています。ゲルネは正確で、自分の声の色をテキストや音楽の雰囲気に説得力を持って適応させます。フランクのテンポは適切で、オーケストラはショスタコーヴィチに
期待されるサウンドを生み出します。弦は 1 つ可能です レガート 陰鬱ですが、特定の瞬間に必要とされるほぼパーカッシブな効果も高まります。木管楽器は素晴らしく、金管楽器の爆発は期待に応えますが、レニングラード・フィルハーモニー管弦楽団の古い録音の攻撃性とは程遠いものです。パーカッションの需要は高いです。すべてが完璧によくレンダリングされています。

2 番目のピースは 10月、 op。131、はるかに短い交響詩。これは 1967 年の 50 の注文ですe 十月革命の記念日であり、おそらく作曲家の最後の「公式」作品の 1 つです。
正直に言うと、これはショスタコーヴィチの他の作品とよく似ており、彼が自分自身をパロディしているかどうかはわかりません。作品はかなり暗く始まり、その後、より激しい対立セクションと緊張した叙情性
が続き、プロレタリアの歓喜が最初に小さな楽しい曲の形で–に爆発し、次に金管楽器とパーカッションがたくさんある古典的な「勝利主義者」のフィナーレが始まります。結論は散歩
とギャロップの中間です。かなり典型的。
引退後はクラシック音楽、オペラ、演劇について執筆することに費やしています。トロントを拠点とする彼は、1950年代のホラー映画から描かれたオペラを意味するのか、それとも長い19世紀の忘れ去られたフランスの傑作を主に意味するのか、新しいもの、珍しいもの、そして不明瞭なものに興味を持っています。かつてはラグビー選手であり審判でもあった彼は、今
ではリヒャルト・シュトラウス’・エレクトラにちなんで名付けられた猫と遊ぶことに肉体的なエネルギーを費やしています
表現できないほど豊かになりました。私の二人の息子はオタワで生まれました。彼らはカナダ人です。妻のゾーイと私は、この事実を誇りに思うことはできませんし、この国が築いてきた生涯にわたる友情、この国が私たちに与えてくれた思い出、私たちに示された揺るぎない寛大な精神、そして10年以上にわたるこの国にこれ以上感謝することはできません。忘れられない
文化的および音楽的冒険。私たちの精神の一部は常にここに残ります。そして、注目に値する NAC オーケストラについては、私は彼らの最大のファンとしての任期を開始し、彼らの愛と賞賛をさらに深めたばかりです。

[415 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:42:56.35 ID:g89UB3NU]

テレマンからバッハ、イザイ、ドビュッシー、ストラヴィンスキーを経て現代音楽の作曲家まで、時空を超えた音楽の旅に私たちを誘います。この芸術家はまた、特に師であるアンドリュー・ドーズが所有し、彼が受け継いだ楽器、弦楽器製作者グァダニーニのヴァイオリン「ドーズ、ロング・ティアーズ作」(1770年）の歴史を呼び起こします。このようにして、偉大なレパートリーの作品の中に、ドーズ氏のために特別に作曲されたマレー・アダスキ

アルバムはによる音楽で始まります プルチネッラ ヴァイオリンとピアノのための編曲で、ストラヴィンスキーの時代錯誤的なアプローチを明確に強調しています。バロックにインスピレーションを得た、これ イタリア組曲 派手な文章から、より温和な丸み –darker too–、そして無限のエネルギーを経て、王室の踊りにふさわしい刺繍スタイルを見つけます。
最後の 2 つの作品は、非常にロマンチックな作曲コードを使用して、私たちを少なくとも 1 世紀前進させます。

この作品は文体的な逸脱を行っており、それ自体が音楽家の折衷主義を示しています。ストラヴィンスキーから、私たちはジャン パピノー クチュールに直接移ります。ジャン パピノー クチュール自身も、この作曲家によるフォーヴィスト的なアプローチに触発されています 春の儀式.

の 実行 ヴァイオリン独奏のための12の幻想曲 de Telemann は、バロック時代の記録における内田氏の相対的な熱狂性を、以前の – よりもさらに明確に示しています。これらの作品が現代作品ほどの熱意を持って演奏されていないことに私たちは驚いています。そこ パルティータ no 3 デ・バッハは確かに非常に生き生きとしていますが、
音符のレンダリングには繊細さが欠けており、リズムの規則性は完璧ではありません。したがって、専門知識の多様性を強調するこれほど膨大な作品のレパートリーを提供することは困難

ドーバー四重奏団の一員として、2013年のバンフ国際弦楽四重奏コンクールで第1位とすべての特別賞を獲得し、2010年のフィッシュオフ全国室内楽コンクールでは金メダルとグランプリを獲得しました。

彼らの録音は最優秀室内楽/小編成アンサンブル演奏部門でグラミー賞に2回ノミネートされており、カルテットはエイブリー・フィッシャー・キャリア・グラント

最高レベルの室内楽演奏に全力を尽くします」と彼らは付け加えた。「ステージに立つたびに、情熱、活気、興奮、そして（願わくば！）音楽の卓越性を皆さんと共有し続けられるよう、全力を尽くします。
ツアー期間中は、個々の活動とのバランスを取りながら、ドーバー・カルテットとして最高の芸術性で演奏を続けられるよう、演奏活動に注力していきます。この内省の期間を経て、共に創り出す魔法への感謝の気持ちがさらに深まったことを誇りに思います

[416 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:51:19.20 ID:gXWK6uY+]

旋律が、和音が、音楽が本来どうあるべきかイメージが無いから、指が回るだけのテクニックは上手だが、音楽は下手な奏者が量産されるのでしょう
本当に受賞歴（※社会的に通用するもの）がたくさんある人は、それをひけらかしたりしないものです。

また、本当に実力を備えた人は他人をいたずらに貶めることもしないでしょう。穢らわしい奴は放っておけばいいのです。彼（彼女）はどうせどこへ行っても大成も成功もしないし尊敬されることもないのです。本人はそれが喉から手が出るほどほしいのでしょうが、力がないのだから仕方ありません、だからここで他人を罵って悪態つくよりほかはないのです。

インタビュー記事を見てわたしは心から感激したのです。こんな指導者が１人でもいればこの国の音楽は伸びるだろうな。
インフラは金さえかければいいものがいくらでもすぐにでもできるでしょうが、人材は簡単にはいかないですからね、ここは本当に羨ましい。てか、のんきにインタビューしてる暇あったら見習えよと言いたい。


わずか1か月ほど前、英国議会の女性・平等委員会が、音楽界における女性蔑視に関する痛烈な報告書を発表しました。
報告書には、クラシック音楽界に依然として不平等が蔓延しているだけでなく、女性たちが容認できないレベルの性的虐待やハラスメントに苦しめられ、
権力者を守るために秘密保持契約によってしばしば沈黙させられているという、個人的な体験談も含まれていました。



多くの同僚と同じように、私も当初は、私たちの愛する職業がこのような状況にあるとは思っていませんでした。結局のところ、この職業は十分に困難な時期を経験しているのですから。しかし最近、私たち自身の研究を発表した後、ある面接官から「これは明らかに性差別です。他にどう呼べばいいのでしょうか？」と問われました。そして、問題の規模の大きさを目の当たりにすると、他に説明を見つけるのは難しいのです。

女性が設立した音楽コンクールの女性CEOとして、ジェンダー不平等の響きは、特に違和感を覚えます。私たちの旅は、2国際ピアノコンクールで、ファイナリスト5名全員が男性だったという痛ましい瞬間から始まりました。
コンクールの幕が下りると、私たちはこの現実に向き合わざるを得ませんでした。私たちの歴史を振り返ると、20回のコンクールで優勝した女性のうち、
わずか2名しかいません。ピアノコンクール全体に、同じ傾向が見られます。


直近40の主要なピアノコンクールでは、82%が男性で優勝し、そのうち3分の1以上で決勝に男性のみが出場しました。
一方、ヴァイオリンの世界では対照的な結果となり、優勝者の75%が女性です。この事実を例に挙げて、
クラシック音楽に内在する性差別という概念を払拭したくなります。しかし、それでも疑問が残ります。
なぜピアノは異なる音色を奏でるのでしょうか？そして、より重要なのは、より公平な未来を築くために私たち

状況は複雑です。ピアニストの教育課程における軌跡は、最初のレッスンから音楽院卒業まで、男女ともに平等です。
しかし、そこから先はパイプラインが途切れ、女性ピアニストが主要な賞を受賞したり、キャリア開発プログラムに参加したりする可能性ははるかに低くなります。好き嫌いは別として、コンクールは新進アーティストにとってこれまで以上に重要です。才能を称え、
コンサートの機会や賞金を提供し、命綱となり得るからです。さらには、新進気鋭の若手アーティストを世界的な舞台に押し上げ、キャリアを支援するシステムを提供することで、人生を変えるほどの影響力を持つこともあります。


は、キャリアをスタートさせるチャンスは限られています。そして、最初は小さな機会の差に思えるかもしれませんが、それがキャリア全体に大きな影響を与える可能性があります。
こうした初期の機会を公平に分配できていないとしたら、キャリアを積むピアニストのうち女性が23%未満しかいないこと、そしてコンサート、フェスティバル、レコードレーベルにおける女性の参加率が低いことの理由を説明できるかもしれません。

[417 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:52:36.61 ID:Nab0LlqQ]

コツコツ積み上げる人が多いとは思うのですが、なんだか、先生の頭越しに勝手にハングリーになるのは申し訳ない、先生の許可をいただかなければ上を目指すのも憚られる、、みたいな変な謙虚さが漂っているように見えますピアノ界は。上を目指そうと思っても、上を目指すにはこうしなさいね、という先生の言いつけをしっかり守って先生の言う通りにする、というか、それ以上のことをしない、というか。

頭の中では成功した女性ピアニストの名前をすらすらと並べ立てているでしょう。しかし例外があるという事実は、
規則の証明にはなりません。多くのAI画像アプリは今や、「コンサートバイオリニスト」は女性で、「コンサートピアニスト」は男性であると学習しています。
だからこそ、リーズピアノコンクールでは、データ主導のアプローチを採用したのです。私たち自身で調査を収集するだけでなく、自身のキャリアへの影響を恐れて自らは公表しないことを選択した音楽家たちが収集した膨大なデータにもアクセスできました。


その理由は理解できます。成功を個人の能力主義（才能と努力）に帰する職業では、一部の人々を制限している構造的な障壁があることを認めるよりも、誰かを劣った音楽家だと非難したり、他人の成功を嫉妬したりする方が簡単だからです。

ピアノコンクールのCEO、フィオナ・シンクレア氏。
国際ピアノコンクールCEO、フィオナ・シンクレア氏。写真：ジョニー・ビーン
この証拠をクラシック音楽界やコンクール界のリーダーたちに持ち込んだところ、どの会話も「本当？」という戸惑いの表情で始まりました。
それから、男女間の憶測が始まりました。回復力、粘り強さ、リスクテイクの度合いの違いから、社会的な期待、手の大きさ、体格、そしてもちろん、家族を持ちたいという願望まで、多岐にわたります。
世界の一部の地域では、徴兵を避けるためピアノコンクールで優秀な成績を収める男性や、結婚準備のためのフィニッシングスクールとしてヨーロッパ

ギャップのような欠陥は、往々にして意図的なものではありません。しかし、それらは時間とともに進化し、根深くなり、
少数派の人々にとって乗り越えられない構造的な障壁を作り出します。


ヴィック・ベインの優れた著書『音楽業界を数える：ジェンダーギャップ』は、個人の能力主義、偏見、そして多様なロールモデルの不在が、平等を目指す私たちの道のりに暗い影を落としていることを示しています。　さらに、強い個性や意見が溢れる競争的な状況では、偏見が蔓延します。オーケストラが数十年前に気づいたように、これは意図的な集団的行動を必要とする分野です。
ヴィンテージの映像と現代の映像を比較すれば、男性首席奏者が依然として多数派を占めているとしても、
ブラインドオーディションが男女間のバランス調整効果を発揮していることが分かります

幅広いアプローチを採用しています。ブラインド・プレセレクション、全ラウンドにおける経歴情報の最小化、審査員への無意識の偏見に関する研修、
そしてピアニスト志望者への的を絞ったキャリア支援といった取り組みを通じて、より公平な舞台の実現に尽力しています。また、コンクールに適用される法律はないものの、弁護士と協議の上、
投票プロセスの見直しも行いました。これまでのところ、審査員からのフィードバックは励みになっています。全員が、ピアニストに対する特権と権力を理解しています。推薦状、奨学金、
他のコンクールでの受賞歴などを知ると、偏見が生じるリスクが高まるため、ブラインド・リスニングは大きなメリットとなっています。さらに、
レパートリー、賞、コンサートの機会における女性の参加を促進しています。例えば、クララ・シューマンの協奏曲を本選の選択肢として提供する初のコンクールとして、また、女性作曲家による最優秀演奏にコンサートの機会を提供する新しい賞を創設しました。この賞は、
公平性の擁護者であるピアニスト、アレクサンドラ・ダリエスク氏の協賛によるものです。私たちの目的は、女性ピアニストたちに、必ずしも不利な状況にあるわけではないことを示すことです。

[418 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:55:59.83 ID:kptN5aRJ]

1843– 彼の最初の成功だった。伝説によると、1839年にドイツからイギリスへ旅行していたワーグナーと妻のミンナは、乗っていたボートが激しい嵐に見舞われ、ノルウェー南東部で立ち往生したという。この経験がワーグナーにこのオペラを創作するきっかけを与えました。

ホランダー 世界中での上演回数を考えると、ワーグナーの最も人気のあるオペラです。Operabaseが過去30 年間にまとめた統計によると、28 回目ですe 世界で最も上演されたオペラは、4,932 回の公演と 1,119 回の公演でした。などの他の人気ワーグナーオペラに先駆けて上演されています トリスタンとイゾルデ （n° 37)、 タンハウザー （n° 39) および ディ ヴァルキューレ （n° 40)。

指揮の世界では、男女格差を縮めるための意図的なアプローチが急速に進展しており、私たちは勇気づけられます。私たちも同じように行動しなければなりません。そうでなければ、独創的で個性的な声は失われ続け、ピアノ界における芸術的表現の可能性は制限されてしまうでしょう。

フィオナ・シンクレアは国際ピアノコンクールのCEOです。 の第1ラウンドは4月に世界6か所で開催されます。決勝は9月11日から21日までとブラッドフォードで開催されます

目的意識、厳格さ、そして決意を持って独立したジャーナリズムを追求してきました。しかし今、
2025年を迎え、私たちはかつてはほとんど想像もできなかったような新たな課題に直面しています。
ニュース業界の経済的基盤は、強力なテクノロジープラットフォームによって崩壊しました。過去20年間で、世界中で数千もの新聞が廃刊、あるいは跡形もなく縮小しました。その代わりに、ソーシャルメディアネットワークが公共の言説を偽情報で溢れかえらせています。
同時に、ジャーナリストはますます強まる政治的圧力にさらされています。排除や検閲、嫌がらせや暴力に至るまで、
権力に責任を負わせようとする人々は沈黙させられています。
権威主義的で反民主主義的な指導者たちは、報道の自由を弱め、情報空間を支配しようと躍起になっています。
これは遠い脅威ではありません。今まさに起こっています。そして、真実、説明責任、そして民主主義の核心を揺るがすものです。
今こそ、自由で独立した報道機関の必要性がかつてないほど高まっています。

[419 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:57:14.42 ID:KPE87lAx]

この作品は彼の最も多く録音されたオペラの 1 つでもあり、スタジオとコンサートの両方で 50 以上の録音が行われています。ワグネリアンはお気に入りを選ぶ際に非常に強い意見を持っています。そうは言っても、この物語の偉大なセンタはキルスティン・フラッグスタッド、アストリッド・ヴァルネ、レオニー・リサネク、アンジャ・シリヤ、ヒルデガルト・ベーレンス、グウィネス・ジョーンズ、ジュリア・ヴァラディ、シェリル・スチューダーであるということには、ほとんどの人が同意すると思います。

新しい千太を温かく迎えてください！ノルウェーのソプラノ歌手です リサ ダビッドセン。純粋な声という点では、彼女は私の耳に最適です。キャラクター描写に関して言えば、リーズ・デイヴィッドセンは前任者たちを羨ましがることは何もない。このディスクは、davidsen の最初の – とおそらく最後の – Senta を表しています。伝えられるところによると、彼女はワーグナーの他のヒロインたちを支持してそれを脇に置いていると述べたという。それは残念なことですが、彼が受けた素晴らしい歓迎が彼女の考えを変えることを願っています。

これほど力強い声でデュエットを歌うのは簡単ではありませんが、カナダのバスバリトンです ジェラルド フィンリー は並外れた繊細さを持つオランダ人である。私はたまたま彼と話し、彼のアンフォルタを聞くためにミュンヘンにいました パルジファル, 、このオスロでのレコーディングのほんの数日前に、. エレガントで温かみのあるバスバリトンが理想的です。オランダ人として、彼の模範的な劇的な鋭さと誠実さは、彼が自ら演じた役柄を忘れられないものに

現在の構成で演奏活動を続けることを発表しました。ヴィオラ奏者のジュリアン・リーは、この夏、ボストン交響楽団に第2ヴァイオリン副首席奏者として復帰します。

「今回の変更により、カルテットの将来について考え、私たちの特別な個人的かつ芸術的な絆を振り返る機会を得ました」とカルテットは語った。
「正直に言うと、一緒に音楽を作らないなんて想像もできません。今日、ジョエル、ブライアン、ジュリアン、そしてカムデンの現在の構成で、これからも一緒にいることをとても嬉しく発表します！」
「私たちは妥協することなく、最高レベルの室内楽演奏に全力を尽くします」と彼らは付け加えた。「ステージに立つたびに、情熱、活気、興奮、そして（願わくば！）音楽の卓越性を皆さんと共有し続けられるよう、全力を尽くします。

[420 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 10:59:54.95 ID:YcVzy0SB]

ピアノと声の部分はリアルタイムで処理されます。電子機器はさえずり音を生成しますが、非常に腐食性が高い場合もあります。ある時点では、それは（歪んだ）エレクトロポップのように感じられます。魅惑的な！

バリエーションが多すぎるため、各作品を説明するのは面倒です。そこで、そのうちのいくつかについて詳しく説明します。3 番目のピース – チェ・トー・ファッティオ？ – は、カルミンとハニガンが匿名のテキストにカッチーニの音楽の断片を編曲したものです。彼は、混沌としたエレクトロニクスと、マルチトラックのボーカルと呼吸音を一種の奇妙なエレクトロポップでミックスし、その後、ボーカルとピアノのかなりゆっくりとした叙情的なパッセージにすべて 5 分以内に移行します。

一方、最後のピースは l’ の配置ですああ、永遠です ヒルデガルト・フォン・ビンゲン著、チャルミン著。所要時間はほぼ14分ですが、非常に抑制されています。ボーカルはテキストのシンプルな平易な処理を提供し、エレクトロニクスを地味に使用した非常に無駄を省いたピアノが伴奏します。とても美しく、かなり古典的な方法で。

全体として、このディスクには、2022-2023 年にサン ペ シュル ニヴェルのラ ファブリック デ オンドで録音された、非常に多様で完成した音楽が 1 時間以上含まれています。明らかに、エンジニアリングは最終結果に不可欠な部分であり、特にヘッドフォンでは興味深いことが起こります。この録音が「サラウンド」オプション付きで SACD に表示されていれば面白かった

19世紀の忘れ去られたフランスの傑作を主に意味するのか、新しいもの、珍しいもの、そして不明瞭なものに興味を持っています。かつてはラグビー選手であり審判でもあった彼は、今ではリヒャルト・シュトラウス’・エレクトラにちなんで名付けられた猫と遊ぶことに肉体的なエネルギーを費やしています。

サンクトペテルブルクで行われた公演の後、皇帝が褒賞としてボルスカに褒賞を与えようとした際、ボルスカはワルシャワにショパンの記念碑を建てるよう要請したと伝えられている。皇帝はいくつかの条件を付けつつも同意した。

記念碑の建設資金として個人が寄付できる上限は10万ルーブルとされた。また、ボルスカの夫が委員長を務めていたショパン記念碑建設委員会は、愛国的なデモを引き起こす恐れがあるため、募金活動の宣伝を禁じられた。

こうしたハンディキャップを考えると、委員会が1923年に解散したのも不思議ではない。
進出が進む

[421 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:03:50.16 ID:pIBLNMqR]

第 16 番は間違いなく非常に速かったですが、
私がもっと興味を持ったのは第 24 番 (最後の 1 番) でした。彼女の最後の 3 つのアルペジオは、おそらく私が今まで聞いた中で最も速いアルペジオでした。
私のグリッサンドよりも速い
アンジェラ・ヒューイット、ジャン＝イヴ・ティボーデ、故ニコラ・アンジェリッチといったアーティストのキャリアを飛躍させたことを誇りとしています。しかし、輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、
クリーブランドでは、このコンクールが現状に甘んじる雰囲気は全くありません。50周年を迎えるにあたり、コンクールは主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、
変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

2024年大会には265名のピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた55名は、これまでとはかなり
異なるコンクールを経験することになる。「私たちは、各ピアニストを一人のアーティストとして見たいのです」と、コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語る。彼はバッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に演奏するという
考え方を捨て、出場者に「自分自身の個性と、ピアノの未来像を表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「彼らの芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

2024年のコンクールでは、第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり演奏されていない作曲家の作品を選択することが求められ、
審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受けます。「聴衆とどのように関わり、ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の作品を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は述べています。後期ラウンドに進むピアニストは、クラシックピアノの未来は個々
のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるアーティスト育成プログラムの恩恵を受けることができます。


4月に開催されますが、もう一つ大きく異なる点があります。それは、クリーブランドだけでなくパリでも開催されることです。1995年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し、第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォーレス大学音楽院、またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーのいずれかで演奏します。この2つの会場で開催することで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツを再び意識したものになります。

今夏、クリーブランドで開催されるコンクールの最終ラウンドに招待される準々決勝進出者16名は、クラシックピアノコンクールの常識をはるかに超え、アーティストとして自らを表現することが求められます。彼らは、開会式でのポップミュージックデュオ演奏、少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏、そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場や設定での演奏が求められます。

これまでのラウンドと同様に、出場者は、あまり知られていない、あるいはあまり知られていない作曲家の作品を演奏し、
その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められます。コールバーグは、出場者が審査員に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているか」
を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一部です。

一方、これまで16回あったヴァン・クライバーン・コンクールの優勝者で活躍しているのはラドゥ・ルプーと辻井伸行の二人くらいです。ということでショパン・コンクールの方が上なのではないかなと思います。
チョソンジン、何故こんなにも音に伸びがなく華やかさに欠ける音でありながら評価されているんですか。賞歴も信じられません。。

アウェーのアシュケナージ(ソ連)がホームのハラシェヴィチ(ポーランド)に負けた回です。きわめて中東の笛くさい回でしたwアシュケナージがいてハラシェヴィチがいて3位が中国のフー・ツォン。その後の活躍をみればアシュケナージがダントツですがハラシェヴィチもフー・ツォンも世界の一線にいました。特にアシュケナージとハラシェヴィチが同じ回だったというのはレベルの高い回だったと思います。

[422 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:06:27.36 ID:cYBXaaUc]

作曲家は、ペンが紙に触れる前に、自分が作ろうとしている「タイプの」作品を明確に理解しており、したがって、特定のメロディーに色を付けるために必要な一般的なリズムのピアノ技術も理解していました。

自分で演奏する前に、作曲家が本来意図したとおりに演奏されている曲をまず聞くか、あるいはもっと良いことには見る必要があります。
そして、実際に演奏する前に、演奏者の想像力は、その曲の通常明白なリズムの輪郭を作り出すために必要な、身体の一般的な身体活動、つまり身体、場合によっては腕の全体的な揺れや動きといった、文字通りのアイデアの最前線に立つ必要があります。 (ブギウギの「スタイル」のように) これにより、楽曲の重要なリズムとハーモニーの基礎が確立されます。




重要な音符を、明確に定義されたリズムの輪郭に沿って配置すると、それほど重要でない音符は自然に配置されます。

これらのエチュードや類似の曲を学ぶことは、野球で速球を学ぶことに非常に似ていると私は思います。つまり、
体全体でリズミカルな動作に参加する必要があるのです。アビーが説明するように、
指先（ゴムが路面に接する部分）で起こることは、鞭の音のようであるべきです。
ほとんどすべての動作はスナップの前に起こります。速いアルペジオの場合

キャリアを築くには、賞金以上のものが不可欠です。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでの
リサイタル出演が保証され、さらに米国有数のアーティストマネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。

クリーブランドへの出場権と準々決勝進出は、それ自体が大きな賞となります。コンクールのアーティスト育成プログラムでは、出場者がレジデンス、
メンターシップの機会、ブランディングとマーケティングに関する講座、マスタークラス、そしてジョナサン・ビス、アンジェラ・ヒューイット、
ジュ・ヒョンギといったピアニストから直接フィードバックやアドバイスを受けることができます。

コールバーグ氏は、2024年クリーブランド国際ピアノコンクールが、第1ラウンドに出場した55名のピアニストたちから
並外れた才能を披露してくれる
と確信している。大統領は、彼ら全員が「幅広く奥深い技術と個性を示しており、
このコンクールが正しい方向へ進んでいることを証明している」と述べた。
彼のコンクールは、これまでの期待を根本的に塗り替えた。優勝者は、おそらくさらに大きな成果を挙げるだろう。

ピアノコンクールの審査員、つまりジャッジは、執筆活動と並んで私のお気に入りの仕事です。過去15年間、
世界中のあらゆるレベルや能力のコンクールやフェスティバルで審査員を務めてきました。その仕事は魅力的で、常に変化に富んでいます。
ピアノコンクールには良い面と悪い面があります。ピアノ演奏は主観的なものであり、演奏者同士を比較することはできないと考えて、コンクールという
概念を嫌う人も多くいます。確かにその通りかもしれませんが、にそう言ってみてください！ 概して生徒たちはこうしたイベントに参加する
のが大好きで、私は結果があまり重要ではないことを彼らに理解させています。参加することが何よりも重要な要素です。なぜなら、コンクールが大きなメリットをもたらす要素があるとすれば、それ
はの成長だからです。特定のレパートリーを学び、一定の時間内に綿密に準備することは、生徒の成長を劇的に変える力を持っています。若い演奏者向け
の8分または10分のプログラムでも、上級者向けの20分から30分のプログラムでも、私の生徒たちは例外なく全員上達します。
「でも、試験やコンサートに向けて努力すれば上達できないの？」確かにその通りですが、コンサート、試験、コンクールに何度も生徒を参加させてきた私に
は、コンクールへの参加が何よりも重要視されているように感じます。コンクールは、より刺激的で「危険な」選択肢と捉えられているため、特定のタイプの生徒に魅力的に映るのかもしれません。年上の生徒は、コンクールならではの「
エッジの利いた」雰囲気を好むようです。私の生徒の一人は、2022年のBBCヤング・ミュージシャン・コンテストの2次予選に進出しました。彼女はカーディフにあるロイヤル・
的で、本当に『緊張感』があり、爽快でした」



しかし、私はコインの「裏側」にもいます。審査員であることは特権であり、同時に責任でもあります。審査員団と仕事をすることが多く、それは概してより慎重な判断に基づいた結果につながると期待されます。受賞者全員の意見に同意する時もあれば、そうでない時もあります

[423 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:08:38.98 ID:9yhjAtdI]

ソリストがオーケストラや指揮者とどのように交渉したとしても、コンサートのリハーサルからは仲間意識しか感じられない。
その他はすべて純粋な即興です。そして彼の音楽の魔法は、毎回新しいということだ。
私は協奏曲を300回以上演奏してきましたが、
その解釈を繰り返したことがないことを指摘したいと思います。

5つのコンサートを連続して開催することが私の夢でしたが、
昨年の11月に実現しました。それらを別々に演奏するのと、あたかもその期間中に作者の人生全体を生きるかのようにひとつのプログラムで演奏するのとでは、大きな違いがあります。
それらはまったく異なって聞こえ、特に第 4
に近づくと、ある時点で、自分自身ではないことに気づきます。すると、異世界の力が働き始めます。
ハーモニー、リズム、言語の面で第3とは根本的に異なります。

アンジェラ・ヒューイット、ジャン＝イヴ・ティボーデ、故ニコラ・アンジェリッチといったアーティストのキャリアを飛躍させたことを誇りとしています。しかし、輝かしい受賞者を輩出しているにもかかわらず、
クリーブランドでは、このコンクールが現状に甘んじる雰囲気は全くありません。50周年を迎えるにあたり、コンクールは主要な器楽コンクールの運営基盤を根本から見直し、
変化する音楽と創造の潮流に対応できる、未来の受賞者を育成することを決意しています。

2024年大会には265名のピアニストがエントリーし、予備審査員によって選ばれた55名は、これまでとはかなり
異なるコンクールを経験することになる。「私たちは、各ピアニストを一人のアーティストとして見たいのです」と、コンクール会長のヤロン・コールバーグ氏は語る。彼はバッハ、ベートーベン、ショパンといった曲を義務的に演奏するという
考え方を捨て、出場者に「自分自身の個性と、ピアノの未来像を表現するレパートリーを選ぶ」よう促し、「彼らの芸術的ビジョンを共有する機会」を提供している。

2024年のコンクールでは、第1ラウンドから、ピアニストはこれまであまり演奏されていない作曲家の作品を選択することが求められ、
審査員からレパートリーの選択やキャリアへの希望についてインタビューを受けます。「聴衆とどのように関わり、ソーシャルメディアでフォロワーを増やし、多様な聴衆に自分の作品を説明するかを知ることが不可欠です」とコールバーグ氏は述べています。後期ラウンドに進むピアニストは、クラシックピアノの未来は個々
のアーティストの成長と表現の育成にかかっているというコンクールの信念を裏付けるアーティスト育成プログラムの恩恵を受けることができます。


4月に開催されますが、もう一つ大きく異なる点があります。それは、クリーブランドだけでなくパリでも開催されることです。1995年までコンクールの名称を冠していたフランスのピアニスト、ロベール・カサドシュに敬意を表し、第1ラウンドの出場者は、クリーブランドのボールドウィン・ウォーレス大学音楽院、またはパリのエコール・ノルマル音楽院のサル・コルトーのいずれかで演奏します。この2つの会場で開催することで、コンクールはよりアクセスしやすく、持続可能になると同時に、パリというルーツを再び意識したものになります。

今夏、クリーブランドで開催されるコンクールの最終ラウンドに招待される準々決勝進出者16名は、クラシックピアノコンクールの常識をはるかに超え、アーティストとして自らを表現することが求められます。彼らは、開会式でのポップミュージックデュオ演奏、少人数の観客を前にした親密なサロンでの演奏、そしてピアノ・クリーブランドの地域貢献プログラムへの参加など、様々な会場や設定での演奏が求められます。

これまでのラウンドと同様に、出場者は、あまり知られていない、あるいはあまり知られていない作曲家の作品を演奏し、
その作品の選択と動機について対話の中で議論することが求められます。コールバーグは、出場者が審査員に「自分自身と、ピアノの未来をどのように見ているか」
を示すことを望んでいます。これは、ピアノ界の未来を担う人材を発掘し、支援するというこのコンクールの使命の一部です。

[424 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:10:08.72 ID:J74KGIKy]

キャリアを築くには、賞金以上のものが不可欠です。優勝者には、世界で最も権威のある2つの会場、カーネギーホールとチューリッヒ・トーンハレでの
リサイタル出演が保証され、さらに米国有数のアーティストマネジメント会社であるアラベラ・アーツとの提携が提供されます。

クリーブランドへの出場権と準々決勝進出は、それ自体が大きな賞となります。コンクールのアーティスト育成プログラムでは、出場者がレジデンス、
メンターシップの機会、ブランディングとマーケティングに関する講座、マスタークラス、そしてジョナサン・ビス、アンジェラ・ヒューイット、
ジュ・ヒョンギといったピアニストから直接フィードバックやアドバイスを受けることができます。

コールバーグ氏は、2024年クリーブランド国際ピアノコンクールが、第1ラウンドに出場した55名のピアニストたちから
並外れた才能を披露してくれる
と確信している。大統領は、彼ら全員が「幅広く奥深い技術と個性を示しており、
このコンクールが正しい方向へ進んでいることを証明している」と述べた。
彼のコンクールは、これまでの期待を根本的に塗り替えた。優勝者は、おそらくさらに大きな成果を挙げるだろう。

ピアノコンクールの審査員、つまりジャッジは、執筆活動と並んで私のお気に入りの仕事です。過去15年間、
世界中のあらゆるレベルや能力のコンクールやフェスティバルで審査員を務めてきました。その仕事は魅力的で、常に変化に富んでいます。
ピアノコンクールには良い面と悪い面があります。ピアノ演奏は主観的なものであり、演奏者同士を比較することはできないと考えて、コンクールという
概念を嫌う人も多くいます。確かにその通りかもしれませんが、にそう言ってみてください！ 概して生徒たちはこうしたイベントに参加する
のが大好きで、私は結果があまり重要ではないことを彼らに理解させています。参加することが何よりも重要な要素です。なぜなら、コンクールが大きなメリットをもたらす要素があるとすれば、それ
はの成長だからです。特定のレパートリーを学び、一定の時間内に綿密に準備することは、生徒の成長を劇的に変える力を持っています。若い演奏者向け
の8分または10分のプログラムでも、上級者向けの20分から30分のプログラムでも、私の生徒たちは例外なく全員上達します。
「でも、試験やコンサートに向けて努力すれば上達できないの？」確かにその通りですが、コンサート、試験、コンクールに何度も生徒を参加させてきた私に
は、コンクールへの参加が何よりも重要視されているように感じます。コンクールは、より刺激的で「危険な」選択肢と捉えられているため、特定のタイプの生徒に魅力的に映るのかもしれません。年上の生徒は、コンクールならではの「
エッジの利いた」雰囲気を好むようです。私の生徒の一人は、2022年のBBCヤング・ミュージシャン・コンテストの2次予選に進出しました。彼女はカーディフにあるロイヤル・ウェールズ音楽演劇大学で、他の25人の出場者と共に演奏し、大学の大コンサートホールで3人の
審査員の前で12分間のプログラムを演奏しました。「どんな気持ちでしたか？」
と尋ねると、彼女は「怖かったです」と答えました。「でも、すべての瞬間が楽しかったです。刺激的で、本当に『緊張感』があり、爽快でした」



しかし、私はコインの「裏側」にもいます。審査員であることは特権であり、同時に責任でもあります。審査員団と仕事をすることが多く、それは概してより慎重な判断に基づいた結果につながると期待されます。受賞者全員の意見に同意する時もあれば、そうでない時もあります



3位に入ったトリフォノフはベルリンフィルとの共演が多くあり、録音にはショパン、ラフマニノフ、バッハ、リスト、スクリャービンなど多くの録音があります。
何を持って上下を比べたら良いのか分かりませんが、少なくとも話題性や商業的にはショパン国際ピアノコンクールでしょう。
特に日本ではショパンの曲が人気なのも関係しそうです。話題性としてもリアルタイムでのライブ配信、マスメディアでの取り上げ方や情報量、入賞者のコンサートツアーも盛んのようです。

裕福な国では 優秀なプロのアーティストが生まれない、と聞いた事がありますが。
芸事における大変な努力をしなくとも 仕事はあり、そこそこ豊かな暮らしをしていけるからだ、とも。。

もう、そういう（文化的な）表彰や権威みたいなものを 日本の多くの人が必要としなくなったからでは？
（スポーツになら求めるが・・・）
たまに出た才能ある若者を国ぐるみで大切に育み、世界に出そう、などという思考があるとは思えません。

[425 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:12:44.87 ID:VzuUE+U8]

しかし今回のPVの主役はなぜ中途半端にダニエル・シューなんだろ
スケジュール的に他の人が無理だったのか

[426 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:13:33.83 ID:zcWCLxbB]

これは謂わば受験勉強で、実際の英会話にはこんな用語は出て来ないのである。もちろん英会話を学ぶにあたって文法は必要ないと言っているのではない。そうではなく、最初から英会話を学ぶのが目的ならもっと違う学習方法があったはずなのである。そして、そもそも他国の言語を学ぶとは、その相手と実際にコミュニケーションをとるということが前提なわけである。英語を学ぶために英語を学んでいるのではない。では一体、今の日本人に本当に英会話能力を必要としている人はどれくらい居るのだろうか。

ピアノ奏法を学ぶ、そしてコンクールなどで実力を発揮する。
で、その先は？？
日本の社会はクラシック音楽の環境にどういう目的と必要性を求めているのだろうかねー。




全員に送られてきた楽譜の中から数名の「ファイナリスト」を選出した後、数時間にわたって直接会い、
それぞれの作品を互いに演奏し合い、優勝者を決めました。今年は初めて、希望した出場者には書面によるフィードバックを提供しました。
フィードバックは忘れられがちな「プラス要素」の一つです。学生が特定のコンクールで優勝できなかった理由を知りたがる時代において、審査員の意見は歓迎され、そして願わくば建設的な意見がほとんどであることを願っています。


コンクールの中には、課題曲が決まっているところもあります。ヘンレ・コンクールは毎年1人の作曲家に焦点を当て、特定の作品集から年齢に応じた課題曲が選ばれます。
他のコンクールでは完全に自由な選択が認められており、私の生徒たちはそちらを好んでいます。こうすることで、新しく学んだコンサートスタディを、
より確実な課題曲と並行して「試奏」することができます。コンクールへの参加は、生徒たちが常にレパートリーを広げ、発展させていくことを促します。

最近、バンコクで開催されたタイ青少年舞台芸術フェスティバルで、ピアノ教室の審査員を務めました。タイは近隣諸国と同様に、若者をコンクールに向けて徹底的に育成しています。このイベントでは、
演奏レベルは様々でしたが、生徒たちは皆、暗譜で演奏し、自信に満ちた演奏を披露していました。
音楽学校のオーディションを受ける予定の人は、できるだけ早くピアノ演奏の「実績」（または経歴）を
積む必要があります。私が生徒を指導する際、この過酷な課題は一種のコンクールでもあり、
入学希望者は自分がその資格にふさわしいことを証明しなければなりません。
コンクールでの優勝、コンサートでの演奏、そして様々なコースやマスタークラスへの参加はすべて、彼らのプロフィールを構築し、出願書類を有利に進めるのに役立ちます。

ショパンの国では再び個人主義が支配するようになりました。そして、第18回ショパン・ピアノ・コンクールでは、型破りな才能を持つアーティストたちが揃って優勝を飾りました。

金メダルを獲得したブルース（シャオユウ）・リウが、古き良き魅力を漂わせ、ソロパートで内声を大胆に響かせたのが素晴らしかったのですが、
審査員が頭脳熱にかかってしまうのではないかと心配していました。どうやらそうではなかったようです！今晩のリウの、自然で気取らない、それでいて比較的分かりやすいショパンのホ短調協奏曲


もしかしたら、コンテストはエリート主義的で貴重な時間とエネルギーの無駄だと考えている人たちに、考え直すきっかけを与えられたかもしれません。

力強く型破りな個性と独創的な声、そしてそれほど主張は強くないものの、
想像力豊かで一貫性のあるの才能を無視することはできなかった。刺激的な音楽家たちが銀メダルを分け合ったという事実は、多くのことを物語っている。審査員がマルテのような、
常にチャンスを掴む才能を持つ人物に銅メダルを授与したこともまた、多くのことを物語っている。もっとも、彼が協奏曲の最終審査で控えめな演技をしたことは、
むしろ彼にとってプラスに働いたと言えるだろう（そして、同じことは劉にも当てはまるかもしれない）。


レオノーラ・アルメリーニは、極めて自然なピアニズムと、相手に伝わる素早い表現力で第5位を獲得しました。
準決勝と決勝では、
ラウンドで期待されたほどの演奏はできなかったのかもしれません。アルメリーニの他のレパートリーも聴いてみたいですね。
長年の経験を持つプロのピアニストの同僚は、JJジュンを応援していました。私としては、この17歳のピアニストは指使いは間違いなく優れていると思いますが、音楽的にはまだまだ未熟です。

特別賞について：最優秀マズルカ演奏賞はヤクブ・クシュ

[427 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:14:43.31 ID:VKHG6qNh]

ヴデーエワは優勝後バッハ、シューベルト、プロコフィエフ、ヴァインベルクなどを録音し、ラ・ロック・ダンテロン・ピアノ音楽祭にも毎年出場。
アルゲリッチ、クレーメルらと共演しています。2位のゲニューシャスも同様、2015年にはチャイコフスキーコンクールでも2位に入り実力を発揮、
その後ショパン、ブラームス、ベートーヴェンなどを録音最近ではラフマニノフの前奏曲集を入れています。同じく2位のヴンダーは
アシュケナージの指揮でチャイコフスキーとショパンの協奏曲を入れた上にショパンの作品集を精力的に録音しています。


ソナタの驚異的な演奏で、ソナタ最優秀演奏賞にふさわしいクリスティアン・ツィメルマン賞を受賞しました。
審査員は最優秀ポロネーズ演奏賞にフレデリック・ショパン協会特別賞を授与しませんでしたが、これは当然のことでした。

世界中の読者や視聴者が結果に意見を述べることは間違いありません。しかし、最終的には審査員が決定権を持つとはいえ、
私個人としては「ディヌ・リパッティ／ウィリアム・カペル ロ短調ソナタ最優秀演奏賞」をヤクブ・クシュリクに授与したいと思います。

プレッシャーは高かったものの、紛れもなく刺激的なこの数週間の緊張を解きほぐす中で、アンジェイ・ボレイコとワルシャワ・フィルハーモニー管弦楽団に特別な賞を贈りたい。
彼らは同じ2つの協奏曲を何度も繰り返し演奏し、ソリストが誰であろうと、
ショパンの悪評高いオーケストレーションを毎回変わらぬ活力で響かせた。亡き母が言うように、これは決して軽んじられた演奏ではない

この時代を「醜悪」で不正義な時代と呼び、これを非難している。ニューヨーク・タイムズ紙のインタビューで、シフは政権の移民政策に特に苦悩し、ホロコースト（大虐殺）の際に家族が国外追放された歴史に言及した。

ドイツのヴァイオリニスト、クリスティアン・テツラフ氏やピアニストのシャガイェグ・ノスラティ氏など、
トランプ大統領のリーダーシップに公然と反対する姿勢を示すクラシック音楽家のグループに加わった。公開書簡の中で、フ氏は「芸術と政治は切り離せない」と述べ、根本的な価値観が脅かされていると感じる国で「
良心の呵責を感じずに演奏を続けることはできない」と述べた。アメリカの音楽界と深い繋がりを持つにもかかわらず、2025-2026シーズンのすべての公演から撤退した。

ヴィクトル・スキオラーの軌跡を考察し、ケネス・ハミルトンはリストの弟子アウグスト・ストラダルのコレクションで発見されたリスト作品について報告します。また、今号の「両極化するピアニスト」コラムでは、ブライス・モリソンがアメリカのピアニスト、ジョセフ・ヴィラの演奏を振り返ります。

ジアヤン・サンはブリッジ・レコードからの最新アルバム『ブゾーニと彼のミューズ』を紹介。イタリアの作曲家ブゾーニの作品と、彼に影響を与えた音楽を紹介しています。マレー・マクラクラ

自身の決断の難しさを認めつつも、将来の変化に希望を持ち続け、アーティストたちに不正に対して声を上げるよう呼びかけている。

術分野を横断する華やかなプログラムを携えて、今年10月にキングス・プレイスに戻ってきます。
ピアニストであり共同芸術監督でもあるカティア・アペキシェヴァとチャールズ・オーウェンがキュレーションを手掛ける20フェスティバルでは、著名な作曲家シェリル・フランシス＝ホード、
スティーブン・ハフ、エレナ・ランガーによる3つの世界初演に加え、クラシックとジャズ界の幅広いアーティストが出演

[428 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:16:38.93 ID:jLyKUMn2]

イントネーションとテクスチャの発展のプロフォームに従って修正および一般化できるようにします。
疑いなく、あらゆる演奏行為は、作曲の研究、必要な演奏技術の向上、音楽的記憶、注意、アイデア、感覚の活性化と結びついてのみ可能となります。
これらに、演奏者の視覚と聴覚の経験を加えることができます。
結局のところ、音楽作品に取り組むとき、ピアニストは、特定の目標や目的に関連して、特定のシフトが意識的に実行されるときに、音楽作品の行為（音符ありと音符なし）をゆっくりと解きほぐすタイプを含むさまざまな方法を使用します。
個々の断片に取り組むことで、音楽作品の「文法」規範を拡大、増加、減速、加速で表現できるようになり、新たな情報内容と表現力の幅が広がります。
そして、自動主義に至った、知覚における過剰な音の実現形態により、芸術家の具体化の個々の方法、作曲内容の具体化の特殊性を音のつながりの階層に記録することが可能になった。

スティーブン・ハフ、イングリッド・フリター、ロナン・オホラ、ミシュカ・ラシュディ・モメンを含む8名のピアニストが集結し、モーツァルト、ブラームス、スメタナ、プーランクなどの作品を多手協奏で演奏します。プログラムには、ジョセフ・ハヴラット作曲の「 64 Geese」の英国初演と、ハフ作曲の「キングス・クロス行進曲」 の世界初演 も含まれています。

フェスティバルの10年間を振り返り、アペキシェバとオーウェンは
次のようにコメントしました。「ピアノ・フェスティバルを開こうと初めて思いついたとき、ロンドンの音楽シーンの空白を埋めたいと思っていました。10年経った今も、フェスティバルの拠点であるキングス・プレイスで世界クラスのパフォーマンス

イントネーションとテクスチャの発展のプロフォームに従って修正および一般化できるようにします。
疑いなく、あらゆる演奏行為は、作曲の研究、必要な演奏技術の向上、音楽的記憶、注意、アイデア、感覚の活性化と結びついてのみ可能となります。
これらに、演奏者の視覚と聴覚の経験を加えることができます。
結局のところ、音楽作品に取り組むとき、ピアニストは、特定の目標や目的に関連して、特定のシフトが意識的に実行されるときに、音楽作品の行為（音符ありと音符なし）をゆっくりと解きほぐすタイプを含むさまざまな方法を使用します。
個々の断片に取り組むことで、音楽作品の「文法」規範を拡大、増加、減速、加速で表現できるようになり、新たな情報内容と表現力の幅が広がります。
そして、自動主義に至った、知覚における過剰な音の実現形態により、芸術家の具体化の個々の方法、作曲内容の具体化の特殊性を音のつながりの階層に記録することが可能になった。

[429 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:18:34.37 ID:rqaE0uUu]

ンティ・3位に入ったトリフォノフはベルリンフィルとの共演が多くあり、録音にはショパン、ラフマニノフ、バッハ、リスト、スクリャービンなど多くの録音があります。
何を持って上下を比べたら良いのか分かりませんが、少なくとも話題性や商業的にはショパン国際ピアノコンクールでしょう。
特に日本ではショパンの曲が人気なのも関係しそうです。話題性としてもリアルタイムでのライブ配信、マスメディアでの取り上げ方や情報量、入賞者のコンサートツアーも盛んのようです。

裕福な国では 優秀なプロのアーティストが生まれない、と聞いた事がありますが。
芸事における大変な努力をしなくとも 仕事はあり、そこそこ豊かな暮らしをしていけるからだ、とも。。パイソンがココナッツ2個をパチパチと音を立てて叩く以前から、カトリックの宗教性とアーサー王伝説を巧みに融合させたワーグ​​ナーの『パルジファル』を舞台にするのは容易ではありませんでした。グラインドボーン劇場で
初上演されるこのオペラは、ジェツケ・ミンセン演出によるもので、宗教的な神秘主義をほとんど無視した厳粛なアプローチを取り、物語の残りの部分をチェーホフ風

ベン・バウアーの陰鬱な舞台装置とギデオン・デイヴィーのボタンを留めた衣装は、私たちを1882年のオペラ初演当時のカトリック共同体へと誘う。
オーケストラの前奏曲の間に投影されるカインとアベルの物語からの引用が雰囲気を盛り上げる。ミンセンは、アンフォルタスとクリングゾルを、以前は牧歌的な子供時代を過ごしていたが、クンドリーの愛情と兄への敬意に対する十代の嫉妬のあまり、
クリングゾルがナイフを振りかざして襲いかかったことで引き離された、生き別れの兄弟として描いている。
私たちは、登場人物の幼少期の姿でこの役を演じ、グルネマンツが第1幕の長大なナレーションでその背景を語る。バスのジョン・レリヤによるベルベットのような声の力作である。




騎士たちは下級司祭のようで、聖餐を受けるために聖衣をまとい、部外者であるパルジファルを殴り倒す。クンドリーは荒々しい精霊というよりは、むしろ栄光ある女中といったところか。聖槍は彫刻刀、聖杯はありふれた聖杯。そして、脇腹に空いた穴と同じくらい、
アンフォルタスと兄の確執こそが、癒えることのない真の傷なのだ。パルジファルがクンドリーに呼び起こされた亡き母の幻影に助けられ、徐々にこの全てを理解していく過程こそが、この物語における英雄的行為と言える。

何時間もかけてじっくりと鑑賞した甲斐があったという点だ。指揮者のロビン・ティチアーティは、ロンドン・フィルハーモニックから、素晴らしいキャストを引き立てる、きらびやかで流れるようなオーケストラ演奏を引き出している。
そして、この親密な劇場で彼らの演奏を聴くのは格別だ。レリヤの疲れを知らないグルネマンツは傑出した演技だが、アウドゥン・イヴェルセンのアンフォルタスも深く心に響く。
クリスティーナ・スタネックの豊かでしなやかな声のクンドリー、ライアン・スピード・グリーンのエネルギーに満ちたクリングゾル、ダニエル・ヨハンソンの純真でありながら鋭いパルジファルも素晴らしい

、

この作品には信仰心も魔法もほとんどなく、クリングゾルの花の乙女たちを不吉なクンドリーの群れとして描くという巧妙なタッチを除けば、
それはほとんど存在しない。もはや贖罪という壮大で抽象的な概念ではなく、和解を描いたオペラであり、
ワーグナーが4時間にも及ぶ音楽を書いた物語よりも、どういうわけかより簡潔な物語となっている。

[430 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:20:09.40 ID:CkzCeyi5]

全ては、3大一流音楽大学に行けなかった者のやっかみ、ひがみ、ジェラシーな訳であります。
はっきり言いましょう。
貧乏人と下手糞は3大一流音楽大学、すなわち、桐朋学園大学、武蔵野音楽大学、国立音楽大学は、『到底無理』な(だった)訳であります。
それが現実です。実力の前に経済力であります。

どうせ、メトロノームが苦手なデタラメ、インチキのピアノなんだから。
『だから受からない訳よ、言っちゃ悪いけど。あんた、下手糞だからでしょ？以上』


学習能力無しですねー　
これでしか勝てないのでしょうね
昔、音大を落ちたとボヤく大人のアマチュアの皆様、はい、当然落ちます。だが安心下さい。自分が上級者と勘違いする輩の9割は音大は合格しません。音大は入学者に相応しい『訓練された』テンポ感や音程感、音楽性が無い者は30回受けても100回落とします。それ以上であっても、それ以下では無いのです。

全ては、3大一流音楽大学に行けなかった者のやっかみ、ひがみ、ジェラシーな訳であります。
はっきり言いましょう。
貧乏人と下手糞は3大一流音楽大学、すなわち、桐朋学園大学、武蔵野音楽大学、国立音楽大学は、『到底無理』な(だった)訳であります。
それが現実です。
実力の前に経済力であります。

昔から、東大、上智、慶應、早稲田の『ピアノ の会』は並の音大生は入れない位上手いですよ。要は勉強が出来る一流は音楽も一流。偏差値に比例します。東京大学管弦楽団は並のプロオーケストラより『上』です

まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います

自分の意見が正論だと錯覚し、その道の知見者に気持ちよく喋っている自分に酔っているバカもいます。傍で見ていて、滑稽です。

今日は新大久保と新宿で2匹と激突。そっちが、わざとぶつかってくるなら、数倍返しでぶつかり返すからな。怪我したくなかったら、道を開けろ。
オレ、避けないよ。

当たり前の天罰です。我、ターミナル駅では、50m先を見て歩きます。ぶつかる輩は目付きと足取りですぐに分かる。怪我したくなかったら、緑色のチェロケースを見たら、道をどけろ、と言うことです。一応、我、身長181?なんで大抵は『下』ですから、人見てね。

ケースは100kgのデブが乗っても壊れない訳。我の反撃で池袋の階段転げ落ちたOLとかいるからね。ストッキングは破れるわ、流血するわ、で。我？知らんよ、こっちはぶつかられた被害者だから。人見ないとね、ぶつかるんだったら。チェロケースと足で、倍返しでぶつかり蹴り返します。
勝負を挑むな、生重低音に。

私のプロ音楽家の経済的定義に反発する輩は須くアマチュアです。
まあ、K.545弾かせれば、5秒で全部分かるよ、悪いけど。
K.545や2声・3声で演奏会をプラス収支出来るならプロ。ラフマニノフやスクリャービンを弾いて大赤字なら単に弾けるだけのアマチュア。

また本人だ！って言う単純な人も出てきそうだけどさチョップ奏法それ
界隈をフォローなんてみんなしてるw俺もしてるわww何度も言われてるけど、提起内容云々よりも最初のプレゼンに失敗してるんだよ。アンチや暴言でもない


グランドピアノ買ってくれた。何でもママがしてくれる、賃料も。同世代サラリーマンは馬車馬のように働いて、家、車、教育に大奮闘。お金も貯めて、自分へのご褒美にグランドピアノをやっと自分の稼いだ金で買うんですよ。苦労して自分の稼いだ金で買ったのなら、あのような思想にはならない。

どうせ、メトロノームが苦手なデタラメ、インチキのピアノなんだから。
『だから受からない訳よ、言っちゃ悪いけど。あんた、下手糞だからでしょ？』


特待生も含めて、とにかく顔芸に長けていると思う演奏もさぞかしすげーのかな？国際コンだって、それを受け入れて出るものじゃないの？
演奏は個人的には好みではないね朋音楽大学のピアノ科は、日本でも最難関の音楽大学の一つと言われています。

協奏曲の演奏時間は２０分かからないものから４０分を超えるものまで幅があり、曲目のチョイスはセミファイナルを突破したコンテスタント次第なので、つながりの階層に記録することが可能になった。音楽素材を提示するプロセスにおいて
「演奏会」として見るなら終演時間が読みにくいことこの上ないです(笑)。ちなみに、コンクールの全国入賞という一過性の結果だけで実力を推し量ることはできません。

[431 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:21:25.60 ID:h6HkaLnB]

音楽作品に取り組むとき、ピアニストは、特定の目標や目的に関連して、特定のシフトが意識的に実行されるときに、音楽作品の行為（音符ありと音符なし）をゆっくりと解きほぐすタイプを含むさまざまな方法を使用します。
個々の断片に取り組むことで、音楽作品の「文法」規範を拡大、増加、減速、加速で表現できるようになり、新たな情報内容と表現力の幅が広がります。

イモン・ラトルとロンドン交響楽団の共演によるヤナーチェクのオペラの概説では、すでに最もよく知られている3作品（人生と愛についての壮大な
考えを呼び起こす、
大きくてやりがいのある作品）を取り上げており、今度はもう少し厄介なもの、「ブロウチェク氏の遠足」にたどり着く。
1920年に初演され、スヴァトプルク・チェフの風刺小説に
基づいたこのオペラは、2つの酔った人の夢から成り、それらを結びつけるのは、ビールとソーセージと常に正しいこと以外にはほとんど関心のないうぬぼれた夢想家と、
主役を演じる歌手たちだけである。上演されるだけでも十分に風変わりなのに、コンサート会場では、歌詞を翻訳する字幕や、15世紀チェコの歴史の詳細をウィキペディアで調べる休憩時間があっても、不可解だ


ブロチェクは月明かりに照らされた溝から、彼が軽蔑する芸術家気取りの菜食主義者たちが住む月へとテレポートする。二つ目の夢では、
1420年に包囲されたプラハへと飛ばされ、フス派の軍勢と共に戦うことを求められていることに愕然とする。ここでの音楽は、ブロチェクの威勢のよさとは相容れない高貴さを帯び、
群衆の場面では葦のようなバグパイプが中世の色合いを添えている。テネブラエは熱狂的に合唱団を歌っているが、　観客に向かってではなく舞台を横切って歌っているため、その迫力はやや鈍くなっている。

プラハ国立劇場版がリリースされて以来、ロンドン交響楽団による2回の公演を収録した録音は、もはや市場で大きな需要の空白はありません。

しかし、その録音は一級品となるでしょう。オペラの登場人物たちの脆さの裏には、儚い美しさに満ちた音楽が息づいており、ラトルとロンドン交響楽団による温かみのある演奏によって、その美しさが存分に表現されています。


ラトルはテンポを保ち、ワルツやマズルカの間を滑らかに舞いながら音楽を踊らせ、軍隊劇のエピソードでは、
曲が硬直しすぎないよう力強く展開していく。ピーター・ホーアほど説得力のあるタイトルロールを演じられる歌手はほとんどいないだろう。彼は歌いながら、
時折ラガーの瓶をがぶ飲みし、完璧な判断力で歌い上げる。彼が出会う3人の主要女性（1人は実在、2人は夢の中の女性）はルーシー・クロウが演じ、
彼女のソプラノは特に月のエピソードの銀色の音世界で輝いている。対応する男性役は、現在このレパートリーでは比類のない、明晰なチェコのテノール歌手、アレシュ・ブリシェインが歌う。




ジークリンデ役デビューは傑出している）にとって、このエルダ（イローナ・リントウェイト演じる）が魅惑的であると言うことは何ら損なわれない。
彼女はどの場面にも登場する。ジークムントとジークリンデの近親相姦的な結びつきを祝福し、ボッティチェリの「春」の登場人物のように花を撒く。
そして、毛皮のコートをまとい、怒りに満ちたフリッカがヴィンテージカーで登場するとき、彼女の運転手は誰だと思いますか？まるでコスキー監督はエルダの存在を、
ワーグナーが登場人物や思想を表現するために用いた音楽テーマのネットワークに付け加えているかのようです。

[432 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:22:54.50 ID:TZfAqX/K]

イントネーションとテクスチャの発展のプロフォームに従って修正および一般化できるようにします。
疑いなく、あらゆる演奏行為は、作曲の研究、必要な演奏技術の向上、音楽的記憶、注意、アイデア、感覚の活性化と結びついてのみ可能となります。
これらに、演奏者の視覚と聴覚の経験を加えることができます。



運命が投げつけた醜い試練にもめげず、シマノフスキはプロジェクトのために奮闘し続けた。彼の強い要望により、1923年には新たな記念碑委員会が結成され、彼らは資金集めに着手した。

ポーランドはロシアの覇権から解放され、新たな独立の勢いに乗っていた。今回は資金調達に問題はなかった。政府からの寄付と募金コンサートが資金を調達し、1926年6月に記念碑は完成した。
この記念碑は1926年11月14日に公式に公開され、広く称賛を浴びました。



しかし、鋳造所が作業を開始する前に、シマノフスキは彫刻の原型を1/1スケールで石膏像に分割し、それぞれのブロックを西フランスへ送る必要がありました。しかし、残りの積荷をパリへ送り出す前に、ヨーロッパは戦争に突入しました。

シマノフスキの原型の半分は、フランスが開戦したまさにその日にパリに到着し、その後数年間は何とか持ちこたえました。

しかし、シマノフスキにとって不運なことに、ブロンズ像の鋳造を依頼された鋳造所は、平和が宣言される頃には既に廃業していました。さらに、像の建設のために集められたルーブルの価値は暴落していました。

シマノフスキが抱える問題をさらに悪化させるように、人々の嗜好も変化し、アール・ヌーヴォー様式はアール・デコ様式に取って代わられていました。像の未来は危うい状況でした。
やっと進歩しました…

運命が投げつけた醜い試練にもめげず、シマノフスキはプロジェクトのために奮闘し続けた。彼の強い要望により、1923年には新たな記念碑委員会が結成され、彼らは資金集めに着手した。

ポーランドはロシアの覇権から解放され、新たな独立の勢いに乗っていた。今回は資金調達に問題はなかった。政府からの寄付と募金コンサートが資金を調達し、1926年6月に記念碑は完成した。

その除幕式は記念すべき日となりました。2時間にわたる式典にはイグナツィ・モシツキ大統領も出席しました。1926年11月14日正午に公式に公開されたこのピアノは、広く称賛を浴び、クーリエ・ワルシャワ紙は「ショパンの天才を称える、この上なく美しく、永遠の記念碑」と評しました。

イタリアの独裁者ベニート・ムッソリーニでさえも感動し、祝辞を送りました。「歌の国を代表して、不滅のポーランド音楽家に敬意と感動を込めて敬意を表します」と、ムッソリーニは電報で記しました。

次の章

他のファシストたちはそうは思わなかった。ポーランド第二共和国の短い存続期間中に最初に除幕された記念碑が、ナチスによって首都で最初に解体された像となったのだ。

愛国的価値があると選ばれたこの記念碑は、1940年5月31日に爆破され、その破壊には、占領下のポーランド総督として統治するよう任命された、教養のあるナチスとされていたハンス・フランクが自ら承認した。記念碑の残骸はその後、弾薬を作るために精錬されるために梱包された。


今回はパリはなかった。その代わりに、高さ6.4メートルの記念碑はワルシャワのホジャ通りでブロンズ鋳造され、116個のパーツに分割されてワジェンキ公園の台座へと運ばれた。

組み立てには数週間を要したが、ついに1958年5月11日、18年ぶりにショパンを再びお披露目する厳粛な式典が行われた。

[433 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:26:28.87 ID:CjChLRwk]

音楽的思考は常に歴史的に協和音から不協和音へ、そしてさらに大きな不協和音へと発展してきたと哲学的にまとめています。
私の意見では、非常に正しく指摘されています。これは弦の倍音の構造に似ています。

小さな協奏曲に相当する演奏をしているからです。「伴奏者」と呼ばれることは、手首の怪我にさらに悪影響を及ぼしかねません。
代わりの「コラボレーティブ・ピアニスト」という呼称は、そもそも必要かどうかは別として、
まだ完全には定着していません。「『あなたは自分のことを何て呼んでいるの？』と何度も聞かれます」とアナ・ティルブルックは言います。「ええ、
ピアノを弾きます。だからピアニストです」

レーベルだけでなく、共演ピアニストの世界にも大きな変化が起こっています。歌手と仕事をする時、熱心な音楽家はしばしばプログラムプランナー、フェスティバルディレクター、　ボーカルコーチ、ドラマトゥルク、コンサートハスラー、名手、そして心理療法士といった、10本の指を持つ万能な人物の役目をすべて兼ね備えています。しかし、彼らが直面する課題は、かつてないほど多く、
またこれほどまでに困難を極めたことはありませんでした。

そして最大の問題は、機会の多さ、あるいは少なさだ。「50年前なら、
歌のリサイタルは若い音楽家にとって生活の糧だったでしょう」と、オックスフォード国際歌曲祭（旧オックスフォード・リート・フェスティバル）の創設者兼芸術監督、ショルト・キノック氏は語る。「音楽クラブや協会には、
今で言う弦楽四重奏団のように、リサイタルのサーキットがありました。しかし、それは衰退し、復活の兆しは見られません。年に6回のコンサートがある地域の音楽クラブでは、歌のリサイタルはほとんど行われないでしょう。
もちろん、ウィグモア・ホールは輝かしい存在であり、今でも多くの観客を集める名曲が演奏されています。
しかし、パンデミック以降、回復が最も遅いのは、このホール

プログラムの創意工夫の度合いは徐々に高まっている。
これは、一部のピアノ・ソロ・プログラムに影響を与えてきたプレイリスト原理の影響のように見えるかもしれないが、
歌曲においては、それはさらに遡り、より深いところまで遡る。私が話を聞いたピアニスト全員が、ザ・ソングメーカーズ・アルマナックの創設者であるグラハム・ジョンソン氏を称賛した。
ジョンソン氏は、質素なリサイタルを劇的可能性に満ちた世界へと変貌させた。1976年に開始されたこの長寿シリーズは、複数の歌手が出演し、単に無関係なレパートリーを寄せ集めるのではなく、関連性のあるコンセプトや劇的なテーマに基づいた、
主に珍しい音楽のコンサートを上演することで、従来の型を破った。

「プロモーターたちは、歌曲ピアニストに対する態度を変えたと思います。シリーズ公演や建設的なプログラムを組む機会が増えたからです」とマルコム・マルティノーは語る。「それはすべてグレアム・ジョンソンのおかげです。
彼が先駆けでなければ、私たちの世代は今のようなことは何もできなかったでしょう。ソングメーカーズ・アルマナックは、リート界全体を変えました。」

イアン・バーンサイドも同意見だ。「ザ・ソングメーカーズ・アルマナックは想像力豊かなプログラミングをしていて、様々な聴き方があること、
そして豊かな想像力、知識、そして洞察力でプログラミングできることを示していました。キャリアのある段階で、あのコンサートを聴いて非常に多くのことを学びました。」より微妙な問題に対処する必要があります。
単純な和音に過度に固執することは、音楽的思考がまだ幼稚であることを示しています。

[434 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:28:20.52 ID:X6MeIaLP]

制作の原動力となるのはピアニストであることが多いですが、そのプロセスはパートナーシップによって異なります。ベンジャミン・アップルやリーゼ・ダヴィッドセンなど、
多くのアーティストと共演しているジェームズ・ベイリューは、歌手たちの個性や声質に大きく左右されると言います。「ベンと私は『禁断の果実』というプログラムを組んでいます。
これは様々な音楽を織り交ぜ、アダムとイブの物語を辿るものです。このプログラムは、聴衆にその夜の文脈を伝え、導くのに役立ち、構成するのもとても楽しいです。
リーゼの場合、多くの聴衆は彼女の歌声を聴きに来ているので、ドラマチックなプログラムを組むよりも、彼女の歌声を際立たせるべきだと考えています。」






今日の英国で共演ピアニストとして生き残るには、起業家精神が不可欠であることは間違いありません。そのおかげで、
今では素晴らしい歌のフェスティバルがいくつも毎年開催されています。ちょうど20年前、ジョセフ・ミドルトンはリーズ・リーダーを創設しました。
イアン・バーンサイドは、2001年に発足したラドロー・イングリッシュ・ソング・ウィークエンドの芸術監督です。そして、キノックは大学を卒業して王立音楽院で大学院の研究を始める間、
オックスフォード・リーダー・フェスティバル（現在のオックスフォード国際歌曲祭）を始めました。「演奏する場が欲しかったら、会場をした。フェスティバルの初年度には、この芸術形式への関心の再燃とオックスフォード市のための新しいフェスティバルを確立するというミッションステートメントを掲げました。 23年経った今でもそう言うと思うけど、
最初はこうやって始まったんだ。一緒に曲を作ろうと思っただけなんだ。ほとんどの曲がそういう集まりのために書かれたから、完璧なんだ。」



これらのフェスティバルのいずれかを訪れれば、シューベルトやブラームスの人気曲から、ヴォーン・ウィリアムズやジェラルド・フィンジなどのあまり知られていない名曲、
あるいはエロイーズ・ヴェルナー、ジュディス・ウィアー、ロクサーナ・パヌフニクなどの作曲家による最新の歌曲集まで、目が回るようなレパートリーの豊富さに気づくでしょう。

フェスティバルは、芸術をますます重要になる新たな領域へと押し上げることにも貢献しています。ジョセフ・ミドルトンはこう述べています。「リーズでは、基本的にブッキングや演奏が可能な限り
最高のギグを企画してきました。人々は質の高い作品、つまり誠実さと深い愛情、そして真摯で徹底的な研究に基づいて作られたものに反応すると思います。私たちは、このフェスティバルが誰にとっても、
そして境界線がないものであることを明確に示すような形で提供するよう努めています。チケットは非常に安価に設定し、多くのコンサートを完全に無料でストリーミング配信しています。
地域社会への働きかけも積極的に行い、おそらく私たちのことを聞いたこともないような人々にも確実にリーチし、コンサートホールに足を運んでもらい、心地よい体験を提供するだけでなく、同時に自分自身についても何かを学んでもらう機会を提供しています。」このフェスティバルは、
他の多くの団体と同様に、アーツカウンシル・イングランドによる一見無意味

サウンドを加える方法を示しました。
最後で、彼は音楽的思考は常に歴史的に協和音から不協和音へ、そしてさらに大きな不協和音へと発展してきたと哲学的にまとめています。
私の意見では、非常に正しく指摘されています。これは弦の倍音の構造に似ています。
倍音の順序が高くなるにつれて、より微妙な問題に対処する必要があります。
単純な和音


ティルブルックは、コンサートのプログラムにおける最近の顕著な変化を指摘する。「多様性の確保、特に女性や多様な作曲家を確実に含めることが重要だと考えています。現在、
フェスティバルやコンサートホールへの資金提供は、幅広い作品群の確保に大きく依存しており、これは間違いなく新しい現象です。過去10年間で、プログラムに取り上げられる女性や多様な作曲家の数は飛躍的に増加しました。

[435 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:32:18.03 ID:TAwZIFeD]

こうした作品の調査と発掘という点では、最近「モーツァルトと現代女性」という大規模なシリーズを立ち上げ、シア・マスグレイヴ、ジュディス・ウィアー、エロリン・ウォーレン、ドロシー・ハウエル、
ドリーン・カーウィゼンといった作


ミドルトンにとって、歌はコンサートであれレコードであれ、現代にふさわしい完璧な芸術形式だ。「歌は売りにくいとよく言われますが、歌は私たちを内なる自分と真に結びつけてくれるという点で、
今の人々が求めているものにぴったりだと思います。
これらの歌詞は、文字通り私たち全員が常に心の中に抱えているものにつ

ミドルトンは続ける。「キャロリン・サンプソンとレコーディングをする際には、最初からアルバム全体を聴きたいという方にも分かりやすいようにプログラムし

リアン・トレヴェリアンは、叙情的でありながらも濃密で非常に要求の厳しいバルトークの第3協奏曲の世界で秀でた。
最終的に、審査員が適切な受賞者を選んだことに疑いの余地はありませんでした。
ジェイデン・イジク＝ズルコが第1位を獲得したのです。
特にン・チェンは既にアスコナス・ホルトと契約を交わしており、永続的なキャリアに必要な多くの要素を示しています。位はカン・ニー・ルオン、第4
位はカイ＝ミン・チャン、第5位はジュリアン・トレヴェリアンでした。

2021年と同様に、競技ラウンド以外にも多くのイベントが開催されました。地域イベント、2021年優勝者アリム・ベイセンバエフのガラ・リサイタル、
ルーシー・パーハムとデイム・ハリエット・ウォルターによる「I Clara」、個性的なピアノと彫刻が大都市圏の様々な場所に戦略的に配置されたリーズ・ピアノ・トレイル
、親子と赤ちゃんのためのセッションや家族で一緒に歌えるシンガロング、そしてインタラクティブな彫刻とイベントスペースが一体となった素晴らしいピアノ
ドロームなどです。このコンクールとその関連イベントが、これからも繁栄し、発展していくことを願っています。この3年ごとの
イベントはピアノ界の基盤となる重要な部分であり、2027年のコンクールはすでに計画が進められており、待ち望まれています。

適切な受賞者を選んだことに疑いの余地はありませんでした。ジェイデン・イジク＝ズルコが第1位を獲得したのです。特にラフマニノフの「ソナタ第1番」とラヴェルの「ミロワール」は力強い演奏でした。第2位のジュンヤン・チェンは既にアスコナス・ホルトと契約を交わしており、永続的な
キャリアに必要な多くの要素を示しています。第3位はカン・ニー・ルオン、第4位はカイ＝ミン・チャン、
第5位はジュリアン・トレヴェリアンでした。

2021年と同様に、競技ラウンド以外にも多くのイベントが開催されました。地域
イベント、2021年優勝者アリム・ベイセンバエフのガラ・リサイタル、ルーシー・パーハムとデイム・ハリエット・ウォルターによる「
I Clara」、個性的なピアノと彫刻が大都市圏の様々な場所に戦略的に配置されたリーズ・ピアノ・トレイル、
親子と赤ちゃんのためのセッションや家族で一緒に歌える
シンガロング、そしてインタラクティブな彫刻とイベントスペースが一体となった素晴らしいピアノドロームなどです。このコンクールとその関連イベントが、
これからも繁栄し、発展していくことを願っています

[436 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:34:01.05 ID:pvVEkgD2]

ある種の期待感を抱かせるものだからです。満員のホール、観客席のスクリーンに映し出される演奏者の横顔のクローズアップ、
そしてステージ上のカメラの動き（各演奏はmedici.tvとYouTubeでライブ配信されました）は、出場者と縁のある観客にとっては、まさに緊張の連続です。個人的には、このコンクールは
特別な意味を持つものでした。長男のカラムが、最初の366人の出場者の中から、最終選考会に招待された24人のピアニストの一人に選ばれたのです。
家族の一員がその全過程を経験するのは、並外れた道のりでした。カラムは最初のリサイタルを編集なしのワンテイクで録音する必要があり、これは忠実にアダム・ゲートハウス、カティア・アペキシェヴァ、クレア・ハモンド
、チャールズ・オーウェン、ルーシー・パーハムからなる審査員に（映像なしの音声のみで）聴取されました。審査員たちは名前
を全く決めておらず、国際ラウンドに参加する64名の「盲目の」ピアニストを選出しました。決勝戦は2024年4月にベルリン、北京、ニューヨーク、パリ、ソウル、ウィーンの6都市で
開催されました。このラウンドには、アダム・ゲートハウスに加え、ニノ・グヴェタゼ、トム・ポスター、小川典子が参加しました。この時点では観客はいませんでした。



カラムは過去6年間ザルツブルクで学んでいたため、ウィーンで開催される国際ラウンドに出場し、バーバーのソナタをはじめと
する作品を演奏することを選びました。彼はこの経験を楽しんでいましたが、リーズ大会前の
このラウンドは、多くの点でコンクール
の中で最も難しいとされています。それは、演奏者の数が非常に多いため、次のステージに進むのが非常に難しいからです。私は親として、またリーズ大会の
準備で生徒を指導してきた者として、カラムに過度の期待をしないように勧めました。しかし、数週間待った後、リーズで開催される第2ラウンドに進む24名の出場者に選ばれたという通知が届きました。夢が現実となり、カラムは4時間以上に及ぶレパートリー
を準備するという途方もない課題に直面しました。

ンレッスン、運動、睡眠、栄養、瞑想、そしてポジティブシンキングはすべて、必須の準備
でした。リーズ・コンクールは、すべての出場者にとってマラソンなのです。

リーズのようなコンクールに向けて、ひたむきな献身と長時間にわたる練習が求められる
ことは、いくら強調してもし過ぎるとができます。この過程を乗り越え、成長できれば、より優れた演奏家、より力強いアーティストへと成長できるでしょう。

ピアニストたちは、実に魅力的な若者たちでした。出会った人全員の態度に感銘を受けました。
彼らは常に優しく、互いを惜しみなく称賛し合っていました。国際コンクールに出場するピアニストは数多くいますが、彼らの世界は狭いのです。
カラムは、サンタンデール・コンクールとフェロル・コンクールで親しくなったカーター・
ジョンソン、ペドロ・ロペス・サラス、ジェイデン・イジク＝ズルコ、カイ＝ミン・チャン、ジュンヤン・チェンといった、第2ラウンドに進出するピアニストの半数以上を既に知っていました。
彼らはコンクールが予測不可能であり、何事も当然のことではないことを理解しています。驚きは日常茶飯事であり、当然のことです。彼らは、コンクールという厳しい環境で厳しいプログラム
を演奏するという精神的・肉体的ストレスに耐えうる卓越したレベルに到達するために、人生を捧げているのです。

では、ある演奏者が後期ラウンドに選ばれず、他の演奏者が選ばれると、当然のこと
ながら抗議の声が上がりました。誰にでもお気に入りの演奏者はいますが、個人的には、ダン・タイ・ソンの生徒であるユ・ソンホが第2ラウンドを突破でき
なかったのが残念でした。浜松コンクールの上位入賞者の一人である牛田智治は第2ラウンドを突破しましたが、協奏曲部門のファイナリスト5名には入りませんでした。ただし、聴衆賞は受賞しました。ダン・タイ・ソンの
もう一人の生徒であるカイ・ミン・チャンは、数年前のフェ​​ロール・ピアノ・コンクールでは後期ラウンドに進めなかったかもしれませんが、リーズでは素晴らしい成績を収め、特にソフィア・グバイドゥリナのシャコンヌ
を素晴らしい演奏で披露し、決勝に進出しました。ジュリアン・トレヴェリアンの運命はもっと劇的だった。ベスト24に残れなかった彼は、第2ラウンドのわずか数週間前に控え選手として
招集され、協奏曲の決勝に進み、ロイヤル・リバプール・フィルハーモニー管弦楽団と首席指揮者のドミンゴ授業で何年もかけてそれらの協和音に飽き飽きしていたからです。

[437 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:37:24.88 ID:WZOg7NSU0]

ミュンヘン美術アカデミーで学ぶ。 80年代末から彼女はモスクワとレニングラードの非公式の文学活動に参加した。彼女はサミズダートで出版を始めました。彼女は雑誌『Place of Printing』と『Mitya’s Magazine』の定期寄稿者でした。
彼女は1991年以来ミュンヘンとベルリンに住んでいました。 90年代には「パフォーマティブ・フォトグラフィー」やパフォーマンスによってドイツでアーティストとして知られるようになりました。彼女はドレスナー銀行奨学金を授与された。ユルゲン・ポント。 2000年以降、フランクフルト・アム・マイン近代美術館での羊の遠足パフォーマンス「Divine Hunt」など、数々の芸術イベントを実施。 2003年に彼女は国際的なフェスティバルを立ち上げました…
詳しくはこちら
I. E. レーピンは、観客の質問に「笑っちゃうよ」「残酷だ」と答えることができるだろうか？そしてA. A. エクスターは「分からない」「暑い」と言うのでしょうか？ -それがすべてを物語っています！
長所: 珍しいテーマ、高品質の紙、ハードカバー、本のデザインが優れている。 （この点では私は2つ星を付けます）。
短所: 本はフィルムで包まれておらず、ステッカーが表紙に直接貼られています。まあ、内容は期待していたものとは違いました。
アレクサンダー・ズルビンの見解
アレクサンダー・ジュルビン：エフゲニー・キーシンのロマンティック・クラシック、またはロマンティック・クラシック協奏曲

私は目を閉じて、たった100年前（これは歴史上非常に短い期間ですが）に偉大な作曲家自身がまさにこの場所でピアノの前に座っていたことを想像しました。そして、おそらく長年にわたり多くの改修工事が行われ、椅子、聖歌隊席、床、ピアノが交換され、新しい楽屋が建設され、新しい機材、マイク、ビデオカメラ、エアコンが設置されたとしても、それは問題ではありません。

ロマンティッククラシック、またはクラシックロマンティック
エフゲニー・キーシンのコンサート
アレクサンダー・ジュルビン
カーネギーホールでのコンサートは、どんな演奏家にとっても一種の頂点です。

あるいは、別のラウンドの集大成。

あるいはツアーのピーク。

あるいは人生の頂点

そして、たとえ特定の演奏家がカーネギーホールで毎年、あるいは年に数回演奏したとしても、ニューヨークの7番街と57丁目の角にあるこの建物には、いまだにある種の神秘的な力が存在しているのです。

最初にそれを発見したのはピョートル・イリイチ・チャイコフスキーで、彼はこのホールの開館に参加し、このコンサートで皇帝アレクサンドル3世の就任式のために作曲した「荘厳行進曲」を指揮しました。

（コンサートの残りの部分はヴァルター・ダムロッシュが指揮しました。彼の父レオポルド・ダムロッシュのオラトリオ「シュラミス」とハインリヒ・シュッツのカンタータ「七つの言葉」が演奏されました。）
まあ私の考え方は必ずしも普通ではないとは思います。大学時代の師匠にしたって、実技試験の後一緒に飲みながら「そりゃ単位あげなきゃいけないから点数つけてるけど
ショパコンでも、高得点をつける審査員がいる一方で、1点をつける審査員がいるので、芸術とはそういうものなんだと思います


結果の評価を知りませんが、９．５点を叩き出して入賞できませんでした。年長者に厳しいこのコンクールで本選までいけることはかなり稀です。
音楽や芸術は「唯一絶対の正解」がなく、そもそもが「良し悪し」ではなく「好き嫌い」で語るべきものです。点数をつけること自体に無理があるんですよね。

こればかりは、審査員の好みもあります。仕方ありません。そもそも、コンクールなんてもののせいで、最近は出てくる人出てくる人皆似たような演奏でおもしろくもなんともありません。

[438 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:39:20.23]

イリイチはこのホールの音響と内装の両方に非常に満足していました。ちなみに、当時は単に「ミュージックホール」と呼ばれていました。開館からわずか8年後にカーネギーホールとなりました。

しかし、もう一人のロシアの巨匠、セルゲイ・ヴァシリエヴィチ・ラフマニノフは、カーネギーホールの歴史にさらに大きな貢献をしました。彼は指揮者、ピアニスト、そして多くの室内アンサンブルのメンバーとして、さまざまな編成でカーネギーホールで 92 回演奏しました。

したがってがコンサートの第 2 部全体をラフマニノフの音楽に捧げたのは正しい判断だったと言えます。
特に今年はラフマニノフ生誕150周年の記念すべき年です。エフゲニーがこのラフマニノフのプログラムをアメリカやヨーロッパの多くの都市で演奏することは明らかです。
そしてすでに多くの国で演奏されています。

しかし、カーネギーホールでは特別な音が響きます。

私は目を閉じて、たった100年前（これは歴史上非常に短い期間ですが）に偉大な作曲家自身がまさに
この場所でピアノの前に座っていたことを想像しました。そして、おそらく長年にわたり多くの改修工事が行われ、椅子、聖歌隊席、床、ピアノが交換され、
新しい楽屋が建設され、新しい機材、マイク、ビデオカメラ、エアコンが設置されたとしても、それは問題ではありません。

しかし、場所はそのままです。
いいですか、私は生涯ずっと音楽を勉強してきましたし、私の周りには常に数人の天才たちがいました。しかし、どういうわけか彼らは皆、
落ちぶれて、中退し、まったく普通の演奏家や教師になったり、音楽を完全に諦めたりしました...私はこれらの神童を信じていません！

- しかし、これは別のケースです。おいで、と友人は言った。

そして私は来ました。

そして、私はそれを後悔しませんでした。

このコンサートで、私は突然、本当の奇跡を目にしました。まるで開拓者のネクタイを締めているような若い少年が、完全に大人の、円熟したピアニストのように演奏したのです。
プログラムは複雑で、バッハ、モーツァルト、ショパン、プロコフィエフだったと思います。すべては覚えていませんが、素晴らしい響きでした...コンサートの後、私は舞台裏に行き、アンナ・パブロヴナ・カントル、彼の先生、ジェーニャの家族に会い、彼ら全員に敬意を表しました。

そして、ここでは「genius loci」という言葉がまさに適切です。

***

しかし、まずは第一に。私はカーネギーホールでエフゲニー・キーシンの演奏を何度も聴きました。

90年代の初めに私が家族とともにニューヨークに移住したのをきっかけに、ジェーニャと彼の家族もここに移住しました。

しかし、私たちはモスクワでも連絡を取り合っていました。さらに、どういうわけか、1983年にモスクワ作曲家協会で行われた彼の初めてのコンサートに出席できたことを誇りに思います。当時ジェーニャは11歳でした。

除けば、その後それほどの
活躍をする人は出てはいませんね。
ただ、よく勉強する優秀なアジア系コンテスタントたちが
こぞって受験しているように見えます。

後世代としては、キーシンのように
コンクールを経てはいない演奏家もいます。
おっしゃるように、
「ショパン弾き」「ドイツ音楽を中心に」
は、ピアニスト昔からのおおきな潮流です。
ショパン弾きを目指さないピアニストは
このコンクールを受けないかも。

それはこうでした。友人が私に電話をかけてきてこう言いました。「おじいさん、もし今夜暇なら、House of Composers に来てください。天才児がそこで演奏するんですよ。」

[439 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:40:58.01 ID:q7Tg/7U1]

サウンドにもっとテクスチャが欲しいです。私のレパートリーにはビートルズの曲も入っていますが、ジャズアレンジになっています（私のものではありません！）。
でも今は音符から演奏しているので、今のところは疑似ジャズです。

そして作者はほとんど止まることなく話し、ほとんど遊んでいません。
作業はたくさんあります...でも、このは気に入っています...

ある人は彼を「黄金の声を持つ男」と呼び、またある人は「第二のエンリコ・カルーソー」あるいは「テノールの王」と呼んだが、何よりもヤン・キエプラは人民の擁護者であり、ポーランドの擁護者だった。

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歴史
20世紀初頭から中期にかけての偉大なオペラ歌手の一人とみなされるキエプラ氏の誕生日は、今週の金曜日で123回目となる。

キエプラが今もなお存在感を持ち、ポーランド人の心の中に彼がずっと存在していることを浮き彫りにするために、昨日、ワルシャワのホテル ブリストルの角のバルコニーの下に熱狂的な群衆が集まり、キエプラの最もよく知られた曲のいくつかを演奏した。


ブリストル・ホテルのバルコニーからキエプラが披露したパフォーマンスは、街の伝説として深く刻まれている。しかし、この愛すべきスターが無料コンサートを開催したのはブリストル・ホテルだけではない。

ポーランド南部では、鉱山の坑道の前で1万人の労働者の前で演奏しました。グディニャでは、同じことを街の港で行いました。

一方、彼はブロードウェイのきらびやかな照明の下でも、ミラノのスカラ座、ロンドンのコヴェント・ガーデン、ニューヨークのメトロポリタン歌劇場といったオペラ界の最高峰の舞台でも、同じように演奏をこなしていた。世界は彼の思いのままだった。

「彼は強さと忍耐力の模範でした」と作曲家のヤツェク・シガン氏はTVPワールドに語った。「強さ、勇気、そして意志だけを頼りに、彼は世界的に有名な芸術家になったのです。」

ほんの一瞬、時間の針が逆戻りした。数十年前、ここでキエプラは下の通りに集まった4万人以上のファンに歌を披露し、ワルシャワの伝説にその地位を確固たるものにしていたのだ。

「父は人々のために歌いたかったんです。お金がもらえるかどうかなんて気にしていなかったんです」と、息子のマージャン・キエプラさんはTVPワールドに語った。「劇場に行かない人たちのために歌いたかったんです」

キエプラは若い頃、熱心なスカウトであり、優れたサッカー選手でもあり、熱心なボクサーでもありました。しかし、歌にはあまり興味がなく、いくつかの伝説によると、彼は合唱の授業を頻繁に欠席していたそうです。

第一次世界大戦後、キエプラはシレジア蜂起に参加することで愛国心を示した。当初はポーランドの準軍事組織で機関銃の組み立てに従事し、後にビトム第一ライフル連隊に入隊した。

この冒険の後、安定が訪れました。

父親は息子に法律家としての道を歩ませたいと考えていたが、キエプラがワルシャワ大学に通っていた頃、彼は遅ればせながら歌声に目覚めた。勉強どころか、キエプラは歌のレッスンに通い、パリの香水を売ってその費用を稼いだ。

父親はそれを知り激怒し、キエプラとの縁を切った。しかし、息子はひるむことなく、新たな情熱に身を投じ、精力的に活動した。

[440 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:44:02.99 ID:g89UB3NU]

早速聴いていますが、最初からいきなり超重量級という感じですね。
これを３６人聴くのは…審査員的にはチャイコンよりショパコンの方が楽かもな、と思い始めているところです。

ポーランドはロシアの覇権から解放され、新たな独立の勢いに乗っていた。今回は資金調達に問題はなかった。政府からの寄付と募金コンサートが資金を調達し、1926年6月に記念碑は完成した。
この記念碑は1926年11月14日に公式に公開され、広く称賛を浴びました。



しかし、鋳造所が作業を開始する前に、シマノフスキは彫刻の原型を1/1スケールで石膏像に分割し、それぞれのブロックを西フランスへ送る必要がありました。しかし、残りの積荷をパリへ送り出す前に、ヨーロッパは戦争に突入しました。

シマノフスキの原型の半分は、フランスが開戦したまさにその日にパリに到着し、その後数年間は何とか持ちこたえました。

しかし、シマノフスキにとって不運なことに、ブロンズ像の鋳造を依頼された鋳造所は、平和が宣言される頃には既に廃業していました。さらに、像の建設のために集められたルーブルの価値は暴落していました。

シマノフスキが抱える問題をさらに悪化させるように、人々の嗜好も変化し、アール・ヌーヴォー様式はアール・デコ様式に取って代わられていました。像の未来は危うい状況でした。
やっと進歩しました…

運命が投げつけた醜い試練にもめげず、シマノフスキはプロジェクトのために奮闘し続けた。彼の強い要望により、1923年には新たな記念碑委員会が結成され、彼らは資金集めに着手した。

割いて説明した内容を、私は一言で説明しようとはしません。しかし、この本を読み続けて 18 年の間に私が学んだ最も重要なテーマの概略を述べてみたいと思います。

まず第一に、ピアノのための最も偉大な「速い」作品はどれも、ゆっくり演奏することによって習得したり演奏したりしたことがないと私は確信しています。
作曲家は、ペンが紙に触れる前に、自分が作ろうとしている「タイプの」作品を明確に理解しており、したがって、特定のメロディーに色を付けるために必要な一般的なリズムのピアノ技術も理解していました

重要な音符を、明確に定義されたリズムの輪郭に沿って配置すると、それほど重要でない音符は自然に配置されます。

これらのエチュードや類似の曲を学ぶことは、野球で速球を学ぶことに非常に似ていると私は思います。つまり、
体全体でリズミカルな動作に参加する必要があるのです。アビーが説明するように、
指先（ゴムが路面に接する部分）で起こることは、鞭の音のようであるべきです。
ほとんどすべての動作はスナップの前に起こります。速いアルペジオ

[441 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:44:33.58 ID:VzuUE+U8]

同業者から見てもホーちゃんの才能は別のフェーズって共通してるのね
言葉にできない何か特別なものを持っているのは確か

[442 ギコ踏んじゃった 2025/05/24(土) 11:46:20.01 ID:L21q5ivS]

アーサー ゴッドフリーのタレントスカウト は西部劇のようにキャンセルされた ガンスモーク 視聴者の間で人気が高まりました。彼がプログラムしたとき、彼はわずか2年前にナンバーワンを打っていましたが エルヴィス プレスリーの 転機となったサリバンは、ニールセン評価でトップ10に留まるのに苦労し、最終的にはシーズン終了までに19枠まで落ち込んだ。この滑りを察知したサリバンは、後押しが必要だと悟り、新しい才能を見つけるためにイスラエル行きの飛行機に乗りました。

サリバンは 1948 年の建国以来この国の支持者でしたが、1958 年 8 月にイスラエルの招待で初めてイスラエルを訪れました アメリカシオニスト組織. 。この旅行は彼が期待していた視聴率の向上には至らなかったが、史上最も偉大なヴァイオリニストの一人のキャリアをスタートさせた。番組で紹介された 5 つのグループのうち、 フェニックス ユダヤ ニュース “ポリオ被害者である 12 歳のヴァイオリニストが公演のヘッドライナーを務めると書いています。” あのヴァイオリニストは イツァーク パールマン―そして彼はサリバンのことをよく覚えています。

“彼は常に素晴らしいアイデアを思いつく本物のショーマンでした」と、1958 年 11 月 2 日にエド・サリバン・ショーでデビューしたパールマンは言います。“彼はその種のバラエティ プログラムのマスターでした。”



彼のアメリカのテレビプレミアの記憶は、パールマンの最新番組「An Evening with Itzhak Perlman」の始まりです。新鮮なマルチメディア体験の中で、パールマンは自身の人生とキャリアの物語で聴衆を喜ばせながら、長年のピアニスト、と共演しています ローハン デ シルバ. 。私はzoomでパールマンと一緒に座り、ショーの全国ツアーについて話し合い、教育とパフォーマンスによって定義される人生についての彼の考察を聞きます。パールマンのストーリーテリングと個人の写真が織り交ぜられたこのプログラムのインスピレーションは、ステージ自体から来ました。

“ブロードウェイで同様の一人芝居を見たのを覚えています。そして、‘ストーリーテリングと織り交ぜられた私の音楽の歴史はうまくいくだろうと思いました。’” パールマンは言います。“私は、人々が時計を見て「この番組はいつ終わるの？‘」と言わないほど、私の人生の物語が十分に興味深いものになることを望んでいました

イスラエル出身の神童が一夜にして世界最高の舞台でのキャリアに押し上げられるという物語に観客が魅了されないとは想像しにくい。

1945 年にテルアビブで生まれたパールマンは、3 歳のときに音楽の目覚めを経験しました ヤッシャ ハイフェッツ 彼の耳を捉えた。彼は音楽学校に入学するには若すぎましたが、両親は彼におもちゃのフィドルを買ってくれましたが、その小さな音は彼をイライラさせるだけでした。しかし、正式なレッスンを始める前に、パールマンは 4 歳でポリオに罹患し、歩くことができなくなりました。彼はまだプレーする決意が強く、両親は彼を大学のレッスンに参加させた テルアビブ の 音楽 アカデミー, 、そこで彼は最終的にリトアニア生まれのヴァイオリニストに師事した リブカ ゴールドガート.

彼の新しい日課は、学校に行き、昼食時に家に戻り、宿題をする前に3時間練習することでした。当然のことながら、この取り決めは常に調和していたわけではありません。“私が始めたとき、ドライブはありませんでした。ただの単調な仕事だった。私は毎日練習しなければなりませんでしたが、それが好きではありませんでした。。。母が押さなかったら、私は練習しなかったでしょう。したがって、練習していれば家の中はとても平和でしたが、練習していなければあまり平和ではありませんでした」と、” は言います。彼は母親のことを思い出す ショシャナ “の現代女性として、” は 1930 年代半ばにポーランドから英国委任統治領のパレスチナ（現在のイスラエル）に単身移住し、テルアビブにサロンをオープンしました

賃料も。同世代サラリーマンは馬車馬のように働いて、家、車、教育に大奮闘。お金も貯めて、自分へのご褒美にグランドピアノをやっと自分の稼いだ金で買うんですよ。苦労して自分の稼いだ金で買ったのなら、あのような思想にはならない。

どうせ、メトロノームが苦手なデタラメ、インチキのピアノなんだから。
『だから受からない訳よ、言っちゃ悪いけど。あんた、下手糞だからでしょ？』